Хоппер, Эдвард

gigatos | 1 января, 2022

Post Views: 201

Суммури

Эдвард Хоппер (22 июля 1882 — 15 мая 1967) был американским художником-реалистом и гравером. Хотя он широко известен своими картинами маслом, он был в равной степени искусен как акварелист и гравер. Его карьере в значительной степени способствовал брак с коллегой-художником Жозефиной Нивисон, которая внесла большой вклад в его творчество, как в качестве жизненной модели, так и в качестве творческого партнера. Хоппер был художником минорных клавиш, создавая сдержанный драматизм из обычных предметов, «наполненных поэтическим смыслом», приглашая к повествовательным интерпретациям, часто непреднамеренным. Его хвалили за «полную достоверность» изображаемой им Америки.

Ранняя жизнь

Хоппер родился в 1882 году в Ньяке, штат Нью-Йорк, центре яхтостроения на реке Гудзон к северу от Нью-Йорка. Он был одним из двух детей в достаточно обеспеченной семье. Его родители, в основном голландского происхождения, были Элизабет Гриффитс Смит и Гаррет Генри Хоппер, торговец сухими товарами. Хотя Гаррет не был столь успешен, как его предки, он хорошо обеспечивал своих двоих детей, получая значительную помощь от наследства жены. Он вышел на пенсию в возрасте сорока девяти лет. Эдвард и его единственная сестра Мэрион посещали как частные, так и государственные школы. Они выросли в строгой баптистской семье. Его отец отличался мягким характером, а в семье преобладали женщины: мать, бабушка, сестра и горничная Хоппера.

В 2000 году дом, где он родился и жил, был включен в Национальный реестр исторических мест. В настоящее время он функционирует как Центр искусств «Дом Эдварда Хоппера». Он служит некоммерческим общественным культурным центром, где проводятся выставки, семинары, лекции, спектакли и специальные мероприятия.

Хоппер хорошо учился в начальной школе и проявил талант к рисованию в возрасте пяти лет. Он с готовностью перенял интеллектуальные наклонности своего отца и любовь к французской и русской культурам. Он также продемонстрировал художественное наследие своей матери. Родители Хоппера поощряли его творчество и постоянно снабжали его материалами, обучающими журналами и иллюстрированными книгами. Впервые Хоппер начал подписывать и датировать свои рисунки в возрасте десяти лет. Самые ранние из этих рисунков включают наброски углем геометрических форм, в том числе вазы, чаши, кубка и коробки. Детальное изучение света и тени, которое продолжалось на протяжении всей его карьеры, можно обнаружить уже в этих ранних работах. К подростковому возрасту он работал пером и тушью, углем, акварелью и маслом, рисуя с натуры, а также создавая политические карикатуры. В 1895 году он создал свою первую картину маслом с автографом, «Гребная лодка в Скалистой бухте», которую он скопировал с репродукции в «The Art Interchange», популярном журнале для художников-любителей. Другие ранние работы Хоппера, такие как «Старый ледяной пруд в Ньяке» и его картина «Корабли», написанная около 1898 года, были идентифицированы как копии картин художников, включая Брюса Крейна и Эдварда Морана.

В своих ранних автопортретах Хоппер, как правило, изображал себя худым, некрасивым и домашним. Хотя он был высоким и тихим подростком, его шутливое чувство юмора находило выход в его творчестве, иногда в изображениях иммигрантов или женщин, доминирующих над мужчинами в комических ситуациях. Позже он стал изображать женщин в основном в качестве фигур на своих картинах. В средней школе (он окончил Nyack High School в 1899 году) он мечтал стать морским архитектором, но после окончания школы заявил о своем намерении сделать карьеру художника. Родители Хоппера настояли на том, чтобы он изучал коммерческое искусство, чтобы иметь надежный источник дохода. На формирование самовосприятия и индивидуалистической философии жизни Хоппера оказали влияние труды Ральфа Уолдо Эмерсона. Позже он сказал: «Я им очень восхищаюсь… Я перечитываю его снова и снова».

Хоппер начал изучать искусство с заочного курса в 1899 году. Вскоре он перевелся в Нью-Йоркскую школу искусства и дизайна, предшественницу Новой школы дизайна Парсонса. Там он учился в течение шести лет, у преподавателей, включая Уильяма Мерритта Чейза, который обучал его живописи маслом. В начале своего творчества Хоппер ориентировался на Чейза и французских импрессионистов Эдуарда Мане и Эдгара Дега. Наброски с живых моделей оказались вызовом и потрясением для консервативно воспитанного Хоппера.

Другой его учитель, художник Робер Анри, преподавал уроки жизни. Анри призывал своих учеников использовать свое искусство, чтобы «произвести фурор в мире». Он также советовал своим ученикам: «Важна не тема, а то, что вы чувствуете по отношению к ней» и «Забудьте об искусстве и пишите картины о том, что интересует вас в жизни». Таким образом, Анри повлиял на Хоппера, а также на будущих художников Джорджа Беллоуза и Рокуэлла Кента. Он призывал их проникнуться духом современности в своих работах. Некоторые художники из круга Анри, включая Джона Слоуна, стали членами «Восьмерки», также известной как Ашканская школа американского искусства. Первой сохранившейся картиной Хоппера, написанной маслом, которая намекает на использование им интерьеров в качестве темы, была «Одинокая фигура в театре» (ок. 1904 г.). В студенческие годы он также написал десятки обнаженных, натюрмортов, пейзажей и портретов, включая автопортреты.

В 1905 году Хоппер устроился на неполный рабочий день в рекламное агентство, где он создавал дизайн обложек для торговых журналов. Хоппер стал ненавидеть иллюстрацию. Он был связан с ней экономической необходимостью до середины 1920-х годов. Он временно вырвался из нее, совершив три поездки в Европу, каждая из которых проходила в Париже, якобы для изучения тамошней художественной сцены. На самом деле, однако, он учился в одиночестве и, казалось, был почти не затронут новыми течениями в искусстве. Позже он говорил, что «не помнит, чтобы вообще слышал о Пикассо». На него произвел большое впечатление Рембрандт, особенно его «Ночной дозор», который, по его словам, был «самой замечательной его вещью, которую я видел; в ее реальность невозможно не поверить».

