Буржуа, Луиза

gigatos | 12 января, 2022

Post Views: 228

Суммури

Луиза Жозефина Буржуа (25 декабря 1911 — 31 мая 2010) — франко-американская художница. Хотя она наиболее известна своими масштабными скульптурами и инсталляциями, Буржуа также была плодовитой художницей и печатником. На протяжении своей долгой карьеры она исследовала множество тем, включая домашний очаг и семью, сексуальность и тело, а также смерть и бессознательное. Эти темы связаны с событиями из ее детства, которые она считала терапевтическим процессом. Хотя Буржуа выставлялась вместе с абстрактными экспрессионистами и ее работы имеют много общего с сюрреализмом и феминистским искусством, она не была формально причислена к какому-либо конкретному художественному движению.

Буржуа родилась 25 декабря 1911 года в Париже, Франция. Она была средним ребенком из трех детей, родившихся в семье Жозефины Фориа и Луи Буржуа. Ее родители владели галереей, которая торговала в основном антикварными гобеленами. Через несколько лет после ее рождения семья переехала из Парижа и организовала под своей квартирой в Шуази-ле-Руа мастерскую по реставрации гобеленов, для чего Буржуа заполняла узоры там, где они поизносились. Нижняя часть гобеленов всегда была повреждена, что, как правило, было связано с ногами персонажей и лапами животных.

В 1930 году Буржуа поступила в Сорбонну, чтобы изучать математику и геометрию, предметы, которые она ценила за их стабильность, говоря: «Я обрела душевный покой, только изучая правила, которые никто не мог изменить».

В 1938 году она открыла свою собственную галерею в помещении по соседству с галереей гобеленов своего отца, где выставляла работы таких художников, как Эжен Делакруа, Анри Матисс и Сюзанна Валадон, и где она познакомилась с приезжим американским профессором искусства Робертом Голдуотером в качестве клиента. Они поженились и переехали в США (где он преподавал в Нью-Йоркском университете). У них родилось трое сыновей, один из которых был приемным. Брак продлился до смерти Голдуотера в 1973 году.

Буржуа поселилась в Нью-Йорке вместе со своим мужем в 1938 году. Она продолжила свое образование в Лиге студентов искусств Нью-Йорка, изучая живопись у Вацлава Вытлачила, а также создавая скульптуры и гравюры. «На первой картине была сетка: сетка — это очень спокойная вещь, потому что ничто не может пойти не так, как надо… все завершено. Нет места для беспокойства… всему есть место, всему рады».

Буржуа включила эти автобиографические ссылки в свою скульптуру «Карантания I», выставленную в Саду скульптур Каллена в Музее изобразительных искусств Хьюстона.

Средние годы

Для Буржуа начало 1940-х годов представляло собой трудности перехода в новую страну и борьбу за вхождение в выставочный мир Нью-Йорка. В это время ее работы создавались из обрезков мусора и дрейфующей древесины, которые она использовала для вырезания вертикальных деревянных скульптур. Загрязнения дерева затем маскировались краской, после чего гвозди использовались для создания отверстий и царапин в попытке изобразить какую-либо эмоцию. Спящая фигура» — один из таких примеров, изображающий военную фигуру, которая из-за уязвимости не может встретиться с реальным миром. На протяжении всей своей жизни Буржуа создавала свои работы, обращаясь к собственному неспокойному прошлому, поскольку она находила вдохновение и временный катарсис в своих детских годах и жестоком обращении, которому она подвергалась со стороны отца. Постепенно она обрела большую художественную уверенность, хотя ее средние годы более непрозрачны, что может быть связано с тем, что она получила очень мало внимания со стороны мира искусства, несмотря на свою первую персональную выставку в 1945 году. В 1951 году умер ее отец, и она стала американской гражданкой.

