Robert Rauschenberg
gigatos | decembrie 31, 2021
Rezumat
Milton Ernest „Robert” Rauschenberg (22 octombrie 1925 – 12 mai 2008) a fost un pictor și grafician american ale cărui lucrări de început au anticipat mișcarea Pop Art. Rauschenberg este bine cunoscut pentru lucrările Combines (1954-1964), un grup de lucrări care încorporau obiecte de zi cu zi ca materiale artistice și care estompau distincțiile dintre pictură și sculptură. Rauschenberg a fost atât pictor, cât și sculptor, dar a lucrat și cu fotografia, gravura, hârtia și performance-ul.
Rauschenberg a primit numeroase premii pe parcursul carierei sale artistice de aproape 60 de ani. Printre cele mai importante se numără Marele Premiu Internațional de Pictură la cea de-a 32-a Bienală de la Veneția din 1964 și Medalia Națională de Artă în 1993.
Rauschenberg a trăit și a lucrat la New York și pe Captiva Island, Florida, până la moartea sa, la 12 mai 2008.
Rauschenberg s-a născut Milton Ernest Rauschenberg în Port Arthur, Texas, fiul lui Dora Carolina (născută Matson) și Ernest R. Rauschenberg. Tatăl său era de origine germană și cherokee, iar mama sa era de origine olandeză. Tatăl său a lucrat pentru Gulf States Utilities, o companie de lumină și energie electrică. Părinții săi erau creștini fundamentaliști. A avut o soră mai mică, Janet Begneaud.
La 18 ani, Rauschenberg a fost admis la Universitatea Texas din Austin, unde a început să studieze farmacologie, dar a renunțat la scurt timp din cauza dificultății cursurilor – fără să-și dea seama în acel moment că era dislexic – și din cauza refuzului său de a diseca o broască la ora de biologie. A fost recrutat în Marina Statelor Unite în 1944. Aflat în California, a servit ca tehnician neuropsihiatru într-un spital al Marinei până la eliberare în 1945 sau 1946.
Ulterior, Rauschenberg a studiat la Institutul de Artă din Kansas City și la Academia Julian din Paris, Franța, unde a întâlnit-o pe Susan Weil, o colegă de facultate. În 1948, Rauschenberg s-a înscris, alături de Weil, la Black Mountain College din Carolina de Nord.
La Black Mountain, Rauschenberg l-a căutat pe Josef Albers, un fondator al Bauhaus din Germania, despre care citise într-un număr din august 1948 al revistei Time. El spera că metodele riguroase de predare ale lui Albers îi vor putea reduce neglijența obișnuită. Cursurile preliminare de design ale lui Albers se bazau pe o disciplină strictă care nu permitea niciun fel de „experiment neinfluențat”.
Rauschenberg a devenit, după propriile sale cuvinte, „fraierul lui Albers, exemplul remarcabil a ceea ce nu vorbea”. Deși Rauschenberg l-a considerat pe Albers cel mai important profesor al său, a găsit o sensibilitate mai compatibilă în John Cage, un compozitor consacrat de muzică de avangardă. Ca și Rauschenberg, Cage se îndepărtase de învățăturile disciplinare ale instructorului său, Arnold Schönberg, în favoarea unei abordări mai experimentaliste a muzicii. Cage i-a oferit lui Rauschenberg sprijinul și încurajarea de care avea mare nevoie în primii ani ai carierei sale, iar cei doi au rămas prieteni și colaboratori artistici timp de zeci de ani.
Între 1949 și 1952, Rauschenberg a studiat cu Vaclav Vytlacil și Morris Kantor la Art Students League din New York, unde i-a întâlnit pe alți artiști, Knox Martin și Cy Twombly.
Rauschenberg s-a căsătorit cu Susan Weil în vara anului 1950, în casa familiei Weil din Outer Island, Connecticut. Singurul lor copil, Christopher, s-a născut la 16 iulie 1951. Cei doi s-au separat în iunie 1952 și au divorțat în 1953. Ulterior, Rauschenberg a avut relații romantice cu colegii artiști Cy Twombly și Jasper Johns, printre alții. Partenerul său din ultimii 25 de ani de viață a fost artistul Darryl Pottorf,
În anii 1970 s-a mutat în NoHo, în Manhattan, în New York.
Rauschenberg a cumpărat Beach House, prima sa proprietate de pe insula Captiva, la 26 iulie 1968. Cu toate acestea, proprietatea nu a devenit reședința sa permanentă până în toamna anului 1970.