Хоппер начал писать городские и архитектурные сцены в темной палитре. Затем он перешел к более светлой палитре импрессионистов, после чего вернулся к темной палитре, с которой ему было комфортно. Позже Хоппер сказал: «Я преодолел это, и позже вещи, сделанные в Париже, были больше похожи на те, которые я делаю сейчас». Хоппер проводил большую часть своего времени, рисуя сцены улиц и кафе, а также посещая театр и оперу. В отличие от многих своих современников, подражавших абстрактным экспериментам кубистов, Хоппер тяготел к реалистическому искусству. Позже он признался, что не испытывал никакого европейского влияния, кроме французского гравера Шарля Мериона, чьи угрюмые парижские сцены Хоппер имитировал.

Читайте также, биографии — Ксенофонт

Годы борьбы

После возвращения из последней европейской поездки Хоппер снял студию в Нью-Йорке, где он изо всех сил пытался определить свой собственный стиль. С неохотой он вернулся к иллюстрации, чтобы поддержать себя. Будучи фрилансером, Хоппер был вынужден обращаться за проектами и стучаться в двери офисов журналов и агентств, чтобы найти работу. Его живопись томилась: «Мне трудно решить, что я хочу нарисовать. Иногда я месяцами не могу найти это. Это приходит медленно». Его коллега-иллюстратор Уолтер Титтл описывал подавленное эмоциональное состояние Хоппера в более резких выражениях, видя, что его друг «страдает… от долгих периодов непобедимой инерции, сидя по несколько дней перед мольбертом в беспомощном несчастье, не в силах поднять руку, чтобы снять заклятие».

В 1912 году (с 22 февраля по 5 марта) он был включен в выставку группы художников The Independents по инициативе Робера Анри, но не сделал ни одной продажи.

В 1912 году Хоппер отправился в Глостер, штат Массачусетс, в поисках вдохновения и создал свои первые картины на открытом воздухе в Америке. Он написал картину Squam Light, первую из многих картин с маяками.

В 1913 году на выставке Armory Show Хоппер заработал 250 долларов, продав американскому бизнесмену Томасу Ф. Виетору свою первую картину «Парусник» (1911), которую он написал поверх более раннего автопортрета. Хопперу был тридцать один год, и хотя он надеялся, что его первая продажа вскоре приведет к другим, его карьера не задалась еще много лет. Он продолжал участвовать в групповых выставках на небольших площадках, таких как клуб Макдауэлла в Нью-Йорке. Вскоре после смерти отца в том же году Хоппер переехал в квартиру 3 Washington Square North в районе Гринвич-Виллидж на Манхэттене, где прожил до конца жизни.

В следующем году он получил заказ на создание киноафиш и рекламу для одной кинокомпании. Хотя ему не нравилась работа иллюстратора, Хоппер всю жизнь был приверженцем кино и театра, которые он использовал в качестве сюжетов для своих картин. Каждая форма повлияла на его композиционные методы.

Зайдя в тупик по поводу своих масляных картин, в 1915 году Хоппер обратился к офорту. К 1923 году он создал большинство из своих примерно 70 работ в этой технике, многие из которых изображали городские сцены Парижа и Нью-Йорка. Он также создал несколько плакатов для военных нужд, а также продолжал иногда заниматься коммерческими проектами. Когда он мог, Хоппер писал картины маслом на открытом воздухе во время поездок в Новую Англию, особенно в художественных колониях в Огунките и на острове Монхеган.

В начале 1920-х годов его офорты начали получать общественное признание. Они выражали некоторые из его более поздних тем, как, например, в картинах «Ночь в поезде» (пары в тишине), «Вечерний ветер» (одинокая женщина) и «Катер» (простая морская сцена). Две заметные картины маслом этого времени — «Нью-Йоркский интерьер» (1921) и «Нью-Йоркский ресторан» (1922). Он также написал две из многих своих последующих «оконных» картин: Девушка за швейной машинкой» и «Интерьер при лунном свете», на обеих из которых изображена фигура (одетая или обнаженная) у окна квартиры, выглядывающая наружу или с точки зрения стороннего наблюдателя.

Хотя эти годы были нерадостными, Хоппер получил некоторое признание. В 1918 году Хоппер был удостоен премии Американского совета по судоходству за военный плакат «Разбей гунна». Он участвовал в трех выставках: в 1917 году в Обществе независимых художников, в январе 1920 года (персональная выставка в клубе студии Уитни, который был предшественником музея Уитни) и в 1922 году (снова в клубе студии Уитни). В 1923 году Хоппер получил две награды за свои офорты: премию Логана от Чикагского общества офортистов и премию У. А. Брайана.

Читайте также, биографии — Пек, Грегори

Брак и прорыв

К 1923 году медленное восхождение Хоппера наконец привело к прорыву. Он вновь встретил Жозефину Нивисон, художницу и бывшую ученицу Робера Анри, во время летней поездки в Глостер, штат Массачусетс. Они были противоположностями: она — невысокая, открытая, общительная, коммуникабельная и либеральная, а он — высокий, скрытный, застенчивый, тихий, интроспективный и консервативный. Через год они поженились, шафером был художник Ги Пене дю Буа. Она отмечала: «Иногда разговаривать с Эдди — все равно что бросать камень в колодец, за исключением того, что он не бьется, когда падает на дно». Она подчинила свою карьеру его карьере и разделяла его затворнический образ жизни. Остальная часть их жизни вращалась вокруг их свободной квартиры в городе и их летнего отдыха в Южном Труро на Кейп-Коде. Она руководила его карьерой и интервью, была его главной моделью и спутницей жизни.

