Куросава, Акира

gigatos | 26 марта, 2022

Суммури

Акира Куросава (黒澤明, современное написание (新字体): 黒沢明 Куросава Акира, * 23 марта 1910 года в Ōмори, округ Эбара († 6 сентября 1998 года в Сэтагая, там же) — японский кинорежиссер, создавший 30 фильмов за 57 лет, считается одним из самых влиятельных режиссеров всех времен.

После короткого периода работы художником Куросава пришел в японскую киноиндустрию в 1938 году, где сначала работал сценаристом и ассистентом режиссера, а в 1943 году начал свою режиссерскую карьеру с боевика «Сага о дзюдо — легенда о великом дзюдо».

После небольших локальных успехов во время Второй мировой войны Куросава в 1948 году совместно с киностудией Тохо опубликовал драму «Ангел потерянный». Фильм имел большой коммерческий и критический успех и укрепил его положение одного из самых известных японских режиссеров. На одну из главных ролей он нанял тогда еще никому не известного молодого актера Тосиро Мифунэ, который также в одночасье добился большой местной славы и впоследствии работал с Куросавой еще в шестнадцати фильмах.

Фильм «Рашомон — роща наслаждений», вышедший в 1950 году, неожиданно получил «Золотого льва» на Венецианском международном кинофестивале и тем самым принес Куросаве мировую известность. Критический и коммерческий успех фильма впервые привлек внимание Запада к продукции японской киноиндустрии и считается основополагающим для роста международной популярности японского кино.

В 1950-х и начале 1960-х годов Куросава почти каждый год выпускал новые фильмы, включая ряд классических, таких как «Икиру» (1952), «Семь самураев» (1954), «Йоджимбо — телохранитель» (1961), «Между небом и адом» (1963) и «Красная борода» (1965). Начиная с 1970-х годов, Куросава все чаще страдал от приступов депрессии, поэтому его продуктивность резко снизилась. Однако популярность его работ сохранилась, и многие из его поздних фильмов, такие как «Узала — киргиз» (1975), «Кагемуша — тень воина» (1980), «Ран» (1985) и «Мададайо» (1993), считаются классикой истории кино и были удостоены нескольких наград, включая «Оскар».

В 1990 году Куросава был удостоен почетного «Оскара» за работу всей своей жизни и посмертно назван CNN «Азиатом столетия» в категории «Искусство, литература и культура». Спустя много лет после его смерти многочисленные ретроспективы, исследования и биографии о нем и его карьере продолжают появляться в визуальной и аудио форме.

Читайте также, битвы — Фейнман, Ричард

Детство и начало работы в киноиндустрии (1910-1945)

Акира Куросава родился 23 марта 1910 года в токийском районе Ōмори, младшим из восьми детей. Его отец Исаму (1864-1948), член самурайской семьи из префектуры Акита, был директором средней школы, а мать Сима (1870-1952) принадлежала к купеческой семье из Осаки. Один из его братьев умер в молодом возрасте, а два старших брата уже создали свои собственные семьи, в результате чего у него осталось три сестры и два брата.

Куросава описывает свою мать как очень мягкого человека, а отца — как очень строгого. Он уделял меньше внимания художественному образованию своих сыновей, чем традиционному, спартанско-военному образованию. Он также был привязан к западным традициям, особенно к пьесам и фильмам Запада, которые, по его мнению, имели большое воспитательное значение. Из-за этого Куросава в юном возрасте увлекся западными развлечениями, что впоследствии оказало большое влияние на его фильмы. Юный Акира интересовался искусством и живописью, и учитель в начальной школе, в частности, как говорят, признавал и поощрял этот интерес. Однако военно-спортивная составляющая его школьного образования, состоявшая в основном из тренировок по кендо, осталась для него чуждой. Его отец, «хотя и несгибаемый военный», по словам Куросавы, поддерживал эту художественную жилку.

Еще одно большое влияние на последующее творчество Куросавы оказал его старший брат Хейго. После Великого землетрясения Канто 1923 года он заставил Акиру, которому тогда было 13 лет, отправиться с ним в район бедствия, чтобы противостоять его страхам и поближе рассмотреть разрушения. Это событие легло в основу дальнейшей карьеры Куросавы, который часто художественно перерабатывал в своих фильмах собственные страхи, травмы и проблемы.

После средней школы Куросава поступил в школу западной живописи Дошуша в 1927 году. Он зарабатывал на жизнь иллюстрациями и рисованием разного рода, но довольно безуспешно. В это время он был тесно связан со своим братом Хейго, который все больше отделялся от семьи и делал успешную карьеру в качестве бэнси в бизнесе немого кино. Благодаря своим связям в киноиндустрии, Хейго вдохновил молодого Акиру всеми формами развлечений, включая старые самурайские истории, местную литературу, цирк и кинематограф. С ростом популярности разговорных фильмов Хейго стал безработным в начале 1930-х годов и впоследствии впал в тяжелую депрессию, которая трагически завершилась его самоубийством в 1933 году. По словам Куросавы, он так и не смог полностью преодолеть самоубийство своего брата. Это событие впоследствии повлияло на многие его работы, многие из которых были посвящены Хейго.

В 1935 году только что основанная киностудия Photo Chemical Laboratories (сокращенно P.C.L.), позже известная как Tōhō, искала кандидатов на должность помощника режиссера. Несмотря на сомнения в собственной компетентности, Куросава написал требуемое эссе на тему «Каковы фундаментальные недостатки японского кино и как их можно преодолеть». Не надеясь попасть в шорт-лист, Куросава написал очень циничное эссе с основной мыслью о том, что недостатки, которые являются фундаментальными, не могут быть преодолены даже по определению. Режиссер и сотрудник P.C.L. Кадзиро Ямамото, который впоследствии стал наставником Куросавы, вопреки ожиданиям, был очень доволен эссе и назвал его «харизматичным». Куросава попал в шорт-лист и, заручившись поддержкой Ямамото, получил разрешение занять должность помощника режиссера с февраля 1936 года.

В течение пяти лет работы помощником режиссера Куросава работал с несколькими японскими режиссерами, но самым значительным оставался Ямамото, с которым он сотрудничал семнадцать раз. Несмотря на отсутствие опыта у Куросавы, Ямамото всего через год повысил его до старшего ассистента на съемочной площадке, расширив круг его обязанностей от строительства декораций до пересмотра сценария, освещения, дубляжа, звукорежиссуры и т.д. Это событие считается решающим в его карьере. Считается, что это развитие сыграло важную роль в его более позднем менталитете, когда он сам взял на себя большую часть производства фильмов, включая сценарий, камеру, монтаж и режиссуру.

По совету своего наставника Куросава начал писать собственные сценарии, параллельно работая помощником режиссера, и продавать их другим японским режиссерам. За очень короткое время он сделал себе имя как сценарист, и этот успех побудил его продолжать писать все свои сценарии самостоятельно в своей дальнейшей карьере. Даже в 1960-е годы, когда он уже имел международный успех, Куросава все еще спорадически писал сценарии для других режиссеров.

В конце 1942 года, примерно через год после нападения на Перл-Харбор, японский писатель Цунэо Томита опубликовал свою новеллу «Сансиро Сугата», историю о дзюдо, вдохновленную романом «Мусаси». Куросава, чей интерес был вызван рекламой книги, купил новеллу в день публикации, прочитал ее в тот же день и вскоре после этого обратился к Томите по поводу экранизации, на что тот дал свое согласие. Его интуиция относительно зарождающейся популярности произведения оказалась верной, так как уже через несколько дней права на новеллу захотели приобрести еще несколько японских киностудий.

Съемки экранизации начались в Йокогаме в декабре 1942 года и в основном прошли гладко, но получить разрешение на публикацию от японских цензурных органов было проблематично. Они назвали фильм «неприятно британско-американским» и контрпродуктивным для Тихоокеанской войны; только вмешательство известного режиссера Одзу Ясудзиро смогло изменить мнение властей. Фильм вышел на экраны японских кинотеатров 25 марта 1943 года под названием Judo Saga — The Legend of Great Judo и имел местный успех, как в критическом, так и в коммерческом плане. Несмотря на это, когда фильм был переиздан в 1946 году, цензурные органы приняли решение сократить его на 17 минут, чтобы убрать «антиконституционный материал». Утраченное содержание и сегодня считается утраченным.

