Robert Altman

Mary Stone | iulie 28, 2023

Rezumat

Robert Bernard Altman (20 februarie 1925 – 20 noiembrie 2006) a fost un regizor de film, scenarist și producător american. Altman este cunoscut ca fiind nominalizat de cinci ori la Premiul Oscar pentru cel mai bun regizor și ca o figură durabilă din epoca Noului Hollywood.

Stilul său de filmare a acoperit mai multe genuri, dar de obicei cu o tentă „subversivă”, care se baza de obicei pe satiră și umor pentru a-și exprima opiniile personale. Altman și-a creat o reputație de „anti-Hollywood” și de nonconformist, atât în ceea ce privește temele sale, cât și stilul de regie. Actorilor le plăcea în mod deosebit să lucreze sub conducerea sa, deoarece îi încuraja să improvizeze, inspirându-le astfel propria creativitate.

Pentru filmele sale, a preferat distribuții de ansamblu mari și a dezvoltat o tehnică de înregistrare multitrack care producea dialoguri suprapuse de la mai mulți actori. Acest lucru a produs o experiență mai naturală, mai dinamică și mai complexă pentru spectator. A folosit, de asemenea, o cameră de filmat foarte mobilă și lentile cu zoom pentru a spori activitatea care are loc pe ecran. Criticul Pauline Kael, scriind despre stilul său de regie, a spus că Altman putea „să facă artificii de film din aproape nimic”. Printre cele mai cunoscute realizări regizorale ale lui Altman se numără M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) și Gosford Park (2001).

În 2006, Academia de Arte și Științe Cinematografice a recunoscut întreaga operă a lui Altman cu un premiu onorific al Academiei. El nu a câștigat niciodată un premiu Oscar competitiv, în ciuda a șapte nominalizări. Filmele sale M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, The Long Goodbye și Nashville au fost selectate pentru Registrul Național de Film al Statelor Unite. Altman este unul dintre cei trei cineaști ale căror filme au câștigat Ursul de Aur la Berlin, Leul de Aur la Veneția și Palme d’Or la Cannes (ceilalți doi fiind Henri-Georges Clouzot și Michelangelo Antonioni).

Altman s-a născut la 20 februarie 1925, în Kansas City, Missouri, fiul lui Helen (născută Matthews), o descendentă din Nebraska din Mayflower, și al lui Bernard Clement Altman, un vânzător de asigurări bogat și jucător amator, care provenea dintr-o familie din clasa superioară. Strămoșii lui Altman erau germani, englezi și irlandezi; bunicul său patern, Frank Altman, Sr., a anglicizat ortografia numelui de familie din „Altmann” în „Altman”. dar nu a continuat să urmeze sau să practice religia ca adult, deși a fost menționat ca fiind „un fel de catolic” și director catolic. A fost educat la școlile iezuite, inclusiv la Rockhurst High School, din Kansas City. A absolvit Academia Militară Wentworth din Lexington, Missouri, în 1943.

La scurt timp după absolvire, Altman s-a înrolat în Forțele Aeriene ale Armatei Statelor Unite la vârsta de 18 ani. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, Altman a zburat în peste 50 de misiuni de bombardament ca copilot al unui B-24 Liberator în cadrul 307th Bomb Group în Borneo și în Indiile de Est Olandeze. După ce a fost lăsat la vatră în 1947, Altman s-a mutat în California. A lucrat în domeniul publicității pentru o companie care inventase o mașină de tatuat pentru identificarea câinilor. A intrat în lumea filmului dintr-un capriciu, vânzând un scenariu la RKO pentru filmul Bodyguard din 1948, pe care l-a scris împreună cu George W. George. Succesul imediat al lui Altman l-a încurajat să se mute la New York, unde a încercat să își făurească o carieră de scenarist. După ce s-a bucurat de puțin succes, s-a întors în Kansas City în 1949; unde a acceptat un post de regizor și scenarist de filme industriale pentru Calvin Company. Altman a regizat aproximativ 65 de filme industriale și documentare pentru Calvin Company. Prin munca sa timpurie la filmele industriale, Altman a experimentat tehnica narativă și și-a dezvoltat utilizarea caracteristică a dialogului suprapus. În februarie 2012, un prim film Calvin regizat de Altman, Modern Football (1951), a fost găsit de cineastul Gary Huggins.

1950s

Primele incursiuni ale lui Altman în regia de televiziune au fost în serialul dramatic DuMont Pulse of the City (1953-1954) și într-un episod din serialul western The Sheriff of Cochise din 1956. În 1956, a fost angajat de un om de afaceri local să scrie și să regizeze un film de lungmetraj în Kansas City despre delincvența juvenilă. Filmul, intitulat The Delinquents, realizat pentru 60.000 de dolari, a fost cumpărat de United Artists pentru 150.000 de dolari și lansat în 1957. Deși primitiv, acest film de exploatare pentru adolescenți conținea bazele operei ulterioare a lui Altman prin utilizarea dialogului dezinvolt și naturalist. Odată cu succesul acestui film, Altman s-a mutat pentru ultima oară din Kansas City în California. El a co-regizat The James Dean Story (1957), un documentar lansat în grabă în cinematografe pentru a profita de moartea recentă a actorului și comercializat pentru noii săi adepți de cult. Ambele lucrări i-au atras atenția lui Alfred Hitchcock, care l-a angajat pe Altman ca regizor pentru serialul antologic al CBS Alfred Hitchcock Presents. După doar două episoade, Altman a demisionat din cauza unor neînțelegeri cu un producător, dar această expunere i-a permis să își făurească o carieră de succes în televiziune. În următorul deceniu, Altman a lucrat prolific în televiziune (și aproape exclusiv în seriale dramatice), regizând mai multe episoade din Whirlybirds, The Millionaire, U.S. Marshal, The Troubleshooters, The Roaring 20s, Bonanza, Bus Stop, Kraft Mystery Theater, Combat!, precum și episoade unice din alte câteva seriale notabile, inclusiv Hawaiian Eye, Maverick (episodul din sezonul al patrulea „Bolt From the Blue”, scris tot de A

1960s

În anii 1960, Altman s-a impus ca regizor de televiziune datorită capacității sale de a lucra rapid și eficient cu un buget limitat. Deși a fost concediat frecvent din proiectele TV pentru că refuza să se conformeze mandatelor rețelei, Altman a reușit întotdeauna să obțină noi misiuni. În 1964, producătorii au decis să extindă „Once Upon a Savage Night”, unul dintre episoadele sale din Kraft Suspense Theatre, pentru a-l lansa ca film de televiziune sub titlul Nightmare in Chicago.