С помощью Нивисона шесть акварелей Хоппера из Глостера были допущены к выставке в Бруклинском музее в 1923 году. Одна из них, «Мансардная крыша», была приобретена музеем для своей постоянной коллекции за 100 долларов. Критики в целом восторженно отзывались о его работах; один из них сказал: «Какая жизненность, сила и прямота! Посмотрите, что можно сделать с самым домашним предметом». На следующий год Хоппер продал все свои акварели на индивидуальной выставке и окончательно решил оставить иллюстрацию в прошлом.

Художник продемонстрировал свою способность переносить свое влечение к парижской архитектуре на американскую городскую и сельскую архитектуру. По словам куратора Бостонского музея изящных искусств Кэрол Тройен, «Хопперу очень нравилось, как эти дома с их башенками, башенками, крыльцами, мансардными крышами и орнаментом отбрасывают прекрасные тени. Он всегда говорил, что больше всего ему нравится рисовать солнечный свет на боковой стороне дома».

В сорок один год Хоппер получил дальнейшее признание за свои работы. Он продолжал испытывать горечь по поводу своей карьеры, позже отказываясь от выступлений и наград. С финансовой стабильностью, обеспеченной постоянными продажами, Хоппер жил простой, стабильной жизнью и продолжал создавать искусство в своем личном стиле еще четыре десятилетия.

Его картина «Двое на проходе» (1927) была продана за рекордные 1500 долларов, что позволило Хопперу приобрести автомобиль, который он использовал для поездок в отдаленные районы Новой Англии. В 1929 году он создал картины «Чоп Суи» и «Железнодорожный закат». В следующем году меценат Стивен Кларк подарил «Дом у железной дороги» (1925) Музею современного искусства — первую картину маслом, которую он приобрел для своей коллекции. Свой последний автопортрет маслом Хоппер написал около 1930 года. Хотя Жозефина позировала для многих его картин, она снялась только для одного официального портрета маслом, написанного ее мужем, «Картина Джо» (1936).

Во время Великой депрессии Хопперу повезло больше, чем многим другим художникам. Его престиж резко возрос в 1931 году, когда крупные музеи, включая Музей американского искусства Уитни и Музей Метрополитен, заплатили тысячи долларов за его работы. В том году он продал 30 картин, в том числе 13 акварелей. В следующем году он принял участие в первом ежегодном смотре Уитни, и до конца жизни продолжал выставляться в каждом ежегодном смотре музея. В 1933 году Музей современного искусства устроил для Хоппера первую масштабную ретроспективу.

В 1930 году Хопперы сняли коттедж в Южном Труро на мысе Код. Они возвращались туда каждое лето до конца своей жизни, а в 1934 году построили там летний дом. Оттуда они совершали поездки в другие районы, когда Хопперу нужно было найти свежий материал для картин. Летом 1937 и 1938 годов супруги провели длительное время на ферме «Вагонные колеса» в Саут-Ройалтоне, штат Вермонт, где Хоппер написал серию акварелей вдоль реки Уайт. Эти сцены нетипичны для зрелых работ Хоппера, поскольку большинство из них — «чистые» пейзажи, лишенные архитектуры и человеческих фигур. Первый рукав реки Уайт (1938), хранящийся сейчас в Музее изящных искусств в Бостоне, является самым известным из вермонтских пейзажей Хоппера.

Хоппер был очень продуктивен в 1930-х и начале 1940-х годов, создав среди многих важных работ «Нью-Йоркское кино» (1939), «Шоу девушек» (1941), «Ночные ястребы» (1942), «Лобби отеля» (1943) и «Утро в городе» (1944). Однако в конце 1940-х годов наступил период относительного бездействия. Он признавался: «Я хотел бы больше рисовать. Мне надоело читать и ходить в кино». В течение следующих двух десятилетий его здоровье пошатнулось, он перенес несколько операций на простате и другие медицинские проблемы. Но в 1950-х и начале 1960-х годов он создал еще несколько крупных работ, включая «Оркестр первого ряда» (и «Антракт» в 1963 году).

Смерть

Хоппер умер от естественных причин в своей студии недалеко от Вашингтон-сквер в Нью-Йорке 15 мая 1967 года. Он был похоронен двумя днями позже на семейном участке на кладбище Оак Хилл в Наяке, штат Нью-Йорк, месте его рождения. Его жена умерла через десять месяцев и похоронена вместе с ним.

Его жена завещала их совместную коллекцию из более чем трех тысяч работ Музею американского искусства Уитни. Другие значительные картины Хоппера хранятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке, Центре искусств Де-Мойна и Институте искусств Чикаго.

Личность и видение

Всегда неохотно обсуждавший себя и свое искусство, Хоппер просто говорил: «Весь ответ — там, на холсте». Хоппер был стоиком и фаталистом — тихим интровертом с мягким чувством юмора и откровенной манерой поведения. Хоппер был человеком, тяготеющим к эмблематическому, антинарративному символизму, который «писал короткие изолированные моменты конфигурации, насыщенные суггестией». Его безмолвные пространства и нелегкие встречи «касаются нас там, где мы наиболее уязвимы», и «наводят на мысль о меланхолии, причем меланхолии наяву». Его чувство цвета раскрыло его как чистого художника, поскольку он «превратил пуританина в пуриста, в своих спокойных полотнах, где недостатки и благословения уравновешиваются». По словам критика Ллойда Гудрича, он был «исключительно местным художником, который, как никто другой, привносил в свои полотна качества Америки».

Консервативный в политике и социальных вопросах (Хоппер утверждал, например, что «жизнь художников должна быть написана очень близкими им людьми»), он принимал вещи такими, какие они есть, и демонстрировал отсутствие идеализма. Культурный и утонченный, он был хорошо начитан, и на многих его картинах изображены читающие фигуры. Как правило, он был хорошим собеседником, его не беспокоило молчание, хотя иногда он был неразговорчив, ворчлив или отстранен. Он всегда серьезно относился к своему искусству и искусству других, а когда его спрашивали, откровенно высказывал свое мнение.