Следующий проект Куросавы, пропагандистский фильм «Самая красивая», является исключением в его фильмографии. Куросава, который в отличие от многих других известных личностей своего времени был довольно сдержан в политическом плане, рассматривает в фильме тему женщин-работниц фабрик во время Второй мировой войны в сильно субъективно окрашенном ключе, а также явно проявляет патриотические черты. Причина этого неизвестна, но наиболее распространенная теория считает решающим фактором напряженные отношения Куросавы с японским цензурным ведомством и агентством по защите конституции и интерпретирует изменение стиля и содержания как жест умиротворения. Производственный процесс фильма также представляет собой особенность, поскольку Куросава требовал от своих актеров во время съемок жить в здании завода, питаться только в столовой и обращаться друг к другу только по вымышленным именам. Эта необычная постановка контрастирует с обычным ходом его дебютной работы и знаменует собой начало его привычки использовать столь же радикальные средства в последующих фильмах, чтобы они казались более достоверными.

Многие актеры были возмущены перфекционистским поведением Куросавы и поэтому выбрали Йоко Ягути, ведущую актрису фильма, для дискуссии с ним. Парадоксально, но дискуссии между ними не стали причиной раздора, наоборот, они полюбили друг друга и поженились через год, 21 мая 1945 г. У пары родилось двое детей, мальчик Хисао и девочка Кадзуко, и они оставались вместе до самой смерти Ягути в 1985 г..

Незадолго до свадьбы на Куросаву было оказано давление со стороны его киностудии, чтобы он снял продолжение своего дебютного фильма. Сначала Куросава решительно отверг эту идею, но после длительного обсуждения уступил и выпустил сиквел фильма «Сугата Сансиро» в мае 1945 года. Фильм был успешным в прокате, но зрители и сам режиссер считают его самым слабым фильмом.

Из-за споров вокруг его первого фильма и, по его словам, неоправданно высокого бюджета для его продолжения, Куросава решил для своего следующего проекта снять фильм, который был бы менее дорогим и более цензурным, чем предыдущие. Съемки фильма «Люди, наступившие на хвост тигра», основанного на драме Какуби «Кандзинчо» с известным актером Эномото Кэнъити в главной роли, были завершены в сентябре 1945 года. В то же время Япония капитулировала, и в Японии начался период оккупации, поэтому фильм пришлось контролировать новым, американским цензурным органам, которые сочли его «слишком феодальным» и поместили в Индекс. Однако, по иронии судьбы, фильм постигла бы та же участь, если бы Япония не капитулировала, поскольку старые документы японских властей показывают, что они хотели внести его в индекс за «слишком западные и демократические ценности». Только через семь лет, в 1952 году, фильм был выпущен вместе с его новой работой «Икиру» — «Однажды действительно живой».

Читайте также, история — Московская компания

Послевоенный период до Красной Бороды

Вдохновленный демократическими ценностями западной оккупации, Куросава отныне намеревался создавать фильмы, более ориентированные на индивидуалистическое мировоззрение. Первым из этих фильмов стал «Нет сожалений о моей молодости» в 1946 году, критика политических притеснений со стороны японского режима во время Второй мировой войны. Его особенно мотивировал «Инцидент Такигава», а также шпион военного времени Хоцуми Одзаки, но также и его собственный опыт борьбы с внутренней цензурой. Главной героиней фильма является — нетипично для режиссера — женщина, Юкиэ (роль Сэцуко Хара), которая растет в богатой семье и задается вопросом о собственных идеалах, наблюдая за кризисами окружающих ее людей. Первоначальный сценарий пришлось переписывать несколько раз, и он был воспринят критиками своего времени неоднозначно из-за спорных тем и из-за того, что главный герой — женщина. Тем не менее, фильм имел большой коммерческий и зрительский успех, а вариации на тему названия фильма стали послевоенными крылатыми фразами.

Премьера любовной истории «Прекрасное воскресенье» состоялась в июле 1947 года. В ней рассказывается история молодой пары, которая собирается провести свой первый совместный отпуск на фоне разрушений в Японии. На фильм оказали сильное влияние Дэвид Уорк Гриффит, Фрэнк Капра и Фридрих Вильгельм Мурнау, все трое из которых были одними из любимых режиссеров Куросавы, и он представляет собой особую черту в его фильмографии благодаря неоднократному разрушению четвертой стены. В том же году вышел фильм «Путь снега» режиссера Сенкити Танигути, к которому Куросава написал сценарий. Особенность фильма в том, что в нем дебютировал подающий надежды молодой актер Тосиро Мифунэ, который был настолько убедителен, что Куросава предложил ему контракт с Тохо, несмотря на скептицизм других судей по кастингу. Мифунэ снялся в шестнадцати поздних фильмах Куросавы, в большинстве случаев в главной роли.

Angel of the Lost многие, включая его самого, считают первой крупной работой Куросавы; она положила начало серии его любимых критиков и зрителей фильмов, которые выходили почти каждый год. Хотя сценарий несколько раз переписывался из-за влияния американских цензоров, Куросава позже сказал, что этот фильм стал первым, в котором он смог выразить себя свободно. История о враче и алкоголике, который пытается спасти больного туберкулезом якудза, положила начало сотрудничеству между Куросавой и Тосиро Мифунэ. Хотя Мифунэ не был нанят на главную роль, которую получил Такаси Симура, давний коллега Куросавы по работе, его исполнение роли гангстера настолько восхитило участников съемок, что Куросава ненадолго пересмотрел драматургию фильма, переместив акцент с Симуры на него. Премьера фильма Angel of the Lost состоялась в Токио в апреле 1948 года и была воспринята критиками и зрителями с восторгом. Среди прочих, «Кинема Дзюнпо», старейший и самый известный журнал о кино в Японии, назвал его фильмом года.

Мотивированный успехом фильма, Куросава основал киностудию Eiga Geijutsu Kyōkai (немецкий: Filmkunst-Verbund) вместе с продюсером Содзиро Мотоки и режиссерами Кадзиро Ямамото, Микио Нарусе и Сенкити Танигути. Для открытия студии Куросава выпустил в марте 1949 года фильм «Молчаливая дуэль», свою единственную экранизацию пьесы. Тосиро Мифунэ был приглашен на главную роль начинающего врача, борющегося с последствиями своего заболевания сифилисом. Куросава хотел преодолеть кризис Мифунэ, которого другие режиссеры прочили на роль гангстера благодаря его роли в фильме «Ангел потерянный», но он хотел блистать и в других ролях. Несмотря на очень короткое время работы над фильмом — сам Куросава рассматривал его скорее как небольшой побочный проект, чем как действительно масштабную работу — он получил хорошие отзывы и был убедительным в прокате. Даже в ретроспективе фильм по-прежнему получает хорошие отзывы, хотя многие критики относят его к числу менее значимых в фильмографии Куросавы.

Его второй фильм того же года, «Бродячая собака», представляет собой первый из трех фильмов-нуаров Куросавы. Детективный фильм метафорически описывает настроение Японии в послевоенный период через историю молодого полицейского в исполнении Мифунэ, который ищет украденный у него пистолет. Как и в большинстве его фильмов, режиссура, актерский состав и сценарий принадлежат Куросаве, который в данном случае взял стилистические подсказки у криминального писателя Жоржа Сименона. В культовой восьмиминутной последовательности без слов полицейский ищет на улицах свой пистолет. Позднее эта сцена была имитирована многими режиссерами, включая Фрэнсиса Форда Копполу и Андрея Тарковского. Еще одной особенностью фильма являются кадры разрушенного Токио, на которых запечатлены реальные кадры друга режиссера Иширо Хонды, который позже совершит свой прорыв с фильмом «Годзилла». Фильм имел такой же критический и коммерческий успех, как и «Ангел потерянных», и считается основоположником популярного впоследствии во всем мире фильма о приятелях-полицейских, а также японского детективного фильма в целом.