В 1954 году Буржуа присоединилась к группе американских абстрактных художников, в которой было несколько современников, в том числе Барнетт Ньюман и Ад Рейнхардт. В это время она также подружилась с художниками Виллемом де Кунингом, Марком Ротко и Джексоном Поллоком. В составе группы американских абстрактных художников Буржуа перешла от дерева и вертикальных конструкций к мрамору, гипсу и бронзе, исследуя такие проблемы, как страх, уязвимость и потеря контроля. Этот переход стал поворотным пунктом. Она называла свое искусство серией или последовательностью, тесно связанной с днями и обстоятельствами, описывая свои ранние работы как страх падения, который позже трансформировался в искусство падения, а окончательная эволюция — в искусство держаться. Ее конфликты в реальной жизни позволили ей подтвердить подлинность своего опыта и борьбы через уникальную форму искусства. В 1958 году Буржуа и ее муж переехали в террасный дом на Западной 20-й улице, в Челси, Манхэттен, где она жила и работала до конца своей жизни.

Несмотря на то, что она отвергала идею о том, что ее искусство является феминистским, темой Буржуа было женское начало. Такие работы, как «Дом женщины» (1946-1947), автопортрет «Торс» (1963-1964), «Арка истерии» (1993), изображают женское тело. В конце 1960-х годов ее образы стали более откровенно сексуальными, поскольку она исследовала отношения между мужчинами и женщинами и эмоциональное воздействие своего трудного детства. Сексуально откровенные скульптуры, такие как «Янус Флери» (1968), показывают, что она не боялась использовать женскую форму по-новому. Ее цитируют: «Моя работа имеет дело с проблемами, которые предшествуют гендерным», — писала она. «Например, ревность не является ни мужской, ни женской». С ростом феминизма ее работы нашли более широкую аудиторию. Несмотря на это утверждение, в 1976 году «Femme Maison» была помещена на обложку книги Люси Липпард «Из центра: Феминистские эссе о женском искусстве и стала иконой феминистского художественного движения.

Дальнейшая жизнь

В 1973 году Буржуа начала преподавать в Институте Пратта, Купер Юнион, Бруклинском колледже и Нью-Йоркской школе-студии рисунка, живописи и скульптуры. С 1974 по 1977 год Буржуа работала в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке, где преподавала гравюру и скульптуру. Она также много лет преподавала в государственных школах в Грейт-Нек, Лонг-Айленд.

В начале 1970-х годов Буржуа проводила собрания под названием «Воскресные, кровавые воскресенья» в своем доме в Челси. В этих салонах собирались молодые художники и студенты, чьи работы критиковались Буржуа. Беспощадность Буржуа в критике и ее сухое чувство юмора дали название этим встречам. Буржуа вдохновила многих молодых студентов на создание искусства, которое носило феминистский характер. Однако давний друг и помощник Луизы, Джерри Горовой, заявил, что Луиза считала свои работы «догендерными».

Буржуа объединилась с активистами и стала членом группы «Борьба с цензурой», феминистского антицензурного коллектива, основанного художницей Анитой Штекель. В 1970-х годах группа защищала использование сексуальных образов в произведениях искусства. Штекель утверждала: «Если эрегированный пенис не является достаточно здоровым, чтобы попасть в музеи, он не должен считаться достаточно здоровым, чтобы попасть к женщинам».

В 1978 году Буржуа по заказу Управления служб общего назначения создала «Лики солнца», свою первую общественную скульптуру. Работа была установлена снаружи федерального здания в Манчестере, штат Нью-Гэмпшир. Буржуа получила свою первую ретроспективу в 1982 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке. До этого момента она была периферийной фигурой в искусстве, чьи работы вызывали скорее восхищение, чем признание. В интервью журналу Artforum, приуроченному к открытию ретроспективы, она рассказала, что образы в ее скульптурах полностью автобиографичны. Она поделилась с миром тем, что в своем искусстве навязчиво переживала травму, когда в детстве узнала, что ее английская гувернантка была также любовницей ее отца.

В 1989 году Буржуа сделала сухой офорт «Грязный переулок», изображающий дом, который она содержала в Стэплтоне, Статен-Айленд, и который она рассматривала как скульптурную среду, а не как жилое пространство.

Еще одна ретроспектива Буржуа состоялась в 1989 году на выставке Documenta 9 в Касселе, Германия. В 1993 году, когда Королевская академия искусств проводила всеобъемлющий обзор американского искусства 20 века, организаторы не сочли работы Буржуа важными для включения в обзор. Однако этот обзор подвергся критике за многие упущения, один критик написал, что «целые разделы лучшего американского искусства были стерты», и указал, что в него было включено очень мало женщин. В 2000 году ее работы были отобраны для показа на открытии Тейт Модерн в Лондоне. В 2001 году она показалась в Эрмитаже.

