Renașterea

gigatos | februarie 7, 2022

Rezumat

Renașterea, Renașterea sau Renașterea-anticentism sunt termenii utilizați pentru a identifica perioada istoriei europene cuprinsă aproximativ între mijlocul secolului al XIV-lea și sfârșitul secolului al XVI-lea. Cu toate acestea, cercetătorii nu au ajuns la un consens în privința acestei cronologii, existând variații considerabile de date în funcție de autor. Deși transformările au fost destul de evidente în cultură, societate, economie, politică și religie, caracterizând tranziția de la feudalism la capitalism și însemnând o evoluție în raport cu structurile medievale, termenul este mai frecvent utilizat pentru a descrie efectele sale asupra artelor, filosofiei și științelor.

A fost numită Renaștere datorită revalorizării intense a referințelor Antichității clasice, care a condus la o atenuare progresivă a influenței dogmatismului religios și a misticismului asupra culturii și societății, cu o apreciere concomitentă și crescândă a raționalității, a științei și a naturii. În acest proces, ființa umană a fost investită cu o nouă demnitate și plasată în centrul Creației, motiv pentru care principalul curent de gândire din această perioadă a primit numele de umanism.

Mișcarea s-a manifestat mai întâi în regiunea italiană Toscana, având ca centre principale orașele Florența și Siena, de unde s-a răspândit în restul peninsulei italiene și apoi în aproape toate țările din Europa Occidentală, impulsionată de dezvoltarea presei și de circulația artiștilor și a operelor. Italia a rămas întotdeauna locul în care mișcarea și-a prezentat expresia cea mai tipică, însă manifestări renascentiste de mare importanță au avut loc și în Anglia, Franța, Germania, Olanda și Peninsula Iberică. Răspândirea internațională a referințelor italiene a produs, în general, o artă foarte diferită de modelele sale, influențată de tradițiile regionale, care, pentru mulți, se definește cel mai bine ca un nou stil, manierismul. Termenul de Renaștere a fost folosit pentru prima dată de Giorgio Vasari în secolul al XVI-lea, un istoric care s-a străduit să plaseze Florența ca protagonistă a celor mai importante inovații, iar scrierile sale au exercitat o influență decisivă asupra criticii ulterioare.

Multă vreme, această perioadă a fost considerată în Statele Unite și în Europa ca o mișcare omogenă, coerentă și mereu progresivă, ca fiind cea mai interesantă și mai fructuoasă perioadă de la antichitate încoace, iar una dintre fazele sale, Renașterea înaltă, a fost consacrată ca apoteoză a îndelungatei căutări anterioare a celei mai sublime expresii și a celei mai perfecte imitații a clasicilor, iar moștenirea sa artistică a fost considerată o paradigmă de calitate de neegalat. Cu toate acestea, studiile din ultimele decenii au revizuit aceste viziuni tradiționale, considerându-le nesustanțiale sau stereotipice, și au văzut această perioadă ca fiind mult mai complexă, diversă, contradictorie și imprevizibilă decât s-a presupus de-a lungul generațiilor. Cu toate acestea, noul consens care s-a instaurat recunoaște Renașterea ca o etapă importantă în istoria europeană, ca o fază de schimbare rapidă și relevantă în multe domenii, ca o constelație de semne și simboluri culturale care a definit o mare parte din ceea ce a fost Europa până la Revoluția Franceză și care rămâne foarte influentă chiar și astăzi în multe părți ale lumii, atât în cercurile academice, cât și în cultura populară.

Umanismul poate fi evidențiat ca principala valoare cultivată în Renaștere, bazată pe concepte care își aveau originea îndepărtată în Antichitatea clasică. Potrivit lui Lorenzo Casini, „unul dintre fundamentele mișcării renascentiste a fost ideea că exemplul Antichității clasice constituia un model de excelență neprețuit la care epoca modernă, atât de decadentă și de nedemnă, putea să se raporteze pentru a repara răul făcut de la căderea Imperiului Roman”. Se înțelegea, de asemenea, că Dumnezeu dăduse lumii un singur Adevăr, cel care a produs creștinismul și pe care numai el l-a păstrat în întregime, dar fragmente din el au fost acordate altor culturi, printre care se remarca cultura greco-romană, și din acest motiv ceea ce a rămas din Antichitate în bibliografie și alte relicve era ținut în mare prețuire.

Mai multe elemente au contribuit la nașterea în Italia a umanismului în forma sa cea mai tipică. Memoria gloriei Imperiului Roman, păstrată în ruine și monumente, și supraviețuirea limbii latine ca limbă vie sunt aspecte relevante. Lucrările gramaticienilor, comentatorilor, medicilor și ale altor savanți păstrau în circulație referiri la clasicism, iar pregătirea avocaților, secretarilor, notarilor și a altor funcționari presupunea, în general, studierea retoricii și a legislației latine. Moștenirea clasică nu a dispărut niciodată complet pentru italieni, iar Toscana a fost puternic asociată cu aceasta. Dar, deși acolo a supraviețuit această cultivare a clasicilor, ea era slabă în comparație cu interesul generat de autorii antici în Franța și în alte țări nordice cel puțin din secolul al IX-lea. Când moda clasicistă a început să scadă în Franța, la sfârșitul secolului al XIII-lea, ea a început să se intensifice în Italia centrală, și se pare că acest lucru s-a datorat în parte influenței franceze. Petrarca (1304-1374) este numit în mod tradițional fondatorul umanismului, dar, având în vedere existența mai multor precursori notabili, precum Giovanni del Virgilio la Bologna sau Albertino Mussato la Padova, mai degrabă decât fondator, Petrarca a fost primul mare exponent al mișcării.

Mai mult decât o filozofie, umanismul a fost și o mișcare literară și o metodă de învățare care avea o gamă largă de interese, în care filozofia nu era singura și poate nici măcar cea predominantă. Ea a acordat o valoare mai mare utilizării rațiunii individuale și analizei dovezilor empirice, spre deosebire de scolastica medievală, care se limita practic la consultarea autorităților din trecut, în principal Aristotel și Părinții Bisericii primare, și la dezbaterea diferențelor dintre autori și comentatori. Umanismul nu a renunțat la aceste surse, iar o parte deloc neglijabilă a formării sale provine din fundamentele medievale, dar a început să le reexamineze în lumina unor noi propuneri și a unei serii de alte texte antice redescoperite. În descrierea Encyclopaedia Britannica,

Umanismul s-a consolidat începând cu secolul al XV-lea, mai ales prin intermediul scrierilor lui Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Erasmus din Rotterdam, Rudolph Agricola, Pico della Mirandola, Petrus Ramus, Juan Luis Vives, Francis Bacon, Michel de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella și Thomas More, printre alții, care au dezbătut diverse aspecte ale lumii naturale, ale omului, ale divinului și ale societății, al artelor și al gândirii, încorporând o multitudine de referințe din antichitate puse în circulație prin texte necunoscute până atunci – grecești, latine, arabe, evreiești, bizantine și de alte origini – reprezentând școli și principii atât de diverse precum neoplatonismul, hedonismul, optimismul, individualismul, scepticismul, stoicismul, epicureismul, hermetismul, antropocentrismul, raționalismul, gnosticismul, cabalismul și multe altele. Pe lângă toate acestea, reluarea studiului limbii grecești, abandonată în totalitate în Italia, a făcut posibilă reexaminarea textelor originale ale lui Platon, Aristotel și ale altor autori, generând noi interpretări și traduceri mai precise, care au modificat impresia pe care o aveau despre ansamblul lor de idei. Dar dacă umanismul a fost remarcabil prin ceea ce a influențat în domeniile eticii, logicii, teologiei, jurisprudenței, retoricii, poeticii, artelor și științelor umaniste, prin munca de descoperire, exegeză, traducere și diseminare a textelor clasice, precum și prin contribuția pe care a adus-o filosofiei renascentiste în domeniile filosofiei morale și politice, potrivit lui Smith et alii, cea mai mare parte a activității specific filosofice a perioadei a fost realizată de filosofi formați în tradiția scolastică antică și adepți ai lui Aristotel și de metafizicieni adepți ai lui Platon.

Strălucita înflorire culturală și științifică a Renașterii a plasat omul, raționamentul său logic și știința ca măsură și arbitru al vieții manifeste. Acest lucru a dat naștere unor sentimente de optimism, deschizând pozitiv omul către nou și încurajând spiritul de cercetare al acestuia. Dezvoltarea unei noi atitudini față de viață a lăsat în urmă spiritualitatea excesivă a goticului și a văzut lumea materială, cu frumusețile sale naturale și culturale, ca pe un loc de care trebuie să te bucuri, punând accentul pe experiența individuală și pe posibilitățile latente ale omului. În plus, experimentele democratice italiene, prestigiul tot mai mare al artistului ca erudit și nu ca simplu meșteșugar, precum și un nou concept de educație care prețuia talentele individuale ale fiecărei persoane și căuta să dezvolte omul ca ființă completă și integrată, cu o expresie deplină a facultăților sale spirituale, morale și fizice, au alimentat noi sentimente de libertate socială și individuală.

Teoriile perfectibilității și ale progresului au fost discutate, iar pregătirea pe care umaniștii o preconizau pentru formarea omului ideal, un om al trupului și al spiritului, în același timp filozof, om de știință și artist, a extins structura medievală de predare a trívio și quadrívio, creând în acest proces noi științe și discipline, un nou concept de predare și educație și o nouă metodă științifică. În această perioadă au fost inventate diverse instrumente științifice, au fost descoperite diverse legi naturale și obiecte fizice necunoscute până atunci, iar însăși fața planetei s-a schimbat pentru europeni după descoperirile marilor navigații, ducând fizica, matematica, medicina, astronomia, filosofia, ingineria, filologia și diverse alte ramuri ale cunoașterii la un nivel fără precedent de complexitate, eficiență și precizie, fiecare contribuind la o creștere exponențială a cunoașterii totale, ceea ce a dus la conceperea istoriei omenirii ca o expansiune continuă și întotdeauna în bine. Acest spirit de încredere în viață și în om leagă Renașterea de Antichitatea clasică și definește o mare parte din moștenirea sa. Următorul pasaj din Pantagruel (1532) al lui François Rabelais este adesea citat pentru a ilustra spiritul Renașterii:

În ciuda ideii pe care Renașterea și-ar putea-o face, mișcarea nu a putut fi niciodată o imitație literală a culturii antice, pentru că totul s-a petrecut sub mantia catolicismului, ale cărui valori și cosmogonie erau foarte diferite de cele ale păgânismului antic. Astfel, într-un fel, Renașterea a fost o încercare originală și eclectică de a armoniza neoplatonismul păgân cu religia creștină, eros cu charitas, alături de influențe orientale, iudaice și arabe, și în care studiul magiei, al astrologiei și al ocultismului a jucat un rol important în elaborarea unor sisteme de disciplină și de îmbunătățire morală și spirituală și a unui nou limbaj simbolic.

Dacă înainte creștinismul fusese singura cale spre Dumnezeu, fundamentând întreaga explicație a vieții și a lumii și oferind justificarea ordinii sociale dominante, umaniștii vor arăta că existau multe alte căi și posibilități, că nu au căutat să nege esența crezului – acest lucru ar fi fost imposibil de susținut pentru o perioadă lungă de timp, toate negațiile radicale din acea vreme sfârșind prin represiuni violente -, ci au transformat interpretarea dogmelor și relațiile lor cu viața și dramele sociale. Acest lucru a conferit religiei mai multă flexibilitate și adaptabilitate, dar a însemnat un declin al prestigiului și influenței sale asupra societății, pe măsură ce omul a devenit puțin mai emancipat de sub tutela sa. Gândirea medievală avea tendința de a vedea omul ca pe o creatură josnică, o „masă de putreziciune, praf și cenușă”, după cum spunea Petru Damian în secolul al XI-lea. Dar când Pico della Mirandola a apărut în secolul al XV-lea, omul reprezenta deja centrul universului, o ființă mutantă, nemuritoare, autonomă, liberă, creativă și puternică, făcând ecoul vocilor mai vechi ale lui Hermes Trismegistus („Marele miracol este omul”) și ale arabului Abdala („Nu există nimic mai minunat decât omul”).

Pe de o parte, unii dintre acei oameni se vedeau pe ei înșiși ca moștenitori ai unei tradiții care dispăruse de o mie de ani, crezând că, de fapt, reînvieau o mare cultură antică și chiar simțindu-se un pic contemporani ai romanilor. Dar au existat și alții care și-au văzut propria epocă ca fiind distinctă atât de Evul Mediu, cât și de antichitate, cu un mod de viață nemaiîntâlnit până atunci și adesea proclamat ca fiind perfecțiunea secolelor. Alte curente susțineau percepția că istoria este ciclică și are faze inevitabile de ascensiune, apogeu și declin, și că omul este o ființă supusă unor forțe care îl depășesc și că nu are o stăpânire totală asupra gândurilor, capacităților și pasiunilor sale, nici asupra duratei propriei vieți. Și mai erau și nemulțumiții, care nu apreciau secularizarea rapidă a societății și ostentația celor bogați și predicau o întoarcere la misticismul medieval și la austeritate. Cercetări recente au arătat că înmulțirea lucrărilor eclectice, metodologiile idiosincratice, opiniile divergente, ambiția de cunoaștere enciclopedică și redefinirea canoanelor estetice și filosofice și a codurilor etice au generat atât de multe dezbateri în epocă, încât a devenit clar că gândirea renascentistă a fost mult mai eterogenă decât se credea până acum și că perioada a fost atât de dinamică și creativă, printre altele, datorită volumului de controverse.

Renașterea a fost deseori descrisă ca o epocă optimistă – iar documentele arată că așa a fost privită la vremea sa în cercurile influente – dar, atunci când s-au confruntat cu viața din afara cărților, filosofii săi s-au luptat întotdeauna să facă față conflictului dintre idealismul edenic pe care îl propuneau ca moștenire naturală a omului, o ființă creată după chipul și asemănarea lui Dumnezeu, și duritatea brutală a tiraniei politice, a revoltelor populare și a războaielor, a epidemiilor, a sărăciei și foametei endemice și a dramelor morale cronice ale omului obișnuit, real.