Rauschenberg a murit din cauza unei insuficiențe cardiace la 12 mai 2008, pe insula Captiva, Florida.
Abordarea lui Rauschenberg a fost numită uneori „neo-dadaistă”, o etichetă pe care a împărțit-o cu pictorul Jasper Johns. Rauschenberg a declarat în mod faimos că „pictura are legătură atât cu arta, cât și cu viața” și că dorea să lucreze „în spațiul dintre cele două”. La fel ca mulți dintre predecesorii săi dadaiști, Rauschenberg a pus sub semnul întrebării distincția dintre obiectele de artă și obiectele de zi cu zi, iar utilizarea de către acesta a materialelor readymade a reluat problemele intelectuale ridicate de Fântâna (1917) a lui Marcel Duchamp. Influența dadaistă a lui Duchamp poate fi observată, de asemenea, în picturile lui Jasper Johns cu ținte, cifre și steaguri, care erau simboluri culturale familiare: „lucruri pe care mintea le cunoaște deja”.
La Black Mountain College, Rauschenberg a experimentat o varietate de medii artistice, inclusiv gravura, desenul, fotografia, pictura, sculptura și teatrul; lucrările sale prezentau adesea o combinație a acestora. La Black Mountain a creat picturile sale Night Blooming (1951) prin presarea pietricelelor și a pietrișului în pigment negru pe pânză.
Din toamna anului 1952 până în primăvara anului 1953, Rauschenberg a călătorit în Italia și Africa de Nord împreună cu Cy Twombly, colegul și partenerul său. Acolo, a creat colaje și sculpturi mici, inclusiv Scatole Personali și Feticci Personali, din materiale găsite. Le-a expus la galerii din Roma și Florența. Spre surprinderea lui Rauschenberg, o parte dintre lucrări s-au vândut; pe cele care nu s-au vândut, le-a aruncat în râul Arno, la sugestia unui critic de artă care a făcut o recenzie a expoziției sale.
La întoarcerea în New York, în 1953, Rauschenberg a început să creeze sculpturi cu materiale găsite în cartierul său din Lower Manhattan, cum ar fi fier vechi, lemn și sfoară. De-a lungul anilor 1950, Rauschenberg s-a întreținut prin proiectarea de vitrine pentru Tiffany & Co. și Bonwit Teller, mai întâi împreună cu Susan Weil și mai târziu în parteneriat cu Jasper Johns sub pseudonimul Matson Jones.
Într-un incident celebru din 1953, Rauschenberg a cerut un desen de la pictorul expresionist abstract Willem de Kooning cu scopul expres de a-l șterge ca o declarație artistică. Această lucrare conceptuală, intitulată Erased de Kooning Drawing, a fost executată cu consimțământul bătrânului artist.
În 1961, Rauschenberg a explorat o abordare conceptuală similară, prezentând o idee ca operă de artă în sine. A fost invitat să participe la o expoziție la Galerie Iris Clert din Paris, unde artiștii urmau să prezinte portrete ale galeristei Clert. Prezentarea lui Rauschenberg a constat într-o telegramă în care se declara: „Acesta este un portret al lui Iris Clert, dacă o spun eu”.
Până în 1962, picturile lui Rauschenberg începuseră să încorporeze nu doar obiecte găsite, ci și imagini găsite. După o vizită la studioul lui Andy Warhol în acel an, Rauschenberg a început să folosească un proces de serigrafie, de obicei rezervat mijloacelor comerciale de reproducere, pentru a transfera fotografii pe pânză. Picturile serigrafice realizate între 1962 și 1964 i-au determinat pe critici să identifice opera lui Rauschenberg cu arta pop.
Rauschenberg a experimentat cu tehnologia în operele sale de artă încă de la realizarea primelor sale Combine, la mijlocul anilor 1950, unde folosea uneori radiouri, ceasuri și ventilatoare electrice în funcțiune ca materiale sculpturale. Mai târziu, și-a explorat interesul pentru tehnologie în timp ce lucra cu Billy Klüver, cercetător la Bell Laboratories. Împreună au realizat unele dintre cele mai ambițioase experimente bazate pe tehnologie ale lui Rauschenberg, cum ar fi Soundings (1968), o instalație de lumină care răspundea la sunetul ambiental. În 1966, Klüver și Rauschenberg au lansat oficial Experiments in Art and Technology (E.A.T.), o organizație non-profit înființată pentru a promova colaborările dintre artiști și ingineri.