Смерть

Буржуа умерла от сердечной недостаточности 31 мая 2010 года в медицинском центре Бет Израэль на Манхэттене. Венди Уильямс, управляющий директор студии Луизы Буржуа, объявила о ее смерти. До самой смерти она продолжала создавать произведения искусства, последние работы были закончены за неделю до смерти.

New York Times отметила, что в ее работах «есть ряд повторяющихся тем, в центре которых человеческое тело и его потребность в заботе и защите в пугающем мире».

Ее муж, Роберт Голдуотер, умер в 1973 году. Ее пережили два сына, Ален Буржуа и Жан-Луи Буржуа. Ее первый сын, Мишель, умер в 1990 году.

Дом для женщин

Femme Maison (1946-47) — это серия картин, в которых Буржуа исследует отношения женщины и дома. В работах головы женщин заменены домами, изолируя их тела от внешнего мира и сохраняя их сознание домашним. Эта тема сочетается с дегуманизацией современного искусства.

Читайте также, история — Тутанхамон

Уничтожение отца

Уничтожение отца» (1974) — это биографическое и психологическое исследование властного доминирования отца и его потомства. Работа представляет собой инсталляцию телесного цвета в мягкой и похожей на утробу матери комнате. Выполненная из гипса, латекса, дерева, ткани и красного света, «Уничтожение отца» стала первым произведением, в котором она использовала мягкие материалы в большом масштабе. Войдя в инсталляцию, зритель оказывается на месте преступления. В стилизованной столовой (с двойным влиянием спальни) абстрактные, похожие на шарики дети властного отца взбунтовались, убили и съели его.

…рассказывая плененной аудитории, какой он великий, все замечательные вещи он сделал, всех плохих людей он сегодня опустил. Но это продолжается день за днем. В воздухе витает трагедия. Слишком часто он говорит свое слово. Он невыносимо доминирует, хотя, возможно, сам этого не осознает. Обида растет, и однажды мы с братом решили: «Пришло время!». Мы схватили его, положили на стол и с помощью ножей расчленили его. Мы разобрали его на части, расчленили, отрезали пенис. И он стал едой. Мы съели его… он был ликвидирован так же, как он ликвидировал детей.

Экзорцизм в искусстве

В 1982 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке были представлены работы неизвестной художницы Луизы Буржуа. Ей было 70 лет, и она была художником смешанной техники, работавшим на бумаге, с металлом, мрамором и костями скелетов животных. Семейные травмы детства «породили экзорцизм в искусстве», и она отчаянно пыталась очистить свои переживания с помощью работы. Она чувствовала, что может затронуть вопросы женской идентичности, тела, разрушенной семьи задолго до того, как мир искусства и общество сочли их выраженными темами в искусстве. Это был способ Буржуа найти свой центр и стабилизировать свои эмоциональные волнения. В то время газета «Нью-Йорк Таймс» писала, что «ее работы наполнены нежностью и насилием, принятием и неповиновением, двойственностью и убежденностью».

Читайте также, биографии — Аттила

Клетки

В восьмидесятилетнем возрасте Буржуа создала две серии закрытых инсталляций, которые она назвала «Клетки». Многие из них представляют собой небольшие корпуса, в которых зрителю предлагается заглянуть внутрь и посмотреть на расположение символических объектов; другие — небольшие комнаты, в которые зрителя приглашают войти. В своих работах Буржуа использует более ранние скульптурные формы, найденные объекты, а также личные вещи, которые несут сильный эмоциональный заряд для художника.

В ячейках заключены психологические и интеллектуальные состояния, в первую очередь чувства страха и боли. Буржуа заявил, что ячейки представляют «различные виды боли; физическую, эмоциональную и психологическую, психическую и интеллектуальную… Каждая ячейка имеет дело со страхом. Страх — это боль… Каждая ячейка имеет дело с удовольствием вуайериста, трепетом от того, что ты смотришь и на тебя смотрят».