În orice caz, optimismul care s-a menținut cel puțin în rândul elitelor se va pierde din nou în secolul al XVI-lea, odată cu reapariția scepticismului, pesimismului, ironiei și pragmatismului la Erasmus, Machiavelli, Rabelais și Montaigne, care venerau frumusețea idealurilor clasicismului, dar constatau cu tristețe imposibilitatea aplicării lor practice. În timp ce o parte a criticii înțelege această schimbare de atmosferă ca fiind faza finală a Renașterii, o altă parte a definit-o ca fiind una dintre bazele unei mișcări culturale distincte, manierismul.

Renașterea este de obicei împărțită în trei etape majore, Trecento, Quattrocento și Cinquecento, care corespund secolelor al XIV-lea, al XV-lea și al XVI-lea, cu un scurt interludiu între ultimele două, numit Renașterea înaltă.

Citește și, istorie – Dieta Imperială a Sfântului Imperiu Roman

Trecento

Trecento (secolul al XIV-lea) reprezintă pregătirea Renașterii și este un fenomen în esență italian, mai precis al regiunii Toscana, și, deși în diferite centre a existat în această perioadă un proces incipient de umanizare a gândirii și de îndepărtare de gotic, cum ar fi Pisa, Siena, Padova, Veneția, Verona și Milano, în cele mai multe dintre aceste locuri regimurile guvernamentale erau prea conservatoare pentru a permite schimbări culturale semnificative. Florența a fost cea care și-a asumat rolul de avangardă intelectuală, conducând transformarea de la modelul medieval la cel modern. Cu toate acestea, această centralizare la Florența va deveni cu adevărat evidentă abia la sfârșitul Trecento.

Identificarea elementelor fondatoare ale Renașterii italiene implică în mod necesar studierea economiei și politicii florentine și a impactului lor social și cultural, dar există multe aspecte obscure, iar acest domeniu este plin de controverse. Cu toate acestea, potrivit lui Richard Lindholm, există un consens destul de larg asupra faptului că dinamismul economic, flexibilitatea societății în fața provocărilor, capacitatea sa de a reacționa rapid în perioade de criză, dorința sa de a accepta riscuri și un sentiment civic aprins pe scară largă au fost factori determinanți pentru înflorirea culturală, arhitecturală și artistică care se desfășura și se consolida.

Sistemul de producție a dezvoltat noi metode, cu o nouă diviziune a muncii și o mecanizare progresivă. Economia florentină a fost determinată în principal de producția și comerțul cu țesături. Era o economie instabilă, dar dinamică, capabilă să se adapteze radical în fața unor evenimente neprevăzute, cum ar fi războaiele și epidemiile. O perioadă favorabilă a început în jurul anului 1330, iar după ciuma din 1348 a apărut reînnoită și chiar mai viguroasă, oferind țesături și haine de mare lux și rafinament.

Încă din secolul precedent, societatea toscană a cunoscut o creștere a clasei de mijloc care s-a emancipat financiar prin organizarea în bresle, corporații de meserii care monopolizau furnizarea anumitor servicii și producția anumitor materiale și artefacte. La Florența, acestea erau împărțite în două categorii: artele majore (blănari, medici și farmaciști) și artele minore, care includeau un număr mare de meserii mai puțin prestigioase și mai puțin profitabile, cum ar fi artele pescarilor, tavernerelor, cizmarilor, brutarilor, armurierilor, fierarilor și așa mai departe. Arta Lânii, de exemplu, controla producția, vopsirea și comercializarea țesăturilor, perdelelor, hainelor și firelor de lână, inclusiv operațiunile de import și export, controla calitatea produselor, stabilea prețurile și respingea orice concurență. Ceilalți au lucrat în același mod. Breslele erau multe lucruri: un amestec de sindicat, frăție, școală pentru ucenici în meserii, societate de ajutor reciproc pentru membri și club social. Artele majore au devenit bogate și puternice, au întreținut capele și altare somptuoase în principalele biserici și au ridicat monumente. Toți acționau într-o armonie remarcabilă, având scopuri comune, și practic dominau conducerea treburilor publice prin intermediul delegaților lor în consiliile civice și magistraturi. Diferitele bresle din fiecare oraș angajau împreună aproape întreaga populație urbană activă din punct de vedere economic, iar faptul de a nu fi membru al breslei de meserie reprezenta un impediment aproape insurmontabil pentru succesul profesional, datorită controlului strict pe care îl mențineau asupra piețelor și a ofertei de forță de muncă. Pe de altă parte, apartenența a oferit avantaje evidente pentru muncitor, iar succesul acestui model a însemnat că, pentru prima dată, populația a fost capabilă să devină proprietară de locuințe pe scară largă, o dezvoltare care a fost însoțită de un interes sporit pentru artă și arhitectură.

Liderii lor dețineau în general mari companii private, aveau un mare prestigiu și se ridicau și din punct de vedere social prin ocuparea unor funcții publice, prin sponsorizarea artelor și a Bisericii și prin construirea de vile și palate în care să locuiască, formând un nou patriciat. Marii oameni de afaceri aveau adesea interese paralele în case de schimb valutar, precursoare ale băncilor, și mutau averi finanțând sau gestionând averile prinților, împăraților și papilor. Această burghezie împuternicită a devenit un pilon de bază al guvernului și o nouă piață pentru artă și cultură. Familiile din această clasă, precum Mozzi, Strozzi, Peruzzi și Medici, se vor alătura în curând nobilimii, iar unele dintre ele vor conduce chiar state.

În acest secol, Florența s-a confruntat cu lupte de clasă intense, cu o criză socio-economică mai mult sau mai puțin cronică și a suferit un declin clar al puterii de-a lungul secolului. A fost o perioadă în care statele își investeau o mare parte din energie în două activități principale: fie își atacau și își jefuiau vecinii și le luau teritoriile, fie se aflau de partea cealaltă, încercând să reziste atacurilor. Domeniile Florenței erau de mult timp amenințate, orașul a fost implicat în mai multe războaie, ieșind în general înfrânt, dar uneori obținând victorii strălucitoare; mai multe bănci importante au dat faliment; a suferit epidemii de ciumă; alternanța rapidă la putere a facțiunilor opuse de gulfi și ghibelini, angajate în dispute sângeroase, nu a permis liniștea socială și nici stabilirea unor obiective politico-administrative pe termen lung, toate fiind agravate de revolte populare și de sărăcirea zonelor rurale, dar în acest proces burghezia urbană va face încercări democratice de guvernare. În ciuda dificultăților și crizelor recurente, Florența va ajunge la jumătatea secolului al XIX-lea ca un oraș puternic pe scena italiană; în ultimul secol a fost mai mare, dar a subordonat în continuare alte câteva orașe și a menținut o flotă comercială importantă și legături economice și diplomatice cu mai multe state de la nord de Alpi și din jurul Mediteranei. Trebuie remarcat faptul că democrația din republica florentină diferă de interpretările moderne ale termenului. În 1426, Leonardo Bruni spunea că legea îi recunoaște pe toți cetățenii ca fiind egali, dar în practică doar elita și clasa de mijloc aveau acces la funcții publice și aveau o voce reală în procesul decizional. Acest lucru se datorează în mare parte luptei de clasă aproape constante din Renaștere.

Pe de altă parte, apariția noțiunii de concurență liberă și accentul puternic pus pe comerț au structurat sistemul economic pe linii capitaliste și materialiste, în care tradiția, inclusiv cea religioasă, a fost sacrificată în fața raționalismului, a speculațiilor financiare și a utilitarismului. În același timp, florentinii nu au dezvoltat niciodată, așa cum s-a întâmplat în alte regiuni, o prejudecată morală împotriva afacerilor sau împotriva bogăției în sine, considerată un mijloc de ajutorare a aproapelui și de participare activă în societate, și de fapt erau conștienți de faptul că progresul intelectual și artistic depindea în mare măsură de succesul material, dar cum avariția, mândria, lăcomia și uzura erau considerate păcate, Biserica s-a asociat cu interesele afacerilor, atenuând conflictele de conștiință și oferind o serie de mecanisme compensatorii pentru derapaje.

Noțiunea fusese încorporată în doctrina conform căreia iertarea păcatelor și mântuirea sufletului puteau fi obținute și prin serviciul public și înfrumusețarea orașelor și a bisericilor cu opere de artă, pe lângă practicarea altor acțiuni virtuoase, cum ar fi comandarea de slujbe și sponsorizarea clerului și a confreriilor și a inițiativelor lor, lucruri care erau la fel de salutare pentru spirit pe cât erau de utile pentru creșterea prestigiului donatorului. Într-adevăr, caritatea era un ciment social important și o garanție a siguranței publice. Pe lângă faptul că susținea înfrumusețarea orașelor, ea asigura, de asemenea, sprijin pentru săraci, spitale, aziluri, școli și finanțarea multor cerințe administrative, inclusiv a războaielor, motiv pentru care statele au avut întotdeauna un interes puternic în buna funcționare a acestui sistem. O cultură pragmatică și laică a fost consolidată în diverse moduri, împreună cu contribuția umaniștilor, mulți dintre ei consilieri ai prinților sau responsabili ai înaltelor magistraturi civice, care au transformat societatea și au influențat direct piața de artă și formele sale de producție, distribuție și evaluare.

Chiar dacă creștinismul nu a fost niciodată pus serios sub semnul întrebării, la sfârșitul secolului începea o perioadă de declin progresiv al prestigiului Bisericii și al capacității religiei de a controla oamenii și de a oferi un model coerent de cultură și societate, nu numai din cauza contextului politic, economic și social secularizant, dar și pentru că oamenii de știință și umaniștii au început să caute explicații raționale și demonstrabile pentru fenomenele naturii, punând sub semnul întrebării explicațiile transcendentale, tradiționale sau folclorice, iar acest lucru a slăbit atât canonul religios, cât și a modificat relația dintre Dumnezeu, om și restul Creației. Din această ciocnire, continuată și reînnoită de-a lungul Renașterii, omul va reapărea bun, frumos, puternic, mărit, iar lumea va ajunge să fie văzută ca un loc bun de trăit.

Democrația florentină, oricât de imperfectă ar fi fost, s-a pierdut în cele din urmă într-o serie de războaie externe și tulburări interne, iar în anii 1370 Florența părea să se îndrepte rapid spre o nouă guvernare domnească. Mobilizarea puternicei familii Albizzi a întrerupt acest proces, dar, în loc să păstreze sistemul comunal, aceasta și-a asumat hegemonia politică și a instaurat o republică oligarhică, cu sprijinul aliaților din patriciatul burghez superior. În același timp, s-a format o opoziție, centrată pe familia Medici, care își începea ascensiunea. În ciuda scurtării acestor experimente democratice și a frustrării multora dintre obiectivele lor ideale, apariția lor a reprezentat o piatră de hotar în evoluția gândirii politice și instituționale europene.

Citește și, biografii – Ermak Timofeevici

Quattrocento

După ce Florența a trăit momente de mare strălucire, la sfârșitul secolului al XIV-lea, orașul a fost asaltat de avansurile Ducatului de Milano, a pierdut mai multe teritorii și pe toți foștii aliați, iar accesul la mare i-a fost tăiat. Quattrocento (secolul al XV-lea) s-a deschis cu trupele milaneze la porțile Florenței, după ce, în anii precedenți, au devastat zona rurală. Dar, brusc, în 1402, un nou episod de ciumă l-a ucis pe generalul lor, Giangaleazzo Visconti, și a împiedicat ca orașul să sucombe la soarta unei mari părți din nordul și nord-vestul Italiei, declanșând o renaștere a spiritului civic. Din acel moment, intelectualii și istoricii locali, inspirați și de gândirea politică a lui Platon, Plutarh și Aristotel, au început să organizeze și să proclame discursul conform căruia Florența a dat dovadă de o „rezistență eroică” și a devenit cel mai mare simbol al libertății republicane, pe lângă faptul că era stăpâna întregii culturi italiene, numind-o Noua Atena.

Combinând obținerea independenței cu umanismul filozofic care lua avânt, s-au reunit unele dintre principalele elemente care au asigurat menținerea Florenței în prim-planul politic, intelectual și artistic. Cu toate acestea, până în anii 1420, clasele muncitoare au fost private de cea mai mare parte a puterii pe care o obținuseră și au cedat în fața unui nou peisaj politic, dominat pe tot parcursul secolului de guvernul de Medici, un guvern care era nominal republican, dar de fapt aristocratic și senioresc. Acest lucru a fost o dezamăgire pentru burghezi în general, dar a consolidat obiceiul patronajului, fundamental pentru evoluția clasicismului. Tensiunea socială nu a fost niciodată complet înăbușită sau rezolvată, și pare să fi fost întotdeauna un alt ferment important pentru dinamismul cultural al orașului.

Expansiunea producției locale de țesături de lux a încetat în anii 1420, dar piețele și-au revenit și s-au extins din nou până la jumătatea secolului în comerțul cu țesături spaniole și orientale și în producția de opțiuni mai populare și, în ciuda obișnuitelor tulburări politice periodice, orașul a trecut printr-o altă perioadă de prosperitate și a intensificat patronajul artistic, a recucerit teritorii și a cumpărat domeniul orașelor portuare pentru a-și restructura comerțul internațional. A obținut întâietatea politică în toată Toscana, deși Milano și Napoli au rămas amenințări constante. Oligarhia burgheză florentină a monopolizat apoi întregul sistem bancar european și a dobândit strălucirea aristocratică și o mare cultură, umplându-și palatele și capelele cu opere clasiciste. Ostentația a generat nemulțumirea clasei de mijloc, concretizată într-o revenire la idealismul mistic al stilului gotic. Aceste două tendințe opuse au marcat prima jumătate a acestui secol, până când mica burghezie a renunțat la rezistențe, făcând posibilă o primă mare sinteză estetică care se va revărsa de la Florența pe aproape întreg teritoriul italian, definită de primatul raționalismului și al valorilor clasice.

