Robert Delaunay
gigatos | ianuarie 17, 2022
Rezumat
Robert Delaunay a fost un pictor francez născut la 12 aprilie 1885 la Paris și decedat la 25 octombrie 1941 la Montpellier. Împreună cu soția sa Sonia Delaunay și cu alte câteva persoane, a fost fondatorul și principalul arhitect al mișcării Orphism, o ramură a cubismului și o importantă mișcare de avangardă de la începutul secolului XX. Activitatea sa în domeniul culorilor își are originea în mai multe teorii ale legii contrastului simultan al culorilor formulate de Michel-Eugène Chevreul. Concentrându-se pe aranjarea culorilor pe pânză, a căutat armonia picturală.
Delaunay a făcut parte dintr-o generație de avangardă care a fost deosebit de prolifică din punct de vedere artistic între 1912 și 1914. A avut legături strânse (de corespondență, de artă și chiar de prietenie) cu poeții Guillaume Apollinaire și Blaise Cendrars, cu pictorii ruși Vasili Kandinsky și Michel Larionov, cu pictorii germani August Macke și Franz Marc, precum și cu pictorul slovac Geza Szobel.
După război, s-a împrietenit cu artiștii mișcării suprarealiste, cărora le-a făcut mai multe portrete, fără a le adopta însă punctele de vedere și viziunile artistice. A avut o prietenie puternică și durabilă cu poetul Tristan Tzara.
Numele său este asociat, de asemenea, cu Turnul Eiffel, pe care l-a văzut construindu-se când avea patru ani și pe care l-a pictat de mai multe ori de-a lungul carierei sale, folosind metode diferite, mai întâi neoimpresioniste, apoi cubiste și apoi cu metoda sa simultană.
Citește și, biografii – Hermann Göring
Tineret
Părinții lui Robert Victor Félix Delaunay, George și Berthe Delaunay, locuiau într-o clădire înstărită din rue Boissière, în arondismentul 16 din Paris, când s-a născut la 12 aprilie 1885. Robert Delaunay s-a opus rapid educației sale burgheze, deoarece mama sa îl creștea prea mult, îl îmbrăca în stil englezesc și îl scotea la plimbare pe Champs-Élysées. În ciuda acestei respingeri a vieții burgheze, a rămas marcat de originile sale. El rămâne indiferent la aspectele materiale ale vieții și, asemenea lui Don Quijote, își creează o concepție cavalerească despre viață. Acest caracter îl determină să transforme fiecare moment al vieții într-un moment poetic.
La vârsta de patru ani, părinții săi l-au dus la Expoziția Mondială de la Paris din 1889, pentru care a fost construit Turnul Eiffel, un monument care l-a fascinat pe artist pe tot parcursul vieții sale. A devenit entuziast în ceea ce privește tehnicile științifice moderne, în special viteza și electricitatea. Ulterior, a vizitat Expoziția Universală din 1900, în special pavilionul de electricitate. Această vizită i-a forjat spiritul de „pictor al vieții moderne”.
Părinții lui Robert Delaunay au divorțat când acesta avea nouă ani, la 16 mai 1894. A fost crescut de sora mamei sale, Marie de Rose, și de soțul acesteia, Charles Damour.
De la o vârstă fragedă, a fost fascinat de flori. În castelul din La Rongère, la Saint-Eloy-de-Gy, locul de vacanță al familiei, petrece lungi momente singur în grădină, făcând schițe cu flori, care sunt principala sa pasiune naturală, alături de soare.
Nu era interesat de școală și profită de studiile sale pentru a desena și picta cu pasteluri ascunse în coliba sa. A părăsit școala la vârsta de șaptesprezece ani și a fost angajat ca ucenic în scenografie timp de doi ani (1902-1904) în atelierele decoratorului de teatru Eugène Ronsin. Acolo și-a dezvoltat gustul pentru suprafețe mari și monumentalitate și a devenit conștient de rolul luminii și de jocul de distorsiune a perspectivei în spațiul scenic.