Maman

В конце 1990-х годов Буржуа начала использовать паука в качестве центрального образа в своем искусстве. Маман, высота которой превышает девять метров, представляет собой скульптуру из стали и мрамора, из которой впоследствии было отлито шесть бронзовых скульптур. Впервые она появилась в рамках заказа Буржуа для серии «Unilever Series» для Турбинного зала Тейт Модерн в 2000 году, а недавно скульптура была установлена в Национальном конференц-центре Катара в Дохе, Катар. Ее самая большая скульптура паука под названием Maman достигает более 30 футов (9,1 м) и была установлена во многих местах по всему миру. Это самая большая скульптура паука, когда-либо сделанная Буржуа. Более того, Maman намекает на силу матери, с метафорами прядения, ткачества, воспитания и защиты. Распространенность паучьего мотива в ее работах дала ей прозвище Женщина-паук.

Паук — это ода моей матери. Она была моим лучшим другом. Как и паук, моя мать была ткачихой. Моя семья занималась реставрацией гобеленов, и мама руководила мастерской. Как и пауки, моя мама была очень умной. Пауки — это дружелюбные существа, которые питаются комарами. Мы знаем, что комары распространяют болезни и поэтому нежелательны. Поэтому пауки полезны и защищают нас, как и моя мама.

Читайте также, мифология — Ёрд

Maisons fragiles Пустые дома

Скульптуры Буржуа «Maisons fragiles Empty Houses» представляют собой параллельные высокие металлические конструкции, поддерживающие простой поднос. Чтобы почувствовать их воздействие, нужно увидеть их воочию. Они не угрожают и не защищают, но пробуждают глубины тревоги внутри вас. Выводы, сделанные Башеларом на основе тестов психологов, показали, что тревожный ребенок нарисует высокий узкий дом без основания. У Буржуа было рокитравматичное детство, и это может служить причиной создания этих работ.

Печатное дело

Печатные работы Буржуа расцвели на раннем и позднем этапах ее карьеры: в 1930-х и 1940-х годах, когда она впервые приехала в Нью-Йорк из Парижа, и затем снова начиная с 1980-х годов, когда ее работы стали получать широкое признание. В начале своей карьеры она делала отпечатки дома на маленьком прессе или в известной мастерской Atelier 17. За этим периодом последовал длительный перерыв, когда Буржуа полностью переключила свое внимание на скульптуру. Только в семидесятилетнем возрасте она снова начала делать гравюры, сначала по инициативе издателей. Она установила свой старый пресс и добавила второй, а также тесно сотрудничала с печатниками, которые приходили к ней домой для совместной работы. Затем последовала очень активная фаза гравюры, продолжавшаяся до самой смерти художницы. За свою жизнь Буржуа создала около 1 500 печатных композиций.

В 1990 году Буржуа решила передать полный архив своих печатных работ в дар Музею современного искусства. В 2013 году музей выпустил онлайновый каталог «Луиза Буржуа: The Complete Prints & Books». Сайт посвящен творческому процессу художницы и рассматривает гравюры и иллюстрированные книги Буржуа в контексте ее общего творчества, включая связанные с ними работы, выполненные в других средствах, которые касаются тех же тем и образов.

Темы

Одна из тем работ Буржуа — детские травмы и скрытые эмоции. После того как мать Луизы заболела гриппом, отец Луизы начал заводить романы с другими женщинами, в первую очередь с Сэди, репетитором Луизы по английскому языку. Он приводил любовниц домой и изменял на глазах у всей семьи. Луиза была очень бдительна и понимала ситуацию. Это стало началом изучения художницей двойных стандартов, связанных с полом и сексуальностью, что нашло отражение во многих ее работах. Она вспоминает, как ее отец неоднократно говорил «Я люблю тебя» ее матери, несмотря на неверность. «Он был волком, а она была рациональным зайцем, прощающим и принимающим его таким, какой он есть». Ее работа 1993 года Cell: You Better Grow Up, часть серии Cell, напрямую говорит о детской травме Луизы и неуверенности, которая ее окружала. Работа 2002 года «Give or Take» («Дать или взять») определяется скрытыми эмоциями, представляя собой напряженную дилемму, с которой люди сталкиваются на протяжении всей своей жизни, пытаясь сбалансировать действия «давать» и «брать». Эта дилемма представлена не только формой скульптуры, но и тяжестью материала, из которого она сделана.

