Expresionism abstract
gigatos | martie 29, 2022
Rezumat
Expresionismul abstract este o mișcare artistică de după cel de-al Doilea Război Mondial în pictura americană, dezvoltată la New York în anii 1940. A fost prima mișcare specific americană care a dobândit o influență internațională și a plasat New York-ul în centrul lumii artistice occidentale, un rol ocupat anterior de Paris.
Deși termenul „expresionism abstract” a fost aplicat pentru prima dată artei americane în 1946 de către criticul de artă Robert Coates, el a fost folosit pentru prima dată în Germania în 1919, în revista Der Sturm, cu privire la expresionismul german. În Statele Unite, Alfred Barr a fost primul care a folosit acest termen în 1929, în legătură cu lucrările lui Wassily Kandinsky.
Din punct de vedere tehnic, un predecesor important este suprarealismul, care pune accentul pe creația spontană, automată sau subconștientă. Pictura picurată de Jackson Pollock pe o pânză așezată pe podea este o tehnică care își are rădăcinile în lucrările lui André Masson, Max Ernst și David Alfaro Siqueiros. Cercetările mai noi tind să îl plaseze pe exilatul-surrealist Wolfgang Paalen în poziția de artist și teoretician care a promovat teoria spațiului posibilității dependent de privitor prin picturile sale și prin revista sa DYN. Paalen a luat în considerare idei de mecanică cuantică, precum și interpretări idiosincratice ale viziunii totemice și ale structurii spațiale din pictura indienilor nativi din British Columbia și a pregătit terenul pentru noua viziune spațială a tinerilor abstracți americani. Lungul său eseu Totem Art (1943) a avut o influență considerabilă asupra unor artiști precum Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko și Barnett Newman. În jurul anului 1944, Barnett Newman a încercat să explice cea mai nouă mișcare artistică americană și a inclus o listă cu „oamenii din noua mișcare”. Paalen este menționat de două ori; alți artiști menționați sunt Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorki și alții. Robert Motherwell este menționat cu un semn de întrebare. O altă manifestare timpurie importantă a ceea ce a devenit expresionismul abstract este opera artistului american din nord-vestul SUA Mark Tobey, în special pânzele sale cu „scris alb”, care, deși în general nu sunt la scară mare, anticipează aspectul „all-over” al picturilor pictate în picături ale lui Pollock.
Numele mișcării provine din combinarea intensității emoționale și a abnegației expresioniștilor germani cu estetica anti-figurativă a școlilor abstracte europene, cum ar fi Futurismul, Bauhaus și Cubismul sintetic. În plus, are o imagine rebelă, anarhică, foarte idiosincratică și, după părerea unora, nihilistă. În practică, termenul este aplicat oricărui număr de artiști care au lucrat (în principal) în New York și care au avut stiluri destul de diferite, și chiar și unor lucrări care nu sunt în mod special nici abstracte, nici expresioniste. Expresionistul abstract californian Jay Meuser, care a pictat de obicei în stil non-obiectiv, a scris despre tabloul său Mare Nostrum: „Este mult mai bine să surprinzi spiritul glorios al mării decât să pictezi toate micile sale valuri”. „Picturile de acțiune” pline de energie ale lui Pollock, cu senzația lor de „ocupat”, sunt diferite, atât din punct de vedere tehnic, cât și estetic, de seria violentă și grotescă Women a picturilor figurative ale lui Willem de Kooning și de dreptunghiurile de culoare din picturile Color Field ale lui Rothko (care nu sunt ceea ce s-ar numi de obicei expresionism și pe care Rothko le nega ca fiind abstracte). Cu toate acestea, toți cei patru artiști sunt clasificați drept expresioniști abstracți.
Expresionismul abstract are multe asemănări stilistice cu artiștii ruși de la începutul secolului XX, cum ar fi Wassily Kandinsky. Deși este adevărat că spontaneitatea sau impresia de spontaneitate a caracterizat multe dintre lucrările expresioniștilor abstracți, majoritatea acestor picturi au implicat o planificare atentă, mai ales că dimensiunile lor mari o cereau. La artiști precum Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz și, mai târziu, Rothko, Newman și Agnes Martin, arta abstractă a implicat în mod clar exprimarea unor idei referitoare la spiritualitate, inconștient și minte.