Între timp, umanismul s-a maturizat și s-a răspândit în Europa prin Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmus din Rotterdam, Mirandola și Thomas More. Leonardo Bruni a inaugurat istoriografia modernă, iar știința și filosofia au progresat cu Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa și Georg von Peuerbach, printre mulți alții. În același timp, interesul pentru istoria antică i-a determinat pe umaniști precum Niccolò de” Niccoli și Poggio Bracciolini să scotocească bibliotecile din Europa în căutarea cărților pierdute ale autorilor clasici. De fapt, au fost descoperite multe documente importante, cum ar fi De architectura, de Vitruviu, discursuri ale lui Cicero, Institutele oratorice ale lui Quintilian, Argonautica lui Valerius Flacco și De rerum natura, de Lucretius. Recucerirea Peninsulei Iberice de la mauri a pus, de asemenea, la dispoziția savanților europeni o mare colecție de texte ale lui Aristotel, Euclid, Ptolemeu și Plotin, păstrate în traduceri arabe și necunoscute în Europa, precum și lucrări musulmane ale lui Avicenna, Geber și Averroes, contribuind în mod semnificativ la o nouă înflorire a filozofiei, matematicii, medicinei și a altor specialități științifice.

Perfecționarea presei de către Johannes Gutenberg, la mijlocul secolului, a facilitat și ieftinit foarte mult difuzarea cunoștințelor către un public mai larg. Același interes pentru cultură și știință a determinat înființarea unor mari biblioteci în Italia și a încercat să readucă latina, care devenise un dialect multiform, la puritatea sa clasică, făcând-o noua lingua franca a Europei. Restaurarea limbii latine a derivat din necesitatea practică de a gestiona intelectual această nouă bibliotecă renascentistă. În același timp, a avut ca efect revoluționarea pedagogiei, precum și furnizarea unui nou corpus substanțial de structuri sintactice și vocabular pentru a fi folosit de umaniști și literați, care și-au învestit astfel propriile scrieri cu autoritatea anticilor. De asemenea, a fost important și interesul elitelor pentru colecționarea de artă antică, stimulând studiile și săpăturile care au dus la descoperirea diferitelor opere de artă, stimulând astfel dezvoltarea arheologiei și influențând artele vizuale.

Un nou impuls în acest proces a fost dat de cărturarul grec Manuel Crisoloras, care între 1397 și 1415 a reintrodus studiul limbii grecești în Italia, iar odată cu sfârșitul Imperiului Bizantin, în 1453, de mulți alți intelectuali, precum Demetrius Calcondilas, Gheorghe de Trebizonda, Ioan Argirópulo, Teodor Gaza și Barlaon de Seminara, au emigrat în peninsula italiană și în alte părți ale Europei, răspândind texte clasice de filosofie și instruindu-i pe umaniști în arta exegezei. O mare parte din ceea ce cunoaștem astăzi despre literatura și legislația greco-romană a fost păstrată de Imperiul bizantin, iar această nouă cunoaștere a textelor clasice originale, precum și a traducerilor acestora, a fost, în opinia lui Luiz Marques, „una dintre cele mai mari operațiuni de însușire a unei culturi de către o alta, comparabilă într-o oarecare măsură cu cea a Greciei de către Roma sciților în secolul al II-lea î.Hr. Ea reflectă, de altfel, trecerea, crucială pentru istoria Quattrocento, de la hegemonia intelectuală a lui Aristotel la cea a lui Platon și Plotin. În acest mare aflux de idei, întreaga structură a Paideia antică, un ansamblu de principii etice, sociale, culturale și pedagogice concepute de greci și menite să formeze un cetățean model, a fost reintrodusă în Italia. Noile informații și cunoștințe, precum și transformările concomitente în toate domeniile culturii i-au făcut pe intelectuali să se simtă în mijlocul unei faze de reînnoire comparabilă cu fazele strălucite ale civilizațiilor antice, spre deosebire de Evul Mediu anterior, care a ajuns să fie privit ca o epocă a obscurității și ignoranței.

Moartea lui Lorenzo de Medici în 1492, care a condus Florența timp de aproape treizeci de ani și care și-a câștigat faima ca unul dintre cei mai mari patroni ai secolului, plus prăbușirea regimului aristocratic în 1494, au marcat sfârșitul fazei de aur a orașului. Pe parcursul Quattrocento, Florența a fost principalul – dar niciodată singurul – centru de răspândire a clasicismului și umanismului în nordul și centrul Italiei și a cultivat o cultură care a devenit faimoasă ca fiind cea mai perfectă expresie a Renașterii și modelul cu care au fost comparate toate celelalte expresii. Această tradiție laudativă s-a consolidat după ce Vasari și-a lansat Viețile artiștilor în secolul al XVI-lea, piatra de temelie a istoriografiei de artă moderne, care a atribuit florentinilor un protagonism clar și o excelență superioară. Această lucrare a avut ample repercusiuni și a influențat cursul istoriografiei timp de secole.

Citește și, civilizatii – Dinastia Maurya

Renașterea înaltă

Din punct de vedere cronologic, Înalta Renaștere cuprinde ultimii ani din Quattrocento și primele decenii din Cinquecento, fiind delimitată în linii mari de lucrările de maturitate ale lui Leonardo da Vinci (începând cu cca. 1480) și de Sacrul Romei din 1527. În această perioadă, Roma a preluat avangarda artistică și intelectuală, lăsând Florența în plan secund. Acest lucru s-a datorat, în principal, patronajului papal și unui program de renovare și înfrumusețare urbană, care a urmărit să revitalizeze fosta capitală imperială inspirându-se, mai exact, din gloria cezarilor, de care papii se considerau moștenitorii de drept. În același timp, ca sediu al papalității și platformă pentru pretențiile imperialiste ale acesteia, a fost reafirmată condiția sa de „Cap al lumii”.

Acest lucru s-a reflectat în continuare în recrearea unor practici sociale și simbolice care le imitau pe cele din antichitate, cum ar fi marile procesiuni triumfale, festivalurile publice somptuoase, baterea de medalii, spectacolele teatrale grandilocvente pline de figuri istorice, mitologice și alegorice. Până atunci, Roma nu produsese mari artiști renascentiști, iar clasicismul fusese plantat prin prezența temporară a unor artiști din alte părți. Dar, pe măsură ce maeștri de talia lui Rafael, Michelangelo și Bramante s-au stabilit în oraș, s-a format o școală locală dinamică, care a făcut din oraș cel mai bogat depozit de artă renascentistă înaltă.

În această perioadă, clasicismul era curentul estetic dominant în Italia, cu multe centre importante de cultivare și difuzare. Pentru prima dată, antichitatea a fost înțeleasă ca o civilizație definită, cu un spirit propriu, și nu ca o succesiune de evenimente izolate. În același timp, acest spirit a fost identificat ca fiind foarte apropiat de cel al Renașterii, făcându-i pe artiști și pe intelectuali să simtă, într-un fel, că pot dialoga de la egal la egal cu maeștrii trecutului pe care îi admirau. În sfârșit „stăpâneau” limba pe care o primiseră și acum o puteau folosi cu mai multă libertate și înțelegere.

De-a lungul secolelor, s-a format un consens larg asupra faptului că Înalta Renaștere a reprezentat maturizarea celor mai prețuite idealuri ale întregii generații renascentiste anterioare, umanismul, noțiunea de autonomie a artei, transformarea artistului în om de știință și erudit, căutarea fidelității față de natură și conceptul de geniu. A primit numele de „Înalt” datorită acestui presupus caracter exemplar, de punct culminant al unei traiectorii de ascensiune continuă. Nu puțini sunt istoricii care au consemnat mărturii pasionate de admirație pentru moștenirea lăsată de artiștii din această perioadă, numind-o o epocă „miraculoasă”, „sublimă”, „incomparabilă”, „eroică”, „transcendentă”, fiind îmbrăcată de critici într-o aură de nostalgie și venerație pentru multă vreme de acum încolo. Așa cum a făcut cu toate vechile consensuri și mituri, critica recentă și-a asumat sarcina de a deconstrui și reinterpreta mai mult din această tradiție, considerând-o o viziune oarecum evazionistă, estetică și superficială a unui context social marcat, așa cum a fost întotdeauna, de inegalități sociale enorme, tiranie, corupție, războaie deșarte și alte probleme, „o fantezie frumoasă, dar în cele din urmă tragică”, după cum a observat Brian Curran.

Această supraevaluare a fost, de asemenea, criticată pentru că se bazează în mod excesiv pe conceptul de geniu, atribuind toate contribuțiile relevante unei mâini de artiști și pentru că identifică drept „clasic” și „cel mai bun” doar un anumit curent estetic, în timp ce examinarea dovezilor a arătat că atât Antichitatea, cât și Renașterea înaltă au fost mult mai variate decât pretindea viziunea hegemonică.

Cu toate acestea, s-a recunoscut importanța istorică a Înaltei Renașteri ca un concept istoriografic care a fost mai mult, dar încă este foarte influent, și s-a recunoscut că standardele estetice introduse de Leonardo, Rafael și Michelangelo, în special, au stabilit un canon diferit de predecesorii lor și extrem de bine acceptat, devenind, de asemenea, referențial pentru o perioadă lungă de timp. Acești trei maeștri, în ciuda revizionismului recent și a relativizării valorilor, sunt încă considerați în general ca fiind cea mai înaltă expresie a perioadei și cea mai completă întruchipare a conceptului de geniu renascentist. Stilul lor în această fază este caracterizat de un clasicism foarte idealizat și somptuos, care sintetizează elemente selecte din surse clasice deosebit de prestigioase, depreciind realismul pe care unele curente din Quattrocento încă îl practicau. Potrivit lui Hauser,

În timpul exilului papilor la Avignon, orașul Roma a intrat în mare declin, dar de la întoarcerea lor în secolul precedent, pontifii au încercat să îl reorganizeze și să îl revitalizeze, angajând o armată de arheologi, umaniști, anticari, arhitecți și artiști pentru a studia și conserva ruinele și monumentele și pentru a înfrumuseța orașul, astfel încât acesta să fie din nou demn de trecutul său ilustru. Dacă pentru mulți renascentiști devenise un obicei să afirme că trăiesc într-o nouă Epocă de Aur, potrivit lui Jill Burke, niciodată până atunci acest lucru nu fusese reafirmat cu atâta vigoare și angajament ca în cazul papilor Iulius al II-lea și Leon al X-lea, principalii responsabili pentru transformarea Romei într-unul dintre cele mai mari și mai cosmopolite centre artistice europene ale timpului lor și principalii proclamatori ai ideii că în generația lor secolele au atins perfecțiunea.

Corolarul schimbării de mentalitate între Quattrocento și Cinquecento este că, în timp ce în primul caz forma este un scop, în cel de-al doilea este un început; în timp ce în primul caz natura a furnizat modelele pe care arta le-a imitat, în cel de-al doilea societatea va avea nevoie de artă pentru a dovedi că astfel de modele există. Arta cea mai prestigioasă a devenit puternic autoreferențială și îndepărtată de realitatea cotidiană, deși era impusă oamenilor în principalele spații publice și în discursul oficial. Rafael a sintetizat aceste opoziții în celebra sa frescă Școala din Atena, una dintre cele mai importante picturi ale Renașterii înalte, care a readus în actualitate dialogul filosofic dintre Platon și Aristotel, adică dintre idealism și empirism.

Clasicismul din această fază, deși matur și bogat, reușind să contureze opere de mare forță, a avut o puternică încărcătură formalistă și retrospectivă și, din acest motiv, a fost considerat de unii critici recenți ca fiind mai degrabă o tendință conservatoare decât progresistă. Umanismul însuși, în versiunea sa romană, și-a pierdut ardoarea civică și anticlericală și a fost cenzurat și domesticit de papi, transformându-l, în esență, într-o justificare filosofică pentru programul lor imperialist. Codul de etică impus în cercurile ilustrate, o construcție abstractă și un teatru social în sensul cel mai concret al termenului, prescria moderație, stăpânire de sine, demnitate și politețe în toate. Curtezanul lui Baldassare Castiglione este sinteza sa teoretică.

În ciuda codului de etică care a circulat în rândul elitelor, contradicțiile și defectele ideologiei dominante sunt astăzi evidente pentru cercetători. Programul de înfrumusețare a Romei a fost criticat ca fiind o inițiativă mai degrabă distructivă decât constructivă, care a lăsat o serie de lucrări neterminate și a distrus sau modificat inutil monumente și clădiri autentice din antichitate. Această societate a rămas autoritară, inegală și coruptă și, judecând după unele dovezi, pare să fi fost anormal de coruptă, atât de mult încât criticii săi coevi au considerat că jefuirea orașului în 1527 a fost o pedeapsă divină pentru crimele, păcatele și scandalurile sale. În acest sens, celălalt „manual” important al perioadei este „Prințul” lui Machiavelli, un tutorial despre cum să ajungi la putere și să rămâi acolo, în care Machiavelli declară că „nu există legi bune fără arme bune”, fără a distinge Puterea de Autoritate și legitimând folosirea forței pentru controlul cetățenilor. Cartea a fost o referință cheie pentru gândirea politică renascentistă în faza sa finală și o sursă importantă de inspirație pentru filosofia modernă a statului. Deși Machiavelli este uneori acuzat de răceală, cinism, calcul și cruzime, atât de mult încât expresia „machiavelic” provine de la el, lucrarea este un document istoric valoros ca o analiză cuprinzătoare a practicii politice și a valorilor dominante ale vremii.

Evenimente precum descoperirea Americii și Reforma protestantă, precum și tehnici precum presa cu caractere mobile au transformat cultura și viziunea asupra lumii a europenilor, în timp ce întreaga Europă își îndrepta atenția asupra Italiei și a progreselor sale, marile puteri Franța, Spania și Germania dorind să o împartă și făcând din ea un câmp de luptă și de pradă. Odată cu invaziile care au urmat, arta italiană și-a răspândit influența asupra unei vaste regiuni a continentului.