Буржуа исследовала концепцию женственности, бросая вызов патриархальным стандартам и создавая произведения искусства о материнстве, а не показывая женщин как муз или идеалов. Ее назвали «неохотным героем феминистского искусства». Луиза Буржуа придерживалась феминистского подхода к своему творчеству, как и такие художники, как Агнес Мартин и Ева Гессе, не столько руководствуясь политическими соображениями, сколько создавая работы, опирающиеся на их опыт в области гендера и сексуальности, естественным образом затрагивая женские проблемы.

Архитектура и память — важные составляющие работ Буржуа. Работы Буржуа очень органичны, биологичны, в них чувствуется репродуктивность; они привлекают внимание к самой работе. Луиза описывает архитектуру как визуальное выражение памяти, или память как тип архитектуры. Память, которая присутствует во многих ее работах, является вымышленной памятью — о смерти или изгнании ее отца. Воображаемая память переплетается с ее реальными воспоминаниями, включая жизнь напротив скотобойни и измену отца. Для Луизы ее отец олицетворял травмы и войну, возвеличивание себя и принижение других, а главное — человека, который олицетворял предательство. Ее работа 1993 года «Клетка» (три белые мраморные сферы) говорит о страхе и пленении. Зеркала внутри представляют измененную и искаженную реальность.

Сексуальность, несомненно, является одной из самых важных тем в творчестве Луизы Буржуа. Также сильна связь между сексуальностью и хрупкостью или незащищенностью. Утверждается, что это связано с ее детскими воспоминаниями и романами ее отца. В «Спиральной женщине» 1952 года сочетается внимание Луизы к женской сексуальности и пыткам. Сгибающиеся мышцы ног и рук показывают, что спиральная женщина все еще находится выше, хотя ее душат и подвешивают. В работе 1995 года «In and Out» используются холодные металлические материалы, чтобы связать сексуальность с гневом и, возможно, даже пленением.

Спираль в ее работах демонстрирует опасный поиск шаткого равновесия, безаварийного постоянного изменения, беспорядка, головокружения, вихря. Здесь одновременно присутствует позитивное и негативное, будущее и прошлое, разрыв и возвращение, надежда и тщетность, план и память.

Работы Луизы Буржуа наполнены исповедями, автопортретами, воспоминаниями, фантазиями беспокойного существа, которое ищет в скульптуре покой и порядок, которых не хватало на протяжении всего детства.

Это сотрудничество длилось в течение двух лет с британской художницей Трейси Эмин. Работа была выставлена в Лондоне через несколько месяцев после смерти Буржуа в 2010 году. Тематика состоит из мужских и женских образов. Хотя они кажутся сексуальными, на картине изображена крошечная женская фигура, отдающая дань уважения гигантской мужской фигуре, похожей на бога. Луиза Буржуа написала акварель, а Трейси Эмин — рисунок сверху. У Эмин ушло два года на то, чтобы решить, какой вклад она внесет в совместную работу. Когда она поняла, что нужно делать, она закончила все рисунки за один день и считает, что каждый из них получился идеально. I Lost You» — о потере детей, о потере жизни. Буржуа пришлось похоронить своего сына как родителю. Потеря для нее — это не только потеря матери, но и сына. Несмотря на разницу в возрасте между двумя художниками и различия в их творчестве, сотрудничество получилось мягким и легким.

Буржуа начала работать с галеристом Полем Англимом в Сан-Франциско в 1987 году, Карстеном Греве в Париже в 1990 году и Hauser & Wirth в 1997 году. Hauser & Wirth была основной галереей для ее имущества. Другие галереи, такие как Kukje Gallery в Сеуле и Xavier Hufkens в Брюсселе, продолжают заниматься ее работами.

В 2011 году одна из работ Буржуа под названием «Паук» была продана за 10,7 миллиона долларов, что стало новым рекордом цены для художницы на аукционе и самой высокой ценой, заплаченной за произведение женщины на тот момент. В конце 2015 года эта работа была продана на другом аукционе Christie»s за 28,2 миллиона долларов.

Луиза Буржуа в Музее изобразительных искусств в Хьюстоне: https:www.mfah.orgblogsinside-mfaha-confessional-sculpture-by-louise-bourgeois

Источники