A fost inițiat în pictură de unchiul său Charles Damour, care era un pictor tradițional, departe de toate teoriile și mișcările din vremea sa. Robert Delaunay își apăra adesea propriul punct de vedere artistic, care era foarte diferit de cel al unchiului său, ceea ce ducea la scene burlești de familie. „Farfuriile zburau pentru că Robert își apăra opinia”, spune Sonia Delaunay.
Citește și, istorie – Imperiul Austriac
Primele lucrări
În 1904 și 1905, Robert Delaunay a realizat primele sale picturi: peisaje și flori în stil neoimpresionist și fauvist. În 1907, și-a făcut serviciul militar la Laon, în Aisne. A fost fascinat de catedrală și a făcut numeroase schițe ale acesteia. A fost repartizat la serviciul auxiliar, în biblioteca ofițerilor. Colegul său de cameră, Robert Lotiron, a scris că „în acea perioadă, Delaunay avea o pasiune delirantă pentru Spinoza, Rimbaud, Baudelaire și Laforge. La 20 octombrie 1908, a fost externat pentru „probleme funcționale ale inimii” și „endocardită” și s-a întors la Paris.
În 1906, a participat la cel de-al 21-lea Salon des Indépendants, unde a prezentat multe dintre picturile pe care le realizase în vara precedentă. În 1907, s-a alăturat unui grup de tineri artiști în căutarea unei noi arte, printre care Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier și Fernand Léger. În același timp, el a întreprins lucrări de amploare asupra monumentelor din Paris. Rezultatul cercetărilor sale a fost o teorie personală a culorii, având ca punct de plecare lucrarea Paris – Saint-Séverin (1909).
Citește și, biografii – Franz Ferdinand al Austriei
Întâlnire cu Sonia
La începutul anului 1909, a întâlnit-o pe Sonia Stern, în timp ce amândoi se întâlneau cu artiști celebri. Împreună au asistat la triumful zborului lui Louis Blériot peste Canalul Mânecii și au petrecut timp împreună în Drôme. A fost căsătorită cu Wilhelm Uhde, dar a fost o căsătorie falsă. A divorțat imediat și s-a recăsătorit la 15 noiembrie 1910 cu Robert Delaunay, de care era însărcinată. La 18 ianuarie 1911 se naște un băiat, Charles. Robert pictează un mic Turn Eiffel, pe care i-l dăruiește Soniei ca dar de logodnă.
Citește și, biografii – Georges Braque
Maturitate și abstractizare
În 1910, influențat de cubism, în special de cel al lui Cézanne, Robert Delaunay și-a redus paleta de culori la monocromie, apoi, sub influența Soniei, a reintrodus culorile calde. Din 1912, s-a orientat spre orfism cu seria de Ferestre (aflate la Muzeul din Grenoble și la Philadelphia Museum of Art). Împreună cu Sonia Delaunay, a creat simultaneismul, bazat pe legea contrastului simultan al culorilor. A intrat în corespondență cu pionierul artei abstracte, Vassili Kandinsky, al cărui text teoretic „Despre spiritual în artă” (pe care Sonia l-a tradus pentru el din germană) avea să-l influențeze și să-l ghideze foarte mult.
De asemenea, cei doi artiști s-au ajutat reciproc pentru a obține locuri în expoziții și în critică; erau cu adevărat prieteni. Datorită lui Kandinsky, Delaunay a putut fi expus la Moscova, unde a prezentat trei lucrări fără titlu. Anul 1912 a fost un an plin de evenimente pentru Robert Delaunay: a expus la Moscova, München, Berlin, Paris și Zurich, s-a împrietenit cu poetul Guillaume Apollinaire (care a venit să locuiască în atelierul său în noiembrie și decembrie) și cu Blaise Cendrars, i-a cunoscut pe Paul Klee (cu care a corespondat), Alberto Giacometti, Henri Matisse și Henri Le Fauconnier și a pictat seria de tablouri Window, care a marcat un punct de cotitură major în opera sa.