Наиболее систематизированное заявление Хоппера о своей философии как художника было дано в рукописной заметке под названием «Заявление», поданной в 1953 году в журнал «Реальность»:

Великое искусство — это внешнее выражение внутренней жизни художника, и результатом этой внутренней жизни будет его личное видение мира. Никакое количество искусных изобретений не может заменить важнейший элемент воображения. Одна из слабостей многих абстрактных картин — попытка заменить изобретения человеческого интеллекта частной образной концепцией.

Хотя Хоппер утверждал, что он не вкладывает сознательно психологический смысл в свои картины, он был глубоко заинтересован Фрейдом и силой подсознания. В 1939 году он писал: «Так много в каждом искусстве является выражением подсознания, что мне кажется, что большинство всех важных качеств закладывается туда бессознательно, и мало что имеет значение для сознательного интеллекта».

Методы

Хотя он наиболее известен своими картинами маслом, Хоппер первоначально добился признания благодаря своим акварелям, а также создал несколько коммерчески успешных офортов. Кроме того, в его записных книжках есть высококачественные наброски пером и карандашом, которые никогда не предназначались для публичного просмотра.

Хоппер уделял особое внимание геометрическому дизайну и тщательному расположению человеческих фигур в правильном балансе с окружающей средой. Он был медленным и методичным художником; как он писал: «Должно пройти много времени, чтобы пришла идея. Затем мне приходится долго думать над ней. Я не начинаю рисовать, пока не продумаю все до мелочей. Я в порядке, когда подхожу к мольберту». Он часто делал подготовительные наброски, чтобы проработать свои тщательно рассчитанные композиции. Он и его жена вели подробный учет своих работ, отмечая такие пункты, как «грустное лицо женщины без освещения», «электрический свет с потолка» и «бедра прохладнее».

Для картины «Нью-Йоркское кино» (1939) Хоппер демонстрирует свою тщательную подготовку, делая более 53 набросков интерьера театра и фигуры задумчивого юзера.

Эффективное использование света и тени для создания настроения также занимает центральное место в методах Хоппера. Яркий солнечный свет (как эмблема озарения или откровения) и отбрасываемые им тени также играют символически сильную роль в таких картинах Хоппера, как «Раннее воскресное утро» (1930), «Летнее время» (1943), «Семь утра» (1948) и «Солнце в пустой комнате» (1963). Его использование эффектов света и тени сравнивают с кинематографом фильма-нуар.

Хотя Хоппер и был художником-реалистом, его «мягкий» реализм упрощал формы и детали. Он использовал насыщенные цвета для усиления контраста и создания настроения.

Читайте также, биографии — Клавдий

Предметы и темы

Хоппер черпал свои сюжеты из двух основных источников: во-первых, общие черты американской жизни (и во-вторых, морские и сельские пейзажи). Что касается своего стиля, Хоппер определял себя как «смесь многих рас» и не принадлежал ни к одной из школ, в частности, к «Ашканской школе». Когда Хоппер достиг своего зрелого стиля, его искусство оставалось последовательным и самодостаточным, несмотря на многочисленные тенденции в искусстве, которые появлялись и исчезали в течение его долгой карьеры.

Морские пейзажи Хоппера делятся на три основные группы: чистые пейзажи скал, моря и прибрежной травы; маяки и фермерские дома; парусники. Иногда он комбинировал эти элементы. Большинство этих картин изображают яркий свет и хорошую погоду; он не проявлял особого интереса к сценам снега или дождя, а также к сезонным изменениям цвета. Большинство чистых морских пейзажей он написал в период между 1916 и 1919 годами на острове Монхеган. Картина Хоппера «Длинная нога» (1935) — это почти полностью голубая картина с парусами, состоящая из самых простых элементов, в то время как его «Прибой» (1939) более сложен и изображает группу молодых людей, отправившихся в плавание, что напоминает культовую картину Уинслоу Хомера «Прогулка под парусами» (1876).

Городская архитектура и городские пейзажи также были основными темами для Хоппера. Он был очарован американской городской сценой, «нашей родной архитектурой с ее отвратительной красотой, ее фантастическими крышами, псевдоготическими, французскими мансардными, колониальными, беспородными или какими угодно, с бросающимися в глаза цветами или нежными гармониями выцветшей краски, упирающимися друг в друга вдоль бесконечных улиц, которые сужаются в болота или свалки».

В 1925 году он создал картину «Дом у железной дороги». Эта классическая работа изображает изолированный викторианский деревянный особняк, частично заслоненный приподнятой насыпью железной дороги. Она ознаменовала художественную зрелость Хоппера. Ллойд Гудрич оценил эту работу как «одно из самых пронзительных и опустошающих произведений реализма». Эта работа — первая из серии суровых сельских и городских пейзажей, в которой используются резкие линии и крупные формы, обыгранные необычным освещением, чтобы передать одинокое настроение своих объектов. Хотя критики и зрители интерпретируют смысл и настроение этих городских пейзажей, Хоппер настаивает: «Меня больше интересовал солнечный свет на зданиях и фигурах, чем какой-либо символизм». Как бы в доказательство этого, его поздняя картина «Солнце в пустой комнате» (1963) представляет собой чистое исследование солнечного света.

Большинство фигурных картин Хоппера посвящены тонкому взаимодействию человека с окружающей средой — одиночным фигурам, парам или группам. Его основные эмоциональные темы — одиночество, одиночество, сожаление, скука и покорность. Он выражает эти эмоции в различных условиях, в том числе в офисе, в общественных местах, в квартирах, в дороге или на отдыхе. Как будто он создавал кадры для фильма или сцены в пьесе, Хоппер располагал своих персонажей так, как будто они были запечатлены непосредственно перед или сразу после кульминации сцены.