În 1969, NASA l-a invitat pe Rauschenberg să asiste la lansarea Apollo 11. Ca răspuns la acest eveniment marcant, Rauschenberg a creat seria de litografii Stoned Moon. Aceasta a presupus combinarea de diagrame și alte imagini din arhivele NASA cu propriile sale desene și texte scrise de mână.
Din 1970, Rauschenberg a lucrat în casa și studioul său din Captiva, Florida. Primele lucrări pe care le-a creat în noul său studio au fost Cardboards (1971-72) și Early Egyptians (1973-74), pentru care s-a bazat pe materiale de proveniență locală, precum carton și nisip. În timp ce lucrările sale anterioare evidențiaseră adesea imaginile și materialele urbane, Rauschenberg a favorizat acum efectul fibrelor naturale găsite în țesături și hârtie. El a imprimat pe textile folosind tehnica sa de transfer de solvenți pentru a realiza Hoarfrost (aceasta din urmă a prezentat întinderi mari de țesături colajate pe panouri de lemn. Rauschenberg a creat seria Jammer (1975-76) folosind țesături colorate inspirate de călătoria sa în Ahmedabad, India, un oraș faimos pentru textilele sale. Simplitatea lipsită de imagini a seriei Jammer este un contrast izbitor cu Hoarfrosts, pline de imagini, și cu grandoarea primelor sale lucrări realizate în New York City.
Călătoriile internaționale au devenit o parte centrală a procesului artistic al lui Rauschenberg după 1975. În 1984, Rauschenberg a anunțat, la Națiunile Unite, începerea programului său Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI). Finanțat aproape în întregime de artist, proiectul ROCI a constat într-un turneu de șapte ani în zece țări din întreaga lume. Rauschenberg a făcut fotografii în fiecare locație și a realizat lucrări de artă inspirate de culturile pe care le-a vizitat. Lucrările rezultate au fost expuse în cadrul unei expoziții locale în fiecare țară. Rauschenberg a donat adesea o lucrare unei instituții culturale locale.
Începând de la mijlocul anilor 1980, Rauschenberg s-a concentrat pe serigrafierea imaginilor pe o varietate de metale tratate diferit, cum ar fi oțelul și aluminiul oglindit. A creat mai multe serii de așa-numite „picturi pe metal”, printre care: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) și Night Shades (1991). În plus, de-a lungul anilor 1990, Rauschenberg a continuat să utilizeze noi materiale, lucrând în același timp cu tehnici mai rudimentare. Ca parte a angajamentului său față de cele mai recente inovații tehnologice, în seria sa târzie de pictură a transferat imagini fotografice digitale cu jet de cerneală pe o varietate de suporturi de pictură. Pentru lucrarea Arcadian Retreats (1996), a transferat imaginile pe frescă umedă. În conformitate cu angajamentul său față de mediu, Rauschenberg a folosit coloranți și pigmenți biodegradabili și apă în locul substanțelor chimice în procesul de transfer.
Citește și, biografii – Richard Ellmann
Picturile albe, picturile negre și picturile roșii
În 1951, Rauschenberg a creat seria White Painting în tradiția picturii monocromatice stabilită de Kazimir Malevich, care a redus pictura la cele mai esențiale calități ale sale pentru o experiență de puritate estetică și infinitate. Picturile albe au fost expuse la Eleanor Ward”s Stable Gallery din New York în toamna anului 1953. Rauschenberg a folosit vopsea albă de uz casnic și role de pictură pentru a crea suprafețe netede, neîmbelșugate, care la prima vedere par a fi pânze goale. Totuși, în loc să le perceapă ca fiind lipsite de conținut, John Cage a descris Tablourile albe ca fiind „aeroporturi pentru lumini, umbre și particule”; suprafețe care reflectau schimbările atmosferice delicate din încăpere. Rauschenberg însuși a spus că erau afectate de condițiile ambientale, „astfel încât aproape că ai putea spune câți oameni sunt în cameră.” La fel ca Tablourile albe, picturile negre din 1951-1953 au fost executate pe mai multe panouri și erau predominant lucrări monocolore. Rauschenberg a aplicat vopsea neagră mată și lucioasă pe motive texturate de ziar pe pânză, permițând ocazional ca ziarul să rămână vizibil.
Până în 1953, Rauschenberg a trecut de la seria de picturi albe și negre la expresionismul accentuat al seriei de picturi roșii. El a considerat roșul ca fiind „cea mai dificilă culoare” cu care să pictezi și a acceptat provocarea picurând, lipind și stoarcând straturi de pigment roșu direct pe pânze care includeau țesături cu modele, ziare, lemn și cuie. Suprafețele materiale complexe ale picturilor roșii au fost precursoarele celebrei serii Combine (1954-1964) a lui Rauschenberg.
