Левитт, Сол

gigatos | 20 марта, 2022

Post Views: 8

Суммури

Соломон «Сол» ЛеВитт (9 сентября 1928 — 8 апреля 2007) — американский художник, связанный с различными движениями, включая концептуальное искусство и минимализм.

ЛеВитт прославился в конце 1960-х годов своими настенными рисунками и «структурами» (термин, который он предпочитал вместо «скульптур»), но был плодовит в широком диапазоне медиа, включая рисунок, гравюру, фотографию, живопись, инсталляцию и книги художника. С 1965 года он стал объектом сотен персональных выставок в музеях и галереях по всему миру. Первая биография художника, Sol LeWitt: A Life of Ideas, написанная Лари Блум, была опубликована издательством Wesleyan University Press весной 2019 года.

ЛеВитт родился в Хартфорде, штат Коннектикут, в семье еврейских иммигрантов из России. Мать водила его на занятия по искусству в Атенеум Уодсворта в Хартфорде. Получив степень бакалавра искусств в Сиракузском университете в 1949 году, ЛеВитт отправился в Европу, где познакомился с живописью старых мастеров. Вскоре после этого он участвовал в Корейской войне, сначала в Калифорнии, затем в Японии и, наконец, в Корее. В 1953 году ЛеВитт переехал в Нью-Йорк и основал студию в Нижнем Ист-Сайде, в старом поселении евреев-ашкенази на Хестер-стрит. В это время он учился в Школе визуальных искусств, одновременно продолжая заниматься дизайном в журнале «Seventeen», где он делал вклейки, механику и фотостаты. В 1955 году он в течение года работал графическим дизайнером в офисе архитектора И.М. Пея. Примерно в это время ЛеВитт также открыл для себя работы фотографа конца XIX века Эадевальда Мюбриджа, чьи исследования последовательности и локомоции оказали на него большое влияние. Этот опыт, в сочетании с работой ночного администратора и клерка, которую он получил в 1960 году в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, повлиял на последующие работы ЛеВитта.

В MoMA среди коллег ЛеВитта были художники Роберт Райман, Дэн Флавин, Джин Бири и Роберт Мангольд, а также будущий художественный критик и писательница Люси Липпард, которая работала в библиотеке в качестве посетительницы. Знаменитая выставка куратора Дороти Каннинг Миллер «Шестнадцать американцев» 1960 года с работами Джаспера Джонса, Роберта Раушенберга и Фрэнка Стеллы вызвала бурное оживление и дискуссию среди сообщества художников, с которыми ЛеВитт был связан. ЛеВитт также подружился с Ханной Дарбовен, Евой Гессе и Робертом Смитсоном.

В конце 1960-х годов ЛеВитт преподавал в нескольких нью-йоркских школах, включая Нью-Йоркский университет и Школу визуальных искусств. В 1980 году ЛеВитт уехал из Нью-Йорка в Сполето, Италия. После возвращения в США в конце 1980-х годов, ЛеВитт сделал Честер, штат Коннектикут, своим основным местом жительства. Он умер в возрасте 78 лет в Нью-Йорке от осложнений рака.

ЛеВитт считается основателем минимального и концептуального искусства. Его плодовитые двух- и трехмерные работы варьируются от настенных рисунков (более 1200 из которых были выполнены) до сотен работ на бумаге, до структур в виде башен, пирамид, геометрических форм и прогрессий. Размер этих работ варьируется от книг и инсталляций размером с галерею до монументальных произведений на открытом воздухе. Первые серийные скульптуры ЛеВитта были созданы в 1960-х годах с использованием модульной формы квадрата в композициях различной визуальной сложности. В 1979 году ЛеВитт участвовал в разработке дизайна для спектакля «Танец» танцевальной компании Люсинды Чайлдс.