Motivul pentru care acest stil a fost acceptat în anii ”50 este o chestiune de dezbatere. Realismul social american fusese curentul principal în anii 1930. Acesta a fost influențat nu numai de Marea Depresiune, ci și de muraliștii mexicani precum David Alfaro Siqueiros și Diego Rivera. Climatul politic de după cel de-al Doilea Război Mondial nu a tolerat prea mult timp protestele sociale ale acestor pictori. Expresionismul abstract a apărut în timpul războiului și a început să fie expus la începutul anilor ”40 în galerii din New York, cum ar fi The Art of This Century Gallery. Epoca McCarthy de după război a fost o perioadă de cenzură artistică în Statele Unite, dar dacă subiectul era total abstract, atunci era considerat apolitic și, prin urmare, sigur. Sau, dacă arta era politică, mesajul era în mare parte destinat celor din interior.
În timp ce mișcarea este strâns asociată cu pictura, colajista Anne Ryan și anumiți sculptori, în special, au fost, de asemenea, parte integrantă a expresionismului abstract. David Smith și soția sa Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois și Louise Nevelson, în special, au fost unii dintre sculptorii considerați ca fiind membri importanți ai mișcării. În plus, artiștii David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero și sculptorii Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian și chiar Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell și mulți alții au făcut parte integrantă din mișcarea expresionistă abstractă. Mulți dintre sculptorii enumerați au participat la Ninth Street Show, o expoziție celebră curatoriată de Leo Castelli pe East Ninth Street din New York în 1951. Pe lângă pictorii și sculptorii din acea perioadă, Școala de expresionism abstract din New York a generat și o serie de poeți care au susținut-o, printre care Frank O”Hara și fotografi precum Aaron Siskind și Fred McDarrah, (a căror carte The Artist”s World in Pictures a documentat Școala de la New York în anii 1950), precum și regizori – în special Robert Frank -.
Deși școala expresionistă abstractă s-a răspândit rapid în Statele Unite, epicentrele acestui stil au fost New York City și zona Golfului San Francisco din California.
La un moment dat, pânza a început să apară pentru un pictor american după altul ca o arenă în care să acționeze. Ceea ce urma să fie pus pe pânză nu era o imagine, ci un eveniment.
În anii ”40 existau nu numai câteva galerii (The Art of This Century, Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery și alte câteva), ci și puțini critici dispuși să urmărească lucrările avangardei newyorkeze.Existau, de asemenea, câțiva artiști cu un trecut literar, printre care Robert Motherwell și Barnett Newman, care au funcționat și ca critici.
În timp ce avangarda newyorkeză era încă relativ necunoscută la sfârșitul anilor 1940, majoritatea artiștilor care au devenit astăzi nume cunoscute aveau critici patroni bine stabiliți: Clement Greenberg l-a susținut pe Jackson Pollock și pe pictorii de câmpuri de culoare precum Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb și Hans Hofmann; Harold Rosenberg părea să prefere pictorii de acțiune precum Willem de Kooning și Franz Kline, precum și picturile seminale ale lui Arshile Gorky; Thomas B. Hess, editorul-șef al ARTnews, l-a susținut pe Willem de Kooning.
Noii critici și-au înălțat protejații, catalogându-i pe ceilalți artiști drept „adepți” sau ignorându-i pe cei care nu serveau scopului lor de promovare.
În 1958, Mark Tobey a devenit primul pictor american de la Whistler (1895) încoace care a câștigat premiul cel mare la Bienala de la Veneția.
Barnett Newman, un membru târziu al Uptown Group, a scris prefețe de cataloage și recenzii, iar la sfârșitul anilor 1940 a devenit un artist care expunea la Betty Parsons Gallery. Prima sa expoziție personală a avut loc în 1948. La scurt timp după prima sa expoziție, Barnett Newman a remarcat în cadrul uneia dintre sesiunile artiștilor de la Studio 35: „Suntem în procesul de a face lumea, într-o anumită măsură, după propria noastră imagine”. Folosindu-se de abilitățile sale de scriitor, Newman a luptat la fiecare pas pentru a-și consolida imaginea de artist nou-înființată și pentru a-și promova lucrările. Un exemplu este scrisoarea sa din 9 aprilie 1955, „Scrisoare către Sidney Janis: – este adevărat că Rothko vorbește luptătorul. El luptă, însă, pentru a se supune lumii filistine. Lupta mea împotriva societății burgheze a implicat respingerea totală a acesteia”.
În mod ciudat, persoana despre care se crede că a avut cel mai mult de-a face cu promovarea acestui stil a fost un troțkist din New York: Clement Greenberg. În calitate de critic de artă de lungă durată pentru Partisan Review și The Nation, a devenit un susținător timpuriu și literar al expresionismului abstract. Artistul bine dotat Robert Motherwell s-a alăturat lui Greenberg în promovarea unui stil care se potrivea cu climatul politic și cu rebeliunea intelectuală a epocii.