În 1913, Delaunay a mers la Berlin pentru a expune alături de Guillaume Apollinaire și a profitat de această ocazie pentru a se întâlni cu artiștii germani ai vremii: Franz Marc, Max Ernst și August Macke. Spre marea mea bucurie, au preferat ultimele mele lucrări”, spune el. Paul Klee traduce în germană textul teoretic al lui Delaunay „La Lumière”, care apare în ianuarie în revista Der Sturm sub titlul „Über das Licht”. Apollinaire scrie poemul Les Fenêtres (Ferestrele), care servește drept prefață la seria de tablouri omonime ale pictorului. În februarie, Alexandra Exter le scrie soților Delaunay, cerându-le să îi înscrie la Salon des Indépendants, precum și pe Michel Larionov și Nathalie Goncharoff. Robert Delaunay a intrat în corespondență cu toți acești artiști ai avangardei rusești; el a fost cel care i-a prezentat publicului francez. La acea vreme, Apollinaire îl considera cel mai influent pictor, alături de Picasso: „Există noi tendințe în pictura modernă; cele mai importante mi se par a fi, pe de o parte, cubismul lui Picasso și, pe de altă parte, orfismul lui Delaunay” (Guillaume Apollinaire Die Moderne Malerei în Der Sturm, februarie 1913).
În toată această perioadă, și-a pictat tablourile în orășelul Louveciennes, unde locuia împreună cu Sonia, și a plecat la Paris sau în străinătate doar atunci când lucrarea sa era terminată, pentru a o prezenta sau pentru a-și vedea prietenii pictori și poeți.
Chemat pentru prima dată în serviciul militar și apoi declarat dezertor, Robert și-a folosit relațiile și a obținut eliberarea din funcție de la consulatul francez din Vigo la 13 iunie 1916. El și Sonia Delaunay au rămas în Spania și Portugalia pe durata războiului, până în 1922. A continuat să picteze, în special cu o serie despre piețele portugheze, dar și cu Natură moartă și Nud la toaletă. Familia Delaunay a profitat de această ocazie pentru a petrece zile lungi la Muzeul Prado, iar Robert Delaunay a fost fascinat de operele lui Rubens și El Greco. Când s-au întors în Franța, mișcarea Dada era la apogeu.
În Paris, familia Delaunay a frecventat mulți poeți și muzicieni, dar puțini pictori, și a intrat în contact cu mediul suprarealist, după cum arată numeroasele portrete de prieteni realizate în această perioadă, inclusiv cele ale lui Tristan Tzara, prieten fidel al lui André Breton și Philippe Soupault în anii 1920 și 1930. De asemenea, au avut legături cu Louis Aragon, Jean Cocteau și Igor Stravinski și l-au primit pe poetul rus Vladimir Maïakovski. Întâlnirile amicale i-au permis lui Robert Delaunay să-și prezinte teoriile literare, pe care le-a pus mai târziu pe hârtie.
A repictat Turnul Eiffel de mai multe ori, deoarece „gigantul” se preta foarte bine la cercetările sale privind contrastele simultane de culoare. Cu toate acestea, în comparație cu turnurile pe care le-a pictat în tinerețe, lucrarea este semnificativ diferită.
În anii 1920, și-a diversificat activitatea, de exemplu, lucrând cu Fernand Léger în domeniul artelor decorative. A participat la expoziția de Arte Decorative din 1925, care a sintetizat cercetările tuturor țărilor în domeniul artelor aplicate. Sonia Delaunay a urmat, de asemenea, această cale și a obținut mai multă recunoaștere decât el. În același an, a compus decorurile pentru mai multe filme.
Delaunay a revenit la orfismul abstract cu seria Rythme, compusă în mare parte în 1934. Această serie pare a fi punctul culminant al cercetării sale în materie de armonie picturală. În același timp, a început să cerceteze noi materiale. Opera sa este evidențiată de o expoziție cu un lung comentariu al lui Jean Cassou.