Читайте также, биографии — Ибн Сина

Скульптура

В начале 1960-х годов ЛеВитт впервые начал создавать свои «структуры» — термин, который он использовал для описания своих трехмерных работ. Его частое использование открытых модульных структур происходит от куба, формы, которая повлияла на мышление художника с того момента, как он впервые стал художником. После создания ранних работ, состоящих из деревянных объектов закрытой формы, покрытых лаком вручную, в середине 1960-х годов он «решил полностью снять кожу и обнажить структуру». Эта скелетная форма, радикально упрощенный открытый куб, стала основным строительным блоком трехмерных работ художника. В середине 1960-х годов ЛеВитт начал работать с открытым кубом: двенадцать одинаковых линейных элементов, соединенных под восемью углами и образующих скелетную структуру. Начиная с 1969 года, он задумал многие из своих модульных структур в большом масштабе, которые должны были быть изготовлены из алюминия или стали промышленными мастерами. Несколько кубических структур ЛеВитта стояли примерно на уровне глаз. В этом масштабе художник ввел телесную пропорцию в свою фундаментальную скульптурную единицу.

После ранних экспериментов ЛеВитт остановился на стандартном варианте для своих модульных кубов, примерно 1965 года: отрицательное пространство между балками должно было составлять с положительным пространством самого скульптурного материала соотношение 8,5:1, или 172{displaystyle {frac {17}{2}}}. Материал также был окрашен в белый, а не в черный цвет, чтобы избежать «выразительности» черного цвета предыдущих подобных работ. И соотношение, и цвет были произвольным эстетическим выбором, но после принятия решения они были последовательно использованы в нескольких работах, которые типичны для работ ЛеВитта в стиле «модульного куба». Музеи, в которых хранятся образцы работ ЛеВитта «модульный куб», опубликовали предложения по проведению уроков для начального образования, призванные побудить детей исследовать математические свойства произведений искусства.

Начиная с середины 1980-х годов, ЛеВитт составил некоторые из своих скульптур из сложенных шлакоблоков, по-прежнему создавая вариации в рамках самостоятельно установленных ограничений. В это время он начал работать с бетонными блоками. В 1985 году в парке в Базеле был построен первый цементный куб. Начиная с 1990 года, ЛеВитт задумал множество вариантов башни, которая должна была быть построена из бетонных блоков. В отходе от хорошо известного ему геометрического словаря форм, работы, созданные ЛеВиттом в конце 1990-х годов, ярко демонстрируют растущий интерес художника к несколько случайным криволинейным формам и насыщенным цветам.

В 2007 году ЛеВитт задумал «9 башен» — куб из более чем 1 000 кирпичей светлого цвета с длиной каждой стороны пять метров. Он был установлен в Центре искусств Кивик в Лилла Стеншувуд, Швеция, в 2014 году.

Чертежи стен

В 1968 году ЛеВитт начал придумывать наборы рекомендаций или простых схем для своих двухмерных работ, нарисованных прямо на стене, выполненных сначала графитом, затем мелком, позже цветным карандашом и, наконец, хроматически насыщенными размывами индийских чернил, яркой акриловой краской и другими материалами. С тех пор как он создал произведение искусства для инаугурационной выставки галереи Полы Купер в 1968 году, выставки в пользу Студенческого мобилизационного комитета за прекращение войны во Вьетнаме, тысячи рисунков ЛеВитта были установлены непосредственно на поверхности стен. Между 1969 и 1970 годами он создал четыре «Серии рисунков», которые представляли различные комбинации основных элементов, определявших многие из его ранних настенных рисунков. В каждой серии он применил другую систему изменений к каждой из двадцати четырех возможных комбинаций квадрата, разделенного на четыре равные части, каждая из которых содержала один из четырех основных типов линий, используемых Левиттом (вертикальная, горизонтальная, диагональная левая и диагональная правая). В результате получается четыре возможных перестановки для каждой из двадцати четырех исходных единиц. В серии I рисунков использована система, которую ЛеВитт назвал «вращение», в серии II — «зеркало», в серии III — «перекрестное и обратное зеркало», а в серии IV — «перекрестное обратное».