Doi ani mai târziu, Altman a fost angajat pentru a regiza filmul cu buget redus Countdown, dar a fost concediat la câteva zile după încheierea proiectului, deoarece a refuzat să editeze filmul la o lungime acceptabilă. Nu a mai regizat niciun alt film până la That Cold Day in the Park (1969), care a fost un dezastru de critică și de box-office.

Pe parcursul acestui deceniu, Altman a început să exprime subtexte politice în operele sale. În special, și-a exprimat sentimentele anti-război în ceea ce privește războiul din Vietnam. Din acest motiv, cariera lui Altman a avut de suferit, deoarece a fost asociat cu mișcarea anti-război.

1970s

În 1969, lui Altman i s-a oferit scenariul pentru MASH, o adaptare a unui roman puțin cunoscut din timpul Războiului din Coreea, care satiriza viața în armată; mai mult de o duzină de alți regizori au refuzat scenariul. Altman a ezitat să accepte producția, iar filmările au fost atât de tumultoase încât Elliott Gould și Donald Sutherland au încercat să îl concedieze pe Altman din cauza metodelor sale de filmare neortodoxe. Cu toate acestea, MASH a fost aclamat pe scară largă ca fiind un clasic la lansarea sa din 1970. A câștigat Palme d’Or la Festivalul de Film de la Cannes din 1970 și a primit cinci nominalizări la Oscar. A fost filmul cu cele mai mari încasări al lui Altman, lansat într-o perioadă în care sentimentul anti-război în Statele Unite era din ce în ce mai puternic. Arhiva de Film a Academiei a conservat MASH în 2000.

Recunoscut acum ca un talent major, Altman a înregistrat succese de critică cu McCabe & Mrs. Miller (1971), un western revizionist în care cântecele mordante ale lui Leonard Cohen subliniază o viziune dură a frontierei americane; The Long Goodbye (1973), o adaptare controversată a romanului lui Raymond Chandler (Thieves Like Us (1974), o adaptare a romanului lui Edward Anderson, filmat anterior de Nicholas Ray sub titlul They Live by Night (și Nashville (1975), care avea o temă politică puternică, plasată în lumea muzicii country. Vedetele filmului și-au scris propriile cântece; Keith Carradine a câștigat un premiu Oscar pentru piesa „I’m Easy”. Deși filmele sale au fost deseori întâmpinate cu remarci divergente, mulți dintre criticii de film proeminenți ai epocii (printre care Pauline Kael, Vincent Canby și Roger Ebert) au rămas constant loiali stilului său regizoral de-a lungul întregului deceniu.

Publicul a avut nevoie de ceva timp pentru a-i aprecia filmele, iar el nu dorea să fie nevoit să satisfacă oficialii studiourilor. În 1970, după lansarea filmului MASH, a fondat Lion’s Gate Films pentru a avea libertate de producție independentă. Compania lui Altman nu trebuie confundată cu actuala Lionsgate, o companie canadiană

1980s

În 1980, a regizat filmul muzical Popeye. Produs de Robert Evans și scris de Jules Feiffer, filmul s-a bazat pe banda desenată

În 1981, regizorul a vândut Lion’s Gate producătorului Jonathan Taplin, după ce satira sa politică Health (filmată la începutul anului 1979 pentru o lansare de Crăciun) a fost abandonată de distribuitorul de lungă durată 20th Century Fox, în urma unor teste și proiecții de festivaluri timide pe parcursul anului 1980. Plecarea de la Fox a lui Alan Ladd, Jr., partizan de lungă durată al lui Altman, a jucat, de asemenea, un rol decisiv în împiedicarea lansării filmului.

Incapabil să obțină finanțări importante în epoca post New Hollywood blockbuster, din cauza reputației sale mercantile și a evenimentelor deosebit de tumultoase din jurul producției Popeye, Altman a început să „regizeze proprietăți dramatice literare cu bugete foarte mici pentru scenă, home video, televiziune și lansări limitate în cinematografe”, inclusiv aclamatele Secret Honor și Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, o adaptare critică la antipode a unei piese pe care Altman o regizase pe Broadway: 115.

În 1982, Altman a pus în scenă o producție a operei The Rake’s Progress de Igor Stravinsky la Universitatea din Michigan, unde a predat în același timp un curs despre filmele sale. La scurt timp după aceea, s-a întors la filmul Secret Honor cu studenții. În 2008, Biblioteca Universității din Michigan a achiziționat arhiva lui Altman. De asemenea, a fost coautor al single-ului de succes al lui John Anderson din 1983, „Black Sheep”.

Comedia pentru adolescenți O.C. și Stiggs (1985), o revenire nereușită la cinematograful hollywoodian, caracterizată retrospectiv de British Film Institute ca fiind „probabil cel mai puțin reușit film al lui Altman”, a avut parte de o lansare comercială tardivă și limitată în 1987, după ce fusese retrasă de MGM.

Adaptat de Altman și Sam Shepard pentru The Cannon Group după piesa de teatru a lui Shepard, nominalizată la Premiul Pulitzer, Fool for Love (s-a descurcat mai bine decât majoritatea filmelor sale din epocă, obținând 900.000 de dolari pe piața internă la un buget de 2 milioane de dolari și recenzii pozitive din partea lui Roger Ebert și Vincent Canby. Cu toate acestea, popularitatea pe scară largă în rândul publicului a continuat să îl ocolească.