Фильм «Скандал», опубликованный в 1950 году издательством Shōchiku, является критикой зарождающейся японской бульварной прессы, особенно ее пренебрежения к частной жизни, и в значительной степени вдохновлен собственным опытом режиссера. Чередуя беседы в зале суда с длинными философскими монологами о свободе самовыражения и социальной ответственности, конечный продукт фильма стал весьма экспериментальным, к большому неудовольствию Куросавы, который позже назвал его незаконченным и несфокусированным. Тем не менее, фильм, как и предыдущие, стал локально успешным во всех отношениях. Однако именно его вторая работа того же года, «Рашомон — Роща наслаждений», должна была сделать его и японское кино в первую очередь международной силой.

После завершения работы над фильмом «Скандал» киностудия Kadokawa Daiei обратилась к Куросаве с предложением о сотрудничестве. Вдохновленный рассказом «В роще» известного автора Акутагавы Рюноскэ, в котором в разных ракурсах описывается изнасилование самурайской женщины, Куросава в середине года начал работу над сопутствующим сценарием, который был завершен в июне 1950 года после нескольких переписываний. В отличие от своих предыдущих фильмов, финансируемых компанией Toho, Куросава рассчитал относительно низкий бюджет для этого проекта. Компания Kadokawa Daiei с энтузиазмом отнеслась к этой идее и вскоре после этого начала кастинг.

Съемки фильма «Рашомон — Лес наслаждений» начались 7 июля 1950 года и закончились 17 августа того же года. В качестве декораций использовался первичный лес в Наре. Пост-продакшн был завершен за одну неделю после осложнений, вызванных пожаром на студии, так что премьера фильма все же состоялась в Императорском театре в Токио 25 августа 1950 года; национальный широкий релиз состоялся днем позже. Фильм, как и большинство фильмов Куросавы до этого момента, имел локальный успех у критиков и в коммерческом плане, но все еще был неизвестен на международном уровне.

Благодаря коммерческому успеху «Рашомона» и своей творческой свободе не быть привязанным к одной производственной студии, Куросава исполнил свое желание в отношении следующего фильма и адаптировал «Идиота», одноименный роман своего любимого автора Федора Михайловича Достоевского. Хотя он изменил место действия с России на Хоккайдо в Японии, адаптация очень точно соответствует оригиналу, что делает ее исключением в фильмографии режиссера, который обычно брал только черновые предпосылки при адаптации известных произведений. Первая версия фильма длилась около четырех с половиной часов, к неудовольствию производственной студии Shōchiku, которая посчитала его слишком длинным для обычного зрителя и сократила с 265 до 166 минут. Этот жест положил начало длительной вражде между Сётику и Куросавой, который, по некоторым данным, даже потребовал, чтобы фильм не был опубликован в сокращенном виде, и одобрил его выпуск только по просьбе актрисы Сэцуко Хара. Примирение двух сторон состоялось лишь сорок лет спустя и привело к их третьей и последней совместной работе, «Рапсодия в августе». По словам британского режиссера и близкого доверенного лица Алекса Кокса, по этому случаю Куросава безуспешно искал в архивах студии оригинальную версию фильма, которая и сегодня считается утерянной.

Отредактированная версия была впервые выпущена 23 мая 1951 года и получила неоднозначные отзывы. Критики до сих пор считают ее одним из самых слабых фильмов режиссера, особенно из-за трудноуловимого сюжета, который кажется бессвязным из-за радикального монтажа Сётику, и его приходится объяснять с помощью титульных карточек. Тем не менее, фильм оказался убедительным в прокате, не в последнюю очередь благодаря вновь обретенной популярности Куросавы, а также участию Сэцуко Хара.

В то же время, благодаря усилиям представителя итальянского кино Джулианы Страмиджиоли, фильм «Рашомон — Роща наслаждений» был номинирован на престижный Венецианский международный кинофестиваль, где вошел в шорт-лист. Вопреки всем ожиданиям, фильм получил главный приз — «Золотого льва» — 10 сентября 1951 года, удивив не только Куросаву и его студию, но и международный кинематограф, которому продукция из Японии до этого была совершенно неизвестна на протяжении десятилетий.

После того как компания Kadokawa Daiei в течение короткого времени продавала фильм с субтитрами в различные кинотеатры Лос-Анджелеса, компания RKO Pictures приобрела права на «Рашомон» в США. В то время покупка считалась большим риском, поскольку единственный японский фильм, ранее выпущенный в США, «Женщина, похожая на розу» Микио Нарусэ, потерпел неудачу у критиков и зрителей. Однако в конечном итоге эти действия окупились. Фильм «Рашомон» имел огромный успех, не в последнюю очередь благодаря эйфорическим отзывам и рекламе Эда Салливана и других, и закрепил имя Куросавы в ряду самых известных режиссеров того времени, наряду с такими громкими именами, как Альфред Хичкок и Билли Уайлдер. Например, фильм «Рашомон», который впервые был выпущен в качестве домашней постановки в отдельных кинотеатрах Японии в 1950 году, уже в середине 1952 года вышел в мировой прокат, став первым азиатским фильмом в истории.

Успех фильма помог японской киноиндустрии завоевать большое внимание и популярность на западном рынке, что продолжается и по сей день, сменив итальянский неореализм, который долгое время пользовался большой популярностью благодаря таким режиссерам, как Роберто Росселлини, Федерико Феллини и Витторио Де Сика. Среди японских режиссеров, получивших впоследствии кинопремии и вышедших в коммерческий прокат на Западе в результате шока, вызванного фильмом «Рашомон», — Мидзогути Кэндзи и Одзу Ясудзиро. Много лет спустя западный рынок все еще был открыт для нового поколения японских режиссеров, таких как Кон Итикава, Масаки Кобаяси, Нагиса Ōшима, Сёхэй Имамура, Дзюдзо Итами, Такеши Китано и Такаси Миике.

Со своим международным прорывом Куросава почувствовал себя свободным не только в художественном, но и в финансовом плане, поэтому в следующем фильме он исполнил свое желание снять еще одну драму. Результатом стал фильм «Икиру» (Ikiru — Once Really Alive) о бюрократе Ватанабе, который страдает от рака желудка и перед смертью отправляется на поиски смысла жизни. Несмотря на мрачную тематику, сценарий рассматривает и бюрократическую нишу главного героя, и культурную колонизацию Японии США с сатирическим подходом, который современные рецензенты часто сравнивали с Бертольтом Брехтом. Премьера фильма «Икиру» состоялась 9 октября 1952 года и вызвала восторженные отзывы, не в последнюю очередь благодаря своему сатирическому тону, который был воспринят широкой публикой как освежающий общий пересмотр жанра драмы, в остальном в основном напоминающей кэмп. Даже сегодня «Икиру» по-прежнему входит в многочисленные списки лучших фильмов всех времен.

В декабре того же года Куросава снял себе комнату в отдаленной гостинице на 45 дней, чтобы в уединении поработать над сценарием нового фильма: Семь самураев. Ансамбль» был его первым самурайским фильмом, жанр которого он революционизировал в этом и нескольких своих последующих работах. История о бедной деревне в период Сэнгоку, которая нанимает группу самураев для защиты от бандитов, была переосмыслена в эпическом стиле: С большим актерским составом, тщательно детализированными сценами и продолжительностью около трех с половиной часов.

Подготовка к съемкам заняла около трех месяцев, репетиции — еще один. Однако съемки считаются особенно чрезмерными: они заняли 148 дней (почти пять месяцев) в течение примерно года. Съемки сопровождались многочисленными осложнениями, в том числе Куросава неправильно рассчитал бюджет фильма, и ему пришлось искать деньги несколькими разными способами, чтобы оплатить огромные расходы. Этот стресс также вызвал у него проблемы со здоровьем, что также оказало контрпродуктивное влияние на производство. Премьера фильма состоялась в апреле 1954 года, через полгода после запланированного выхода в прокат, с бюджетом, в три раза превышающим первоначально запланированный, что сделало его самым дорогим японским фильмом всех времен. Как и две предыдущие работы Куросавы, эпопея была превознесена критиками до небес и быстро стала беспрецедентным международным кассовым успехом. Репутация фильма со временем росла, и сейчас он считается одним из лучших фильмов всех времен. Например, в 1979 году различные японские режиссеры признали его лучшим японским фильмом всех времен, журнал «Sight & Sound» Британского института кино назвал его 17-м лучшим фильмом всех времен, а база данных Internet Movie Database в настоящее время ставит его на пятнадцатое место.