Настенный рисунок

ЛеВитт, переехавший в Сполето, Италия, в конце 1970-х годов, приписывал свой переход от графитного карандаша или мелка к ярким чернильным размывам знакомству с фресками Джотто, Масаччо и других ранних флорентийских художников. В конце 1990-х и начале 2000-х годов он создал очень насыщенные красочные акриловые настенные рисунки. Хотя их формы криволинейны, игривы и кажутся почти случайными, они также нарисованы в соответствии со строгим набором рекомендаций. Например, полосы имеют стандартную ширину, и ни одна цветная секция не может касаться другой секции того же цвета.

В 2005 году ЛеВитт начал серию настенных рисунков «каракули», названных так потому, что они требовали от рисовальщиков заполнять участки стены графитом. Наброски делаются с шестью различными плотностями, которые указываются на диаграммах художника, а затем наносятся на поверхность стены в виде строк. Градации плотности каракулей создают континуум тона, который подразумевает три измерения. Самый большой настенный рисунок, выполненный каракулями, — «Настенный рисунок».

В соответствии с принципом его работы, настенные рисунки ЛеВитта обычно выполняются людьми, отличными от самого художника. Даже после его смерти люди продолжают делать эти рисунки. Поэтому в конечном итоге он использовал команды ассистентов для создания таких работ. Пиша о создании настенных рисунков, сам ЛеВитт заметил в 1971 году, что «каждый человек проводит линию по-разному, и каждый человек понимает слова по-разному». С 1968 года до своей смерти в 2007 году ЛеВитт создал более 1 270 настенных рисунков. Настенные рисунки, выполненные на месте, как правило, существуют в течение всего периода выставки; затем они уничтожаются, придавая работе в ее физической форме эфемерное качество. Они могут быть установлены, демонтированы, а затем вновь установлены в другом месте столько раз, сколько необходимо для проведения выставки. При переносе в другое место количество стен может меняться только при условии сохранения пропорций исходной диаграммы.

Постоянные фрески ЛеВитта можно увидеть, в частности, в AXA Center, Нью-Йорк (штаб-квартира Swiss Re в Америке в Армонке, Нью-Йорк; мэрия Атланты, Атланта (конференц-центр имени Уолтера Э. Вашингтона, Вашингтон, округ Колумбия (художественная галерея Олбрайт-Кнокс, Буффало (станция метро Columbus Circle, Нью-Йорк; Еврейский музей (Зеленый центр физики Массачусетского технологического института, Кембридж (Атенеум Уодсворта; и Дом Джона Пирсона, Оберлин, Огайо. Последний публичный настенный рисунок художника, Wall Drawing

Гуашь

В 1980-х годах, в частности, после поездки в Италию, ЛеВитт начал использовать гуашь, непрозрачную краску на водной основе, для создания свободно текущих абстрактных работ контрастных цветов. Эти работы представляли собой значительный отход от остальной его практики, поскольку он создавал их своими руками. Гуаши ЛеВитта часто создаются сериями, основанными на определенном мотиве. В прошлые серии входили «Неправильные формы», «Параллельные кривые», «Замысловатые мазки» и «Сетки, похожие на паутину».

Хотя эта свободно переданная композиция, возможно, визуально отличалась от его ранних, более геометрически структурированных работ, она, тем не менее, оставалась в соответствии с его первоначальным художественным замыслом. ЛеВитт кропотливо делал собственные отпечатки со своих гуашевых композиций. В 2012 году арт-консультант Хайди Ли Комароми курировала выставку «Сол ЛеВитт: работы на бумаге 1983-2003», демонстрирующую разнообразие техник, которые ЛеВитт использовал на бумаге в последние десятилетия своей жизни.

Книги художника

Начиная с 1966 года, интерес ЛеВитта к серийности привел к выпуску более 50 книг художника на протяжении всей его карьеры; впоследствии он передал многие экземпляры в библиотеку Wadsworth Athenaeum. В 1976 году ЛеВитт вместе с коллегами-художниками и критиками Люси Липпард, Кэрол Андроккио, Эми Бейкер (Sandback), Эдит ДеАк, Майком Глиером, Нэнси Линн, Уолтером Робинсоном, Ингрид Сиши, Пэт Стайр, Мими Уилер, Робин Уайт и Иреной фон Зан помог основать Printed Matter, Inc, коммерческое арт-пространство в районе Трайбека в Нью-Йорке. ЛеВитт был новатором жанра «книги художника», термин, который был придуман для выставки 1973 года, организованной Дайанн Перри Вандерлип в Колледже искусств и дизайна Мура, Филадельфия.