A continuat să recâștige un minim de simpatie din partea criticilor pentru documentarul de televiziune Tanner ’88 (1988), o colaborare cu Garry Trudeau plasată în mediul unei campanii prezidențiale din Statele Unite, pentru care a obținut un Primetime Emmy Award.

1990s

În 1990, Altman a regizat Vincent & Theo, un film biografic despre Vincent van Gogh, care a fost conceput ca o miniserie de televiziune pentru a fi difuzat în Marea Britanie. O versiune cinematografică a filmului a avut un succes modest în Statele Unite, marcând un punct de cotitură semnificativ în revenirea regizorului în atenția criticilor.

Și-a revitalizat serios cariera cu The Player (1992), o satiră a Hollywood-ului. Coprodus de influentul David Brown (The Sting, Jaws, Cocoon), filmul a fost nominalizat la trei premii Oscar, inclusiv pentru cel mai bun regizor. Deși nu a câștigat Oscarul, a fost distins cu premiul pentru cel mai bun regizor de către Festivalul de Film de la Cannes, BAFTA și New York Film Critics Circle.

Altman a regizat apoi Short Cuts (1993), o adaptare ambițioasă a mai multor povestiri de Raymond Carver, care prezenta viețile diferiților cetățeni din Los Angeles pe parcursul a mai multor zile. Distribuția numeroasă a filmului și întrepătrunderea mai multor povești diferite erau similare cu filmele sale cu distribuție numeroasă din anii 1970; a câștigat Leul de Aur la Festivalul Internațional de Film de la Veneția din 1993 și o altă nominalizare la Oscar pentru cel mai bun regizor.

Restul anilor 1990 a fost marcat de un succes limitat pentru Altman. Lansarea sa din 1994, Prêt-à-Porter (cunoscut și sub numele de Ready to Wear) a beneficiat de o publicitate semnificativă înainte de lansare, dar a fost un eșec comercial și critic, deși a primit mai multe nominalizări la premiile de sfârșit de an, inclusiv două nominalizări la Globul de Aur și a câștigat premiul National Board of Review pentru cea mai bună interpretare a unui ansamblu. În 1996, Altman a regizat Kansas City, exprimându-și dragostea pentru jazzul anilor 1930 printr-o poveste complicată de răpire. Povestea a primit recenzii de la călduțe la pozitive, dar nu a obținut aproape nimic la box office, la fel ca și thrillerul juridic The Gingerbread Man din 1998.

A încheiat deceniul cu o notă bună, cu Cookie’s Fortune din 1999, o comedie neagră excentrică despre sinuciderea unei bogătașe înstărite, primul său film în aproape 6 ani care și-a recuperat bugetul și care i-a adus laude în general pozitive din partea criticilor. A fost ales membru al Academiei Americane de Arte și Științe în 1999.

2000s

Gosford Park (2001), un film cu distribuție numeroasă, o crimă misterioasă la o casă de țară britanică, a fost inclus pe lista celor mai bune zece filme ale acelui an, întocmită de mulți critici. A câștigat premiul Oscar pentru cel mai bun scenariu original (Julian Fellowes), plus alte șase nominalizări, inclusiv două pentru Altman, ca cel mai bun regizor și cel mai bun film.

Colaborarea cu studiouri independente, precum Fine Line, acum închisă, Artisan (care a fost absorbită de actuala Lionsgate) și USA Films (acum Focus Features), i-a oferit lui Altman avantajul de a realiza genul de filme pe care și-a dorit întotdeauna să le facă fără intervenția studiourilor. În iunie 2006 a fost lansată o versiune cinematografică a serialului radiofonic public A Prairie Home Companion al lui Garrison Keillor, A Prairie Home Companion. Altman a continuat să dezvolte noi proiecte până la moartea sa, inclusiv un film bazat pe Hands on a Hard Body: The Documentary (1997).

În 2006, Academia de Arte și Științe Cinematografice i-a acordat lui Altman un premiu onorific al Academiei pentru întreaga carieră. În timpul discursului său de acceptare, el a dezvăluit că a primit un transplant de inimă cu aproximativ zece sau unsprezece ani înainte. Regizorul a glumit apoi spunând că poate că Academia a acționat prematur în recunoașterea operei sale, deoarece simțea că ar mai avea încă patru decenii de viață în fața sa.

Maverick și autor

După o carieră de succes în televiziune, Altman și-a început o nouă carieră în industria cinematografică la vârsta a doua. El a înțeles limitele creative impuse de genul televiziunii, iar acum și-a propus să regizeze și să scrie filme care să exprime viziunile sale personale despre societatea americană și Hollywood. Filmele sale vor fi descrise mai târziu ca fiind „atacuri de autor” și „variații idiosincratice” ale filmelor tradiționale, folosind de obicei comedia subtilă sau satira ca modalitate de exprimare a observațiilor sale.

Filmele sale erau legate în mod obișnuit de subiecte politice, ideologice și personale, iar Altman era cunoscut pentru că „refuza să își compromită propria viziune artistică”. El a fost descris ca fiind „anti-Hollywood”, ignorând adesea presiunile sociale care îi afectau pe ceilalți din industrie, ceea ce a făcut ca multe dintre filmele sale să fie mai greu de văzut. El a spus că independența sa ca regizor l-a ajutat în general:

Nu cred că există vreun cineast în viață, sau care a trăit vreodată, care să fi avut parte de un noroc mai mare decât am avut eu. Nu am rămas niciodată fără un proiect și întotdeauna a fost un proiect ales de mine. Așa că nu știu cât de bine ar putea fi mai bine. Nu am devenit un mogul, nu construiesc castele și nu am o avere personală imensă, dar am reușit să fac ceea ce mi-am dorit să fac și am făcut-o de multe ori.