Citește și, biografii – Geoffrey Chaucer

Cinquecento și manierismul italian

Cinquecento (secolul al XVI-lea) este faza finală a Renașterii, când mișcarea se transformă și se extinde în alte părți ale Europei. În urma sacului Romei din 1527 și a provocării autorității papale de către protestanți, echilibrul politic al continentului s-a schimbat și structura socio-culturală a fost zdruncinată. Italia a suferit cele mai grave consecințe: pe lângă faptul că a fost invadată și jefuită, a încetat să mai fie centrul comercial al Europei, deoarece noile rute comerciale au fost deschise de marile navigații. Întreaga panoramă s-a schimbat, pe măsură ce influența catolică a scăzut și au apărut sentimente de pesimism, nesiguranță și alienare, care au caracterizat atmosfera manierismului.

Căderea Romei a însemnat că nu mai exista „un” centru care să dicteze estetica și cultura. În Florența, Ferrara, Neapole, Milano, Veneția și multe altele au apărut școli regionale puternic diferențiate, iar Renașterea s-a răspândit apoi definitiv în întreaga Europă, transformându-se și diversificându-se profund pe măsură ce a încorporat un ansamblu variat de influențe regionale. Arta unor longevivi precum Michelangelo și Titian a înregistrat în stil trecerea de la o epocă de certitudine și claritate la una de îndoială și dramatism. Realizările intelectuale și artistice ale Înaltei Renașteri erau încă proaspete și nu puteau fi uitate cu ușurință, chiar dacă substratul lor filosofic nu mai putea rămâne valabil în fața noilor realități politice, religioase și sociale. Noua artă și arhitectură care s-a făcut, în care nume precum Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, deși inspirate de Antichitate, au reorganizat și tradus sistemele de proporții și de reprezentare spațială și valorile simbolice ale acesteia în opere neliniștitoare, distorsionate, ambivalente și prețioase.

Această schimbare se pregătea de ceva timp. În anii 1520, papalitatea fusese implicată în atât de multe conflicte internaționale, iar presiunea din jurul ei era atât de mare, încât puțini se îndoiau că Roma era condamnată, considerând căderea sa doar o chestiune de timp. Cu mult înainte de dezastrul din 1527, Rafael însuși, considerat în mod tradițional ca fiind unul dintre cei mai puri reprezentanți ai moderației și echilibrului considerate tipice Renașterii înalte, a conceput în câteva lucrări importante scenele cu contraste atât de puternice, grupurile cu atâta mișcare, figurile cu o expresie atât de pasională, și în poziții atât de nefirești și de retorice, încât, potrivit lui Frederick Hartt, el ar putea fi plasat nu numai ca precursor al manierismului, ci și al barocului, iar dacă ar fi trăit mai mult, i-ar fi însoțit fără îndoială pe Michelangelo și pe alții în tranziția completă către un stil diferențiat în mod consecvent de cel din prima parte a secolului.

Vasari, unul dintre cei mai importanți savanți ai Cinquecento, nu a perceput o soluție radicală de continuitate între Renașterea înaltă și perioada următoare, în care el însuși a trăit, el se considera încă un om al Renașterii și, explicând diferențele evidente dintre arta celor două perioade, a spus că succesorii lui Leonardo, Michelangelo și Rafael lucrau într-un „stil modern”, o „cale nouă”, care căuta să imite unele dintre cele mai importante opere ale antichității pe care le cunoșteau. El se referea în principal la Grupul Laocoon, redescoperit în 1506, care a provocat o senzație uriașă în cercurile artistice romane, și la Torsul de la Belvedere, care, în același timp, începea să devină celebru și foarte studiat. Aceste lucrări au exercitat o influență considerabilă asupra primilor manieriști, inclusiv asupra lui Michelangelo, dar ele nu aparțin perioadei clasice, ci celei elenistice, care în multe privințe a fost o școală anticlasică. Renașterii nu au înțeles nici termenul „clasic” așa cum a fost înțeles începând cu secolul al XVIII-lea, expresie a unui ideal de puritate, măreție, perfecțiune, echilibru, armonie și moderație emoțională, sinteză a tot ceea ce era bun, util și frumos, pe care ei l-au identificat ca existând în Grecia Antică între secolele al V-lea și al IV-lea î.Hr. Este dificil de determinat modul în care Renașterea a perceput diferențele dintre curentele estetice contrastante ale culturii greco-romane în ansamblul său („Antichitatea”), aproape toate operele Antichității la care au avut acces în acea perioadă fiind relecturi elenistice și romane ale unor modele grecești pierdute, un repertoriu formal foarte eclectic care încorpora referințe multiple din aproape o mie de ani de istorie greco-romană, o perioadă în care au avut loc schimbări diverse și dramatice în ceea ce privește gustul și stilul. Ei par să fi privit Antichitatea mai mult ca pe o perioadă culturală monolitică sau cel puțin ca pe una din a cărei colecție iconografică puteau extrage elemente alese după bunul plac pentru a crea o „Antichitate utilizabilă”, adaptată la cerințele timpului. Criticul Ascanio Condivi relatează un exemplu al acestei poziții la Michelangelo, spunând că, atunci când maestrul dorea să creeze o formă ideală, nu se mulțumea să observe un singur model, ci căuta mai multe și extrăgea din fiecare cele mai bune trăsături. Se pare că Rafael, Bramante și alții au folosit aceeași abordare.

Cu toate acestea, după secolul al XVII-lea și pentru o lungă perioadă de timp, manierismul a fost considerat o degenerare a idealurilor clasice autentice, dezvoltată de artiști care erau deranjați sau mai degrabă preocupați de capriciile unei virtuozități morbide și zadarnice. Mulți critici de mai târziu au atribuit dramatismul și asimetria operelor din această perioadă unei imitații exagerate a stilului lui Michelangelo și Giulio Romano, dar aceste trăsături au fost interpretate și ca o reflectare a unei epoci tulburi și deziluzionate. Hartt a subliniat influența mișcărilor de reformă a Bisericii asupra schimbării de mentalitate. Critica recentă înțelege că mișcările culturale sunt întotdeauna rezultatul unor factori multipli, iar manierismul italian nu face excepție, dar se consideră că acesta a fost în esență produsul unor medii conservatoare de curte, al unui ceremonial complex și al unei culturi eclectice și ultra-sofisticate, mai degrabă decât o mișcare intenționat anticlasică.

În orice caz, polemica a avut ca efect divizarea cercetătorilor manierismului în două curente principale. Pentru unii, răspândirea influenței italiene în Europa în Cinquecento a produs expresii plastice atât de polimorfe și atât de distincte de cele din Quattrocento și din Înalta Renaștere, încât a devenit o problemă să le descrie ca făcând parte din fenomenul original, părând în multe privințe să constituie o antiteză a principiilor clasice atât de apreciate de fazele anterioare și care vor defini „adevărata” Renaștere. Astfel, ei au stabilit manierismul ca o mișcare independentă, recunoscându-l ca o formă de expresie rafinată, imaginativă și viguroasă, o importanță sporită de faptul că a fost prima școală de artă modernă. Celălalt filon critic, însă, o analizează ca pe o aprofundare și o îmbogățire a presupozițiilor clasice și ca pe o concluzie legitimă a ciclului Renașterii; nu atât o negare sau o denaturare a acestor principii, cât o reflecție asupra aplicabilității lor practice în acel moment istoric și o adaptare – uneori dureroasă, dar în general creativă și reușită – la circumstanțele vremii. Pentru ca imaginea să fie și mai complexă, însăși identificarea trăsăturilor caracteristice ale manierismului, precum și cronologia și aplicabilitatea sa la alte regiuni și domenii decât artele vizuale, au fost în centrul unei alte controverse monumentale, pe care mulți o consideră insolubilă.

Pe lângă schimbările culturale provocate de reorganizarea politică a continentului, secolul al XVI-lea a fost marcat de o altă mare criză, Reforma protestantă, care a răsturnat pentru totdeauna vechea autoritate universală a Bisericii Romane. Unul dintre cele mai importante efecte ale Reformei asupra artei renascentiste a fost condamnarea imaginilor sacre, care a depopulat templele nordice de reprezentări picturale și sculpturale ale sfinților și ale personajelor divine, iar multe opere de artă au fost distruse în valuri de furie iconoclastă. Odată cu aceasta, artele reprezentative aflate sub influența reformistă s-au îndreptat către personaje profane și natură. Cu toate acestea, papalitatea și-a dat seama curând că arta putea fi o armă eficientă împotriva protestanților, ajutând la o evanghelizare mai amplă și mai seducătoare pentru marile mase populare. În timpul Contrareformei, au fost sistematizate noi precepte care stabileau în detaliu modul în care artistul trebuia să creeze opere cu tematică religioasă, căutând să pună accentul pe emoție și mișcare, considerate cele mai inteligibile și atractive resurse pentru a câștiga devotamentul simplu al poporului și pentru a-și asigura astfel victoria împotriva protestanților. Dar dacă, pe de o parte, Contrareforma a dat naștere unui număr mai mare de comenzi pentru arta sacră, a dispărut și fosta libertate de exprimare artistică din fazele anterioare, libertate care i-a permis lui Michelangelo să decoreze imensul său panou al Judecății de Apoi, pictat în inima Vaticanului, cu o multitudine de corpuri goale de o mare senzualitate, chiar dacă domeniul profan a rămas puțin afectat de cenzură.

Cinquecento a fost, de asemenea, epoca fondatoare a primelor Academii de Artă, precum Academia de Arte Plastice din Florența și Academia Sfântul Luca din Roma, o evoluție a breslelor artiștilor care a consacrat academismul ca sistem de învățământ superior și ca mișcare culturală, standardizând învățarea, stimulând dezbaterile teoretice și servind drept instrument al guvernelor pentru diseminarea și consacrarea ideologiilor nu numai estetice, ci și politice și sociale. Teoreticienii artei manieriste au aprofundat dezbaterile promovate de generația precedentă, au accentuat legăturile dintre intelectul uman și creativitatea divină și au conferit prestigiu diversității. Pentru Pierre Bourdieu, crearea sistemului academic a însemnat formularea unei teorii în care arta era o întruchipare a principiilor Frumosului, Adevărului și Binelui, o prelungire firească a ideologiei Înaltei Renașteri, dar manieriștii erau deschiși la existența unor standarde valabile, ceea ce a permis creatorilor o mare libertate în diverse aspecte, mai ales în arta profană, liberă de controlul Bisericii. Accentul pus în academii pe îmbunătățirea tehnică și referința constantă la modelele antice stabilite a servit, de asemenea, la mutarea unei părți a interesului principal de la a spune ceva la a arăta cât de bine a fost spus ceva, prezentându-l pe artist ca un erudit. Influența academiilor a durat ceva timp până să se instaleze, dar în timpul barocului și neoclasicismului acestea au ajuns să domine întregul sistem artistic european.

Din punct de vedere istoric, Renașterea a fost mult lăudată ca fiind deschiderea unei noi ere, o eră luminată de Rațiune, în care oamenii, creați după chipul Divinității, vor împlini profeția de a domni peste lume cu înțelepciune și ale căror opere minunate îi vor plasa în compania eroilor, patriarhilor, sfinților și îngerilor. Astăzi se înțelege că realitatea socială nu a reflectat idealurile înalte exprimate în artă și că acest ufanism exaltat care a înconjurat mișcarea a fost în mare parte opera Renașterii înseși, a cărei producție intelectuală, care s-a autoprezentat ca fondatoare a unei noi Epoci de Aur și care a plasat Florența în centrul tuturor lucrurilor, a determinat o mare parte din direcția criticii ulterioare. Chiar și mișcările anticlasice ulterioare, cum ar fi barocul, au recunoscut în clasici și în moștenitorii lor renascentiști valori valoroase.

Până la mijlocul secolului al XIX-lea, această perioadă devenise unul dintre principalele domenii de cercetare științifică, iar publicarea în 1860 a clasicului Istoria Renașterii în Italia, de Jacob Burckhardt, a fost încununarea a cinci secole de tradiție istoriografică care a plasat Renașterea ca piatră de hotar a modernității, comparând-o cu îndepărtarea unui văl de pe ochii umanității, care i-a permis să vadă clar. Dar lucrarea lui Burckhardt a apărut când deja se simțea o tendință revizionistă a acestei tradiții, iar repercusiunile pe care le-a provocat nu au făcut decât să accentueze polemica. De atunci, o mulțime de studii noi au revoluționat modul în care arta antică a fost studiată și înțeleasă.

Tradiția și autoritatea au fost lăsate deoparte în favoarea studiului preferențial al surselor primare și a unor analize mai critice, mai nuanțate, mai contextualizate și mai cuprinzătoare; s-a realizat că exista o diversitate de opinii mult mai mare în rândul Renașterii decât se credea și că dinamismul și originalitatea acestei perioade se datorează în mare parte acestei diversități; progresul rapid al tehnicilor științifice de datare și restaurare și de analiză fizico-chimică a materialelor a permis consolidarea a numeroase atribuiri tradiționale de paternitate și renunțarea definitivă la multe altele, reorganizând în mod semnificativ harta producției artistice; au fost definite noi cronologii și redefinite individualitățile artistice și contribuțiile lor; au fost identificate noi căi de difuzare și influență și au fost redescoperite multe opere importante. În acest proces, o serie de canoane istoriografice au fost răsturnate, iar însăși tradiția împărțirii istoriei în perioade definite („Renaștere”, „Baroc”, „Neoclasicism”) a ajuns să fie văzută ca o construcție artificială care distorsionează înțelegerea unui proces social în desfășurare și creează stereotipuri conceptuale inconsistente. În plus, studiul întregului context istoric, politic și social a fost și este în continuare foarte aprofundat, plasând expresiile culturale pe un fundal valoros, într-un mod care se actualizează și devine tot mai plural.