Greenberg a proclamat expresionismul abstract și, în special, pe Pollock, ca fiind întruchiparea valorii estetice. El a susținut opera lui Pollock pe motive formaliste, considerând-o pur și simplu ca fiind cea mai bună pictură a timpului său și ca fiind punctul culminant al unei tradiții artistice care se întorcea înapoi prin cubism și Cézanne până la Monet, în care pictura a devenit din ce în ce mai „pură” și mai concentrată în ceea ce era „esențial” pentru ea, adică realizarea de semne pe o suprafață plană.
Opera lui Pollock a polarizat întotdeauna criticii. Rosenberg a vorbit despre transformarea picturii într-o dramă existențială în opera lui Pollock, în care „ceea ce urma să apară pe pânză nu era o imagine, ci un eveniment”. „Marele moment a venit atunci când s-a decis să picteze „doar pentru a picta”. Gestul de pe pânză a fost un gest de eliberare de valoare – politică, estetică, morală”.
Unul dintre cei mai vehemenți critici ai expresionismului abstract la acea vreme a fost criticul de artă John Canaday din The New York Times. Meyer Schapiro și Leo Steinberg, alături de Greenberg și Rosenberg, au fost istorici de artă importanți din perioada postbelică, care și-au exprimat sprijinul pentru expresionismul abstract. La începutul și până la jumătatea anilor ”60, critici de artă mai tineri, Michael Fried, Rosalind Krauss și Robert Hughes au adus o contribuție considerabilă la dialectica critică ce continuă să se dezvolte în jurul expresionismului abstract.
Citește și, biografii – Ioan Sigismund Zápolya
Al Doilea Război Mondial și perioada postbelică
În perioada premergătoare și în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, artiști, scriitori și poeți moderniști, precum și colecționari și comercianți importanți, au fugit din Europa și din fața atacului naziștilor pentru a se refugia în Statele Unite. Mulți dintre cei care nu au fugit au pierit. Printre artiștii și colecționarii care au ajuns la New York în timpul războiului (unii cu ajutorul lui Varian Fry) se numără Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger și Piet Mondrian. Câțiva artiști, în special Picasso, Matisse și Pierre Bonnard, au rămas în Franța și au supraviețuit.
Perioada postbelică a lăsat capitalele Europei în plină agitație, cu o urgență de reconstrucție economică și fizică și de regrupare politică. La Paris, fostul centru al culturii europene și capitala lumii artei, climatul pentru artă a fost un dezastru, iar New York a înlocuit Parisul ca nou centru al lumii artei. Europa postbelică a văzut continuarea suprarealismului, a cubismului, a dadaismului și a operelor lui Matisse. Tot în Europa, Art brut și Abstracția lirică sau Tachisme (echivalentul european al expresionismului abstract) au pus stăpânire pe cea mai nouă generație. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages și Jean Messagier, printre alții, sunt considerați figuri importante în pictura europeană postbelică. În Statele Unite, o nouă generație de artiști americani a început să apară și să domine scena mondială, iar aceștia au fost numiți expresioniști abstracți.
Anii ”40 la New York au anunțat triumful expresionismului abstract american, o mișcare modernistă care a combinat lecțiile învățate de la Matisse, Picasso, suprarealism, Miró, cubism, fauvism și modernismul timpuriu prin intermediul unor mari profesori din America, precum Hans Hofmann din Germania și John D. Graham din Ucraina. Influența lui Graham asupra artei americane la începutul anilor 1940 a fost vizibilă în special în lucrările lui Gorki, de Kooning, Pollock și Richard Pousette-Dart, printre alții. Contribuțiile lui Gorki la arta americană și mondială sunt greu de supraestimat. Opera sa ca abstracție lirică a fost un „nou limbaj”. El „a luminat calea pentru două generații de artiști americani”. Spontaneitatea picturală a lucrărilor de maturitate, cum ar fi „Ficatul este pieptenele cocoșului”, „Logodna II” și „Un an lăptișor de matcă”, a prefigurat imediat expresionismul abstract, iar liderii Școlii de la New York au recunoscut influența considerabilă a lui Gorki. Lucrările timpurii ale lui Hyman Bloom au fost, de asemenea, influente. Artiștii americani au beneficiat, de asemenea, de prezența lui Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst și a grupului André Breton, a galeriei lui Pierre Matisse și a galeriei The Art of This Century a lui Peggy Guggenheim, precum și de alți factori. Hans Hofmann, în special ca profesor, mentor și artist, a fost important și influent pentru dezvoltarea și succesul expresionismului abstract în Statele Unite. Printre protejații lui Hofmann s-a numărat Clement Greenberg, care a devenit o voce extrem de influentă pentru pictura americană, iar printre elevii săi s-a numărat Lee Krasner, care l-a prezentat pe profesorul ei, Hofmann, soțului ei, Jackson Pollock.