Comenzile pentru Expoziția Internațională din 1937 i-au permis să creeze fresce uriașe și picturi monumentale, inclusiv cele pentru Pavilionul aerian și feroviar. Fresca din Palatul aerului este o reprezentare mărită a unei picturi din seria Ritm. În anul următor, a decorat sala de sculptură a Salonului de la Tuileries, pentru care a executat trei ritmuri de mari dimensiuni, ultimele sale lucrări importante.
În 1940, a fugit de avansarea nazistă refugiindu-se la Montpellier, în zona liberă, împreună cu Joseph Delteil. A continuat să se implice în viața artistică. Stabilit la Mougins, a creat un adevărat muzeu Delaunay cu turnurile sale care se mișcă. Pictorul Albert Aublet l-a vizitat adesea în perioada în care îl susținea pe tânărul pictor figurativ Nicolas de Staël. A suferit din nou de probleme pulmonare și a murit la 25 octombrie 1941.
Opera lui Robert Delaunay este în general împărțită cronologic în două părți: neoimpresionismul din tinerețe, pe de o parte, și orfismul, o ramură a cubismului și avangarda abstracției, care constituie maturitatea sa (începând cu aproximativ 1912), pe de altă parte. Opera sa a intrat în domeniul public la 1 ianuarie 2012.
Citește și, biografii – Barnett Newman
Neo-impresionism
Influențat inițial de impresionism și sintetism, Delaunay s-a orientat spre neoimpresionism după ce l-a întâlnit pe Jean Metzinger, care l-a invitat să se cufunde în scrierile teoretice despre culoare, cum ar fi De la loi du contraste simultané des couleurs de Eugène Chevreul. Aceste eseuri l-au convins că culorile sunt interdependente și interacționează între ele în funcție de distribuția lor în spectru. Această descoperire l-a marcat de-a lungul întregii sale vieți.
Între 1904 și 1906, a realizat o serie de portrete și autoportrete în care a aplicat tehnica divizionismului cu tușe largi. În același timp, a realizat o serie de peisaje, folosind din nou metoda divizionistă, inclusiv celebrul Peisaj cu un disc, pictat în ultimele zile ale anului 1906.
În 1906, în Le Portrait de Henri Carlier, Robert Delaunay își afirma deja singularitatea în alegerea schemei de culori: verdele și movul dominante se întâlnesc cu zone de roșu strălucitor. Violetul pe care l-a aplicat era neobișnuit pentru acea vreme și a fost, fără îndoială, împrumutat de la pictorul divizionist Cross, iar munca sa a fost influențată de discuțiile îndelungate cu Jean Metzinger.
Citește și, biografii – Steve Jobs
Orfism
Robert Delaunay a trecut la abstracție cu seria Les Fenêtres, prezentată între 1912 și 1913. Ea inaugurează o lungă serie de cercetări privind posibilitatea de a traduce „armonia reprezentativă” prin simpla dispunere a culorilor. Culorile înlocuiesc obiectele, care nu mai au nicio substanță și lasă loc luminii. Această trecere la abstracție a avut loc după ce a citit teoriile lui Vassily Kandinsky în cartea sa-manifest „Despre spiritual în artă” și în timp ce Guillaume Apollinaire a diagnosticat nașterea unei noi arte picturale în 1912: „Noii pictori pictează tablouri în care nu mai există un subiect real”. Dar, spre deosebire de Vassily Kandinsky, care a dat un conținut psihologic și mistic lucrărilor sale, Robert Delaunay a exploatat doar „efectul pur fizic”. El se explică inspirându-se dintr-un text al lui Leonardo da Vinci: „Ochiul este cel mai înalt simț al nostru, cel care comunică cel mai strâns cu creierul nostru, cu conștiința. Ideea unei mișcări vitale a lumii și mișcarea ei este simultană. Înțelegerea noastră este corelativă cu percepția noastră. În această perioadă, Delaunay a făcut, de asemenea, numeroase cercetări asupra culorilor și, mai precis, asupra legii contrastului simultan al culorilor. Împreună cu Sonia Delaunay, a creat simultaneismul, o tehnică care are ca scop găsirea armoniei picturale prin dispunerea simultană a culorilor și care se concentrează în mod esențial pe rolul luminii, care este percepută ca fiind principiul creator original.