Printed Matter была одной из первых организаций, занимавшихся созданием и распространением книг художников, включавшей в себя самоиздания, малотиражные издания, сети и коллективы художников. Для ЛеВитта и других Printed Matter также служил системой поддержки авангардных художников, балансируя между ролью издателя, выставочного пространства, торговой площади и общественного центра для художественной сцены в центре города, в этом смысле подражая сети начинающих художников, которую ЛеВитт знал и которой пользовался, будучи сотрудником Музея современного искусства.

Архитектура и ландшафтный дизайн

ЛеВитт сотрудничал с архитектором Стивеном Ллойдом для проектирования синагоги для его общины Бет Шалом Родфе Цедек; он разработал концепцию «воздушного» здания синагоги с неглубоким куполом, поддерживаемым «роскошными деревянными балками крыши», как дань уважения деревянным синагогам Восточной Европы.

В 1981 году ЛеВитт был приглашен Художественной ассоциацией Фэйрмаунт-парка (в настоящее время известной как Ассоциация общественного искусства) предложить произведение общественного искусства для участка в Фэйрмаунт-парке. Он выбрал длинный, прямоугольный участок земли, известный как мемориал Рейли, и представил рисунок с инструкциями. Установленная в 2011 году композиция «Линии в четырех направлениях в цветах» состоит из более чем 7 000 растений, расположенных в стратегически выверенных рядах. В своем первоначальном предложении художник планировал установить цветочные растения четырех различных цветов (белого, желтого, красного и синего) на четырех равных прямоугольных участках, рядами в четырех направлениях (вертикальном, горизонтальном, диагональном справа и слева), обрамленных вечнозелеными живыми изгородями высотой около 2 футов, причем каждый цветовой блок включает в себя четыре-пять видов, цветущих последовательно.

В 2004 году скульптура «Шесть изогнутых стен» была установлена на склоне холма колледжа Крауза в кампусе Сиракузского университета. Скульптура из бетонных блоков состоит из шести волнистых стен, каждая высотой 12 футов, и простирается на 140 футов. Скульптура была спроектирована и построена в честь инаугурации Нэнси Кантор в качестве 11-го канцлера Сиракузского университета.

С начала 1960-х годов он и его жена, Кэрол Андроччио, собрали около 9 000 произведений искусства путем покупок, сделок с другими художниками и дилерами или в качестве подарков. Таким образом он приобрел работы примерно 750 художников, включая Флавина, Раймана, Ханне Дарбовен, Еву Гессе, Дональда Джадда, Он Кавару, Карла Андре, Дэна Грэма, Ханса Хааке, Герхарда Рихтера и других. В 2007 году на выставке «Selections from The LeWitt Collection» в Художественном музее Уэзерспуна было представлено около 100 картин, скульптур, рисунков, гравюр и фотографий, среди которых работы Андре, Элис Эйкок, Бернда и Хиллы Бехер, Яна Диббетса, Джеки Феррара, Гилберта и Джорджа, Алекса Каца, Роберта Мангольда, Брайса Мардена, Марио Мерца, Ширин Нешат, Пэт Стир и многих других художников.

Работы ЛеВитта были впервые публично выставлены в 1964 году на групповой выставке, организованной Дэном Флавином в галерее «Каймар» в Нью-Йорке. Позднее, в 1965 году, галерея Джона Дэниелса Дэна Грэма устроила его первую персональную выставку. В 1966 году он принял участие в выставке «Первичные структуры» в Еврейском музее в Нью-Йорке (основополагающая выставка, которая помогла определить минималистское движение), представив открытый модульный куб без названия из 9 частей. В том же году он был включен в экспозицию «10» в галерее Двана, Нью-Йорк. Позднее Харальд Зиманн пригласил его принять участие в выставке «Когда отношение становится формой» в Кунстхалле Берна, Швейцария, в 1969 году. В 1993 году в интервью о тех годах ЛеВитт сказал: «Я решил, что заставлю цвет или форму отступить и действовать трехмерно».