„Altman a fost un veritabil nonconformist al cinematografiei”, afirmă autorul Ian Freer, pentru că s-a opus conformismului comercial al industriei cinematografice: „El a fost flagelul establishment-ului cinematografic, iar lucrările sale au aruncat în general un ochi ascuțit și tăios asupra amplorii culturii americane, explodând adesea genurile și arhetipurile personajelor; Altman era fascinat de oamenii cu imperfecțiuni, de oamenii așa cum sunt ei cu adevărat, nu așa cum filmele vor să te facă să crezi.” Regizorul Alan Rudolph, în timpul unui omagiu special adus lui Altman, se referă la stilul său cinematografic ca fiind „Altmanian”.

Datorită stilului său independent de regie, și-a creat o reputație proastă în rândul scenariștilor și al celor care se ocupau de partea de afaceri a filmelor. El recunoaște: „Am o reputație proastă în rândul scenariștilor, dezvoltată de-a lungul anilor: „Oh, nu face ceea ce scrieți voi, bla bla bla bla.” … Ring Lardner a fost foarte supărat pe mine”, pentru că nu i-am respectat scenariul: 18 Altman nu s-a înțeles bine nici cu șefii studiourilor, odată lovind un director în nas și aruncându-l într-o piscină pentru că a insistat să taie șase minute dintr-un film la care lucra..: 9

Reputația sa printre actori era mai bună. Cu aceștia, independența sa se extindea uneori până la alegerea actorilor, mergând adesea împotriva consensului. Cher, de exemplu, îl creditează pentru că i-a lansat cariera atât cu piesa de teatru, cât și cu filmul, Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). „Fără Bob nu aș fi avut niciodată o carieră cinematografică. Toată lumea i-a spus să nu mă distribuie. Toată lumea. … Nimeni nu voia să-mi dea o șansă. Sunt convinsă că Bob a fost singurul care a avut curajul să o facă.” Alții, precum Julianne Moore, descriu lucrul cu el:

Știi, toată această discuție despre Bob ca fiind un fel de persoană irascibilă și dificilă? Ei bine, nu a fost niciodată așa cu un actor sau cu o persoană creativă pe care am văzut-o. Niciodată, niciodată, niciodată, niciodată. A păstrat toate astea pentru oamenii cu bani..: 431

Regizorul Robert Dornhelm a declarat că Altman „a privit filmul ca pe un loc pur, artistic”. În cazul filmului Short Cuts (1993), de exemplu, distribuitorul „l-a implorat” să taie câteva minute din durată, pentru ca filmul să rămână viabil din punct de vedere comercial: „Bob a crezut că antihristul încerca să-i distrugă arta. Erau oameni bine intenționați care voiau ca el să obțină ceea ce merita, adică un mare succes comercial. Dar când a fost vorba de artă sau de bani, el era cu arta.”: 438

Sally Kellerman, observând atitudinea voluntară a lui Altman, încă regretă că a renunțat la șansa de a juca într-unul dintre filmele sale:

Tocmai terminasem de filmat „Last of the Red Hot Lovers” când Bob m-a sunat într-o zi acasă. „Sally, vrei să fii în filmul meu de după?”, m-a întrebat. „Doar dacă e un rol bun”, am spus. Mi-a închis în nas.

Teme și subiecte

Spre deosebire de regizorii ale căror opere se încadrează în diverse genuri cinematografice, cum ar fi westernurile, musicalurile, filmele de război sau comediile, opera lui Altman a fost definită de diverși critici ca fiind mai mult „anti-gen”. Acest lucru se datorează parțial naturii satirice și comice a multora dintre filmele sale. Geraldine Chaplin, fiica lui Charlie Chaplin, a comparat umorul din filmele sale cu cel din filmele tatălui său:

Sunt amuzante în sensul bun. Amuzante într-un mod critic – față de ceea ce este lumea și față de lumea în care trăim. Amândoi au fost genii în felul lor. Îți modifică experiența realității. Au lumea lor și au umorul lor. Acest umor este atât de rar: 287

Altman a spus clar că nu-i plăcea „povestirea” în filmele sale, spre deosebire de modul în care sunt realizate majoritatea programelor de televiziune și a filmelor de mare audiență. Potrivit biografului lui Altman, Mitchell Zuckoff, „nu-i plăcea cuvântul „poveste”, considerând că un complot ar trebui să fie secundar față de o explorare a comportamentului uman pur (sau, și mai bine, impur).”: xiii Zuckoff descrie scopurile care stau la baza multora dintre filmele lui Altman: „Iubea natura haotică a vieții reale, cu perspective conflictuale, răsturnări de situație surprinzătoare, acțiuni inexplicabile și finaluri ambigue. Iubea în mod deosebit mai multe voci, uneori certându-se, alteori fiind de acord, în mod ideal suprapunându-se, o petrecere de cocktail sau o scenă de stradă surprinsă așa cum a trăit-o.: xiii Julianne Moore, după ce a văzut câteva dintre filmele sale, atribuie stilului de regie al lui Altman decizia de a deveni actriță de film, mai degrabă decât actriță de teatru:

Am simțit-o foarte puternic. Și m-am gândit: „Nu știu cine este tipul ăsta, dar asta vreau să fac. Vreau să fac acest gen de muncă”. De atunci încolo, îi vedeam filmele ori de câte ori puteam, și a fost întotdeauna regizorul meu preferat, pentru ceea ce spunea din punct de vedere tematic și emoțional și pentru ceea ce simțea despre oameni..: 324

Autorul de film Charles Derry scrie că filmele lui Altman „conțin în mod caracteristic observații perspicace, schimburi de replici și momente de revelație clară a nebuniei umane”. Deoarece Altman era un observator iscusit al societății și „interesat în mod special de oameni”, notează Derry, multe dintre personajele sale din filme aveau „acea imperfecțiune neglijentă asociată cu ființele umane așa cum sunt ele, cu viața așa cum este ea trăită”. Ca urmare, filmele sale sunt adesea o critică indirectă a societății americane.