В 1954 году ядерные испытания вызвали выпадение радиоактивных осадков на значительной территории Японии; в частности, облучение экипажа японского рыболовного судна Happy Dragon V попало в заголовки газет и вызвало волнения среди японского населения. Мучимый приступами паники и паранойи, Куросава выпустил свой вклад в ноябре 1955 года в виде фильма «Баланс жизни», полуавтобиографической истории о старом владельце фабрики, который, опасаясь ядерной атаки, решительно хочет перевезти каждого из членов своей семьи (кровных и внебрачных родственников) на якобы безопасную ферму в Бразилии. В течение длительного времени производство было гораздо менее конфликтным, чем предыдущие фильмы, пока за несколько дней до окончания съемок не умер от туберкулеза его композитор и близкий друг Фумио Хаясака. Саундтрек к фильму был закончен Масару Сато, который также написал музыку к следующим восьми фильмам Куросавы. Фильм «Баланс жизни» имел успех у критиков и финансистов, но его репутация была далеко не такой высокой, как у предшественника. С годами фильм, тем не менее, набирал популярность и сегодня считается многими известными рецензентами одним из лучших психоаналитических изображений человеческих переживаний в формате кино.

Следующий проект Куросавы, «Замок в паутинном лесу», грубая адаптация «Макбета» Уильяма Шекспира, представлял собой амбициозную переделку английского произведения в японском контексте. Например, режиссер дал указание своей исполнительнице главной роли Ямаде Исудзу воспринимать работу как кинематографическое представление японской литературы, а не европейской. Чтобы придать фильму уникальную атмосферу древней японской литературы, а также как дань уважения японскому театральному искусству в целом, Куросава потребовал от своих актеров изучить и использовать жестикуляцию и акценты традиционного театра Но. Конечный продукт был выпущен в Японии 15 января 1957 года, а на следующий день — на международном рынке, и получил очень хорошие отзывы и новый финансовый успех. По сей день «Замок в паутинном лесу» считается одним из лучших фильмов Куросавы и, несмотря на творческие вольности, допущенные по отношению к оригиналу, считается одной из самых популярных адаптаций Шекспира.

Еще одной вольной адаптацией классической европейской пьесы стал фильм «Начтасиль», основанный на одноименной пьесе Максима Горького. История о супружеской паре, которая сдает постели незнакомцам в период Эдо и впоследствии попадает в неожиданные ситуации, происходит в мае и июне 1957 года, что соответствует времени съемок. В отличие от «Замка в паутинном лесу», дорогостоящего и очень амбициозного фильма, «Ночное убежище» снималось всего на двух ограниченных съемочных площадках, с намерением показать эмоциональную ограниченность персонажей. В отличие от первой интерпретации Куросавой русской литературы, «Идиота», эта попытка была признана зрителями и рецензентами удачной. Фильм «Нахтасиль» и по сей день считается одной из самых недооцененных работ режиссера.

Атмосфера трех фильмов, последовавших за «Семью самураями», становилась все более пессимистичной и мрачной, особенно благодаря критическому рассмотрению вопроса о том, действительно ли искупление может быть достигнуто через личную ответственность. Если «Баланс жизни» уже был очень мрачным, то в двух последующих фильмах эта нигилистическая философия преобладает особенно сильно. Куросава и сам это заметил и поэтому сознательно решил сделать свой следующий фильм более легким и развлекательным, одновременно пробуя свои силы в новом широкоэкранном формате, который привлекал все больше внимания, особенно в Японии. В результате получился «Скрытая крепость» — комедийный приключенческий фильм о средневековой принцессе, ее верном генерале и двух крестьянах, которые сталкиваются с опасными ситуациями, чтобы добраться до родного края. Вышедший в декабре 1958 года фильм «Скрытая крепость» имел огромный коммерческий успех, а также вызвал восторг критиков, как на местном, так и на международном уровне. В наши дни эта работа считается одной из самых легких у Куросавы, но по-прежнему пользуется большой популярностью и регулярно включается в списки лучших режиссеров. Американский режиссер Джордж Лукас позже назвал этот фильм самым большим источником вдохновения для своей космической оперы «Звездные войны» и частично использовал целые сцены как дань уважения творчеству Куросавы.

Начиная с «Рашомона», работы Куросавы становились все более амбициозными, соответственно, бюджет неуклонно рос. Из осторожности, после выхода «Скрытой крепости», компания Toho сделала предложение выступить в качестве спонсора новой компании режиссера Куросавы. Для Toho это было бы выгодно тем, что коммерческий провал не повлек бы за собой таких больших потенциальных убытков, в то время как Куросава был бы более свободен, чем когда-либо, контролировать производство и выпуск своих работ. Куросаве понравилась эта идея, и в апреле 1959 года он основал продюсерскую компанию Kurosawa Production Company, инвестором которой выступила компания Toho.

Несмотря на высокий риск потерь, Куросава решил открыть свою студию самой ясной критикой экономической и политической элиты Японии. The Wicked Sleep Well» — фильм-нуар о человеке, который внедряется в иерархию коррумпированной японской компании, чтобы найти виновных в смерти своего отца. Тема оказалась иронически актуальной: параллельно с производством фильма на улицах Японии проходили демонстрации против Договора о взаимном сотрудничестве и безопасности между Японией и США, соглашения, которое, по мнению многих молодых японцев, представляло собой серьезную угрозу демократической конституции страны, особенно в связи с явным переходом власти к крупным корпорациям и политикам. Фильм, вопреки пессимистическим ожиданиям Куросавы, вышел на экраны в сентябре 1960 года и получил положительные отзывы зрителей и критиков. В частности, 25-минутная вступительная часть фильма часто упоминается как одна из самых сильных в истории кино.

В связи с успехом фильма «Йоджимбо» Куросава обратился в компанию Toho с просьбой разработать продолжение. Увлеченный этой идеей, он порылся в своих архивах в поисках выброшенных сценариев, нашел то, что искал, и переписал один из них для обещанного продолжения. Сандзюро, названный в честь титульного персонажа, гораздо легче по тону, чем его предшественник, несмотря на серьезную историю о самурайском клане с внутренними конфликтами и борьбой за власть. Он также необычайно юмористичен, ставя под сомнение правила и ценности, преподаваемые в традиционных дзидай-гэки, посредством иронии и неудач соответствующих главных героев. Фильм вышел на экраны под Новый 1962 год и имел еще больший успех, чем его уже критически и финансово эйфоричный предшественник. Даже сегодня, как и «Йоджимбо», этот фильм регулярно входит в список лучших фильмов Куросавы.

Несмотря на бешеный успех двух последних самурайских фильмов, Куросава был склонен снять еще один фильм-нуар, посвященный теме похищения — преступлению, которого Куросава боялся больше всего. Фильм «Между раем и адом» был снят во второй половине 1962 года и вышел на международный рынок в марте 1963 года. Это был третий фильм подряд, побивший кассовый рекорд Куросавы, и ставший самым успешным фильмом всего года. Фильм также пользовался огромным успехом у критиков, которые сделали небольшую паузу после того, как фильм обвинили в волне массовых похищений людей в Японии. Даже Куросава получал угрозы в адрес своей дочери Кадзуко. Через некоторое время скандал утих, и сегодня фильм единодушно причисляют к лучшим работам Куросавы. Это был последний из трех фильмов-нуаров в репертуаре режиссера.