Astfel, mulți istorici au început să concluzioneze că Renașterea a fost împovărată de o apreciere prea pozitivă și că acest lucru a devalorizat automat, și fără o justificare solidă, Evul Mediu și alte perioade. O mare parte a dezbaterii moderne a încercat să determine dacă a reprezentat într-adevăr o îmbunătățire față de perioada anterioară. S-a subliniat faptul că mulți dintre factorii sociali negativi asociați în mod obișnuit cu Evul Mediu – sărăcie, corupție, persecuții religioase și politice – par să se fi agravat. Mulți oameni care au trăit Renașterea nu au considerat-o o „Epocă de aur”, ci erau conștienți de problemele sociale și morale grave, cum ar fi Savonarola, care a declanșat o renaștere religioasă dramatică la sfârșitul secolului al XV-lea, care a provocat distrugerea a numeroase opere de artă și care a dus în cele din urmă la moartea sa pe rug. Johan Huizinga a susținut că Renașterea a fost, în anumite privințe, o perioadă de declin față de Evul Mediu, distrugând multe lucruri care erau importante. De exemplu, latina reușise să evolueze și să rămână destul de vie până atunci, dar obsesia purității clasice a întrerupt acest proces natural și a determinat-o să revină la forma sa clasică. Pentru Jacques Le Goff și alții din școala sa, Renașterea a fost o perioadă în care continuitățile față de Evul Mediu au fost mai importante decât rupturile – inclusiv permanența conceptului de drept divin al regilor și a ritualurilor monarhiei sacre, bazele tehnice ale producției materiale, concepția despre istorie, a căutării autorității la antici, a gândirii despre fundamentele societății și împărțirea acesteia în trei ordine, precum și a rolului dominant al Bisericii – și a subliniat că ideea unei renașteri și dorința de întoarcere la o vârstă de aur idealizată, localizată în antichitate, a pătruns în cultura europeană până după Revoluția Franceză; Într-adevăr, mai multe „renașteri” au înflorit înainte și după cea italiană, în special cea carolingiană, otoniană și neoclasică. Mulți cercetători au subliniat faptul că în această fază recesiunea economică a predominat în fața perioadelor de prosperitate, dar alții contraatacă spunând că acesta pare să fi fost un fenomen european și nu specific italian sau florentin, în timp ce Eugenio Garin, Lynn Thorndike și mulți alții consideră că poate progresul științific realizat a fost de fapt mult mai puțin original decât se presupune.

Istoricii marxiști au preferat să descrie Renașterea în termeni materialiști, susținând că schimbările din artă, literatură și filozofie au fost doar o parte a tendinței generale de trecere de la societatea feudală la capitalism, care a dus la apariția unei clase burgheze care avea timp și bani pentru a se dedica artelor. De asemenea, se argumentează că recursul la referințele clasice era în acea vreme adesea un pretext pentru legitimarea scopurilor elitei, iar inspirația din Roma republicană și mai ales din Roma imperială ar fi dat naștere la formarea unui spirit de competitivitate și mercenariat pe care sositul l-a folosit pentru o ascensiune socială adesea lipsită de scrupule.

Începând cu apariția avangardei moderne la începutul secolului al XX-lea și apoi, în mai multe valuri succesive de reîncălzire, critica recentă a extins relațiile Renașterii culturale la aproape toate aspectele vieții din acea perioadă și a interpretat moștenirea sa în moduri atât de diverse încât vechile consensuri s-au prăbușit pe multe subiecte particulare. Cu toate acestea, s-a păstrat impresia clară că, în multe domenii, această perioadă a fost fertilă în realizări măiestrite și inovatoare și că a lăsat o amprentă profundă asupra culturii și societății occidentale pentru o perioadă lungă de timp.

Deși critica recentă a zdruncinat puternic prestigiul tradițional al Renașterii, valorizând toate perioadele în mod egal și apreciindu-le pentru specificitățile lor, acest lucru a permis în același timp o extraordinară îmbogățire și extindere a înțelegerii pe care o avem astăzi despre ea, dar acest prestigiu nu a fost niciodată serios amenințat, mai ales pentru că Renașterea a fost, în mod incontestabil, unul dintre fundamentele și o parte esențială a civilizației occidentale moderne, fiind o referință încă vie. Unele dintre cele mai importante lucrări ale sale au devenit, de asemenea, simboluri ale culturii populare, cum ar fi David și Creația lui Michelangelo și Mona Lisa lui Da Vinci. Numărul de studii pe această temă, care crește pe zi ce trece, și controversele continue asupra a numeroase aspecte arată că Renașterea este suficient de bogată pentru a continua să atragă atenția criticilor și publicului.

Chiar dacă există opinii foarte divergente cu privire la anumite aspecte, astăzi pare să existe un consens asupra faptului că Renașterea a fost o perioadă în care multe credințe adânc susținute, considerate adevărate, au fost puse în discuție și testate prin intermediul metodelor științifice de investigare, inaugurând o etapă în care predominanța religiei și a dogmelor sale a încetat să mai fie absolută și a deschis calea dezvoltării științei și tehnologiei așa cum le cunoaștem astăzi. Gândirea politică ulterioară nu s-ar fi articulat fără fundamentele umaniste consolidate în Renaștere, când filosofii au căutat în Antichitate precedente pentru a apăra regimul republican și libertatea umană, actualizând idei care au avut un impact decisiv asupra jurisprudenței, teoriei constituționale și formării statelor moderne.

În domeniul artelor vizuale, s-au dezvoltat resurse care au permis un imens salt înainte față de Evul Mediu în ceea ce privește capacitatea de a reprezenta spațiul, natura și corpul uman, reînviind tehnici care se pierduseră încă din antichitate și creând altele noi începând de atunci. Limbajul arhitectural al palatelor, bisericilor și al marilor monumente, care a fost stabilit din patrimoniul clasic, rămâne valabil și astăzi și este folosit atunci când se dorește să se confere demnitate și importanță construcțiilor moderne. În literatură, limbile vernaculare au devenit demne de a transmite cultură și cunoaștere, iar studiul textelor filozofilor greco-romani a diseminat maxime care sunt prezente și astăzi în vocea populară și care încurajează valori înalte precum eroismul, spiritul public și altruismul, care sunt pietre de temelie fundamentale pentru construirea unei societăți mai echitabile și mai libere pentru toți. Reverența față de trecutul clasic și față de cele mai bune valori ale acestuia a creat o nouă viziune asupra istoriei și a fundamentat istoriografia modernă, precum și a oferit baza pentru formarea unui sistem de educație care, la vremea respectivă, s-a extins dincolo de elite și care și astăzi structurează programele școlare ale unei mari părți a Occidentului și stă la baza ordinii sociale și a sistemelor de guvernare. În cele din urmă, vasta producție artistică care supraviețuiește în atât de multe țări din Europa continuă să atragă mulțimi din toate colțurile lumii și constituie o parte semnificativă din însăși definiția culturii occidentale.

Cu atât de multe asocieri, indiferent cât de mult se străduiesc savanții să facă lumină asupra subiectului, acesta rămâne plin de legende, stereotipuri și pasiune, în special în viziunea populară. În cuvintele lui John Jeffries Martin, șeful Departamentului de Istorie de la Universitatea Duke și editorul unui volum mare de eseuri critice publicat în 2003, în care a rezumat evoluția istoriografiei și tendințele criticii mai recente,

Citește și, batalii – Bătălia de la Castillon

Arte vizuale

În domeniul artelor, Renașterea s-a caracterizat, în termeni foarte generali, prin inspirație din grecii și romanii antici și prin concepția artei ca imitație a naturii, omul ocupând un loc privilegiat în această panoramă. Dar mai mult decât o imitație, natura trebuia, pentru a fi bine reprezentată, să facă obiectul unei traduceri care să o organizeze sub o optică rațională și matematică, ca oglindă a unei ordini divine pe care arta trebuia să o dezvăluie și să o exprime, într-o perioadă marcată de o mare curiozitate intelectuală, de un spirit analitic și organizatoric și de o matematizare și scientizare a tuturor fenomenelor naturale. A fost o perioadă de aspirații grandioase, artistul s-a apropiat de omul de știință și de filosof, iar umaniștii aspirau la o cunoaștere enciclopedică; au apărut importante tratate de standardizare și diverse eseuri despre artă și arhitectură, punând bazele unei noi istoriografii și ale unei noi abordări a procesului de creație. Toate artele au beneficiat de progresele științifice, introducând îmbunătățiri ale tehnicilor și materialelor în diverse domenii. Printre punctele de atracție se numără, de exemplu, recuperarea tehnicii de turnare a ceară pierdută, care a permis crearea de monumente la o scară fără precedent în comparație cu bronzurile medievale, și popularizarea mecanismelor optice și mecanice ca mijloace auxiliare pentru pictură și sculptură. Pe de altă parte, știința a beneficiat de artă, ridicând nivelul de precizie și realism al ilustrațiilor din tratatele științifice și din iconografia personajelor istorice și profitând de ideile despre geometrie și spațiu lansate de artiști și de impulsul de a explora și observa lumea naturală.

Canonul greco-roman al proporțiilor a determinat din nou construcția figurii umane; de asemenea, a revenit și cultivarea frumuseții tipic clasice. Studiul anatomiei umane, asimilarea din ce în ce mai mare a mitologiei greco-romane în discursul vizual și reapariția nudului, eliberat de tabuurile în care tema fusese învăluită în Evul Mediu, au reînnoit pe larg iconografia picturii și sculpturii din epocă, deschizând noi și vaste câmpuri de cercetare formală și simbolică, a favorizat explorarea diferitelor emoții și stări de spirit, a influențat moda și manierele, a stimulat colectivismul, anticariatul și arheologia și a creat o nouă tradiție vizuală cu o influență durabilă, în timp ce patronajul civil și privat a oferit mijloacele necesare pentru o extraordinară înflorire a artei profane. Interesul pentru reprezentarea naturii a reînviat, de asemenea, tradiția portretului, care, după căderea Imperiului Roman, fusese în mare parte abandonată.

Citește și, istorie – Invadarea Poloniei (1939)

Sistemul de producție

În Renaștere, artistul era un profesionist. Până în secolul al XVI-lea, exemplele documentate de lucrări create în afara sistemului de comision sunt extrem de rare, iar marea majoritate a profesioniștilor erau legați de o breaslă. Pictorii florentini aparțineau uneia dintre artele majore, în mod interesant, cea a medicilor și a farmaciștilor. Sculptorii în bronz erau, de asemenea, o clasă distinsă, aparținând Artei Mătăsii. Ceilalți, pe de altă parte, aparțineau artelor minore, cum ar fi artiștii în piatră și lemn. Toți erau considerați profesioniști în domeniul artelor mecanice, care, în scara de prestigiu a vremii, se aflau sub artele liberale, singurele în care nobilimea se putea angaja profesional fără dezonoare. Breslele organizau sistemul de producție și de comerț și participau la distribuirea comenzilor între diversele ateliere private întreținute de maeștri, unde erau angajați numeroși ajutoare și unde discipolii erau admiși și pregătiți în meserie. Familia postelnicului a plătit cea mai mare parte a pregătirii lor, dar au primit un ajutor din partea maestrului pe măsură ce au devenit capabili să își îndeplinească bine sarcinile și să colaboreze eficient în activitatea comercială a atelierului. Femeile nu au fost admise. Ucenicia era exhaustivă, strict disciplinată și dura mai mulți ani, studenții, pe lângă faptul că studiau tehnicile meseriilor, erau servitori pentru sarcini de curățenie și organizare a atelierului și altele la discreția maestrului, colaborau la formarea studenților mai tineri, iar înainte de a termina cursul și de a fi admis în breaslă niciun student nu putea primi comenzi pe numele său. Existau artiști care nu aveau un atelier permanent și care rămâneau itineranți prin diferite orașe pentru lucrări temporare, alăturându-se unor grupuri deja organizate sau recrutând ajutoare chiar în orașul în care urmau să lucreze, dar aceștia erau o minoritate. Pe de altă parte, menținerea unei baze fixe nu a împiedicat atelierele să primească comenzi din alte locuri, mai ales dacă maeștrii lor erau renumiți.

Contribuția artiștilor renascentiști este amintită mai ales pentru marile altare, monumente, sculpturi și picturi, dar atelierele de artă erau întreprinderi cu o piață foarte variată. Pe lângă lucrările de mari dimensiuni pentru biserici, palate și clădiri publice, aceștia au răspuns la comenzi mai mici și mai populare, decorând festivaluri și evenimente private, civice și religioase, creând decoruri și costume de teatru, îmbrăcăminte de lux, bijuterii, pictând blazoane și embleme, Aceștia confecționau armuri, arme, monturi și ustensile de uz casnic decorate, precum și o mulțime de alte obiecte, iar mulți dintre ei aveau magazine deschise în permanență pentru public, unde expuneau o vitrină cu specialitățile casei.

Artiștii, în general, erau prost plătiți, există multe relatări despre sărăcie, și doar maeștrii și ajutoarele lor de seamă aveau o situație confortabilă, unii maeștri chiar s-au îmbogățit, dar veniturile lor erau întotdeauna supuse unei piețe foarte fluctuante. Pe tot parcursul Renașterii, umaniștii și artiștii de frunte au desfășurat o muncă sistematică de emancipare a clasei artistice de artele mecanice și de instalare a acesteia în rândul liberalilor, având în acest sens un succes considerabil, dar nu complet. Obiceiul de a recunoaște talentul superlativ al unui artist exista și înainte; Giotto, Verrocchio, Donatello și mulți alții au fost lăudați cu entuziasm și pe scară largă de către contemporanii lor, dar până la apariția lui Michelangelo, Rafael și Leonardo, niciun artist nu a mai fost obiectul lingușelilor celor puternici într-o asemenea măsură, aproape inversând relația de autoritate dintre angajat și angajator și dintre elită și plebe, iar acest lucru s-a datorat atât schimbării înțelegerii rolului artei, cât și conștientizării de către acești artiști a valorii lor și a hotărârii lor de a o face recunoscută.