Pentru multe dintre filmele lui Altman, conținutul satiric este evident: MASH (McCabe & Mrs. Miller (autorul Matthew Kennedy afirmă că Nashville (O nuntă (Altman însuși a declarat că The Player (1992) a fost „o satiră foarte ușoară” despre industria cinematografică de la Hollywood, iar Vincent Canby a fost de acord, afirmând că „ca satiră, The Player gâdilă. Nu scoate sânge”. Satira din filmele sale a dus uneori la eșecul acestora la box office, dacă natura satirică nu era înțeleasă de distribuitor. Altman pune eșecul la box office al filmului The Long Goodbye (1973), o poveste polițistă, pe seama comercializării eronate a filmului ca fiind un thriller:

Când filmul a fost lansat, a fost un mare, mare eșec. … M-am dus la David Picker și i-am spus: „Nu poți face asta. Nu e de mirare că nenorocitul de film eșuează. Dă o impresie greșită. Îl faci să pară un thriller, dar nu e așa, e o satiră.

În mod similar, Altman dă vina pentru eșecul filmului O.C. & Stiggs și pe faptul că a fost comercializat ca un „film tipic pentru adolescenți”, mai degrabă decât ca ceea ce a filmat el, o „satiră a unui film pentru adolescenți”, a spus el.

Dialog de improvizație

Altman a preferat poveștile care exprimă relațiile dintre mai multe personaje, fiind mai interesat de motivația personajelor decât de intrigi complicate. Prin urmare, avea tendința de a schița doar o intrigă de bază pentru film, referindu-se la scenariu ca la un „plan” pentru acțiune. Încurajându-și actorii să improvizeze dialogul, Altman a devenit astfel cunoscut ca un „regizor al actorilor”, o reputație care a atras mulți actori remarcabili să lucreze ca parte din distribuțiile sale numeroase. Interpreților le place să lucreze cu Altman în parte pentru că „le oferă libertatea de a-și dezvolta personajele și de a modifica adesea scenariul prin improvizație și colaborare”, notează Derry. Richard Baskin spune că „Bob era mai degrabă extraordinar în felul său de a lăsa oamenii să facă ceea ce fac. Avea încredere în tine să faci ceea ce făceai și, prin urmare, ai fi ucis pentru el”.

: 282 Geraldine Chaplin, care a jucat în Nashville, își amintește una dintre primele ei sesiuni de repetiții:

A întrebat: „Ți-ai adus scenariile?”. Am spus că da. El a spus: „Ei bine, aruncați-le. Nu aveți nevoie de ele”. Trebuie să știți cine sunteți, unde vă aflați și cu cine sunteți”. … A fost ca și cum am fi fost pe scenă cu casa plină în fiecare secundă. Toate numerele de circ pe care le aveai în corp le făceai doar pentru el.: 282

Altman își lăsa în mod regulat actorii să își dezvolte un personaj prin improvizație în timpul repetițiilor sau, uneori, în timpul filmărilor propriu-zise. O astfel de improvizație era neobișnuită în cinematografie din cauza costului ridicat al producției cinematografice, care necesită o planificare atentă, scenarii precise și repetiții, înainte de expunerea unui film costisitor. Cu toate acestea, Altman a preferat să folosească improvizația ca instrument pentru a-și ajuta actorii să își dezvolte personajele. Altman spunea că „odată ce începem să filmăm, este un lucru foarte bine stabilit. Improvizația este înțeleasă greșit. Noi nu dăm drumul oamenilor pur și simplu”. Deși încerca să evite să dicteze fiecare mișcare a actorilor, preferând să îi lase pe aceștia să dețină controlul:

Când fac distribuția unui film, cea mai mare parte a muncii mele creative este gata. Trebuie să fiu acolo pentru a porni comutatorul și pentru a-i încuraja ca o figură paternă, dar ei fac toată munca. … Tot ceea ce încerc să fac este să ușurez munca actorului, pentru că, odată ce începi să filmezi, actorul este artistul. … Trebuie să le dau încredere și să văd că au o anumită protecție pentru a putea fi creativi. … Îi las să facă ceea ce au devenit actori în primul rând: să creeze.

Carol Burnett își amintește că Altman recunoștea că multe dintre ideile din filmele sale veneau de la actori. „Nu auzi niciodată un regizor spunând asta. A fost un lucru cu adevărat uimitor”, a spus ea. 328 Alții, cum ar fi Jennifer Jason Leigh, au devenit creativi:

El te inspira din pură necesitate să vii cu lucruri de care nu știai că ești capabil, pe care nu știai că le ai în tine. Era atât de răutăcios și atât de amuzant: 435

I-a plăcut să lucreze cu mulți dintre aceiași interpreți, printre care Shelley Duvall și Bert Remsen (Jeff Goldblum, Lily Tomlin, Lyle Lovett, Henry Gibson, David Arkin și John Schuck (Tim Robbins, Carol Burnett, Belita Moreno, Richard E. Grant, Geraldine Chaplin, Craig Richard Nelson, Sally Kellerman și Keith Carradine (câte 3 filme). Krin Gabbard adaugă că lui Altman îi plăcea să folosească actori „care înfloresc ca improvizatori”, cum ar fi Elliott Gould, care a jucat în trei dintre filmele sale, MASH, The Long Goodbye și California Split. Gould își amintește că atunci când a filmat MASH, prima sa slujbă de actor cu Altman, el și partenerul său Donald Sutherland nu credeau că Altman știe ce face. A scris ani mai târziu: „Cred că, retrospectiv, Donald și cu mine eram doi actori elitiști și aroganți, care chiar nu înțelegeau geniul lui Altman.”: 174 Alții din distribuție au apreciat imediat stilul regizoral al lui Altman. René Auberjonois explică:

Am crezut că așa sunt filmele. Că sunt o experiență atât de fericită. Dacă ai avut vreo carieră, ai văzut repede că majoritatea regizorilor nu au încredere în actori, nu vor să vadă actori jucând. Asta a fost diferența cu Bob Altman. Iubea actorii și voia să-i vadă jucând..: 175