În 1913, după serialul Les Fenêtres, Robert Delaunay a realizat un serial intitulat L”Équipe de Cardiff, dedicat sportului, în special fotbalului-rugby, un sport în plină expansiune la acea vreme. A ales astfel un subiect care nu fusese prea mult abordat până atunci, care corespundea bine „modernolatriei” lui Blaise Cendrars și Guillaume Apollinaire. El a fost de acord cu ziarele vremii, care lăudau „spiritul de vitalitate” al noii generații. Tabloul prezintă o viziune combativă a vieții moderne, în care cultul acțiunii ne invită să ne depășim pe noi înșine.
Această serie nu este abstractă: jucătorii de rugby sunt înfățișați în fața unei roți Ferris și a Turnului Eiffel, într-un ansamblu de afișe și culori. Cadrul este în mod hotărât urban: panoul publicitar este cel care ocupă cel mai mult spațiu în tablou. El își organizează pictura ca pe o juxtapunere de elemente dispuse simultan. Imaginea jucătorilor pare să provină dintr-o revistă engleză pe care o deținea, iar motivele roții Ferris, panoului publicitar și Turnului Eiffel dintr-o carte poștală găsită printre bunurile sale. Cele patru elemente sunt grupate împreună prin intermediul liniei mediane, o axă sinusoidală care taie tabloul în două, creând în același timp unitatea acestuia. Această axă permite trecerea la o arhitectură fără fundații, care pare să zboare în aer.
La următorul Salon, în 1914, Robert Delaunay a prezentat tabloul Hommage à Blériot, un adevărat manifest al metodei sale simultane. Mișcările pânzei sunt determinate de forme împrumutate din aeronautică: biplan, elice. Avionul, simbol al emancipării omului față de Pământ, i-a oferit lui Robert Delaunay un pretext pentru a se emancipa de codurile picturii tradiționale și pentru a se îndrepta spre „in-obiectiv” și „pictură pură”. A ales avionul pentru că acesta a abolit noțiunea de distanță și i-a permis pictorului să se îndrepte spre o ubicuitate panoramică. El opune o plenitudine armonică încercărilor descriptive din trecut. De asemenea, acest motiv, ca și cel al Turnului Eiffel, îi permite să se pretindă a fi un pictor al modernității. Este perceptibilă preferința pictorului pentru curbă (spre deosebire de pictorii abstracți Kasimir Malevici și Piet Mondrian), afirmată deja în seria Flori (1909) și care va continua în Formele circulare.
După ce și-a prezentat seria L”Équipe de Cardiff la Salon des Indépendants la începutul anului 1913, s-a retras la Louveciennes și a început o serie importantă intitulată Formes Circulaires. Cu această lucrare, Robert Delaunay a dorit să redea puterea luminii solare, o temă pe care o schițase deja în tabloul său din 1906, Paysage au disque, și iradierea lunii. Despre una dintre lucrările din această serie, a declarat mai târziu că este „prima pictură circulară, prima pictură non-figurativă”. Prin acest tablou, el și-a dezvăluit interesul pentru teoriile științifice (parțial eronate) ale culorii din secolul al XIX-lea. În Formele circulare, Soarele nr. 2, cele trei culori primare, albastru, roșu și galben, se află la capetele unui triunghi deformat, ceea ce conferă întregului un sentiment de rotație. În cazul lui Delaunay, acest efect rezultă din rotirea modelelor de culoare, albastru descendent și roșu ascendent. Între aceste culori primare apar culorile secundare, obținute prin amestecul primelor: portocaliu, verde și violet. Totul se învârte în jurul centrului, culoarea originală și finală, albul. Nu soarele este reprezentat, ci procesul de percepție de către ochi.