Вскоре после этого он приступил к работе над своим новым проектом «Красная борода». Фильм, действие которого происходит в клинике XIX века и который считается самым ярким кинематографическим манифестом гуманистического взгляда Куросавы на человека, поставлен под влиянием романа Достоевского «Униженные и оскорбленные». Эгоистичный и материалистичный молодой врач по имени Ясумото вынужден работать интерном в клинике под строгим руководством доктора Нииде, известного как Красная Борода. Поначалу сопротивляясь Красной Бороде, он вскоре начинает восхищаться его мужеством и впоследствии пересматривает свое мнение о пациентах клиники, к которым раньше относился с отвращением.

Юдзо Каяма, исполнитель роли Ясумото, был очень популярным музыкантом в Японии, поэтому Тохо и Куросава посчитали, что его появление в фильме является гарантией финансового успеха фильма. Съемки стали самыми продолжительными в карьере Куросавы и растянулись на год интенсивной работы, несмотря на пять месяцев предварительной подготовки. Фильм был официально объявлен завершенным весной 1965 года, однако стресс оказался вредным для уже пошатнувшегося здоровья Куросавы и некоторых актеров. Фильм «Красная борода» вышел на мировые экраны в апреле 1965 года и стал одним из самых успешных фильмов года. Он и по сей день остается одной из самых высоко оцененных постановок Куросавы, хотя отдельные голоса, особенно на Западе, не замечают приверженности Куросавы к политическим и социальным изменениям.

В некотором смысле, фильм знаменует собой конец эпохи. Куросава и сам отмечал это; например, в интервью кинокритику Дональду Ричи он сказал, что с фильмом «Красная борода» для него завершился цикл и что его будущие фильмы и методы производства будут отличаться от предыдущих. Его предсказание оказалось верным. С начала 1960-х годов телевизионные программы все больше заменяли кинопродукцию, и чем больше падали доходы киностудий, тем больше снижалась их готовность рисковать, особенно в отношении финансового риска, который представляли собой дорогие постановки и смелые идеи Куросавы.

Красная Борода также ознаменовал собой примерно половину хронологического пути в его карьере. За предыдущие 29 лет в киноиндустрии (включая пять в качестве ассистента режиссера) он снял 23 фильма, а за следующие 28 лет будет снято еще только семь. Аналогично, «Красная борода» стала последним совместным фильмом с Тосиро Мифунэ. Причины этого так и не были обнародованы, даже после неоднократных запросов.

Читайте также, битвы — Битва при Мортимерс-Кросс

Вторая эпоха (1966-1998)

После того, как в 1966 году истек контракт Куросавы с компанией Toho, 56-летний режиссер задумался о кардинальной смене режиссуры. С постоянно растущим доминированием телевидения и многочисленными предложениями контрактов из-за рубежа, он все больше и больше симпатизировал идее работы за пределами Японии.

Для своего первого зарубежного проекта Куросава выбрал сюжет, основанный на статье в журнале Life. Триллер, который будет снят на английском языке под названием «Поезд-беглец», станет его первым цветным фильмом. Однако языковой барьер оказался серьезной проблемой, и английская версия сценария не была готова даже к запланированному началу съемок осенью 1966 года. Съемки, для которых требовался снег, в итоге были отложены на год, а в 1968 году вообще прекращены. Только спустя два десятилетия Андрей Кончаловский снял фильм «Поезд-беглец» по сценарию Куросавы.

После этого Куросава стал участвовать в гораздо более амбициозном голливудском проекте. Тора! Тора! Фильм «Тора!», снятый компаниями 20th Century Fox и Kurosawa Productions, был задуман как портрет нападения на Перл-Харбор с точки зрения США и Японии. Куросава должен был снять японскую половину фильма, а англоязычный режиссер — американскую. После нескольких месяцев интенсивной, амбициозной работы Куросавы проект начал разваливаться. Для англоязычной половины фильма, как было обещано Куросаве, наняли не престижного Дэвида Лина, а гораздо менее известного Ричарда Флейшера. Кроме того, бюджет был урезан, а японская часть фильма должна была длиться не более 90 минут — большая проблема, поскольку Куросава получил заказ на создание эпопеи и вложил несколько месяцев работы в сценарий, который в итоге должен был длиться четыре с половиной часа. После нескольких обсуждений и короткого вмешательства кинопродюсера Дэррила Ф. Занука, в мае 1968 года был окончательно согласован более или менее готовый конечный продукт.

Съемки начались в начале декабря, но Куросава проработал на площадке в качестве режиссера всего три недели. У него были проблемы с работой со съемочной группой, которая была ему совершенно незнакома, и его методы работы также раздражали американских продюсеров, которые в итоге пришли к выводу, что Куросава психически болен. После короткого обсуждения он решил пройти обследование в университете Кёто у нейропсихолога доктора Мураками, который поставил диагноз «неврастения», заявив: «Он страдает от нарушений сна, вызванных тревогой и маниакальным возбуждением, вызванным вышеупомянутой клинической картиной. Необходимо, чтобы он отдыхал и получал медицинскую помощь в течение следующих двух месяцев». Около Рождества 1968 года продюсеры фильма объявили, что Куросава оставил производство фильма из-за усталости. На самом деле он был уволен, и в итоге его заменили два японских режиссера — Киндзи Фукасаку и Тосио Масуда.

Тора! Тора! Фильм «Тора!» был наконец-то выпущен в сентябре 1970 года и получил вялые отзывы — результат, который, по словам Дональда Ричи, стал «почти неразрешимой трагедией» в карьере Куросавы. «Он (Куросава) потратил годы своей жизни на логистически разрозненный проект, в который он в конечном итоге не внес никакого вклада». Этот инцидент вызвал ряд негативных событий: Имя Куросавы было исключено из титров, хотя сценарий японских сцен был написан им, и он вступил в спор со своим давним соратником и другом Рюдзо Кикусимой, который не был разрешен до самой его смерти. По словам Куросавы, проект также обнажил коррупцию в его собственной компании, с чем он, по иронии судьбы, хорошо разобрался в фильме «Злой сон». Кроме того, он впервые почувствовал, что вынужден задаться вопросом о собственном здоровье. Как позже рассказал Куросава в одном из интервью, в тот момент он был уверен, что больше не хочет снимать фильмы, не говоря уже о том, чтобы вносить какой-либо вклад в кинобизнес.

Через фиаско с «Торой! Тора! Куросава знал, что его репутация находится под угрозой, если он снова не возьмет себя в руки. Кэйсукэ Киношита, Масаки Кобаяси и Кон Итикава, сами режиссеры и давние друзья Куросавы, пришли ему на помощь и в июле 1969 года основали вместе с ним новую продюсерскую компанию: Yonki no kai («Клуб четырех рыцарей»). Хотя по официальному плану каждый режиссер должен был использовать платформу для своих собственных релизов, многие ретроспективы сходятся во мнении, что реальной мотивацией было помочь Куросаве закончить работу, чтобы вернуть его в кинобизнес.

После непродолжительной работы над историческим фильмом «Дора-хейта», который оказался слишком дорогим, Куросава решил снять экспериментальный фильм «Додескаден» о бедных и обездоленных людях. Фильм был снят очень быстро по меркам Куросавы — всего за девять недель, и не в последнюю очередь потому, что он хотел доказать, что может создавать великолепные фильмы с небольшим бюджетом даже после долгого отсутствия. Для своего первого цветного фильма Куросава отказался от прежнего внимания к динамичному монтажу и сложным композициям изображений и сосредоточился на создании поразительных, почти сюрреалистических цветовых палитр с целью показать токсичную среду обитания своих героев. Фильм дебютировал в Японии в октябре 1970 года и вызвал настороженную реакцию зрителей, которые сочли фильм слишком пессимистичным и сюрреалистичным. Фильм принес финансовые убытки и привел к расформированию Yonki no kai. Через некоторое время прием фильма стал гораздо более позитивным — среди прочего, он был номинирован на «Оскар» 1972 года как «Лучший фильм на иностранном языке», — но это не изменило психического состояния режиссера, который впал в глубокую депрессию после неудачи.