Spre deosebire de televiziune și de filmele tradiționale, Altman a evitat, de asemenea, „povestirea convențională” și a optat pentru a arăta „confuzia aglomerată a vieții reale”, observă Albert Lindauer. Printre diversele tehnici pentru a obține acest efect, filmele sale includ adesea „o profuzie de sunete și imagini, prin distribuții uriașe sau personaje nebunești, intrigi multiple sau fără nicio intrigă, … și o încredere în improvizație”. Cu câteva luni înainte de a muri, Altman a încercat să rezume motivele care stau la baza stilului său cinematografic:

Eu asimilez această lucrare mai mult cu pictura decât cu teatrul sau literatura. Poveștile nu mă interesează. Practic, mă interesează mai mult comportamentul. Nu regizez, ci privesc. Trebuie să fiu emoționat dacă mă aștept ca și publicul să fie emoționat. Pentru că ceea ce vreau să văd cu adevărat de la un actor este ceva ce nu am mai văzut până acum, așa că nu pot să le spun ce este. Încerc să-i încurajez pe actori să nu facă pe rând. Să abordeze conversația ca pe o conversație. Adică, cred că asta este meseria. Este de a crea o zonă de confort pentru ca un actor să poată merge dincolo de ceea ce credea că poate face: 8

Tehnici de sunet

Altman a fost unul dintre puținii regizori care „a acordat o atenție deplină posibilităților sunetului” în timpul filmărilor. El a încercat să reproducă sunetele naturale ale conversațiilor, chiar și cu distribuții mari, prin conectarea unor microfoane ascunse la actori, apoi înregistrându-i vorbind unul peste altul cu mai multe coloane sonore. În timpul filmărilor, a purtat o cască pentru a se asigura că dialogul important poate fi auzit, fără a-l accentua. Acest lucru a produs o „experiență audio densă” pentru spectatori, permițându-le acestora să audă mai multe fragmente de dialog, ca și cum ar fi ascultat diverse conversații private. Altman a recunoscut că, deși distribuțiile mari dăunează unui film din punct de vedere comercial, „îmi place să văd multe lucruri care se întâmplă”.

Altman a folosit pentru prima dată coloana sonoră suprapusă în MASH (1970), o tehnică de sunet pe care autorul de filme Michael Barson o descrie ca fiind „o inovație uluitoare la acea vreme”. El a dezvoltat-o, a spus Altman, pentru a-i forța pe spectatori să fie atenți și să se implice în film ca și cum ar fi fost un participant activ. Potrivit unor critici, una dintre cele mai extreme utilizări ale tehnicii este în McCabe and Mrs. Miller (1971), considerat, de asemenea, printre cele mai bune filme ale sale.

Istoric de film

Distribuții de ansamblu

Dialogurile suprapuse între grupuri mari de actori adaugă complexitate filmelor lui Altman, iar la prima vizionare acestea au fost adesea criticate ca părând dezordonate sau deconectate. Unii dintre criticii săi și-au schimbat părerea după ce le-au revăzut. Criticul de film britanic David Thomson a acordat o recenzie proastă filmului Nashville (1975) după ce l-a văzut prima dată, dar mai târziu a scris: „Dar revenind la Nashville și la unele dintre filmele anterioare, … m-a făcut să reflectez: Rămâne enigmatic cât de organizat sau intenționat este Nashville. … Mozaicul, sau amestecul, permite o libertate și o idiosincrasie umană pe care Renoir ar fi putut să o admire”. În timpul realizării filmului, actorii s-au simțit inspirați, iar coprotagonista Ronee Blakley a fost convinsă de succesul final al filmului:

Da, am crezut că va fi grozav, toată munca a fost atât de bună, fiecare actor a fost inspirat, iar echipa lui Altman a fost extrem de competentă, iar el a fost acel gen rar de geniu care știe ce funcționează și ce nu funcționează în momentul în care se întâmplă.

Thomson a recunoscut mai târziu că aceste aspecte fac parte din stilul lui Altman, începând cu MASH (1970): „MASH a început să dezvolte stilul Altman crucial de suprapunere, sunet neclar și imagini atât de alunecoase cu zoom încât nu exista niciun sens al compoziției. Asta este ceea ce face ca Nashville să fie atât de captivant.” Altman a explicat că, pentru el, astfel de dialoguri suprapuse în filmele sale erau mai aproape de realitate, mai ales în cazul grupurilor mari: „Dacă ai paisprezece persoane la o masă, mi se pare destul de improbabil ca doar două dintre ele să vorbească”. Pauline Kael scrie că Altman, „maestrul ansamblurilor mari, al acțiunii dezlănțuite și al suprapunerii vocilor, demonstrează că … poate face artificii cinematografice din aproape nimic”.

Fotografie

Stilul distinctiv de regie al lui Altman s-a reflectat în preferințele sale în materie de filmare. Printre acestea se numără utilizarea compozițiilor pe ecran lat, menite să surprindă mai multe persoane sau activități care au loc în același timp pe ecran. Pentru unele filme, cum ar fi McCabe and Mrs. Miller, a creat o atmosferă vizuală puternică împreună cu directorul de imagine Vilmos Zsigmond, cum ar fi scenele în care a folosit o cameră de filmat fluidă, lentile cu zoom și un efect de fum cu ajutorul unor filtre speciale de ceață. Regizorul Stanley Kubrick i-a spus lui Altman că „filmarea a fost minunată” și l-a întrebat: „Cum ai făcut-o?”.

În Nashville, Altman a folosit decoruri cu culori vizibile de roșu, alb și albastru. Pentru The Long Goodbye, el a insistat ca Zsigmond să păstreze mobilitatea camerei de filmat prin montarea acesteia pe obiecte în mișcare. Zsigmond afirmă că Altman „a vrut să facă ceva diferit” în acest film și i-a spus că „voia ca aparatul de filmat să se miște – tot timpul. În sus, în jos. Înăuntru și afară. Dintr-o parte în alta”. Cinematograful Roger Deakins, discutând despre utilizarea obiectivelor cu zoom, a comentat: „Mi s-ar părea destul de interesant să filmez un film cu un obiectiv cu zoom dacă ar fi vorba de acel tip de privire observațională și itinerantă pentru care Robert Altman era cunoscut. El punea aparatul de filmat pe un braț și plutea pe scenă și alegea aceste cadre pe parcurs – un mod de lucru destul de frumos.”