Одинокие фигуры Хоппера — это в основном женщины, одетые, полуодетые и обнаженные, которые часто читают, смотрят в окно или находятся на рабочем месте. В начале 1920-х годов Хоппер написал свои первые подобные картины «Девушка за швейной машинкой» (1921), «Нью-Йоркский интерьер» (другая женщина шьет) (1921) и «Лунный свет» (обнаженная женщина ложится в постель) (1923). Однако картины Automat (1927) и Hotel Room (1931) в большей степени отражают его зрелый стиль, подчеркивая одиночество более открыто.

Как написала исследовательница творчества Хоппера Гейл Левин о Hotel Room:

Свободные вертикальные и диагональные полосы цвета и резкие электрические тени создают лаконичный и напряженный драматизм ночи… Сочетая острую тематику с такой мощной формальной организацией, композиция Хоппера достаточно чиста, чтобы приблизиться к почти абстрактной чувствительности, но при этом наполнена поэтическим смыслом для наблюдателя.

Картины Хоппера «Комната в Нью-Йорке» (1932) и «Вечер на мысе Код» (1939) являются яркими примерами его «парных» картин. В первой из них молодая пара выглядит отчужденной и необщительной: он читает газету, а она бездельничает у пианино. Зритель берет на себя роль вуайериста, как бы заглядывая в телескоп через окно квартиры, чтобы подсмотреть за отсутствием близости у пары. На последней картине пожилая пара, которой нечего сказать друг другу, играет со своей собакой, внимание которой отвлечено от ее хозяев. Хоппер поднимает тему пары на более амбициозный уровень в «Экскурсе в философию» (1959). Мужчина средних лет уныло сидит на краю кровати. Рядом с ним лежит раскрытая книга и частично одетая женщина. Луч света освещает пол перед ним. Джо Хоппер отметила в своем журнале: «Открытая книга — это Платон, перечитанный слишком поздно».

Левин интерпретирует картину:

Философ Платона в поисках реального и истинного должен отвернуться от этого преходящего царства и созерцать вечные Формы и Идеи. Задумчивый мужчина на картине Хоппера находится между соблазном земного мира, изображенного женщиной, и зовом высшего духовного мира, представленного бесплотным светопадом. Боль от размышлений об этом выборе и его последствиях, после того как он всю ночь читал Платона, очевидна. Его парализует горячий внутренний труд меланхолика.

В картине «Офис ночью» (1940), еще одной «парной» картине, Хоппер создает психологическую головоломку. На картине изображен мужчина, сосредоточенный на своих рабочих бумагах, в то время как рядом его привлекательная женщина-секретарь достает папку. Несколько этюдов к картине показывают, как Хоппер экспериментировал с расположением двух фигур, возможно, чтобы усилить эротизм и напряжение. Хоппер дает зрителю возможность предположить, что мужчина либо действительно не заинтересован в привлекательности женщины, либо изо всех сил старается ее не замечать. Еще одним интересным аспектом картины является то, как Хоппер использует три источника света: от настольной лампы, через окно и косвенный свет сверху. В дальнейшем Хоппер создал несколько «офисных» картин, но ни одной другой с чувственным подтекстом.

Самая известная из картин Хоппера, «Ночные ястребы» (1942), — одна из его групповых картин. На ней изображены клиенты, сидящие за стойкой ночной закусочной. Формы и диагонали тщательно выстроены. Точка зрения кинематографическая — с тротуара, как будто зритель приближается к ресторану. Резкий электрический свет в закусочной выделяет ее из темной ночи за окном, усиливая настроение и тонкие эмоции. Как и во многих картинах Хоппера, взаимодействие минимально. Изображенный на картине ресторан был вдохновлен одним из ресторанов в Гринвич-Виллидж. Оба Хоппера и его жена позировали для фигур, а Джо Хоппер дал картине название. Вдохновением для картины мог послужить рассказ Эрнеста Хемингуэя «Убийцы», которым Хоппер очень восхищался, или более философское «Чистое, хорошо освещенное место». Настроение картины иногда интерпретируется как выражение тревоги военного времени. В соответствии с названием своей картины, Хоппер позже сказал, что «Ночные ястребы» больше связаны с возможностью появления хищников в ночи, чем с одиночеством.

Его второй наиболее узнаваемой картиной после «Ночных ястребов» является другая городская картина «Раннее воскресное утро» (первоначальное название «Магазины Седьмой авеню»), на которой изображена пустая уличная сцена в резком боковом свете, с пожарным гидрантом и парикмахерским столбом в качестве заменителей человеческих фигур. Первоначально Хоппер планировал поместить фигуры в окна наверху, но оставил их пустыми, чтобы усилить ощущение заброшенности.

Не менее значимы и сельские сцены Хоппера в Новой Англии, такие как «Газ» (1940). Газ представляет собой «другое, такое же чистое, хорошо освещенное убежище… открытое для тех, кто нуждается в нем, когда они идут в ночи, преодолевая свои собственные мили, прежде чем заснуть». Работа представляет собой слияние нескольких тем Хоппера: одинокая фигура, меланхолия сумерек и одинокая дорога.

Хоппер приближается к сюрреализму в картине «Комнаты у моря» (1951), где из открытой двери открывается вид на океан, без видимой лестницы или ступенек и без указания на пляж.

После студенческих лет Хоппера все его обнаженные натуры были женскими. В отличие от художников прошлого, которые писали женскую наготу, чтобы прославить женскую форму и подчеркнуть женский эротизм, обнаженные женщины Хоппера — это одинокие женщины, которые психологически обнажены. Одним из смелых исключений является «Шоу девушек» (1941), где рыжеволосая королева стриптиза уверенно шагает по сцене под аккомпанемент музыкантов в яме. Фильм «Шоу девушек» был вдохновлен посещением Хоппером бурлеск-шоу несколькими днями ранее. Жена Хоппера, как обычно, позировала ему для картины, отметив в своем дневнике: «Эд начинает новый холст — королева бурлеска, танцующая стриптиз, и я, позирующая без шва перед плитой — ничего, кроме высоких каблуков в позе лотерейного танца».