La sfârșitul anilor 1940, abordarea radicală a lui Jackson Pollock a revoluționat potențialul artei contemporane care i-a urmat. Într-o oarecare măsură, Pollock a realizat că drumul către realizarea unei opere de artă era la fel de important ca și opera de artă în sine. La fel ca și reinventarea inovatoare a picturii și sculpturii de către Picasso la începutul secolului, prin cubism și sculptură construită, cu influențe atât de disparate precum picturile pe nisip Navajo, suprarealismul, analiza jungiană și arta murală mexicană, Pollock a redefinit ceea ce înseamnă să produci artă. Îndepărtarea sa de pictura de șevalet și de convenționalitate a fost un semnal eliberator pentru artiștii din epoca sa și pentru toți cei care au urmat. Artiștii și-au dat seama că procesul lui Jackson Pollock – așezarea pânzei brute, neîntinse, pe podea, unde putea fi atacată din toate cele patru părți cu ajutorul materialelor de artist și al materialelor industriale; șuvițele liniare de vopsea picurate și aruncate; desenul, colorarea, perierea; imaginile și non-imaginea – a dus, în esență, crearea de artă dincolo de orice limită anterioară. Expresionismul abstract, în general, a extins și dezvoltat definițiile și posibilitățile pe care artiștii le aveau la dispoziție pentru crearea de noi opere de artă.
Ceilalți expresioniști abstracți au urmat descoperirii lui Pollock cu noi descoperiri proprii. Într-un anumit sens, inovațiile lui Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos și alții au deschis porțile către diversitatea și amploarea întregii arte care le-a urmat. Mișcările radicale anti-formaliste din anii 1960 și 1970, inclusiv Fluxus, Neo-Dada, arta conceptuală și mișcarea artistică feministă, pot fi urmărite până la inovațiile expresionismului abstract. Relecturile asupra artei abstracte, realizate de istorici de artă precum Linda Nochlin și Catherine de Zegher, arată însă în mod critic că femeile pionier care au produs inovații majore în arta modernă au fost ignorate de relatările oficiale ale istoriei acesteia, dar au început în cele din urmă să obțină recunoașterea mult așteptată în urma mișcării expresioniste abstracte din anii 1940 și 1950. Expresionismul abstract a apărut ca o mișcare artistică majoră în New York în anii 1950 și, ulterior, mai multe galerii de artă importante au început să le includă pe expresionistele abstracte în expoziții și ca personaje obișnuite în listele lor. Printre aceste galerii importante din „uptown” se numărau: Charles Egan Gallery, Betty Parsons Gallery, Tibor de Nagy Gallery, Stable Gallery, Leo Castelli Gallery, precum și altele, iar câteva galerii din centrul orașului, cunoscute la acea vreme sub numele de galeriile Tenth Street, au expus mulți artiști tineri și emergenți care lucrau în stilul expresionist abstract.
Action painting a fost un stil răspândit din anii 1940 până la începutul anilor 1960 și este strâns asociat cu expresionismul abstract (unii critici au folosit termenii de action painting și expresionism abstract în mod interschimbabil). Se face adesea o comparație între action painting-ul american și tachisme-ul francez.
Termenul a fost inventat de criticul american Harold Rosenberg în 1952 și a marcat o schimbare majoră în perspectiva estetică a pictorilor și a criticilor din Școala de la New York. Potrivit lui Rosenberg, pânza era „o arenă în care se putea acționa”. În timp ce expresioniștii abstracți, precum Jackson Pollock, Franz Kline și Willem de Kooning, erau de mult timp deschiși la ideea că un tablou este o arenă în care se confruntă cu actul de creație, criticii anteriori, simpatizanți ai cauzei lor, precum Clement Greenberg, se concentrau pe „caracterul de obiect” al operelor lor. Pentru Greenberg, fizicalitatea suprafețelor coagulate și acoperite de ulei ale picturilor era cheia pentru a le înțelege ca documente ale luptei existențiale a artiștilor.