Zsigmond își amintește, de asemenea, că a fost distractiv să lucreze cu Altman:

Ne-a plăcut mai degrabă să facem lucruri „improvizate”. Altman este un mare improvizator. În primele zile de filmare, el „crea” diferite abordări la un moment dat. Îmi arăta cum voia să se miște camera de filmat – să se miște mereu. Ceea ce a fost distractiv. Actorilor le-a plăcut la nebunie, iar eu am fost mereu provocat să găsesc modalități de a filma ceea ce Altman inventează.

Cinematografia lui Vilmos Zsigmond din McCabe and Mrs. Miller a primit o nominalizare la Premiile Academiei Britanice de Film.

Partituri muzicale

Când folosea muzică în filmele sale, Altman era cunoscut pentru faptul că era foarte selectiv, alegând adesea muzica care îi plăcea personal. Regizorul Paul Thomas Anderson, care a lucrat cu el, notează că „utilizarea muzicii de către Altman este întotdeauna importantă”, adăugând: „Bob își iubea muzica, nu-i așa? Doamne, își iubea muzica”. Deoarece era un „mare fan” al muzicii lui Leonard Cohen, de exemplu, spunând că „se droga și asculta mereu chestiile astea”, a folosit trei dintre cântecele sale în McCabe and Mrs. Miller (1971), iar un altul pentru scena finală din A Wedding (1978).

Pentru Nashville (1975), Altman a cerut numeroase cântece noi de muzică country scrise de actorii săi pentru a crea o atmosferă realistă. El a încorporat o „melodie repetată obsedant” în The Long Goodbye (1973) și i-a angajat pe Harry Nilsson și Van Dyke Parks pentru coloana sonoră a filmului Popeye (1980)…: 347

O serie de experți în muzică au scris despre utilizarea muzicii de către Altman, inclusiv Richard R. Ness, care a scris despre partiturile pentru multe dintre filmele lui Altman într-un articol, considerat o resursă valoroasă pentru înțelegerea tehnicii de filmare a lui Altman. În mod similar, profesorul de studii cinematografice Krin Gabbard a scris o analiză a utilizării de către Altman a muzicii de jazz în Short Cuts (1993), notând că puțini critici au luat în considerare „importanța muzicii” din film.

Jazzul a fost semnificativ și în Kansas City (1996). În acest film, muzica este considerată a fi baza poveștii. Altman afirmă că „întreaga idee a fost să nu fie prea specifică în ceea ce privește povestea”, ci ca filmul în sine să fie „mai degrabă un fel de jazz”. Tehnica lui Altman de a face din tema unui film o formă de muzică, a fost considerată „un experiment pe care nimeni nu l-a mai încercat până acum”, Altman recunoscând că a fost riscantă. „Nu știam dacă va funcționa. … Dacă oamenii „înțeleg”, atunci chiar tind să le placă”.

Printre regizorii care au fost influențați de Altman se numără Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Judd Apatow, Richard Linklater, Alejandro González Iñárritu, Noah Baumbach, David Gordon Green, frații Safdie, Harmony Korine și Michael Winterbottom.

În calitate de director

Altman a primit diverse premii și nominalizări, inclusiv șapte nominalizări la Oscar, câștigând Oscarul onorific în 2006. A primit șapte nominalizări la Premiile Academiei Britanice de Film, câștigând de două ori pentru The Player (1992) și Gosford Park (2001). A primit Premiul Primetime Emmy pentru regie remarcabilă pentru un serial dramatic pentru Tanner ’88 (1988). De asemenea, a primit cinci nominalizări la premiile Globul de Aur, câștigând premiul Globul de Aur pentru cel mai bun regizor pentru Gosford Park. De asemenea, a primit diverse premii de la festivaluri de film, inclusiv prestigiosul Palme d’Or al Festivalului de Film de la Cannes pentru M*A*S*H și Premiul Festivalului de Film de la Cannes pentru cel mai bun regizor pentru The Player. De asemenea, a primit Ursul de Aur al Festivalului Internațional de Film de la Berlin și Leul de Aur al Festivalului de Film de la Veneția. În 1994, a primit Premiul pentru întreaga carieră din partea Directors Guild of America.

Familie

Altman a fost căsătorită de trei ori: Prima sa soție a fost LaVonne Elmer. Au fost căsătoriți între 1947 și 1949 și au avut o fiică, Christine. A doua soție a fost Lotus Corelli. Au fost căsătoriți între 1950 și 1955 și au avut doi fii, Michael și Stephen. La paisprezece ani, Michael a scris versurile piesei „Suicide Is Painless”, tema muzicală a filmului lui Altman, MASH. Stephen este un designer de producție care a lucrat adesea cu tatăl său. Cea de-a treia soție a lui Altman a fost Kathryn Reed. Au fost căsătoriți din 1957 până la moartea lui Altman, în 2006. Au avut doi fii, Robert și Matthew. Altman a devenit tatăl vitreg al lui Konni Reed când s-a căsătorit cu Kathryn.

Kathryn Altman, care a murit în 2016, a fost coautoare a unei cărți despre Altman, publicată în 2014. Ea a fost consultant și narator pentru documentarul Altman din 2014 și a luat cuvântul la numeroase proiecții retrospective ale filmelor soțului ei.

Case

În anii 1960, Altman a locuit ani de zile în Mandeville Canyon din Brentwood, California. A locuit în Malibu pe parcursul anilor 1970, dar a vândut acea casă și compania de producție Lion’s Gate în 1981. „Nu am avut de ales”, a declarat el pentru The New York Times. „Nimeni nu mai răspundea la telefon” după eșecul lui Popeye. Și-a mutat familia și sediul central al afacerii la New York, dar în cele din urmă s-a mutat înapoi în Malibu, unde a locuit până la moarte.