Портретов и автопортретов Хоппера после студенческих лет было относительно немного. Хоппер сделал заказной «портрет» дома, The MacArthurs» Home (1939), где он точно передал викторианскую архитектуру дома актрисы Хелен Хейс. Позже она сказала: «Думаю, я никогда в жизни не встречала более мизантропичного, сварливого человека». Хоппер ворчал на протяжении всего проекта и больше никогда не принимал заказы. Хоппер также написал картину «Портрет Орлеана» (1950), «портрет» города Кейп-Код с его главной улицы.

Хотя Хоппер очень интересовался Гражданской войной в Америке и фотографиями полей сражений Мэтью Брэди, он создал только две исторические картины. На обеих изображены солдаты, направляющиеся в Геттисберг. Среди его работ также редко встречаются картины, изображающие действие. Лучшим примером картины, изображающей действие, является «Уздечка» (1939), но трудности Хоппера с правильной анатомией лошадей, возможно, отбили у него охоту к подобным попыткам.

Последняя картина Хоппера маслом «Два комедианта» (1966), написанная за год до его смерти, посвящена его любви к театру. Два французских актера пантомимы, мужчина и женщина, оба одетые в яркие белые костюмы, раскланиваются перед затемненной сценой. Джо Хоппер подтвердила, что по замыслу ее мужа эти фигуры должны были означать их последние поклоны в жизни в качестве мужа и жены.

Картины Хоппера часто воспринимались другими как имеющие повествовательное или тематическое содержание, которое художник, возможно, не имел в виду. Большое значение картине может придать ее название, но названия картин Хоппера иногда выбирались другими людьми или выбирались Хоппером и его женой таким образом, что становится непонятно, имеют ли они какую-либо реальную связь со смыслом, заложенным художником. Например, однажды Хоппер сказал интервьюеру, что ему «нравится картина «Раннее воскресное утро»… но это не обязательно было воскресенье». Это слово было добавлено позже кем-то другим».

Тенденция вчитывать в картины Хоппера тематическое или повествовательное содержание, которое Хоппер не предполагал, распространялась даже на его жену. Когда Джо Хоппер прокомментировала фигуру на картине «Утро на мысе Код»: «Это женщина, которая смотрит на улицу, чтобы узнать, достаточно ли хорошая погода, чтобы вывесить свою стирку», Хоппер ответил: «Разве я это сказал? Вы делаете из нее Нормана Роквелла. С моей точки зрения, она просто смотрит в окно». Другой пример того же явления зафиксирован в статье в журнале Time за 1948 год:

Картина Хоппера «Летний вечер», изображающая молодую пару, беседующую в резком свете на крыльце коттеджа, неизбежно романтична, но Хоппера задело предположение одного критика, что эта картина подойдет для иллюстрации в «любом женском журнале». Хоппер держал картину в голове «20 лет, и я никогда не думал о том, чтобы вставить фигуры, пока не начал работу прошлым летом». Почему любой арт-директор разорвал бы картину на части. Меня интересовали не фигуры, а свет, струящийся вниз, и ночь вокруг».

Место в американском искусстве

Сосредоточившись в основном на спокойных моментах, очень редко показывая действие, Хоппер использовал форму реализма, принятую другим ведущим американским реалистом, Эндрю Уайетом, но техника Хоппера полностью отличалась от гипердетализированного стиля Уайета. По аналогии с некоторыми своими современниками, Хоппер разделял городское чувство с Джоном Слоуном и Джорджем Беллоузом, но избегал их явного действия и насилия. Если Джозеф Стелла и Джорджия О»Киф превозносили монументальные сооружения города, Хоппер сводил их к повседневной геометрии и изображал пульс города скорее пустынным и опасным, чем «элегантным или соблазнительным».

Чарльз Берчфилд, которым Хоппер восхищался и с которым его сравнивали, сказал о Хоппере: «Он достигает такой полной достоверности, что вы можете прочитать в его интерпретации домов и представлений о жизни Нью-Йорка любые человеческие последствия, какие только пожелаете». Он также приписывал успех Хоппера его «смелому индивидуализму». … В нем мы вновь обрели ту прочную американскую независимость, которую дал нам Томас Икинс, но которая на какое-то время была утрачена». Хоппер счел это высоким комплиментом, поскольку считал Икинса величайшим американским художником.

Исследователь творчества Хоппера Дебора Лайонс пишет: «Наши собственные моменты откровения часто отражаются в его работах, трансцендентно. Увиденные однажды, интерпретации Хоппера существуют в нашем сознании в тандеме с нашим собственным опытом. Мы навсегда воспринимаем определенный тип дома как дом Хоппера, наделенный, возможно, тайной, которую Хоппер вложил в наше собственное видение». Картины Хоппера подчеркивают кажущуюся обыденность и типичность сцен нашей повседневной жизни и дают им повод для прозрения. Таким образом, искусство Хоппера берет мрачный американский пейзаж и одинокие бензоколонки и создает в них чувство прекрасного предвкушения.

Хотя Хоппера сравнивали с его современником Норманом Рокуэллом по тематике, ему не нравилось это сравнение. Хоппер считал себя более тонким, менее иллюстративным и уж точно не сентиментальным. Хоппер также отвергал сравнения с Грантом Вудом и Томасом Хартом Бентоном, говоря: «Я думаю, что художники американской сцены карикатурно изображали Америку. Я всегда хотел сделать себя».