Critica lui Rosenberg a mutat accentul de pe obiect pe lupta în sine, pictura terminată fiind doar manifestarea fizică, un fel de reziduu, a operei de artă reale, care se afla în actul sau procesul de creare a picturii. Această activitate spontană era „acțiunea” pictorului, prin mișcarea brațelor și a încheieturilor mâinilor, prin gesturile picturale, prin loviturile de pensulă, prin vopseaua aruncată, stropită, pătată, scorojită și picurată. Pictorul lăsa uneori vopseaua să se scurgă pe pânză, în timp ce dansa ritmic, sau chiar stătea în pânză, uneori lăsând vopseaua să cadă în funcție de subconștient, lăsând astfel partea inconștientă a psihicului să se afirme și să se exprime. Toate acestea sunt însă greu de explicat sau de interpretat, deoarece este vorba de o presupusă manifestare inconștientă a actului de creație pură.
În practică, termenul de expresionism abstract este aplicat la o serie de artiști care au lucrat (în principal) la New York și care au avut stiluri destul de diferite, și chiar și la lucrări care nu sunt nici abstracte, nici expresioniste. Tablourile de acțiune energice ale lui Pollock, cu sentimentul lor „ocupat”, sunt diferite, atât din punct de vedere tehnic, cât și estetic, de seria de femei violente și grotești ale lui De Kooning. Femeia V face parte dintr-o serie de șase picturi realizate de de Kooning între 1950 și 1953 care înfățișează o figură feminină de trei sferturi. El a început primul dintre aceste tablouri, Woman I, în iunie 1950, modificând și pictând în mod repetat imaginea până în ianuarie sau februarie 1952, când pictura a fost abandonată neterminată. La scurt timp după aceea, istoricul de artă Meyer Schapiro a văzut pictura în atelierul lui de Kooning și l-a încurajat pe artist să continue. Răspunsul lui de Kooning a fost acela de a începe alte trei picturi pe aceeași temă: Femeia II, Femeia III și Femeia IV. În timpul verii anului 1952, petrecută la East Hampton, de Kooning a continuat să exploreze tema prin desene și pasteluri. Este posibil să fi terminat lucrarea la Femeia I la sfârșitul lunii iunie, sau poate chiar în noiembrie 1952, și probabil că celelalte trei tablouri cu femei au fost finalizate cam în același timp. Seria Woman sunt în mod clar picturi figurative.
Un alt artist important este Franz Kline. La fel ca Jackson Pollock și alți expresioniști abstracți, Kline a fost etichetat drept „pictor de acțiune” din cauza stilului său aparent spontan și intens, care se concentra mai puțin sau deloc pe figuri sau imagini, ci mai degrabă pe loviturile de pensulă și pe utilizarea pânzei, după cum demonstrează tabloul său Number 2 (1954).
Scrisul automat a fost un vehicul important pentru pictori de acțiune precum Kline (în picturile sale alb-negru), Pollock, Mark Tobey și Cy Twombly, care au folosit gestul, suprafața și linia pentru a crea simboluri caligrafice, liniare și șuvițe care seamănă cu limbajul și care rezonează ca manifestări puternice din inconștientul colectiv. Robert Motherwell, în seria Elegy to the Spanish Republic (Elegie pentru Republica Spaniolă), a pictat tablouri puternice în alb și negru, folosind gestul, suprafața și simbolul, evocând încărcături emoționale puternice.
Între timp, alți pictori de acțiune, în special de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell și James Brooks, au folosit imagini fie prin intermediul peisajului abstract, fie ca viziuni expresioniste ale figurii pentru a-și articula evocările extrem de personale și puternice. Picturile lui James Brooks au fost deosebit de poetice și extrem de premonitorii în raport cu abstracția lirică care a devenit proeminentă la sfârșitul anilor 1960 și în anii 1970.
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb și blocurile de culoare care strălucesc cu seninătate în lucrările lui Mark Rothko (care nu sunt ceea ce ar fi numit de obicei expresionism și pe care Rothko a negat că ar fi abstracte), sunt clasificate ca expresioniști abstracți, deși din ceea ce Clement Greenberg a numit direcția Color field a expresionismului abstract. Atât Hans Hofmann, cât și Robert Motherwell pot fi descriși în mod confortabil ca practicanți ai picturii de acțiune și ai picturii Color field. În anii 1940, imaginile foarte bine construite ale lui Richard Pousette-Dart se bazau adesea pe teme de mitologie și misticism, la fel ca și picturile lui Gottlieb și Pollock în acel deceniu.