Не имея возможности больше снимать фильмы из-за чрезмерных расходов и страдая от проблем со здоровьем, 22 декабря 1971 года Куросава достиг дна, перерезав себе вены и горло. Попытка самоубийства оказалась неудачной, и режиссер относительно быстро оправился от нее, но во второй раз решил, что больше не хочет вносить свой вклад в кинобизнес.

В начале 1973 года к Куросаве обратилась самая известная российская киностудия «Мосфильм» и попросила о сотрудничестве. Несмотря на первоначальный скептицизм, Куросава принял предложение исполнить свою давнюю мечту — снять фильм о жизни охотника Дерсу Усала. Основа для этого была заложена в трудах русского исследователя Владимира Клавдиевича Арсеньева (1872-1930). Куросава вынашивал этот план с середины 1930-х годов, но до тех пор не нашел никого, кто был бы заинтересован в проекте. В декабре 1973 года 63-летний режиссер поселился в Советском Союзе, где ему предстояло прожить еще полтора года. Съемки начались в мае 1974 года в Сибири и оказались сложными из-за суровых природных условий, поэтому фильм был завершен только в апреле 1975 года. Фильм «Узала киргиз», как в итоге стал называться фильм, отпраздновал свою мировую премьеру 2 августа 1975 года, имея огромный успех у критиков и зрителей. Фильм не только стал одним из самых успешных фильмов года на международном уровне, наряду с такими именами, как «Челюсти» и «Пролетая над гнездом кукушки», но и оказался успешным на различных церемониях награждения. Среди прочего, он был удостоен премии «Оскар» в 1976 году. По сей день «Узала киргиз» считается одним из лучших фильмов Куросавы.

Хотя он получал постоянный поток предложений на телевидении, Куросава никогда не проявлял серьезного интереса к актерской деятельности вне мира кино. До самой смерти признанный любитель виски сделал исключение только для серии рекламных роликов для японского производителя Suntory весной 1976 года. Несмотря на то, что после попытки самоубийства психически больного режиссера постоянно мучил страх, что он больше никогда не сможет снимать фильмы, он постоянно писал новые сценарии, картины и эскизы, которые хотел записать для потомков, даже если они никогда не будут сняты.

В 1977 году американский режиссер Джордж Лукас выпустил «Звездные войны», экранизацию фильма Куросавы «Скрытая крепость», получившую большое признание. Лукас, как и многие другие режиссеры Нового Голливуда, почитал Куросаву и был потрясен, узнав, что тот не в состоянии финансировать его фильмы. Они встретились в Сан-Франциско в июле 1978 года, чтобы обсудить финансирование нового фильма Куросавы: Kagemusha — Тень воина, эпическая история о воре, нанятом для того, чтобы стать двойником японского военачальника. Лукас был настолько воодушевлен сценарием и картинами, что использовал свои новообретенные связи, чтобы убедить компанию 20th Century Fox заняться производством фильма. Студия согласилась, несмотря на бурное прошлое японского режиссера, и привлекла Фрэнсиса Форда Копполу, еще одного поклонника Куросавы, в качестве сопродюсера.

Производство началось в апреле следующего года, съемки длились с июня 1979 года по март 1980 года и периодически прерывались из-за различных осложнений, включая импровизированный второй кастинг после того, как первоначальный главный герой Синтаро Кацу был заменен Тацуя Накадаи из-за разногласий. Работа над фильмом была завершена с отставанием в несколько недель, но все же премьера в Токио состоялась в назначенный день в апреле 1980 года. Фильм быстро стал международным хитом, получив Золотую пальмовую ветвь на Каннском международном кинофестивале 1980 года, и, к радости Куросавы, имел успех и в Японии. Остаток года Куросава интенсивно использовал для продвижения фильма в Европе и Америке, а также для проведения церемоний награждения и художественной выставки с концептуальными рисунками эпопеи.

Большой успех «Кагемуши» позволил Куросаве финансировать проект своей мечты «Ран», исторический фильм невообразимого масштаба. Фильм рассказывает о падении Хидэторы Итимондзи, даймё периода Сэнгоку, который решает уйти в отставку в пользу своих сыновей. Его империя рушится под влиянием интриг и борьбы сыновей; в ходе этого Хидэтора становится жертвой безумия. С бюджетом в 12 миллионов долларов США «Ран» был самым дорогим японским фильмом на сегодняшний день, поэтому Куросава вновь получил финансовую помощь, на этот раз от французского продюсера Сержа Зильбермана, который стал особенно известен благодаря сотрудничеству с Луисом Бунюэлем. Съемки начались в декабре 1983 года и продолжались чуть больше года.

В январе 1985 года работа над фильмом «Ран» была приостановлена из-за болезни жены Куросавы Ёко, которая умерла 1 февраля того же года. В разгар своего горя Куросава скрупулезно работал над завершением фильма, чтобы «Ран» все же смог отпраздновать премьеру на Токийском международном кинофестивале 31 мая 1985 года. Фильм вышел в мировой прокат на следующий день. Она пользовалась умеренным успехом в Японии и большим успехом за рубежом, особенно в Америке и Европе. В сентябре и октябре того же года Куросава совершил поездку по миру для продвижения своего фильма, как он это делал для «Кагемуши».

Ран завоевал множество наград по всему миру, в том числе и в Японии. Поэтому мир кино был удивлен, когда Япония не представила «Ран» в номинации «Лучший фильм на иностранном языке» на церемонии вручения премии «Оскар» в 1986 году, отдав предпочтение другому фильму. Вскоре после этого Академия объявила, что «Ран» официально исключен из конкурса, поскольку было неясно, считается ли он теперь японским фильмом, французским фильмом или тем и другим одновременно. Многие деятели голливудской индустрии, особенно влиятельный режиссер Сидни Люмет, были возмущены этим сомнительным решением. Затем Люмет успешно начал кампанию за то, чтобы Куросава был награжден в категории «Лучший режиссер». Ран также получила премию «Оскар» за «Лучший дизайн костюмов».

Фильмы «Кагемуша» и «Ран» обычно причисляют к наиболее значительным работам Куросавы. Сам японский режиссер назвал «Ран» своим лучшим фильмом после его выхода, нарушив привычку не отдавать предпочтение ни одному из своих фильмов.

Для своего следующего фильма Куросава выбрал очень специфическую тему, отличную от всех его предыдущих работ. Хотя некоторые из его фильмов уже содержали короткие последовательности снов (например, «Ангел потерянных» и «Кагемуша»), «Сны» Акиры Куросавы полностью основаны на реальных сновидениях режиссера на разных этапах его жизни. Фильм очень красочный и почти не содержит диалогов, а рассказывает свои истории в основном с помощью изображений. Хотя бюджет фильма был намного меньше, чем у «Рана», японские киностудии отказались полностью финансировать его, поэтому Стивен Спилберг, еще один известный поклонник Куросавы, обратился за помощью к Warner Bros. Entertainment, которая вскоре после этого приобрела международные права на фильм. Это облегчило сыну Куросавы Хисао, сопродюсеру фильма, поиск компромисса с японскими киностудиями. Съемки фильма заняли около восьми месяцев, пока «Мечты» Акиры Куросавы не смогли отпраздновать премьеру в Каннах в мае 1990 года. Фильм был хорошо принят критиками и имел финансовый успех, хотя и не в таких масштабах, как «Ран» или «Кагемуша». Несмотря на то, что «Сны» Акиры Куросавы не считаются одним из величайших достижений режиссера, они и сегодня имеют определенный культовый статус среди зрителей. В конце 1990 года Куросава принял почетный «Оскар» за работу всей своей жизни.

Его следующая работа, «Рапсодия в августе», снова была обычной историей. Фильм рассказывает о последствиях атомных бомб, сброшенных на Хиросиму и Нагасаки в конце Второй мировой войны. Впервые со времен «Додескадена» он был полностью снят в Японии, и в нем также впервые появилась звезда американского кино — Ричард Гир в роли племянника главного героя. Съемки начались в январе 1991 года, а 25 мая фильм вышел в международный прокат. Несмотря на финансовый успех, фильм был воспринят в основном негативно, особенно в США, которые обвинили японского режиссера в антиамериканских взглядах. Сам Куросава отверг эти обвинения.