Citește și, biografii – Maria Montessori
Combină
Rauschenberg colecționa obiecte aruncate pe străzile din New York și le aducea în atelierul său, unde le integra în lucrările sale. El a afirmat că „dorea altceva decât ceea ce puteam face eu însumi și am vrut să folosesc surpriza, colectivitatea și generozitatea de a găsi surprize. Astfel, obiectul în sine a fost schimbat de contextul său și, prin urmare, a devenit un lucru nou”.
Comentariul lui Rauschenberg cu privire la decalajul dintre artă și viață reprezintă punctul de plecare pentru înțelegerea contribuțiilor sale ca artist. El a văzut frumusețea potențială în aproape orice; a spus odată: „Îmi pare rău pentru oamenii care cred că lucruri precum săpunierele, oglinzile sau sticlele de Coca-Cola sunt urâte, pentru că sunt înconjurați de astfel de lucruri toată ziua și probabil că asta îi face nefericiți.” Seria sa Combine a înzestrat obiectele de zi cu zi cu o nouă semnificație, aducându-le în contextul artei plastice alături de materialele tradiționale de pictură. Combinele au eliminat granițele dintre artă și sculptură, astfel încât ambele erau prezente într-o singură operă de artă. În timp ce „Combines” se referă, din punct de vedere tehnic, la lucrările lui Rauschenberg din 1954 până în 1964, Rauschenberg a continuat să utilizeze obiecte de zi cu zi, precum haine, ziare, resturi urbane și carton, pe tot parcursul carierei sale artistice.
Piesele sale de tranziție care au dus la crearea Combines au fost Charlene (1954) și Collection (1954-1955), în care a colajat obiecte precum eșarfe, becuri electrice, oglinzi și benzi desenate. Deși Rauschenberg implementase ziare și textile cu modele în picturile sale negre și în Red Paintings, în Combines a acordat obiectelor cotidiene o importanță egală cu cea a materialelor tradiționale de pictură. Considerată una dintre primele Combinate, Bed (1955) a fost creată prin ungerea cu vopsea roșie a unei plăpumi, a unui cearșaf și a unei perne bine uzate. Lucrarea a fost atârnată vertical pe perete ca o pictură tradițională. Din cauza legăturilor intime ale materialelor cu propria viață a artistului, Bed este adesea considerat un autoportret și o amprentă directă a conștiinței interioare a lui Rauschenberg. Unii critici au sugerat că lucrarea ar putea fi citită ca un simbol al violenței și al violului, dar Rauschenberg a descris Bed ca fiind „unul dintre cele mai prietenoase tablouri pe care le-am pictat vreodată”. Printre cele mai faimoase combinații ale sale se numără cele care încorporează animale taxidermizate, cum ar fi Monogram (1955-1959), care include o capră de angora împăiată, și Canyon (1959), care prezintă un vultur auriu împăiat. Deși vulturul a fost recuperat din gunoi, Canyon a atras furia guvernului din cauza Legii din 1940 privind protecția acvilelor chele și aurii.
Inițial, criticii au privit Combinatele din punct de vedere al calităților lor formale: culoare, textură și compoziție. Viziunea formalistă din anii 1960 a fost ulterior respinsă de criticul Leo Steinberg, care a spus că fiecare Combină este „o suprafață receptoare pe care sunt împrăștiate obiecte, pe care sunt introduse date”. Potrivit lui Steinberg, orizontalitatea a ceea ce el a numit „planul plat al tabloului” al lui Rauschenberg a înlocuit verticalitatea tradițională a picturii și, ulterior, a permis apariția suprafețelor unicat, legate de material, ale lucrărilor lui Rauschenberg.