Гементемузеум в Гааге представил его первую ретроспективную выставку в 1970 году, а позже его работы были представлены на крупной ретроспективе в середине карьеры в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1978 году. В 1972 году

В 2006 году в Dia:Beacon была представлена выставка «Серия рисунков ЛеВитта…», посвященная рисункам концептуального художника 1970-х годов. Чертежники и ассистенты рисовали прямо на стенах, используя графит, цветной карандаш, мелки и мел. Работы были основаны на сложных принципах ЛеВитта, которые устраняли ограничения холста для создания более масштабных конструкций.

Выставка «Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective», организованная совместно Художественной галереей Йельского университета (YUAG), MASS MoCA (Массачусетским музеем современного искусства) и Музеем искусств колледжа Уильямса (WCMA), открылась для публики в 2008 году в MASS MoCA в Норт-Адамсе, штат Массачусетс. Выставка будет экспонироваться в течение 25 лет и разместится в трехэтажном историческом здании мельницы площадью 27 000 квадратных футов (2 500 м2) в самом центре кампуса MASS MoCA, полностью отреставрированном Брунером.

Кроме того, работы художника были предметом выставок в Современном центре P.S. 1, Лонг-Айленд-Сити (Галерея американского искусства Эддисона, Андовер (и Музей искусств Wadsworth Atheneum, Хартфорд (Incomplete Cubes), которые побывали в трех художественных музеях США. На момент смерти ЛеВитт только что организовал ретроспективу своих работ в Мемориальном художественном музее Аллена в Оберлине, штат Огайо.В Неаполе Sol LeWitt. L»artista e i suoi artisti» открылась в Музее Мадре 15 декабря 2012 года и продлится до 1 апреля 2013 года.

Работы ЛеВитта находятся в самых значительных музейных коллекциях, включая: Tate Modern, Лондон, Van Abbemuseum, Эйндховен, Национальный музей Сербии в Белграде, Центр Жоржа Помпиду, Париж, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen, Швейцария, Австралийская национальная галерея, Канберра, Австралия, Музей Гуггенхайма, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Dia:Beacon, Еврейский музей на Манхэттене, MASS MoCA, Норт-Адамс, Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия, и Музей и сад скульптур Хиршхорна. Установка «Пирамиды двойного негатива» Сола ЛеВитта в Европос Паркас в Вильнюсе, Литва, стала значительным событием в истории искусства в эпоху после Берлинской стены.

Сол ЛеВитт был одной из главных фигур своего времени; он преобразовал процесс создания искусства, поставив под сомнение фундаментальные отношения между идеей, субъективностью художника и произведением искусства, которое может быть создано в результате реализации данной идеи. В то время как многие художники в 1960-е годы оспаривали современные представления об оригинальности, авторстве и художественном гении, ЛеВитт отрицал, что такие подходы, как минимализм, концептуализм и процесс-арт были просто техническими или иллюстрирующими философию. В своих «Параграфах о концептуальном искусстве» ЛеВитт утверждал, что концептуальное искусство не математическое и не интеллектуальное, а интуитивное, учитывая, что сложность, присущая превращению идеи в произведение искусства, чревата случайностями. Искусство ЛеВитта — это не рука художника; это идея, лежащая в основе каждого произведения, которая превосходит само произведение. В начале 21 века работы ЛеВитта, особенно настенные рисунки, получили признание критиков за свою экономическую проницательность. Хотя рисунки скромны — большинство из них существуют как простые инструкции на листе бумаги — их можно делать снова, снова и снова, в любой точке мира, без участия художника в их создании.

Его аукционный рекорд в 749 000 долларов был установлен в 2014 году на аукционе Sotheby»s, Нью-Йорк, за его работу «Волнистый мазок кистью» (1995), выполненную гуашью на картоне.

Источники