Фильм «Мададайо» должен был стать последним фильмом стареющего режиссера. В нем рассказывается о жизни японского учителя немецкого языка Учиды Хяккена во время Второй мировой войны и после нее. Большая часть повествования фильма ограничивается вечеринкой по случаю дня рождения его учеников, которым он рассказывает о своем нежелании умирать — тема, которая становилась все более актуальной для 81-летнего режиссера. Фильм снимался с февраля по сентябрь 1992 г.; на экраны он вышел 17 апреля 1993 г. Фильм «Мададайо» имел большой успех и получил различные призы как на международном уровне, так и в Японии, включая четыре номинации премии Японской академии, самой важной кинопремии Японии. В 1994 г. фильм получил премию Киото.

Даже после «Мададайо» Куросава не стал менее продуктивным, написав сценарии к фильмам «Море приходит» (1993) и «После дождя» (1995), среди прочих. Незадолго до завершения последнего сценария он поскользнулся и сломал спину. В результате этого инцидента режиссер стал параплегиком, что лишило его возможности когда-либо снять еще один фильм. Его желание умереть на съемках фильма не сбылось.

После аварии здоровье Куросавы сильно ухудшилось. Хотя его разум оставался незатронутым, его тело все больше сдавало, и последние шесть месяцев своей жизни он был прикован к постели. Окончательно Куросава умер 6 сентября 1998 года в возрасте 88 лет от последствий инсульта. Его место упокоения находится на кладбище буддийского храма Анъё-ин в Камакуре. Оба сценария, которые он оставил после себя, были экранизированы в его честь: «Море приходит» 1999 года Такаси Коидзуми и «После дождя» 2002 года Кеи Кумаи. Его внук, Такаюки Като, снимался в обоих фильмах в качестве актера второго плана.

Акира Куросава оставил разнообразное и всемирно влиятельное наследие последующим поколениям режиссеров. Это варьировалось от его методов работы до его стиля и избирательного выбора определенных тем и философий. Методы работы Куросавы предполагали широкое участие в многочисленных аспектах кинопроизводства. Помимо прочего, он был известен как талантливый, но в то же время перфекционистский сценарист, который несколько раз переделывал и даже перекраивал свой сценарий.

Будучи художником по образованию, Куросава придавал не меньшее значение эстетике своих фильмов. Для этого он также контролировал камеру и был печально известен тем, что переснимал или ненадолго заменял некоторые кадры только ради кинематографического эффекта. Куросава также занимался постпродакшеном, включая монтаж пленки и звука, для большинства своих фильмов. Работа в качестве монтажера параллельно с режиссурой необычна и по сей день.

В большинстве фильмов Куросава работал с одними и теми же актерами. Его доверенную группу позже прозвали «Куросава-гуми» (в переводе: «труппа Куросавы»).

Читайте также, битвы — Вторая битва при Ипре

Методы работы

Куросава страстно подчеркивал, что для него сценарий — это основа хорошего фильма. Он зашел так далеко, что заявил, что посредственный режиссер иногда может сделать хороший фильм по хорошему сценарию, но ни один хороший режиссер никогда не сможет сделать хороший фильм по плохому сценарию. Поэтому Куросава в значительной степени сам заботился о своих сценариях, а затем передавал их для предложений по улучшению доверенной группе друзей, в основном пяти профессиональным сценаристам Эйдзиро Хисайта, Рюдзо Кикусима, Синобу Хасимото, Хидео Огуни и Масато Иде. Однако последнее слово всегда оставалось за самим режиссером.

Помимо сценария, Куросава часто писал подробные заметки, эскизы и концептуальные рисунки. Это позволило уточнить его видение и не в последнюю очередь обеспечить аутентичность, что всегда было приоритетом для режиссера. Например, для фильма «Семь самураев» он исписал семь тетрадей подробнейшими деталями о биографии героев фильма, о том, что они едят и носят, как они ходят, как разговаривают и ведут себя с другими людьми, и даже о том, как им следует завязывать ботинки. Для 101 фермера в фильме он создал реестр, состоящий из более чем 23 тщательно спланированных семейных деревьев, и поручил своим актерам «жить» фиктивно в этих семьях во время съемок и даже вне их. Он использовал столь же радикальные методы в большом количестве своих работ.

Хотя они были неизменно хорошо сняты, в своих первых фильмах Куросава использовал обычные объективы камер и глубокофокусную кинематографию. Начиная с фильма «Семь самураев», его техника резко изменилась: появились длиннофокусные объективы и одновременное использование нескольких камер. По словам самого режиссера, такая техника съемки позволила добиться большей достоверности и лучшей игры актеров, поскольку они никогда не знали, какая из камер будет в итоге использована в фильме, не говоря уже о том, где они будут расположены. Таким образом, спазматическое внимание камеры переключается на актеров или декорации, в которых оказываются герои. Очевидно, что экспериментальный подход сработал. Среди прочих, один из актеров, Тацуя Накадаи, сказал в интервью, что манера съемки Куросавы внесла значительный вклад в его игру. Но визуально этот стиль съемки также повлиял на фильм, особенно на экшн-последовательности.

С фильмом «Скрытая крепость» Куросава начал использовать анаморфотный процесс. Эти три приема — телеобъектив, несколько камер и широкоэкранный формат — широко использовались в его поздних работах, даже в сценах, где практически не было действия. Примером могут служить начальные сцены фильма «Между раем и адом» в доме главных героев. Здесь средства используются для драматизации напряжения в очень ограниченном пространстве, а также для укрепления взаимоотношений персонажей.

В одной из сцен фильма «Замок в паутинном лесу», где Васидзу атакуют стрелами его собственные люди, режиссер заставил настоящих лучников стрелять полыми стрелами в актера Васидзу Тосиро Мифунэ. Последние внимательно следили за меловыми метками на земле, чтобы избежать удара. Хотя Мифунэ не был ранен, позже он рассказывал, что некоторые стрелы пролетели совсем немного. В течение многих месяцев после этого он носил в себе травму, полученную в результате пережитого. Однако эксцентричное намерение Куросавы сделать страх Мифунэ более достоверным сработало идеально, так что сцену пришлось снимать только один раз.

Чтобы декорации клиники в фильме «Красная борода» выглядели более мрачно, Куросава попросил своих помощников разобрать гнилое дерево из старых декораций и собрать его заново для реквизита. Он также поручил своей съемочной группе вылить литры старого чая на все чашки, чтобы создать эффект несвежести.

Художнику-постановщику и сценографу Мураки Ёсиро было поручено для дизайна третьего замка в Ране сфотографировать камни настоящего замка и точно воссоздать их с помощью блоков из пенопласта. Затем он склеил блоки из пенополистирола по частям, чтобы имитировать внешний вид замка. Весь процесс был выполнен по точным указаниям Куросавы и занял несколько месяцев. В известной сцене фильма на замок нападают и поджигают его, поэтому некоторые члены команды боялись, что от жары блоки из полистирола расплавятся. По приказу Куросавы блоки были покрыты четырьмя слоями цемента, а затем покрашены в цвет старых блоков.

Куросава часто замечал, что он снимает фильм только для того, чтобы иметь материал, который он сможет отредактировать позже. Процесс создания конечного продукта из сырья всегда был для него самой важной и захватывающей частью. Хироши Незу, многолетний руководитель производства, однажды сказал: «Мы считаем его лучшим режиссером Toho, лучшим сценаристом Японии и лучшим редактором фильмов в мире. Фильм Куросавы создается, так сказать, путем монтажа».

Теруйо Ногами, который работал у Куросавы помощником монтажера на нескольких фильмах, подтвердил это мнение: «Монтаж Акиры Куросавы был экстраординарным, неподражаемой работой гения. Никто не был ему ровней». Она утверждала, что Куросава держал в голове каждую крупицу информации о каждом кадре: «Когда он просил кадр в монтажной, а я давала ему не тот, он сразу замечал ошибку. Я делал заметки по каждой сцене, а он просто держал их в голове». Она сравнила его мысли с компьютером, который с помощью отрезков пленки может делать то, что делает техника в наши дни.