Citește și, biografii – Maya Angelou
Performanță și dans
Rauschenberg a început să își exploreze interesul pentru dans după ce s-a mutat la New York la începutul anilor 1950. A fost expus pentru prima dată la dansul de avangardă și la arta spectacolului la Black Mountain College, unde a participat la piesa de teatru nr. 1 (1952) a lui John Cage, considerată adesea primul Happening. A început să proiecteze decoruri, lumini și costume pentru Merce Cunningham și Paul Taylor. La începutul anilor 1960, a fost implicat în experimentele radicale de teatru-dans de la Judson Memorial Church din Greenwich Village și a realizat coregrafia primului său spectacol, Pelican (1963), pentru Judson Dance Theater, în mai 1963. Rauschenberg a fost prieten apropiat cu dansatori afiliați lui Cunningham, printre care Carolyn Brown, Viola Farber și Steve Paxton, care au apărut cu toții în lucrările sale coregrafice. Legătura permanentă a lui Rauschenberg cu Merce Cunningham Dance Company a luat sfârșit după turneul mondial al acesteia din 1964. În 1966, Rauschenberg a creat spectacolul Open Score pentru o parte din 9 Evenings: Theatre and Engineering la 69th Regiment Armory, New York. Această serie a avut un rol esențial în formarea Experiments in Art and Technology (E.A.T.).
În 1977, Rauschenberg, Cunningham și Cage s-au reîntâlnit ca colaboratori pentru prima dată după treisprezece ani pentru a crea Travelogue (1977), pentru care Rauschenberg a contribuit la realizarea costumelor și a decorurilor. Rauschenberg nu și-a mai realizat propriile lucrări coregrafice după 1967, dar a continuat să colaboreze cu alți coregrafi, inclusiv cu Trisha Brown, pentru tot restul carierei sale artistice.
Citește și, biografii – Robert Frost
Comisioane
De-a lungul carierei sale, Rauschenberg a proiectat numeroase afișe în sprijinul unor cauze care erau importante pentru el. În 1965, când revista Life i-a comandat să vizualizeze un Infern modern, nu a ezitat să își descarce furia față de războiul din Vietnam și alte probleme sociopolitice contemporane, inclusiv violența rasială, neonazismul, asasinatele politice și dezastrul ecologic.
Pe 30 decembrie 1979, Miami Herald a tipărit 650.000 de exemplare din Tropic, revista sa de duminică, cu o copertă desenată de Rauschenberg. În 1983, acesta a câștigat un premiu Grammy pentru designul albumului Speaking in Tongues al trupei Talking Heads. În 1986, Rauschenberg a fost însărcinat de BMW să picteze un BMW 635 CSi în mărime naturală pentru cea de-a șasea tranșă a celebrului BMW Art Car Project. Mașina lui Rauschenberg a fost prima din cadrul proiectului care a prezentat reproduceri ale unor lucrări de la Metropolitan Museum of Art din New York, precum și propriile sale fotografii.
În 1998, Vaticanul a comandat o lucrare a lui Rauschenberg în onoarea Jubileului din anul 2000, care va fi expusă în Sala Liturgică Padre Pio din San Giovanni Rotondo, Italia. Lucrând în jurul temei Judecății de Apoi, Rauschenberg a creat The Happy Apocalypse (1999), o machetă de șase metri lungime. În cele din urmă, lucrarea a fost respinsă de Vatican pe motiv că reprezentarea lui Rauschenberg a lui Dumnezeu sub forma unei antene parabolice era o referință teologică nepotrivită.
Rauschenberg a avut prima sa expoziție personală la Betty Parsons Gallery în primăvara anului 1951. În 1953, în timp ce se afla în Italia, a fost remarcat de Irene Brin și Gaspero del Corso, care i-au organizat prima expoziție europeană în faimoasa lor galerie din Roma. În 1953, Eleanor Ward l-a invitat pe Rauschenberg să participe la o expoziție comună cu Cy Twombly la Stable Gallery. În cea de-a doua expoziție personală din New York, la Charles Egan Gallery, în 1954, Rauschenberg a prezentat picturile sale Red Paintings (1953-1953) și Combines (1954-1964). Leo Castelli a organizat o expoziție personală a lucrărilor Combines ale lui Rauschenberg în 1958. Singura vânzare a fost o achiziție de către Castelli însuși a lucrării Bed (1955), aflată în prezent în colecția Muzeului de Artă Modernă din New York.
Prima retrospectivă a carierei lui Rauschenberg a fost organizată de Muzeul Evreiesc din New York, în 1963. În 1964, a devenit unul dintre primii artiști americani care au câștigat Marele Premiu Internațional de Pictură la Bienala de la Veneția (Mark Tobey și James Whistler câștigaseră anterior premii de pictură în 1895 și, respectiv, 1958). O retrospectivă la jumătatea carierei a fost organizată de National Collection of Fine Arts (în prezent Muzeul Smithsonian de Artă Americană), Washington, D.C., și a călătorit în Statele Unite între 1976 și 1978.