Cea mai mare contribuție a picturii renascentiste a fost noul său mod de a reprezenta natura, printr-o asemenea măiestrie în tehnica picturală și în perspectiva punctului central, încât a reușit să creeze o iluzie eficientă de spațiu tridimensional pe o suprafață plană. O astfel de realizare a însemnat o îndepărtare radicală de sistemul medieval de reprezentare, cu staticitatea sa, cu spațiul său fără adâncime, cu schematismul său figurativ și cu sistemul său simbolic de proporții, în care personajele cele mai importante erau de dimensiuni mai mari. Noul parametru stabilit avea o bază matematică și fizică, rezultatul său era „realist” (în sensul de a crea o iluzie de spațiu eficient), iar organizarea sa era centrată pe punctul de vedere al observatorului. În aceasta putem vedea o reflectare a popularizării principiilor raționalismului, antropocentrismului și umanismului. Limbajul vizual formulat de pictorii renascentiști a avut un succes atât de mare încât rămâne valabil și astăzi, fiind considerat de mulți oameni cel mai natural mod de a reprezenta spațiul.

Pictura renascentistă este, în esență, liniară; desenul era acum considerat fundamentul tuturor artelor vizuale, iar stăpânirea lui, o condiție prealabilă pentru fiecare artist. În acest scop, studiul sculpturilor și al reliefurilor din antichitate a fost de mare folos, care a stat la baza dezvoltării unui mare repertoriu de teme și de gesturi și posturi corporale, dar și observarea directă a naturii a fost un alt element important. În construcția picturii, linia constituia în mod convențional elementul demonstrativ și logic, iar culoarea indica stări afective sau calități specifice. O altă diferență față de arta Evului Mediu a fost introducerea unui mai mare dinamism în scene și gesturi, precum și descoperirea umbrelor sau a clar-obscurului, ca resursă plastică și mimetică.

Giotto, care a acționat între secolele al XIII-lea și al XIV-lea, a fost cel mai mare pictor al Renașterii italiene timpurii și principalul pionier al picturii naturaliste. Opera sa revoluționară, în contrast cu cea a maeștrilor gotici târzii, precum Cimabue și Duccio, i-a impresionat puternic pe contemporanii săi și va domina întreaga pictură italiană din Trecento prin logica, simplitatea, precizia și fidelitatea față de natură. Ambrogio Lorenzetti și Taddeo Gaddi au continuat linia lui Giotto fără să inoveze, deși în altele caracteristicile progresiste au fost amestecate cu elemente ale goticului încă puternic, așa cum se vede în lucrările lui Simone Martini și Orcagna. Totuși, stilul naturalist și expresiv al lui Giotto a reprezentat avangarda în ceea ce privește vizualitatea acestei etape și s-a răspândit la Siena, care pentru o vreme a devansat Florența în ceea ce privește progresele artistice. De acolo s-a răspândit în nordul Italiei.

În Quattrocento, reprezentările figurii umane au căpătat soliditate, măreție și putere, reflectând sentimentul de încredere în sine al unei societăți care devenea foarte bogată și complexă, formând un panou multifațetat de tendințe și influențe. Dar, în cea mai mare parte a secolului, arta va dezvălui conflictul dintre ultimele ecouri ale goticului spiritual și abstract, ilustrate de Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli și Lorenzo Monaco, și noile forțe organizatoare, naturaliste și raționale ale clasicismului, reprezentate de Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca și Ghirlandaio.

În acest sens, după Giotto, următoarea piatră de hotar în evoluție a fost Masaccio, în operele căruia omul are un aspect clar înnobilat și a cărui prezență vizuală este în mod decisiv concretă, cu o utilizare eficientă a efectelor de volum și a spațiului tridimensional. A adus o contribuție importantă la articularea limbajului vizual modern al Occidentului; toți pictorii florentini importanți din generația următoare au fost influențați de el, iar când opera sa a fost „redescoperită” de Leonardo da Vinci, Michelangelo și Rafael, a câștigat o apreciere și mai mare, rămânând populară timp de șase secole. Pentru mulți critici, el este adevăratul fondator al Renașterii în pictură și s-a spus despre el că a fost „primul care a știut să picteze oameni care își ating cu adevărat pământul cu picioarele”.

La Veneția, un alt centru de mare importanță și poate principalul rival al Florenței în acest secol, a existat un grup de artiști iluștri, precum Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi și Antonello da Messina. Siena, care făcuse parte din avangardă în anii anteriori, ezita acum între atracția spirituală a goticului și atracția profană a clasicismului și pierdea din avânt. Între timp, și în alte regiuni din nordul Italiei clasicismul începea să se consolideze, prin Perugino în Perugia, Cosimo Tura în Ferrara, Pinturicchio, Melozzo da Forli și Mantegna în Padova și Mantova. Pisanello a fost activ într-un număr mare de orașe.

De asemenea, trebuie amintită influența reînnoită asupra pictorilor italieni a tehnicii de pictură în ulei, care în Quattrocento se dezvolta în Țările de Jos și atinsese un nivel înalt de rafinament, permițând crearea unor imagini mult mai precise și mai clare și cu o nuanțare mult mai subtilă decât cea obținută cu frescă, encaustică și tempera, o noutate care a avut un impact important asupra portretului și peisajului. Pânzele flamande erau foarte apreciate în Italia tocmai pentru aceste calități, iar un număr mare dintre ele au fost importate, copiate sau imitate de italieni.

Mai târziu, în timpul Renașterii înalte, Leonardo da Vinci a pătruns pe terenul atmosferelor ambigue și misterioase cu o tehnică sofisticată de pictură în ulei, combinând în același timp arta și știința. Cu Rafael, sistemul clasicist de reprezentare a atins o scară grandioasă, creând arhitecturi și peisaje iluzioniste impunătoare, dar el a tradus în madonele sale și o dulceață necunoscută până atunci, care a devenit în curând foarte populară. La Veneția, Titian se remarcă mai presus de toate, explorând noi relații cromatice și o tehnică de pictură mai liberă, mai gestuală. Michelangelo, încununând procesul de exaltare a omului, în Capela Sixtină, l-a dus la o expresie umflată a miticului, sublimului, eroicului și pateticului. Mulți alții au lăsat contribuții importante, cum ar fi Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione și Pontormo.

Dar această fază, de un mare echilibru formal, nu a durat mult timp și, în curând, va fi profund transformată, lăsând loc manierismului. Odată cu manieriștii, întreaga concepție despre spațiu a fost modificată, perspectiva a fost fragmentată în multiple puncte de vedere, iar proporțiile figurii umane au fost distorsionate în scopuri expresive sau estetice, formulând un limbaj vizual mai dinamic, vibrant, subiectiv, dramatic, prețios, intelectualist și sofisticat.

În sculptură, semnele unei revalorizări a esteticii clasiciste sunt vechi. În jurul anului 1260, Nicola Pisano a realizat un amvon pentru baptisteriul din Pisa, care este considerat manifestarea premergătoare a Renașterii în sculptură, unde a inserat un nud masculin de mari dimensiuni reprezentând virtutea Forța, și pare clar că principala sa inspirație a venit din observarea sarcofagelor romane decorate cu reliefuri care existau în cimitirul din Pisa. Contribuția sa, deși limitată la foarte puține lucrări, este considerată la fel de relevantă pentru istoria sculpturii ca și cea a lui Giotto pentru pictură. De fapt, arta lui Giotto este în mare parte îndatorată cercetărilor lui Nicola Pisano.

Fiul său, Giovanni Pisano, și alți discipoli importanți, precum Arnolfo di Cambio și Lapo di Ricevuto, vor lua lecții valoroase din contactul cu clasicismul, dar stilul lor progresează inegal în această privință. Mai târziu, Giovanni va domina scena din Florența, Pisa și Siena la începutul secolului al XIV-lea, va crea alte nuduri importante, inclusiv unul feminin care reproduce modelul clasic al lui Venus pudica, și va fi unul dintre cei care au introdus un nou gen, cel al crucilor dureroase, de mare dramatism și influență, până atunci neobișnuit în Toscana. Talentul său polivalent va da naștere unor lucrări cu linii curate și pure, cum ar fi portretul lui Enrico Scrovegni. Madonele, reliefurile și amvonul catedralei din Pisa sunt, pe de altă parte, mult mai emoționante și mai dramatice.

La jumătatea secolului al XIX-lea, Andrea Pisano a câștigat notorietate ca autor al reliefurilor de pe ușa sudică a baptisteriului din Florența și arhitect al catedralei din Orvieto. A fost maestrul lui Orcagna, al cărui tabernacol din Orsanmichele este una dintre capodoperele perioadei, și al lui Giovanni di Balduccio, autorul unui monument funerar rafinat și complex în Capela Portinari din Milano. Generația sa a fost dominată de influența picturii lui Giotto. În ciuda progreselor promovate de un număr de maeștri activi, lucrările lor reflectă încă o intersecție de curente care ar fi tipică pentru întregul Trecento, iar elementele gotice sunt încă predominante sau importante în toate.

Spre sfârșitul Trecento, la Florența a apărut figura lui Lorenzo Ghiberti, autorul reliefurilor din Baptisteriul Sfântului Ioan, unde modelele clasice erau bine stabilite. Donatello a condus apoi progresele pe diferite fronturi, exercitând o influență largă. Principalele sale lucrări includ statui ale profeților din Vechiul Testament, dintre care Habacuc și Ieremia sunt printre cele mai impresionante. De asemenea, a inovat și în domeniul statuii ecvestre, creând monumentul Gattamelata, cel mai important de acest gen de la cel al lui Marcus Aurelius din secolul al II-lea. În cele din urmă, Magdalena penitentă din lemn, din 1453, este o imagine a durerii, austerității și transfigurării care nu a avut nicio paralelă în epoca sa, introducând un sentiment emoționant de dramatism și realitate în statuie, ceea ce fusese văzut doar în elenism.

În generația următoare, Verrocchio se remarcă prin teatralitatea și dinamismul compozițiilor sale. A fost pictor, sculptor, scenograf și decorator, unul dintre principalii favoriți ai familiei Medici. Hristos și Sfântul Toma are un mare realism și poezie. Pentru Fântâna Neptun din Florența a compus un Copil cu delfin, prototip al figurii șerpuite, care va fi cel mai prestigios model formal în manierism și baroc, iar cu Doamna cu buchet de flori a prezentat un nou model de bust, incluzând brațele și jumătate din corp, care a devenit popular. Cea mai mare operă a sa, monumentul ecvestru al lui Bartolomeo Colleoni din Veneția, este o expresie a puterii și a forței mai intensă decât Gattamelata. Verrocchio a exercitat o influență asupra multor pictori și sculptori din secolul al XV-lea, printre care Leonardo, Perugino și Rafael, și este considerat unul dintre cei mai mari artiști ai secolului.

Alte nume notabile sunt Luca della Robbia și familia sa, o dinastie de olari, creatori ai unei noi tehnici de glazurare și vitrificare a ceramicii. O tehnică similară, majolica, era cunoscută de secole, dar Luca a dezvoltat o variantă și a aplicat-o cu succes la sculpturi de mari dimensiuni și decoruri decorative. Invenția sa a crescut durabilitatea și rezistența pieselor, a păstrat culorile vii și a permis instalarea în aer liber. Luca a fost, de asemenea, un renumit sculptor în marmură, iar Leon Battista Alberti l-a plasat printre liderii avangardei florentine, alături de Masaccio și Donatello. Cu toate acestea, marii popularizatori ai tehnicii ceramice au fost nepotul său Andrea della Robbia și fiul său, Giovanni della Robbia, care au mărit dimensiunile ansamblurilor, au îmbogățit paleta cromatică și au rafinat finisajul. Tehnica a fost ținută secretă pentru o lungă perioadă de timp.

Florența a rămas centrul avangardei până la apariția lui Michelangelo, care a lucrat pentru familia Medici și la Roma pentru papi, fiind cel mai influent nume în sculptură din perioada Renașterii înalte până la mijlocul secolului al cincizecilea. Opera sa a trecut de la clasicismul pur al lui David și Bacchus și a ajuns la manierism, exprimat în lucrări vehemente și dramatice precum Sclavii, Moise și nudurile din Capela Medici din Florența. Artiști precum Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio și Tullio Lombardo au lăsat, de asemenea, lucrări de mare măiestrie și importanță, cum ar fi Adam al lui Lombardo, primul nud în mărime naturală cunoscut din antichitate.

Ciclul renascentist se încheie cu Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino și Benvenuto Cellini, printre alții, cu un stil de mare dinamism și expresivitate, caracterizat de Răpirea de la Sabine a lui Giambologna. Artiști remarcabili din alte țări europene începuseră deja să lucreze după linii clar italiene, cum ar fi Adriaen de Vries și Germain Pilon, răspândind gustul italian pe o arie geografică largă și dând naștere la diverse formulări sincretice cu școli regionale.

Sculptura era prezentă peste tot, pe străzi ca monumente și ornamente ale clădirilor, în saloanele nobilimii, în biserici, iar în cea mai simplă casă exista întotdeauna o imagine devoțională. Vasele, mobilierul și obiectele de uz cotidian ale elitei aveau adesea detalii sculptate sau gravate, iar miniaturile, cum ar fi medaliile comemorative, pot fi incluse în acest domeniu. În această perioadă au fost dezvoltate resurse tehnice care au permis un salt imens față de Evul Mediu în ceea ce privește capacitatea de a crea forme libere în spațiu și de a reprezenta natura și corpul uman, iar publicarea diferitelor tratate și comentarii despre această artă a introdus metodologii și teorii care au lărgit înțelegerea domeniului și l-au fundamentat printr-o conceptualizare mai științifică, fondând o influentă tradiție critică. Perfecționarea tehnicilor de sculptură a permis crearea unor opere la o scară cunoscută doar în antichitate, iar spiritul civic al florentinilor a stimulat inventarea unor noi modele de monument public, o tipologie asociată cu o altă înțelegere a capacității de reprezentare a omului ca practică socială și educativă.