Inițial, pictura Color Field se referea la un anumit tip de expresionism abstract, în special la lucrările lui Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt și la câteva serii de picturi ale lui Joan Miró. Greenberg a perceput pictura Color Field ca fiind înrudită cu, dar diferită de Action painting. Pictorii Color Field au căutat să își elibereze arta de retorica superfluă. Artiști precum Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey și mai ales Ad Reinhardt și Barnett Newman, a cărui capodoperă Vir heroicus sublimis se află în colecția MoMA, au folosit referințe foarte reduse la natură și au pictat cu o utilizare foarte articulată și psihologică a culorii. În general, acești artiști au eliminat imaginile recognoscibile, în cazul lui Rothko și Gottlieb folosind uneori simboluri și semne ca înlocuitor al imaginilor. Anumiți artiști au citat referințe la arta trecută sau prezentă, dar, în general, pictura color field prezintă abstracția ca pe un scop în sine. Urmărind această direcție a artei moderne, artiștii au vrut să prezinte fiecare tablou ca pe o imagine unitară, coerentă și monolitică.
Spre deosebire de energia emoțională și de semnele gestuale ale expresioniștilor abstracți, precum Pollock și de Kooning, pictorii Color Field au părut inițial reci și austeri, eliminând semnele individuale în favoarea unor suprafețe mari și plate de culoare, pe care acești artiști le considerau a fi natura esențială a abstracției vizuale, împreună cu forma pânzei, pe care, mai târziu, în anii 1960, Frank Stella, în special, a realizat-o în moduri neobișnuite prin combinații de margini curbe și drepte. Cu toate acestea, pictura Color Field s-a dovedit a fi atât senzuală, cât și profund expresivă, deși într-un mod diferit de expresionismul abstract gestual.
Deși expresionismul abstract s-a răspândit rapid în toate Statele Unite, principalele centre ale acestui stil au fost New York City și California, în special în cadrul Școlii din New York, și în zona golfului San Francisco. Picturile expresioniste abstracte au în comun anumite caracteristici, printre care utilizarea pânzelor mari, o abordare „all-over”, în care întreaga pânză este tratată cu aceeași importanță (spre deosebire de centrul care prezintă mai mult interes decât marginile). Pânza ca arenă a devenit un crez al picturii Action painting, în timp ce integritatea planului imaginii a devenit un crez al pictorilor Color field. Artiști mai tineri au început să își expună picturile legate de expresionismul abstract și în anii 1950, printre care Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas și Robert Goodnough, printre alții.
Deși Pollock este asociat îndeaproape cu Action Painting datorită stilului, tehnicii și atingerii sale picturale și aplicării fizice a vopselei, criticii de artă l-au comparat pe Pollock atât cu Action Painting, cât și cu color field painting. Un alt punct de vedere critic avansat de Greenberg leagă pânzele alopate ale lui Pollock de nuferii de mari dimensiuni ai lui Claude Monet, realizate în anii 1920. Critici de artă precum Michael Fried, Greenberg și alții au observat că sentimentul general din cele mai faimoase lucrări ale lui Pollock – picturile sale în picături – se citește ca pe niște câmpuri vaste de elemente liniare construite. Aceștia observă că aceste lucrări se citesc deseori ca pe niște complexe vaste de eșaloane de vopsea cu valori similare și câmpuri de culoare și desen peste tot, și sunt legate de Monet-urile de dimensiuni murale, care sunt construite în mod similar din semne periate și zgâriate cu valori apropiate care se citesc, de asemenea, ca pe niște câmpuri de culoare și desen. Utilizarea de către Pollock a compoziției de tip „all-over” oferă o legătură filozofică și fizică cu modul în care pictorii de câmpuri de culoare precum Newman, Rothko și Still își construiesc suprafețele neîntrerupte și, în cazul lui Still, sparte. În mai multe tablouri pe care Pollock le-a pictat după perioada sa clasică de pictură în picături din 1947-1950, a folosit tehnica de colorare a vopselei fluide de ulei și a vopselei de casă în pânza brută. În cursul anului 1951 a realizat o serie de picturi semi-figurative cu pete negre, iar în 1952 a realizat picturi cu pete folosind culoarea. În cadrul expoziției sale din noiembrie 1952 de la Sidney Janis Gallery din New York, Pollock a expus Number 12, 1952, o pictură cu pete de mari dimensiuni, magistrală, care seamănă cu un peisaj pătat în culori strălucitoare (pictura a fost achiziționată din expoziție de Nelson Rockefeller pentru colecția sa personală.