În anii ”90 a avut loc o retrospectivă la Muzeul Solomon R. Guggenheim din New York (1997), care a fost itinerată la muzeele din Houston, Köln și Bilbao până în 1999. O expoziție Combines a fost prezentată la Metropolitan Museum of Art, New York (a călătorit la Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Paris, și Moderna Museet, Stockholm, până în 2007). Prima retrospectivă postumă a lui Rauschenberg a fost organizată la Tate Modern (a călătorit la Museum of Modern Art, New York, și la San Francisco Museum of Modern Art până în 2017).
Alte expoziții includ: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londra ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (și Rauschenberg: The 14 Mile la Los Angeles County Museum of Art (2018-2019).
Rauschenberg a crezut cu tărie în puterea artei ca catalizator al schimbărilor sociale. Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) a început în 1984 ca un efort de a declanșa dialogul internațional și de a îmbunătăți înțelegerea culturală prin intermediul expresiei artistice. O expoziție ROCI a fost expusă la National Gallery of Art, D.C., în 1991, încheind un turneu în zece țări: Mexic, Chile, Venezuela, China, Tibet, Japonia, Cuba, U.R.S.S., Germania și Malaezia.
În 1970, Rauschenberg a creat un program numit Change, Inc. pentru a acorda granturi de urgență unice de până la 1.000 de dolari artiștilor vizuali, pe baza nevoilor financiare. În 1990, Rauschenberg a creat Fundația Robert Rauschenberg (RRF) pentru a promova conștientizarea cauzelor la care ținea, cum ar fi pacea mondială, mediul înconjurător și problemele umanitare. În 1986, Rauschenberg a primit Premiul Golden Plate al Academiei Americane de Realizări. În 1993, a fost distins cu Medalia Națională a Artelor de către președintele Bill Clinton. În 2000, Rauschenberg a fost distins cu Premiul de Excelență al amfAR pentru contribuții artistice la lupta împotriva SIDA.
RRF deține în prezent numeroase lucrări ale lui Rauschenberg din fiecare perioadă a carierei sale. În 2011, fundația a prezentat The Private Collection of Robert Rauschenberg în colaborare cu Gagosian Gallery, prezentând selecții din colecția personală de artă a lui Rauschenberg. Încasările obținute în urma expoziției au contribuit la finanțarea activităților filantropice ale fundației. Tot în 2011, fundația a lansat proiectul „Artist as Activist” și l-a invitat pe artistul Shepard Fairey să se concentreze asupra unei probleme la alegerea sa. Lucrarea editată de acesta a fost vândută pentru a strânge fonduri pentru Coaliția pentru persoanele fără adăpost. RRF continuă să sprijine artiștii emergenți și organizațiile artistice prin granturi și colaborări filantropice în fiecare an. RRF are mai multe programe de rezidență care au loc la sediul fundației din New York și la proprietatea regretatului artist din Captiva Island, Florida.
În 2013, Dale Eisinger de la Complex a clasat Open Score (1966) pe locul al șaptelea în lista sa cu cele mai mari opere de artă performativă din toate timpurile.
În 2010, Studio Painting (1960-61), una dintre Combinele lui Rauschenberg, estimată inițial între 6 și 9 milioane de dolari, a fost cumpărată din colecția lui Michael Crichton pentru 11 milioane de dolari la Christie”s, New York. În 2019, Christie”s a vândut pictura serigrafică Buffalo II (1964) pentru 88,8 milioane de dolari, spulberând recordul anterior al artistului.
Citește și, biografii – Eugen de Savoia
Lobby pentru drepturile de revânzare ale artiștilor
La începutul anilor 1970, Rauschenberg a făcut presiuni asupra Congresului SUA pentru a adopta un proiect de lege care să îi despăgubească pe artiști atunci când lucrările lor sunt revândute pe piața secundară. Rauschenberg a reluat lupta pentru drepturile de autor pentru revânzarea artiștilor după ce baronul de taxi Robert Scull a vândut o parte din colecția sa de opere de artă expresionistă abstractă și pop pentru 2,2 milioane de dolari. Scull achiziționase inițial picturile lui Rauschenberg, Thaw (aproximativ un deceniu mai târziu, Scull a vândut piesele pentru 85.000 și 90.000 de dolari în cadrul unei licitații din 1973 la Sotheby Parke Bernet din New York.
Eforturile de lobby ale lui Rauschenberg au fost răsplătite în 1976, când guvernatorul Californiei, Jerry Brown, a promulgat legea California Resale Royalty Act din 1976. Artistul a continuat să urmărească o legislație națională privind redevențele de revânzare după victoria din California.
sursele