Влияние

Влияние Хоппера на мир искусства и поп-культуру неоспоримо; многочисленные примеры см. в § «В популярной культуре». Хотя у него не было формальных учеников, многие художники ссылались на его влияние, включая Виллема де Кунинга, Джима Дайна и Марка Ротко. Иллюстрацией влияния Хоппера является ранняя работа Ротко «Композиция I» (ок. 1931), которая является прямым пересказом картины Хоппера «Chop Suey».

Кинематографические композиции Хоппера и драматическое использование света и темноты сделали его любимцем кинематографистов. Например, считается, что «Дом у железной дороги» оказал сильное влияние на культовый дом в фильме Альфреда Хичкока «Психо». Эта же картина, как утверждается, повлияла на дом в фильме Терренса Малика «Дни рая». Фильм 1981 года «Гроши с небес» включает в себя tableau vivant из «Ночных ястребов», где главные актеры заняли места обедающих. Немецкий режиссер Вим Вендерс также ссылается на влияние Хоппера. Его фильм 1997 года «Конец насилия» также включает в себя tableau vivant «Nighthawks», воссозданный актерами. Известный сюрреалистический режиссер фильмов ужасов Дарио Ардженто дошел до того, что воссоздал закусочную и посетителей «Ночных ястребов» как часть декораций для своего фильма 1976 года «Глубокий красный» (он же «Profondo Rosso»). Ридли Скотт ссылался на эту же картину как на визуальное вдохновение для «Бегущего по лезвию». Для создания освещения сцен в фильме 2002 года «Дорога к погибели» режиссер Сэм Мендес использовал в качестве источника вдохновения картины Хоппера, в частности «Нью-Йорк фильм».

В магазинах плакатов и сувениров часто можно встретить изображения «Ночных ястребов» с героями мультфильмов или известными иконами поп-культуры, такими как Джеймс Дин и Мэрилин Монро. Кабельный телеканал Turner Classic Movies иногда показывает анимационные клипы, основанные на картинах Хоппера, перед показом своих фильмов. Среди музыкальных влияний — альбом певца Тома Уэйтса 1975 года «Nighthawks at the Diner» («Ночные ястребы в закусочной»), созданный в честь этой картины. В 1993 году Мадонна была в достаточной степени вдохновлена картиной Хоппера «Шоу девушек» 1941 года, поэтому назвала в честь нее свой мировой тур и включила в шоу многие театральные элементы и настроение картины. В 2004 году британский гитарист Джон Сквайр (бывший участник группы The Stone Roses) выпустил концептуальный альбом, основанный на работах Хоппера, под названием «Дом Маршалла». Каждая песня альбома вдохновлена одной из картин Хоппера и имеет общее название. Канадская рок-группа The Weakerthans в 2007 году выпустила альбом Reunion Tour, в который вошли две песни, вдохновленные и названные в честь картин Хоппера, «Sun in an Empty Room» и «Night Windows», а также ссылалась на него в таких песнях, как «Hospital Vespers». Отсек C, вагон 293 Хоппера вдохновил польского композитора Павла Шиманьского на композицию Compartment 2, вагон 7 для скрипки, альта, виолончели и вибрафона (2003), а также на песню Юбера-Феликса Тьефена Compartiment C Voiture 293 Edward Hopper 1938 (2011). Работы Хоппера повлияли на многочисленные записи британской группы Orchestral Manoeuvres in the Dark. Альбом «Early Sunday Morning» послужил вдохновением для оформления обложки альбома «Crush» (1985). Сингл этой же группы 2013 года «Night Café» был написан под влиянием Nighthawks и упоминает Хоппера по имени. В тексте песни упоминаются семь его картин.

В поэзии многие стихи были вдохновлены картинами Хоппера, как правило, в виде ярких описаний и драматизации; этот жанр известен как экфрасис. Помимо многочисленных отдельных стихотворений, вдохновленных Хоппером, несколько поэтов написали сборники, основанные на картинах Хоппера. Французский поэт Клод Эстебан написал сборник стихов в прозе «Солнце в пустой комнате» (1991), основанный на сорока семи картинах Хоппера, написанных в период с 1921 по 1963 год, и заканчивающийся «Солнцем в пустой комнате» (1963), отсюда и название. Каждое стихотворение драматизирует картину Хоппера, представляя себе историю, скрывающуюся за сценой; книга получила премию Prix France Culture в 1991 году. Восемь стихотворений — «Ground Swell», «Girl at Sewing Machine», «Compartment C», «Car 293», «Nighthawks», «South Carolina Morning», «House by the Railroad», «People in the Sun» и «Roofs of Washington Square» — были впоследствии положены на музыку композитором Грасианом Финци и записаны с чтением певицей Натали Дессей на ее альбоме «Portraits of America» (2016), где они были дополнены выбором еще десяти картин Хоппера и песен из американского песенника, которые к ним подходят. Аналогичным образом, испанский поэт Эрнест Фаррес написал сборник из пятидесяти одного стихотворения на каталанском языке под названием «Эдвард Хоппер» (2006, английский перевод 2010 Лоуренса Венути), а Джеймс Хоггард написал книгу Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). Коллекция, составленная разными поэтами, была организована в сборнике The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (редактор Гейл Левин). Отдельные стихи включают Байрона Вазакаса (1957) и Джона Стоуна (1985), вдохновленных «Ранним воскресным утром», и Мэри Лидер, вдохновленную «Девушкой за швейной машинкой».

Выставки

В 1980 году выставка «Эдвард Хоппер: Искусство и художник» открылась в Музее американского искусства Уитни и посетила Лондон, Дюссельдорф и Амстердам, а также Сан-Франциско и Чикаго. Впервые в истории на этой выставке были представлены картины Хоппера, написанные маслом, вместе с подготовительными этюдами к этим работам. Это стало началом популярности Хоппера в Европе и его широкой мировой известности.

В 2004 году большая подборка картин Хоппера совершила турне по Европе, посетив Музей Людвига в Кельне, Германия, и Тейт Модерн в Лондоне. Выставка в Тейт стала второй по популярности за всю историю галереи: за три месяца работы ее посетили 420 000 человек.