Deși Arshile Gorki este considerat unul dintre părinții fondatori ai expresionismului abstract și suprarealist, el a fost, de asemenea, unul dintre primii pictori ai Școlii de la New York care a folosit tehnica colorării. Gorki a creat câmpuri largi de culori vii, deschise, neîntrerupte, pe care le-a folosit în multe dintre picturile sale ca motive. În cele mai eficiente și mai reușite picturi ale lui Gorki, realizate între anii 1941-1948, a folosit în mod constant câmpuri de culoare intens colorate, lăsând adesea vopseaua să curgă și să picure, sub și în jurul lexiconului său familiar de forme organice și biomorfe și linii delicate. Un alt expresionist abstract ale cărui lucrări din anii 1940 amintesc de picturile cu pete din anii 1960 și 1970 este James Brooks. Brooks a folosit în mod regulat pata ca tehnică în picturile sale de la sfârșitul anilor 1940. Brooks a început să își dilueze vopseaua de ulei pentru a avea culori fluide cu care să toarne, să picure și să păteze în pânza în mare parte brută pe care o folosea. Aceste lucrări combinau adesea caligrafie și forme abstracte. În ultimele trei decenii ale carierei sale, stilul lui Sam Francis de expresionism abstract luminos la scară mare a fost strâns asociat cu pictura Color field. Tablourile sale s-au situat în ambele tabere din cadrul rubricii expresioniste abstracte, Action painting și Color Field painting.
După ce a văzut picturile lui Pollock din 1951, în care Pollock a aplicat pe pânză brută vopsea de ulei neagră diluată, Frankenthaler a început să producă în 1952 picturi cu pete în culori variate de ulei pe pânză brută. Cea mai faimoasă pictură a sa din acea perioadă este Mountains and Sea (Munți și mare). Ea este una dintre inițiatoarele mișcării Color Field, care a apărut la sfârșitul anilor 1950. Frankenthaler a studiat, de asemenea, cu Hans Hofmann.
Picturile lui Hofmann sunt o simfonie de culori, așa cum se poate vedea în The Gate, 1959-1960. A fost renumit nu numai ca artist, ci și ca profesor de artă, atât în Germania natală, cât și mai târziu în SUA. Hofmann, care a venit în Statele Unite din Germania la începutul anilor 1930, a adus cu el moștenirea modernismului. Ca tânăr artist în Parisul de dinainte de Primul Război Mondial, Hofmann a lucrat cu Robert Delaunay și a cunoscut direct lucrările inovatoare atât ale lui Picasso, cât și ale lui Matisse. Lucrările lui Matisse au avut o influență enormă asupra sa și asupra înțelegerii limbajului expresiv al culorilor și a potențialității abstracției. Hofmann a fost unul dintre primii teoreticieni ai picturii pe câmpuri de culoare, iar teoriile sale au avut influență asupra artiștilor și criticilor, în special asupra lui Clement Greenberg, precum și asupra altora în anii 1930 și 1940. În 1953, Morris Louis și Kenneth Noland au fost amândoi profund influențați de picturile cu pete ale lui Helen Frankenthaler, după ce au vizitat atelierul acesteia din New York. Întorcându-se la Washington, DC, au început să producă lucrările majore care au creat mișcarea color field la sfârșitul anilor 1950.
În 1972, curatorul de atunci al Metropolitan Museum of Art, Henry Geldzahler, spunea:
Clement Greenberg a inclus lucrări atât ale lui Morris Louis, cât și ale lui Kenneth Noland într-o expoziție pe care a organizat-o la Galeria Kootz la începutul anilor 1950. Clem a fost primul care le-a văzut potențialul. I-a invitat la New York în 1953, cred că în atelierul lui Helen, pentru a vedea un tablou pe care tocmai îl realizase, intitulat „Munți și mare”, un tablou foarte, foarte frumos, care, într-un fel, era inspirat din Pollock și Gorki. A fost, de asemenea, unul dintre primele tablouri cu pete, unul dintre primele tablouri de mari dimensiuni în care a fost folosită tehnica petelor, poate chiar primul. Louis și Noland au văzut tabloul derulat pe podeaua atelierului ei și s-au întors la Washington, DC, și au lucrat împreună o vreme, analizând implicațiile acestui tip de pictură.
În pictura abstractă din anii ”50 și ”60 au apărut mai multe direcții noi, cum ar fi pictura Hard-edge, exemplificată de John McLaughlin. Între timp, ca o reacție împotriva subiectivismului expresionismului abstract, alte forme de abstracție geometrică au început să apară în atelierele artiștilor și în cercurile avangardei radicale. Greenberg a devenit vocea abstracției post-picturale; fiind curatorul unei expoziții influente de pictură nouă, care a făcut un turneu prin importante muzee de artă din Statele Unite în 1964. Pictura pe câmpuri de culoare, pictura Hard-edge și abstracția lirică au apărut ca noi direcții radicale.