Citește și, civilizatii – Al-Andalus

Muzică

În general, muzica Renașterii nu oferă o panoramă de rupturi bruște de continuitate, iar întreaga perioadă lungă poate fi considerată terenul transformării lente de la universul modal la cel tonal și de la polifonia orizontală la armonia verticală. Renașterea a fost, de asemenea, o perioadă de mare înnoire în ceea ce privește tratarea vocii și orchestrația, în domeniul instrumental și în consolidarea genurilor și formelor pur instrumentale cu suitele de dans pentru baluri, existând o mare cerere de divertisment muzical la fiecare sărbătoare sau ceremonie, publică sau privată.

În tehnica de compoziție, polifonia melismatică a organonilor, derivată direct din cântecul gregorian, este abandonată în favoarea unei scrieri mai ușoare, cu voci tratate într-o manieră din ce în ce mai echilibrată. La începutul perioadei, mișcarea paralelă este folosită cu moderație, accidentalele sunt rare, dar disonanțele aspre sunt frecvente. Mai departe, scrierea pe trei voci începe să prezinte triade, dând o impresie de tonalitate. Pentru prima dată se încearcă pentru prima dată o muzică descriptivă sau programatică, modurile ritmice rigide fac loc izoritmicității și unor forme mai libere și mai dinamice, precum balada, chanson și madrigalul. În muzica sacră, forma de slujbă a devenit cea mai prestigioasă. Notația evoluează până la adoptarea unor note de valoare mai mică, iar spre sfârșitul perioadei intervalul de treimi devine acceptat ca fiind consonanță, când înainte erau acceptate doar a cincea, octava și unisonul.

Precursorii acestei transformări nu au fost italieni, ci francezi, precum Guillaume de Machaut, autorul celei mai mari realizări muzicale din Trecento din întreaga Europă, Missa de la Notre Dame, și Philippe de Vitry, mult lăudat de Petrarca. Despre muzica italiană din această fază timpurie ne-au parvenit foarte puține lucruri, deși se știe că activitatea era intensă și aproape în întregime în domeniul profan, principalele surse de partituri fiind Codex Rossi, Codex Squarcialupi și Codex Panciatichi. Printre reprezentanții lor se numărau Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia și, mai ales, Francesco Landini. Abia în Cinquecento, muzica italiană a început să își dezvolte propriile caracteristici originale, fiind până atunci foarte dependentă de școala franco-flamandă.

Predominanța influențelor nordice nu înseamnă că interesul italienilor pentru muzică a fost redus. În absența unor exemple muzicale din antichitate pe care să le imite, filosofi italieni precum Ficino au apelat la texte clasice ale lui Platon și Aristotel pentru a crea o muzică demnă de antici. În acest proces, un rol important l-au jucat Lorenzo de” Medici la Florența, care a fondat o academie muzicală și a atras mai mulți muzicieni europeni, și Isabella d”Este, a cărei curte mică, dar strălucitoare, din Mantova a atras poeți care au scris poezii simple în italiană pentru a fi puse pe muzică, iar acolo, ca și în alte centre italiene, recitarea poeziei era de obicei însoțită de muzică. Genul preferat a fost frottola, care prezenta deja o structură armonică tonală bine definită și urma să contribuie la reînnoirea madrigalului, cu fidelitatea sa tipică față de text și afecte. Alte genuri polifonice, cum ar fi misa și motetul, folosesc pe deplin imitația între voci și toate sunt tratate în mod similar.

Compozitori flamanzi importanți lucrează în Italia, precum Adriaen Willaert și Jacob Arcadelt, dar cele mai cunoscute figuri ale secolului sunt Giovanni da Palestrina, italian, și Orlando de Lasso, flamand, care au stabilit un standard pentru muzica corală ce va fi urmat pe întreg continentul, cu o scriitură melodioasă și bogată, de un mare echilibru formal și o expresivitate nobilă, păstrând inteligibilitatea textului, aspect care în perioada anterioară era adesea secundar și se pierdea în complexitatea complicată a contrapunctului. Impresia muzicii sale se potrivește cu grandoarea idealistă a Renașterii înalte, înflorind într-o fază în care manierismul se manifesta deja puternic în alte arte, cum ar fi pictura și sculptura. La sfârșitul secolului au apărut trei mari personalități, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli și Claudio Monteverdi, care vor introduce progrese în armonie și un simț al culorii și al timbrului care vor îmbogăți muzica dându-i expresivitate și dramatism manierist și o vor pregăti pentru baroc. Monteverdi, în special, este important pentru că a fost primul mare artist liric din istorie, iar operele sale L”Orfeo (1607) și L”Arianna (1608, pierdute, din care a rămas doar o arie celebră, Lament) reprezintă apusul nobil al muzicii renascentiste și primele mari repere ale barocului muzical.

Citește și, biografii – Lafcadio Hearn

Arhitectură

Permanența multor urme ale Romei antice în solul italian nu a încetat niciodată să influențeze plastica construcțiilor locale, fie prin utilizarea elementelor structurale sau a materialelor folosite de romani, fie prin păstrarea vie a memoriei formelor clasice. Chiar și așa, în Trecento, goticul a rămas stilul dominant, iar clasicismul va apărea puternic abia în secolul următor, pe fondul unui nou interes pentru marile realizări ale trecutului. Acest interes a fost stimulat de redescoperirea bibliografiei clasice considerate pierdute, cum ar fi De Architectura a lui Vitruvius, găsită în biblioteca abației din Monte Cassino în 1414 sau 1415. În ea, autorul a exaltat cercul ca formă perfectă și a dezvoltat proporțiile ideale ale clădirii și ale figurii umane, precum și simetria și relația arhitecturii cu omul. Ideile sale vor fi dezvoltate apoi de alți arhitecți, cum ar fi primul mare exponent al clasicismului arhitectural, Filippo Brunelleschi, care, de asemenea, s-a inspirat din ruinele pe care le studiase la Roma. El a fost primul care a folosit ordinele arhitecturale moderne într-un mod coerent, stabilind un nou sistem de proporții bazat pe scara umană. De asemenea, el a fost responsabil pentru utilizarea precursoare a perspectivei pentru reprezentarea iluzionistă a spațiului tridimensional pe un plan bidimensional, o tehnică care va fi foarte dezvoltată în secolele următoare și care va defini întregul stil al artei viitoare, inaugurând o asociere fructuoasă între artă și știință. Leon Battista Alberti este un alt arhitect de mare importanță, considerat un exemplu perfect de „om universal” renascentist, versatil în diverse specialități. A fost autorul tratatului De re aedificatoria, care va deveni canonic. Alți arhitecți, artiști și filozofi au contribuit la această discuție, cum ar fi Luca Pacioli în lucrarea sa De Divina Proportione, Leonardo cu proiectele sale de biserici centrate și Francesco di Giorgio cu Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Printre cele mai notabile trăsături ale arhitecturii renascentiste se numără revenirea modelului de templu centralizat, proiectat pe o cruce grecească și încoronat de o cupolă, reflectând popularizarea conceptelor din cosmologia neoplatonică și cu inspirația concomitentă a unor clădiri relicte precum Panteonul din Roma. Primul edificiu de acest tip construit în Renaștere a fost probabil San Sebastiano din Mantova, opera lui Alberti din 1460, dar care a rămas neterminată. Modelul s-a bazat pe o scară mai umană, renunțând la verticalismul intens al bisericilor gotice și având cupola ca o coroană a unei compoziții care excelează prin inteligibilitate. În special în ceea ce privește structura și tehnicile de construcție a cupolei, au fost realizate mari realizări în Renaștere, dar aceasta a fost o adăugare târzie la sistem, fiind preferate acoperișurile din lemn. Printre cele mai importante se numără cupola octogonală a Catedralei din Florența, realizată de Brunelleschi, care nu a folosit nici o schelă de susținere la sol și nici beton în construcție, și cea a Bazilicii Sfântul Petru din Roma, realizată de Michelangelo, încă din secolul al XVI-lea.

Înainte de Cinquecento nu exista un cuvânt care să desemneze arhitecții în sensul în care sunt înțeleși astăzi, iar aceștia erau numiți maeștri constructori. Arhitectura a fost cea mai prestigioasă artă a Renașterii, însă majoritatea maeștrilor de marcă ai perioadei, atunci când și-au început activitatea în domeniul artei construcțiilor, erau deja artiști reputați, dar nu aveau o pregătire în domeniu și proveneau din sculptură sau pictură. Aceștia au fost chemați pentru marile proiecte de clădiri publice, palate și biserici, iar arhitectura populară a fost încredințată micilor constructori. Spre deosebire de practica medievală, caracterizată prin funcționalitate și neregularitate, maeștrii concepeau clădirile ca pe niște opere de artă, erau plini de idei despre geometrii divine, simetrii și proporții perfecte, erau dornici să imite clădirile romane și creau desene detaliate și un model de lemn la scară mică al clădirii, care servea drept proiect pentru constructori. Aceste proiecte au fost inovatoare din punct de vedere structural și plastic, dar au acordat puțină atenție fezabilității lor practice și nevoilor de utilizare zilnică, în special în ceea ce privește distribuția spațiilor. Constructorii au fost cei care au trebuit să rezolve problemele tehnice apărute în timpul lucrărilor, încercând să mențină designul original, dar făcând adesea adaptări și modificări importante pe parcurs, dacă designul sau o parte din el se dovedea a fi nepractic. Potrivit lui Hartt, atunci când începeau lucrări mari și complexe, cum ar fi bisericile, constructorii erau rareori siguri că vor reuși să le ducă la bun sfârșit. Cu toate acestea, unii maeștri au lucrat ani îndelungați și au devenit mari cunoscători ai subiectului, introducând importante noutăți tehnice, structurale și funcționale. De asemenea, au proiectat fortificații, poduri, canale și alte structuri, precum și planuri urbanistice la scară largă. Cele mai multe dintre numeroasele planuri de urbanism renascentiste nu s-au realizat niciodată, iar dintre cele care au fost începute, niciuna nu a ajuns prea departe, dar de atunci au fost o sursă de inspirație pentru urbaniștii din toate generațiile.

În ceea ce privește partea seculară, aristocrații, cum ar fi familia Medici, Strozzi, Pazzi, și-au asigurat statutul comandând construcția unor palate de mare grandoare și originalitate, cum ar fi Palatul Pitti (Brunelleschi), Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), Palazzo Rucellai (Alberti) și Palazzo Strozzi (Maiano), toate transformând același model al palatelor medievale italiene, cu un corp mai mult sau mai puțin cubic, etaje cu tavane înalte, structurate în jurul unei curți interioare, cu o fațadă rustică și încununate de o cornișă mare, ceea ce le conferă un aspect de soliditate și invincibilitate. Forme mai pur clasice sunt exemplificate în Villa Medici a lui Giuliano da Sangallo. Variații interesante ale acestui model se găsesc în Veneția, având în vedere caracteristicile inundate ale terenului.

După Donato Bramante, figură marcantă a Înaltei Renașteri, care a adus centrul de interes arhitectural de la Florența la Roma și a fost autorul unuia dintre cele mai modelate edificii sacre ale generației sale, Tempietto, îl găsim pe Michelangelo însuși, considerat inventatorul ordinii colosale și, pentru o vreme, arhitectul lucrărilor din Bazilica Sfântul Petru. Michelangelo, în opinia contemporanilor săi, a fost primul care a sfidat regulile stabilite până atunci de arhitectura clasicistă, dezvoltând un stil personal, deoarece, potrivit lui Vasari, a fost primul care s-a deschis unei adevărate libertăți creative. El reprezintă, așadar, sfârșitul „clasicismului colectiv”, mai degrabă omogen în soluțiile sale, și începutul unei faze de individualizare și multiplicare a limbajelor arhitecturale. Prin prestigiul imens de care se bucura printre ai săi, el a deschis calea pentru ca noua generație de creatori să realizeze nenumărate experimente din canonul clasic al arhitecturii, făcând această artă independentă de cea veche – deși în mare măsură îndatorată acesteia. Unele dintre cele mai notabile nume ale acestei epoci au fost Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi și Vignola. Printre modificările pe care acest grup le-a introdus se numără relaxarea structurii frontispiciului și anularea ierarhiilor din ordinele antice, cu o mare libertate pentru utilizarea unor soluții neortodoxe și dezvoltarea gustului pentru un joc pur plastic cu formele, care a conferit mult mai mult dinamism spațiilor interioare și fațadelor. Dintre toți cei din Renașterea târzie, Palladio a fost cel mai influent și este și astăzi cel mai studiat arhitect din lume. A fost creatorul unei școli fertile, numită paladianism, care a rezistat, cu suișuri și coborâșuri, până în secolul al XX-lea.

Odată cu mișcarea tot mai intensă a artiștilor, umaniștilor și profesorilor între orașele de la nord de Alpi și peninsula italiană și cu marea circulație a textelor tipărite și a operelor de artă prin reproducerea în gravură, clasicismul italian a început la mijlocul secolului al XV-lea o etapă de difuzare pe întreg continentul. Francisc I al Franței și Carol al V-lea, împăratul Sfântului Imperiu Roman, au recunoscut curând potențialul prestigiului artei italiene de a promova imaginile lor regale și au fost agenți decisivi pentru răspândirea intensivă a acesteia dincolo de Alpi. Dar acest lucru se întâmpla la începutul secolului al XVI-lea, când ciclul renascentist se maturizase deja în Italia de cel puțin două sute de ani și se afla deja în faza manieristă.

Prin urmare, trebuie remarcat faptul că în restul Europei nu a existat un Quattrocento sau o Renaștere înaltă. În Cinquecento, perioada în care italienizarea europeană a atins apogeul, tradițiile regionale, chiar dacă, într-o anumită măsură, cunoșteau clasicismul, erau încă puternic impregnate de stiluri deja depășite în Italia, cum ar fi romanicul și goticul. Rezultatul a fost foarte eterogen și bogat în hibrizi, a produs deschiderea unor căi multiple, iar analiza sa a fost plină de controverse, singurul consens major care s-a format subliniind diversitatea mișcării, larga sa iradiere și dificultatea unei descrieri generaliste coerente pentru manifestările sale, în perspectiva existenței unor școli regionale și naționale cu o puternică individualitate, fiecare cu o istorie și valori specifice.