В 2007 году в Музее изящных искусств Бостона была представлена выставка, посвященная периоду наибольших достижений Хоппера — примерно с 1925 года до середины века. Экспозиция состояла из пятидесяти картин маслом, тридцати акварелей и двенадцати гравюр, включая любимые «Ночные ястребы», «Чоп Суи», «Маяк и здания». Выставка была организована Музеем изящных искусств в Бостоне, Национальной галереей искусств в Вашингтоне и Институтом искусств Чикаго, а спонсором выступила глобальная консалтинговая компания Booz Allen Hamilton.

В 2010 году Фонд Эрмитажа в Лозанне, Швейцария, провел выставку, охватывающую всю карьеру Хоппера, работы были взяты в основном из музея Уитни в Нью-Йорке. В экспозицию вошли картины, акварели, офорты, карикатуры, плакаты, а также некоторые подготовительные этюды к отдельным картинам. Ранее выставка была представлена в Милане и Риме. В 2011 году Музей американского искусства Уитни провел выставку под названием «Эдвард Хоппер и его время».

В 2012 году в парижском Гран-Пале открылась выставка, которая попыталась пролить свет на сложность его шедевров, что свидетельствует о богатстве творчества Хоппера. Выставка была хронологически разделена на две основные части: первый раздел охватывал годы становления Хоппера (1900-1924), сравнивая его работы с работами современников и искусством, которое он видел в Париже и которое, возможно, повлияло на него. Во втором разделе рассматривалось искусство его зрелых лет, от первых картин, олицетворяющих его личный стиль, таких как «Дом у железной дороги» (1924), до его последних работ.

В 2020 году Фонд Бейелер провел выставку, на которой было представлено искусство Хоппера. Выставка была посвящена «знаковым представлениям Хоппера о бесконечных просторах американских пейзажей и городских ландшафтов». Этот аспект редко упоминается на выставках, однако он является ключевым для понимания творчества Хоппера.

Художественный рынок

Работы Хоппера редко появляются на рынке. Художник не был плодовитым, написав всего 366 полотен; в 1950-е годы, когда ему было за 70, он создавал примерно пять картин в год. Давний дилер Хоппера, Фрэнк Рен, который устроил для художника его первую персональную выставку в 1924 году, в 1957 году продал «Окно отеля» (1956) коллекционеру Ольге Кнопке за 7 000 долларов (эквивалентно 64 501 доллару в 2020 году). В 1999 году Forbes Collection продал ее актеру Стиву Мартину в частном порядке примерно за 10 миллионов долларов. В 2006 году Мартин продал ее за 26,89 миллиона долларов на аукционе Sotheby»s в Нью-Йорке, что стало рекордом аукциона для художника.

В 2013 году Академия изящных искусств Пенсильвании выставила на продажу картину Хоппера «Восточный ветер над Уихокеном» (1934), надеясь выручить 22-28 миллионов долларов, в которые оценивается картина, чтобы создать фонд для приобретения «современного искусства», которое будет дорожать. Это уличная сцена, выполненная в темных, земляных тонах, изображающая двускатный дом по адресу 1001 Boulevard East на углу 49-й улицы в Уихокене, Нью-Джерси, и считается одной из лучших работ Хоппера. Она была приобретена непосредственно у дилера, занимавшегося картинами художника, в 1952 году, за пятнадцать лет до его смерти, по очень низкой цене. Картина была продана за рекордные 36 миллионов долларов на аукционе Christie»s в Нью-Йорке анонимному участнику телефонных торгов.

В 2018 году, после смерти коллекционера Барни А. Эбсворта и последующего выставления на аукцион многих работ из его коллекции, картина Chop Suey (1929) была продана за 92 миллиона долларов, став самой дорогой работой Хоппера, когда-либо купленной на аукционе.

Помимо своего влияния (см. § Влияние), Хоппер часто упоминается в популярной культуре.

В 1981 году документальный фильм Брайана О»Доэрти «Молчание Хоппера», снятый Музеем американского искусства Уитни, был показан на Нью-Йоркском кинофестивале в Элис Талли Холл.

Австрийский режиссер Густав Дойч создал в 2013 году фильм «Ширли — видение реальности» на основе 13 картин Эдварда Хоппера.

Другие работы, основанные на картинах Хоппера или вдохновленные ими, включают альбом Тома Уэйтса «Nighthawks at the Diner» 1975 года и серию фотографий Гейла Альберта Халабана 2012 года.

В книге (1985, 1998) и на передвижной выставке под названием «Места Хоппера» Гейл Левин нашел и сфотографировал места для многих картин Хоппера. В своей рецензии на выставку, организованную Левин в 1985 году, Вивьен Рейнор написала в газете «Нью-Йорк Таймс»: «Умозаключения мисс Левин неизменно поучительны, например, когда она делает вывод, что склонность Хоппера к удлинению структур была отражением его собственного огромного роста».

Альбом Crush группы новой волны Orchestral Manoeuvres in the Dark 1985 года содержит иллюстрации, вдохновленные несколькими картинами Хоппера, включая Early Sunday Morning, Nighthawks и Room in New York. Сингл группы 2013 года «Night Cafe» был написан под влиянием Nighthawks и упоминает Хоппера по имени. Семь его картин упоминаются в тексте песни.

Нью-Йоркская городская опера поставила премьеру «Жены Хоппера» Стюарта Уоллеса — камерной оперы 1997 года о воображаемом браке между Эдвардом Хоппером и обозревателем сплетен Хеддой Хоппер — на сцене Гарлем Стейдж в 2016 году.

Ирландская писательница Кристин Дуайер Хикки в 2019 году опубликовала роман «Узкая земля», в котором Эдвард и Джо Хоппер являются центральными персонажами.

Пол Уэллер включил песню под названием «Hopper» в свой альбом 2017 года A Kind Revolution.

Источники