Opinii politice

În noiembrie 2000, Altman a afirmat că se va muta la Paris dacă George W. Bush va fi ales, dar a glumit spunând că se referea la Paris, Texas, când s-a întâmplat. El a menționat că „statul ar fi mai bine dacă el (Bush) nu ar mai fi în joc”. Altman a fost un consumator declarat de marijuana și a fost membru al consiliului consultativ al NORML. De asemenea, a fost ateu și activist împotriva războiului. El a fost una dintre numeroasele personalități publice, printre care lingvistul Noam Chomsky și actrița Susan Sarandon, care au semnat declarația „Nu în numele nostru”, care se opune invaziei Irakului din 2003. Julian Fellowes consideră că poziția antirăzboi și anti-Bush a lui Altman l-a costat Oscarul pentru cel mai bun regizor pentru Gosford Park: 478

Altman a disprețuit serialul de televiziune M*A*S*H, care a urmat filmului său din 1970, considerându-l ca fiind în antiteză cu ceea ce a fost filmul său și citând mesajele sale împotriva războiului ca fiind „rasiste”. În comentariul din 2001 de pe DVD pentru MASH, el a afirmat clar motivele pentru care dezaproba serialul.

Altman a murit din cauza leucemiei la Cedars-Sinai Medical Center din Los Angeles, la 20 noiembrie 2006, la vârsta de 81 de ani.

Regizorul Paul Thomas Anderson i-a dedicat lui Altman filmul său din 2007, There Will Be Blood. Anderson a lucrat ca regizor de rezervă la filmul A Prairie Home Companion, pentru a se asigura în cazul în care Altman, în vârstă de 80 de ani, bolnav, nu ar fi putut termina filmările.

În timpul unui omagiu adus lui Altman la câteva luni după moartea sa, acesta a fost descris ca un „cineast pasionat” și un autor care a respins convențiile, creând ceea ce regizorul Alan Rudolph a numit un stil de film „Altmanian”. El prefera distribuțiile mari de actori, conversațiile care se suprapun natural și își încuraja actorii să improvizeze și să își exprime creativitatea înnăscută, dar fără teama de a da greș. Lily Tomlin l-a comparat cu „un mare patriarh benign care avea mereu grijă de tine ca actor”, adăugând că „nu îți este frică să riști cu el”.

Multe dintre filmele sale sunt descrise ca fiind „satire acide și studii de caracter de contracultură care au redefinit și revigorat cinematografia modernă”. Deși filmele sale au acoperit majoritatea genurilor cinematografice, cum ar fi westernuri, musicaluri, filme de război sau comedii, a fost considerat „anti-gen”, iar filmele sale au fost „sincer subversive”. Era cunoscut pentru faptul că ura „falsitatea” pe care o vedea în majoritatea filmelor mainstream și „a vrut să le explodeze” prin satiră.

Actorul Tim Robbins, care a jucat în câteva dintre filmele lui Altman, descrie unele dintre aspectele unice ale metodei sale de regie:

A creat o lume unică și minunată pe platourile sale de filmare, … în care tatăl răutăcios a dat frâu liber „copiilor actori” să se joace. Acolo unde imaginația era încurajată, cultivată, râsul, îmbrățișată și Altman-izată. O anarhie dulce pe care mulți dintre noi nu o mai simțiserăm din curtea școlii, dezlănțuită de inima sălbatică a lui Bob.

Arhivele personale ale lui Altman se află la Universitatea din Michigan, care includ aproximativ 900 de cutii cu documente personale, scenarii, documente juridice, de afaceri și financiare, fotografii, recuzită și materiale conexe. Altman a filmat Secret Honor la universitate, precum și a regizat mai multe opere acolo.

Din 2009, Premiul Robert Altman este acordat regizorului, directorului de distribuție și distribuției ansamblului de filme în cadrul ediției anuale a Independent Spirit Awards.

În 2014, a fost lansat un film documentar de lung metraj, Altman, care analizează viața și activitatea sa prin intermediul unor clipuri de film și interviuri.

sursele

1. Robert Altman
2. Robert Altman
3. ^ Powerfully realized study of Vincent van Gogh and his brother Theo marks a return to the mainstream arena for director Robert Altman. Brilliantly acted, splendid film fare should be welcomed in specialty houses and beyond.[19]
4. ^ When The Player came out in 1992, it was greeted as a welcome comeback for director Robert Altman, who spent much of the previous decade working small—making filmed plays instead of the ambitious, character-heavy genre reinventions he’d been known for in the 1970s. But Altman actually reclaimed his „critics’ darling” status two years earlier with Vincent & Theo, a luminous biopic about painter Vincent Van Gogh (played by Tim Roth) and his art-dealer brother (Paul Rhys).[20]
5. (en) « Robert Altman | Biography, Movies, & Facts », sur Encyclopedia Britannica (consulté le 14 mars 2019)
6. 1 2 The Religious Affiliation of Robert Altman  (неопр.). Adherents.com (28 июля 2005). Дата обращения: 22 ноября 2006. Архивировано из оригинала 4 февраля 2006 года.
7. Butler, Robert W.. Finally, An Attitude Adjustment: Hollywood’s Establishment Now Embraces Rebel Director Altman (5 марта 2006), С. 5.
8. «Interview: Robert Altman» Архивная копия от 13 ноября 2019 на Wayback Machine, The Guardian
9. Kelleher, Ed. Buying and Booking Guide: Vincent & Theo (англ.) // The Film Journal  (англ.) (рус. : magazine. — 1990. — 1 November (vol. 93, no. 10). — P. 38—39.. — «Powerfully realized study of Vincent van Gogh and his brother Theo marks a return to the mainstream arena for director Robert Altman. Brilliantly acted, splendid film fare should be welcomed in specialty houses and beyond.».
10. International Film Guide: The Definitive Annual Review of World Cinema (англ.) / Smith, Ian Haydn. — London: Columbia University Press, 2008. — P. 316. — ISBN 978-1-905674-61-9.
11. ^ Alberto Crespi, l’Unità, 22/11/2006