Citește și, istorie – Epoca Elisabetană

Franța

Influența renascentistă prin Flandra și Burgundia exista încă din secolul al XV-lea, după cum se observă în producția lui Jean Fouquet, dar Războiul de o sută de ani și epidemiile de ciumă au întârziat înflorirea sa, care se produce abia după invazia franceză a Italiei de către Carol al VIII-lea în 1494. Perioada se întinde până în jurul anului 1610, dar sfârșitul ei este tumultuos, cu războaiele religioase dintre catolici și hughenoți, care au devastat și slăbit țara. În timpul mandatului său, Franța începe să dezvolte absolutismul și se extinde pe mare pentru a explora America. Punctul central a fost stabilit la Fontainebleau, sediul curții, unde s-a format Școala de la Fontainebleau, integrată de francezi, flamanzi și italieni precum Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell”Abbate și Toussaint Dubreuil, fiind un punct de referință pentru alții precum François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon și Pierre Lescot. Leonardo a fost, de asemenea, prezent acolo. În ciuda acestui fapt, pictura a cunoscut o evoluție relativ slabă și puțin inovatoare, mai mult concentrată pe detalii prețioase și virtuozitate, niciun artist francez din această perioadă nu a dobândit o faimă continentală așa cum au obținut atâția italieni, iar clasicismul este perceptibil doar prin filtrul manierist. Pe de altă parte, a apărut un stil de decorare care a fost imitat pe scară largă în Europa, combinând pictura, stuc în relief și elemente sculptate în lemn.

Arhitectura a fost una dintre cele mai originale arte renascentiste franceze, iar în afara Italiei, în întreaga Europă, nu au apărut clădiri comparabile cu marile palate franceze precum Fontainebleau, Tuileries, Chambord, Louvre și Anet, majoritatea cu mari grădini formale, în care se remarcă arhitecții Pierre Lescot și Philibert de l”Orme, puternic influențați de lucrările lui Vignola și Palladio, adepți ai unui clasicism mai pur și organizatori ai fațadelor și planurilor simetrice. În orice caz, clasicismul lor nu a fost de fapt pur: au reorganizat ordinele clasice în moduri diferite, au creat variante, au dinamizat planurile și volumele și au pus un mare accent pe decorarea luxuriantă și capricioasă, contrazicând principiile de raționalitate, simplitate și economie formală ale clasicismului mai tipic, precum și păstrând tradițiile locale caracteristice goticului.

În domeniul muzicii a avut loc o înflorire uriașă prin intermediul Școlii din Burgundia, care a dominat scena muzicală europeană în secolul al XV-lea și care va da naștere Școlii franco-flamande, care va produce maeștri precum Josquin des Prez, Clément Janequin și Claude Le Jeune. Cântecul francez din secolul al XVI-lea va juca un rol în formarea canzonei italiene, iar Musique mesurée va stabili un model de scriere vocală declamatorie în încercarea de a recrea muzica teatrului grec și va favoriza evoluția spre tonalitatea deplină. De asemenea, a apărut un gen de muzică sacră distinct de modelele sale italiene, cunoscut sub numele de chanson spirituelle. În literatură, s-au remarcat Rabelais, precursor al genului fantastic, Montaigne, popularizator al genului eseului, unde este și astăzi unul dintre cele mai mari nume, și grupul care a alcătuit Pleiada, cu Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay și Jean-Antoine de Baïf, care au urmărit o actualizare vernaculară a literaturii greco-romane, emulația unor forme specifice și crearea de neologisme bazate pe latină și greacă.

Citește și, biografii – Martin Kippenberger

Țările de Jos și Germania

Flamanzii au fost în contact cu Italia încă din secolul al XV-lea, dar abia în secolul al XVI-lea contextul se transformă și se caracterizează ca fiind renascentist, având o durată de viață relativ scurtă. În această fază, regiunea se îmbogățește, Reforma protestantă devine o forță decisivă, opusă dominației catolice a lui Carol al V-lea, ceea ce duce la conflicte grave care vor diviza zona. Orașele comerciale Bruxelles, Gent și Bruges consolidează contactele cu nordul Italiei și comandă lucrări sau atrag artiști italieni, cum ar fi arhitecții Tommaso Vincidor și Alessandro Pasqualini, care și-au petrecut cea mai mare parte a vieții acolo. Dragostea pentru gravură a adus în regiune numeroase reproduceri ale operelor italiene, Dürer a lăsat o amprentă de neșters când a trecut pe aici, Erasmus a menținut umanismul viu, iar Rafael a comandat tapiserii la Bruxelles. Vesalius a făcut progrese importante în anatomie, Mercator în cartografie, iar noua presă a creat condiții în Anvers și Leuven pentru înființarea unor edituri influente.

În domeniul muzicii, Țările de Jos, împreună cu nord-vestul Franței, au devenit principalul centru pentru întreaga Europă prin intermediul Școlii franco-flamande. În pictură, a dezvoltat o școală originală, care a popularizat pictura în ulei și a acordat o atenție enormă detaliilor și liniilor, rămânând foarte fidelă temei sacre și încorporând tradiția gotică în inovațiile manieriste italiene. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden și Hieronymus Bosch au fost precursorii săi în secolul al XV-lea, iar în curând regiunea avea să își aducă propria contribuție la arta europeană, consolidând pictura peisagistică cu Joachim Patinir și pictura de gen cu Pieter Brueghel cel Bătrân și Pieter Aertsen. Alte nume notabile sunt Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt și Joos van Cleve.

Germania și-a consolidat Renașterea prin îmbinarea bogatului său trecut gotic cu elemente italiene și flamande. Unul dintre primii săi maeștri a fost Konrad Witz, urmat de Albrecht Altdorfer și Albrecht Dürer, care a fost la Veneția de două ori și a fost profund influențat acolo, regretând că a trebuit să se întoarcă în nord. Împreună cu savantul Johann Reuchlin, Dürer a fost unul dintre cei care au avut o influență majoră asupra răspândirii Renașterii în Europa Centrală și în Țările de Jos, unde celebrele sale gravuri au fost foarte apreciate de Erasmus, care l-a numit „Apeles al liniilor negre”. Școala romană a fost un element important în formarea stilului lui Hans Burgkmair și Hans Holbein, ambii din Augsburg, vizitați de Titian. În domeniul muzicii, este suficient să-l menționăm pe Orlando de Lasso, membru al Școlii franco-flamande stabilit la München, care va deveni cel mai faimos compozitor european din generația sa, până la punctul de a fi numit cavaler de către împăratul Maximilian al II-lea și de către Papa Grigore al XIII-lea, lucru extrem de rar pentru un muzician.

Citește și, mitologie – Dionis

Portugalia

Influența Renașterii în Portugalia se întinde de la mijlocul secolului al XV-lea până la sfârșitul secolului al XVI-lea. Deși Renașterea italiană a avut un impact modest asupra artei, portughezii au avut o influență în lărgirea viziunii asupra lumii a europenilor, stimulând curiozitatea umanistă.

Pionier al explorărilor europene, Portugalia a înflorit la sfârșitul secolului al XV-lea cu navigațiile sale spre Orient, obținând profituri imense care au stimulat burghezia comercială și au îmbogățit nobilimea, permițând luxul și cultivarea spiritului. Contactul cu Renașterea a venit prin influența unor negustori italieni și flamanzi bogați care au investit în comerțul maritim. Contactele comerciale cu Franța, Spania și Anglia au fost asidue, iar schimburile culturale s-au intensificat.

Fiind o mare putere navală, a atras specialiști în matematică, astronomie și tehnologie navală, cum ar fi Pedro Nunes și Abraão Zacuto; cartografii Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes și Diogo Ribeiro, care au făcut progrese esențiale în cartografierea lumii. Iar trimișii în Orient, cum ar fi farmacistul Tomé Pires și medicul Garcia de Orta, au colectat și publicat lucrări despre noile plante și medicamente locale.

În arhitectură, profiturile obținute din comerțul cu mirodenii în primele decenii ale secolului al XVI-lea au finanțat un stil de tranziție somptuos, care îmbină elemente marine cu cele gotice, manueline. Mănăstirea Jerónimos, Turnul din Belém și fereastra Capitoliului Mănăstirii lui Hristos din Tomar sunt cele mai cunoscute, arhitecții fiind Diogo Boitaca și Francisco de Arruda. La pictură, se remarcă Nuno Gonçalves, Gregório Lopes și Vasco Fernandes. În domeniul muzicii, Pedro de Escobar și Duarte Lobo, precum și patru cărți de cântece, printre care Cancioneiro de Elvas și Cancioneiro de Paris.

În literatură, Sá de Miranda a introdus formele italiene de versuri; Garcia de Resende a compilat Cancioneiro Geral în 1516, iar Bernardim Ribeiro a fost un pionier al bucolicismului. Gil Vicente le-a îmbinat cu cultura populară, relatând schimbările vremurilor, iar Luís de Camões a înscris realizările portughezilor în poemul epic Os Lusíadas. În special literatura de călătorie a înflorit: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto, printre alții, au descris noi ținuturi și au fost traduși și diseminați de noua presă. După ce a participat la explorarea portugheză a Braziliei, în 1500, Amerigo Vespucci, agent al familiei Medici, a inventat termenul de Lumea Nouă.

Schimburile internaționale intense au produs mai mulți savanți umaniști și cosmopoliți: Francisco de Holanda, André de Resende și Damião de Góis, prieten al lui Erasmus, care au scris cu o independență rară în timpul domniei lui Manuel I; Diogo și André de Gouveia, care au realizat reforme importante în domeniul educației prin intermediul Franței. Rapoartele și produsele exotice de la postul comercial portughez din Anvers au atras interesul lui Thomas More și al lui Durer pentru lumea largă. În Anvers, profiturile și cunoștințele portugheze au contribuit la Renașterea olandeză și la Epoca de Aur a Țărilor de Jos, mai ales după sosirea comunității evreiești cultivate și bogate, expulzate din Portugalia.

Citește și, biografii – Papa Clement al VII-lea

Spania

În Spania, circumstanțele au fost în mai multe puncte similare. Recucerirea teritoriului spaniol de la arabi și afluxul fantastic de bogăție din coloniile americane, cu intensele schimburi comerciale și culturale asociate, au stat la baza unei faze de expansiune și îmbogățire fără precedent a artei locale. Artiști precum Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes și mulți alții au lăsat lucrări remarcabile în stil clasic sau manierist, mai dramatice decât modelele lor italiene, deoarece spiritul Contrareformei a avut acolo un bastion și, în scriitori sacri precum Tereza de Avila, Ignațiu de Loyola și Ioan al Crucii, mari reprezentanți. În special în arhitectură, ornamentația luxuriantă a devenit tipică stilului cunoscut sub numele de plateresque, o sinteză unică de influențe gotice, maure și renascentiste. Universitatea din Salamanca, a cărei predare era de factură umanistă, precum și stabilirea unor italieni precum Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni și Pompeo Leoni, au adus un plus de forță în acest proces.

Renașterea de mai târziu a traversat chiar și oceanul și a prins rădăcini în America și în Orient, unde multe mănăstiri și biserici fondate de colonizatorii spanioli în centrele din Mexic și Peru, precum și de portughezi în Brazilia, Macao și Goa, unele dintre ele aflate acum în patrimoniul mondial, au supraviețuit încă.

Citește și, biografii – Gustav Klimt

Anglia

În Anglia, Renașterea a coincis cu așa-numita Epocă Elisabetană, o perioadă de mare expansiune maritimă și de relativă stabilitate internă după devastarea provocată de lungul Război al Rozelor, când a devenit posibil să ne gândim la cultură și artă. La fel ca în majoritatea celorlalte țări din Europa, moștenirea gotică încă vie s-a amestecat cu referințe din Renașterea târzie, dar trăsăturile sale distinctive sunt predominanța literaturii și a muzicii asupra celorlalte arte și valabilitatea sa până în jurul anului 1620. Poeți precum John Donne și John Milton caută noi modalități de înțelegere a credinței creștine, iar dramaturgi precum Shakespeare și Marlowe se mișcă agil între teme centrale pentru viața umană – trădare, transcendență, onoare, dragoste moartea – în tragedii celebre precum Romeo și Julieta, Macbeth, Othello, Moromeții din Veneția (Shakespeare) și Doctor Faustus (Marlowe), precum și în aspectele lor mai prozaice și mai ușoare din fabule fermecătoare precum Visul unei nopți de vară (Shakespeare). Filozofi precum Francis Bacon au dezvăluit noi limite pentru gândirea abstractă și au reflectat asupra unei societăți ideale, iar în muzică, școala madrigalescă italiană a fost asimilată de Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons și mulți alții, a dobândit o aromă locală inconfundabilă și a creat o tradiție care rămâne vie și astăzi, alături de mari polifoniști sacri precum John Taverner, William Byrd și Thomas Tallis, cel din urmă lăsând celebrul motet Spem in alium, pentru patruzeci de voci împărțite în opt coruri, o compoziție fără egal în epocă pentru măiestria sa în gestionarea unor mase vocale uriașe. În domeniul arhitecturii, s-au remarcat Robert Smythson și paladiniștii Richard Boyle, Edward Lovett Pearce și Inigo Jones, a căror operă a avut repercusiuni chiar și în America de Nord, făcându-și discipoli în George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison și Thomas Jefferson. În pictură, Renașterea a fost primită mai ales prin Germania și Țările de Jos, cu figura majoră a lui Hans Holbein, înflorind mai târziu cu William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard și alți câțiva maeștri ai Școlii Tudor.

Citește și, istorie – Joan Bennett

Arte și științe

sursele

1. Renascimento
2. Renașterea