În august 1913, tot la Louveciennes, a realizat o lucrare solitară numită Disque (Le Premier Disque), care constă în șapte cercuri concentrice împărțite în patru segmente egale. În timp ce în seria Formes Circulaires existau multe cercuri colorate, în acest tablou Robert Delaunay se concentrează pe puritatea suprafeței plane; dar nu este doar un detaliu al unei lucrări anterioare, ci este o lucrare de sine stătătoare, parte a cercetării lui Delaunay asupra armoniei picturale. Această lucrare incontestabil ne-obiectivă are o mare importanță în istoria artei.
În timpul războiului, în Spania și Portugalia, și-a reînnoit temele, trecând de la oraș la viața populară din piețe sau de acasă, dar tehnica sa artistică a rămas aceeași. Personajele sunt desenate figurativ, dar înconjurate de obiecte abstracte; pe aceleași pânze, culorile explodează și sunt folosite în deplină libertate. Lumina peninsulei iberice este mult mai puternică decât cea din Île-de-France, de unde Robert Delaunay abia plecase, ceea ce îi permite să observe și să redea în tablourile sale un nou tip de vibrație cromatică.
În anii 1920, Robert Delaunay a lucrat din nou la Turnul Eiffel, într-un mod semnificativ diferit. Turnul nu se mai prăbușește, ci se înalță, văzut dintr-un unghi mic, în așa fel încât pare să crească la infinit. Alteori, turnul este văzut din cer și asociat cu curbele de pe Champ de Mars; pentru aceste vederi a folosit fotografii aeriene. El extrage din compoziția sa dinamismul ritmului și aranjamentul culorilor nerealiste.
În 1925, a participat la Exposition des Arts Décoratifs, pentru care a decorat sala unei ambasade împreună cu Fernand Léger. El a ales tema Femeia din turn, pe care a reprodus-o pe un panou de peste patru metri și a provocat un scandal violent.
Numeroasele portrete ale prietenilor și cunoștințelor pe care le-a pictat în acei ani erau într-adevăr figurative, dar Robert Delaunay a folosit întotdeauna culori puternice și luminoase. De exemplu, în Portretul lui Tristan Tzara, elementul principal nu este chipul poetului, ci eșarfa portocalie și verde pe care o poartă la gât.
În jurul anului 1930, s-a produs o cotitură destul de greu de explicat, care l-a determinat pe Delaunay să revină la orfism, începând o serie intitulată Rythmes, care reia Formele circulare produse în anii 1910, într-o manieră nouă și mai matură, inspirându-se din opera lui Piet Mondrian și a artiștilor grupați sub numele de abstracție-geometrie (majoritatea dintre ei recunoscându-și o datorie artistică față de el). Și-a arătat măiestria în aranjarea culorilor și a atins scopul pe care îl căutase în primii ani orfici: armonia picturală.
În același timp, deși se mulțumise aproape întotdeauna să rămână în cadrul tehnicii clasice de pictură (cu excepția artelor decorative), a început să cerceteze noi tehnici picturale, pe care Jean Cassou le-a descris în detaliu într-un articol publicat în 1935 în revista Art et décoration: „Aceste învelișuri, în a căror compoziție predomină cazeina, pot fi aplicate pe carton sau pe pânză. Este posibil să le pictăm în frescă, cu ulei sau cu ou. Delaunay a amestecat cazeina sa cu paste făcute din pulberi de plută și a obținut astfel grosimi cu rumeguș. Avantajul acestor materiale este că, odată întărite, ele pot fi folosite pentru exterior și rezistă la agenții atmosferici. Delaunay a folosit, de asemenea, o gamă întreagă de nisipuri colorate, în special nisipuri Colorado, pe care le-a pulverizat pe tencuielile sale de cazeină cu ajutorul unui pistol cu aer comprimat. Culorile astfel obținute sunt rezistente la lumină și impermeabile. În cele din urmă, el a aplicat lacuri pe straturile sale. Un alt material datorat ingeniozității lui Delaunay este piatra lăcuită, care poate fi folosită pentru a crea pereți cu o coloristică variată și atractivă. Este un material ușor, neinflamabil, ideal pentru utilizarea în marină. Poate atinge densitatea marmurei și rezistența cimentului: dar aceasta este superioritatea sa față de ciment, are propria sa colorare. De asemenea, poate fi produsă pe suprafețe albe, pe care vopseaua aderă perfect. Este inutil să subliniem faptul că pastele de cazeină pot fi aranjate în reliefuri decorative atât de complexe și libere pe cât se dorește. Robert Delaunay a trecut astfel de la șevalet la munca artistică pe pereți. El a explicat acest lucru în revista Commune: „Eu, artistul, artistul manual, fac o revoluție în pereți. În prezent, am găsit noi materiale care transformă peretele, nu numai la exterior, ci și în substanța sa. Să separăm omul de artă? Niciodată. Nu pot să separ omul de artă pentru că eu îi fac case! În timp ce moda era pentru picturile de șevalet, eu mă gândeam deja doar la lucrări de perete de mari dimensiuni.