De la jumătatea anilor 1970, s-a susținut că stilul a atras atenția, la începutul anilor 1950, CIA, care l-a considerat reprezentativ pentru SUA ca fiind un paradis al gândirii libere și al piețelor libere, precum și o provocare atât pentru stilurile realiste socialiste predominante în țările comuniste, cât și pentru dominația piețelor de artă europene. Cartea lui Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War-The CIA and the World of Arts and Letters, (publicată în Marea Britanie sub titlul Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) detaliază modul în care CIA a finanțat și a organizat promovarea expresioniștilor abstracți americani ca parte a imperialismului cultural prin intermediul Congresului pentru libertate culturală între 1950 și 1967. În special seria Elegy to the Spanish Republic (Elegie către Republica Spaniolă) a lui Robert Motherwell a abordat unele dintre aceste probleme politice. Tom Braden, șeful fondator al Diviziei de Organizații Internaționale a CIA (IOD) și fost secretar executiv al Muzeului de Artă Modernă, a declarat într-un interviu: „Cred că a fost cea mai importantă divizie pe care a avut-o agenția și cred că a jucat un rol enorm în Războiul Rece”.
Împotriva acestei tradiții revizioniste, un eseu al lui Michael Kimmelman, criticul șef de artă de la The New York Times, intitulat Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, argumentează că multe dintre informațiile referitoare la ceea ce se întâmpla pe scena artistică americană în anii 1940 și 1950, precum și interpretarea pe care o dau revizioniștii, sunt complet false sau, în cel mai bun caz, decontextualizate, contrar principiilor istoriografice declarate de revizioniști. Alte cărți pe această temă sunt Art in the Cold War, de Christine Lindey, care descrie, de asemenea, arta din Uniunea Sovietică în aceeași perioadă, și Pollock and After, editată de Francis Frascina, care a reluat articolul lui Kimmelman.
Pictorul canadian Jean-Paul Riopelle (1923-2002), membru al grupului de inspirație suprarealistă Les Automatistes, cu sediul la Montreal, a contribuit la introducerea în lumea artistică pariziană, începând din 1949, a unui stil înrudit cu impresionismul abstract. Cartea revoluționară a lui Michel Tapié, Un Art Autre (1952), a avut, de asemenea, o influență enormă în această privință. Tapié a fost, de asemenea, un curator și organizator de expoziții care a promovat operele lui Pollock și Hans Hofmann în Europa. Până în anii 1960, efectul inițial al mișcării fusese asimilat, însă metodele și susținătorii acesteia au rămas extrem de influente în artă, afectând profund lucrările multor artiști care i-au urmat. Expresionismul abstract a precedat Tachisme, pictura Color Field, Abstracția lirică, Fluxus, Pop Art, Minimalismul, Postminimalismul, Neoexpresionismul și celelalte mișcări din anii ”60 și ”70 și a influențat toate aceste mișcări ulterioare care au evoluat. Mișcările care au fost răspunsuri directe și revolte împotriva expresionismului abstract au început cu pictura Hard-edge (Frank Stella, Robert Indiana și alții) și cu artiștii Pop, în special Andy Warhol, Claes Oldenburg și Roy Lichtenstein, care au devenit proeminenți în SUA, însoțiți de Richard Hamilton în Marea Britanie. Robert Rauschenberg și Jasper Johns din SUA au format o punte de legătură între expresionismul abstract și arta Pop. Minimalismul a fost exemplificat de artiști precum Donald Judd, Robert Mangold și Agnes Martin.
În anii de după cel de-al Doilea Război Mondial, un grup de artiști newyorkezi a înființat una dintre primele școli adevărate de artiști din America, aducând o nouă eră în arta americană: expresionismul abstract. Acest lucru a dus la boom-ul artei americane care a adus stiluri precum Pop Art. Acest lucru a contribuit, de asemenea, la transformarea New York-ului într-un centru cultural și artistic.
Expresioniștii abstracți prețuiesc organismul în detrimentul întregului static, devenirea în detrimentul ființei, expresia în detrimentul perfecțiunii, vitalitatea în detrimentul finisajului, fluctuația în detrimentul odihnei, sentimentul în detrimentul formulării, necunoscutul în detrimentul cunoscutului, voalatul în detrimentul clarului, individul în detrimentul societății și interiorul în detrimentul exteriorului.
Citește și, civilizatii – Principatul Transilvaniei
Stiluri, tendințe, școli și mișcări conexe
Citește și, biografii – Eduard cel Bătrân
Alte subiecte conexe
sursele