Aceste lucrări murale și-au găsit punctul culminant la Expoziția Internațională din 1937, pentru care a creat decorațiuni uriașe. Încă din 1935, a fost abordat pentru a participa la această expoziție gigantică, dar, spre deosebire de mulți artiști, nu și-a depus candidatura; atenția a fost atrasă de o expoziție organizată de revista Art et décoration, intitulată Revêtements muraux en relief et en couleurs de Robert Delaunay, în 1935. A decorat Palais du Chemin de Fer et de l”Air. Pentru aceasta din urmă, a reprodus la scară mare tabloul său Rythme sans fin. Scopul era, de asemenea, de a scoate avangarda din cercul său restrâns de inițiați și de a o face accesibilă tuturor.
Robert Delaunay a pictat lucrări abstracte în două perioade din viața sa: mai întâi, în jurul anilor 1912 și 1913, cu seria Orașe, Forme circulare și pictura Disc simultan, care l-au făcut unul dintre pionierii abstracției; apoi, în jurul anilor 1933 și 1934, când a pictat seriile Ritmuri și Ritmuri nesfârșite. Cu toate acestea, în niciun moment nu și-a definit arta ca fiind abstractă. Acest lucru se datorează faptului că el însuși se simțea un cubist, era văzut de critici și de public ca un pictor cubist, iar lucrările sale au fost interpretate ca atare. Pentru a se distanța de celelalte „-isme” care înfloreau la acea vreme, a creat propria sa mișcare, simultaneismul, datorită cercetărilor sale cromatice asupra culorilor. El se considera un „ereziarh al cubismului”. Într-o scrisoare adresată lui August Macke în 1913, el a mai declarat că „Un lucru indispensabil pentru mine este observarea directă a esenței luminii în natură”, ceea ce îl distanțează de teoreticienii artei abstracte, precum Piet Mondrian, care ar dori să vadă o artă complet ruptă de natură. Cu toate acestea, unele dintre lucrările sale sunt indiscutabil abstracte, inclusiv seria menționată mai sus. Pentru a reprezenta lumina, care pare a fi un element natural, a trebuit să recurgă la forme nonfigurative, fără nicio legătură directă cu realitatea. Pentru a capta esența luminii, a ales să folosească scheme de culori, fără a reprezenta un obiect. Sonia Delaunay, la rândul ei, notează în jurnalul său (publicat în 1978 de Robert Laffont, p. 137): „Am terminat cartea lui Dorival. În finalul cărții sale, el își rezumă primul volum arătând că toată pictura din această perioadă anunță o pictură care se îndepărtează de realism, o pictură inobiectivă, toate picturile pe care le cunoaștem sunt doar la începuturi. Este uimitor de înțelegător și cât de aproape este de noi! Este pentru prima dată când văd pe cineva de atât de departe și atât de aproape. Păcat că Delaunay nu l-a cunoscut.”
Citește și, biografii – Roy Lichtenstein
Bibliografie
Document utilizat ca sursă pentru acest articol.
Legături externe
sursele