Привычным методом Куросавы было редактирование фильма по частям параллельно с производством, обычно ежедневно. Это оказалось особенно полезным, когда он переключился на несколько камер.

Благодаря интенсивной работе по редактированию, этот процесс стал рутинным в ходе его карьеры. Соответственно, постпродакшн типичного фильма Куросавы может быть необычайно коротким. В качестве примера: Премьера фильма «Йоджимбо» состоялась 20 апреля 1961 года, всего через четыре дня после окончания съемок.

Читайте также, биографии — Ине (король Уэссекса)

Стилистические средства

Практически все комментаторы отмечают смелый, динамичный стиль в работах Куросавы, который изначально не был чем-то необычным для Голливуда. Однако они также отметили, что с самого начала режиссер продемонстрировал технику, которая сильно отличалась от бесшовного стиля классического Голливуда. Эта техника включала, помимо прочего, искаженное изображение экрана с помощью многочисленных, неповторяющихся ракурсов камеры, пренебрежение традиционной 180-градусной осью действия, вокруг которой обычно строятся голливудские сцены, и плавные движения камеры, которые часто происходят вместо обычного монтажа, чтобы сделать повествование более пространственным. В своей карьере Куросава использовал множество стилистических приемов, приписываемых ему, хотя некоторые появлялись чаще.

В своих фильмах 1940-х и 1950-х годов Куросава часто использовал так называемую прыжковую резку — тип монтажа фильма, при котором камера увеличивает или уменьшает масштаб не затуханием или следящим кадром, а серией скоординированных прыжков. Пример из фильма «Сиквел Сансиро Сугата» иллюстрирует киновед Дэвид Бордвелл в своем блоге. Там Сансиро, герой фильма, бросает свою возлюбленную Сайо, повторяя одно и то же действие: Он отходит от нее на несколько метров, поворачивается к ней лицом, и она наклоняется вперед. Это происходит три раза, при этом камера не следует за героем, вместо этого каждый кадр представляет собой отдельную, сопоставленную сцену. С помощью быстрой последовательности кадров, неестественного и постоянно увеличивающегося расстояния, фильм подчеркивает длительность отсутствия Сансиро.

В начальной последовательности фильма «Семь самураев» прыжок на обод используется дважды. Когда жители деревни собираются в круг, они видны на очень большом расстоянии сверху, затем происходит срез и камера приближается, а затем еще один срез до уровня земли, где может начаться диалог. Несколько минут спустя, когда жители деревни идут к мельнице, чтобы обратиться за советом к старейшине деревни, мы видим длинный кадр мельницы с медленно вращающимся колесом, затем после сокращения еще более близкий вид вращающегося колеса и, наконец, крупный план. Поскольку ранее было установлено, что старейшина деревни живет на мельнице, эти изображения создают более позднюю важную связь между старейшиной деревни и мельницей.

Ряд аналитиков отмечали склонность Куросавы к одномоментному резанию. То есть, разделить текущую сцену между двумя движущимися персонажами на две или более отдельных частей, а не на один непрерывный кадр. Пример снова можно найти в «Семи самураях», когда стоящий самурай Ситиродзи хочет утешить сидящего на земле крестьянина Манзо и опускается на колени, чтобы поговорить с ним. Куросава снял это простое действие — опускание на колени — в двух кадрах вместо одного, чтобы сильнее передать смирение Ситиродзи. Только в одном фильме таких примеров бесчисленное множество. Джоан Меллен сказала о специальном издании эпопеи на Criterion Collection: «Куросава прерывает и фрагментирует действие, чтобы создать эмоциональный эффект».

Одна из форм кинематографической пунктуации, которая особенно часто ассоциируется с Куросавой, — это так называемый «стирающий» переход. Эффект создается с помощью оптического принтера. Когда сцена заканчивается, линия или полоса перемещается по экрану, «стирая» изображение и одновременно показывая первый кадр следующей сцены. Куросава часто использовал эту технику вместо обычного растворения или обычного сокращения. Особенно в своих поздних работах режиссер использовал метод перехода как торговую марку; в фильме «Ангел потерянных», например, он используется двенадцать раз.

Существует множество теорий о том, почему Куросава так любил этот специфический переходный метод. Поскольку «стирание» в основном использовалось в немых фильмах, но становилось все более редким в разговорных, исследователь кино Джеймс Гудвин предположил, что это дань уважения покойному брату Куросавы Хейго, который работал бэнси в немых фильмах и покончил жизнь самоубийством из-за популярности разговорных фильмов и вызванной этим безработицы. Однако помимо этого, «вытирание» имеет и стилистические причины. Например, Гудвин утверждает, что «вытирание» в «Рашомоне» всегда служит одной из трех целей: Чтобы подчеркнуть движение путешествующего персонажа, обозначить смену повествования в судебной последовательности и сформировать временные эллипсы между действиями (например, между высказываниями двух персонажей). Он также отмечает, что Куросава не использует метод «вытирания» в «Нахтасиле», но вместо этого расставляет актеров и реквизит таким образом, чтобы имитировать «вытирание» от кадра к кадру.

Пример сатирического использования этого метода можно найти в фильме Ikiru — Once Really Live. Группа женщин посещает офис местного правительства, чтобы обратиться к бюрократам с просьбой превратить пустырь в детскую игровую площадку. Затем зрителю показывают серию кадров с точки зрения различных бюрократов, использующих метод «swipe», все из которых передают группу в другой отдел. Киноаналитик Нора Теннессен описала эффект метода следующим образом: Вытирание делает сцену смешнее». Параметры бюрократов сложены как карты, и каждый из них более педантичен, чем предыдущий».

Как видно из воспоминаний Теруйо Ногами, Куросава всегда уделял большое внимание саундтреку к своим фильмам. В конце 1940-х годов он впервые применил свою более позднюю привычку использовать музыку в качестве контрапункта к эмоциональному содержанию сцены. В традиционном Голливуде музыка обычно подбиралась и подбирается под атмосферу сцены; например, если сцена должна быть грустной, играет грустная музыка. Трюк Куросавы, позволяющий сделать прямо противоположное, связан с семейной трагедией. Когда Куросава узнал о смерти отца в 1948 году, он бесцельно бродил по улицам Токио. Его горе усугубилось, когда он услышал по радио веселую песню «Вальс кукушки». Затем художник поручил своему кинокомпозитору Фумио Хасаяке, с которым он в то время работал над фильмом «Ангел потерянных», записать песню в качестве ироничного аккомпанемента в сцене смерти Мацунаги, самой печальной сцене во всем фильме.

Другой пример — фильм «Бродячая собака». В кульминационной сцене, где Мураками сражается с Юсой на грязном поле, внезапно звучит пьеса Вольфганга Амадея Моцарта, сыгранная на фортепиано женщиной в соседском доме. Один из комментаторов отметил: «По контрасту со сценой первобытного насилия, спокойствие Моцарта кажется буквально «потусторонним». Сила этого первобытного столкновения усиливается музыкой». Однако революционное использование звука Куросавой не ограничивалось музыкой. Как отметил один критик в своей рецензии на фильм «Семь самураев»: «Во время убийств и хаоса на заднем плане щебечут птицы, как в первой сцене, когда крестьяне оплакивают свою, казалось бы, безнадежную судьбу».

Читайте также, биографии — Стейнбек, Джон

Повторяющиеся темы

Многие комментаторы отмечают регулярное появление в фильмах Куросавы сложных отношений между старшим и младшим, или мастером и учеником. Эта тема, несомненно, возникла под влиянием автобиографии. Джоан Меллен сказала в ретроспективе: «Куросава почитал своих учителей, особенно Кадзиро Ямамото, своего наставника в «Тохо». Поучительный образ пожилого человека, обучающего неопытного, всегда вызывает в памяти моменты пафоса в фильмах Куросавы». Критик Тадао Сато рассматривает повторяющуюся фигуру «мастера» как своего рода суррогатного отца, роль которого заключается в том, чтобы наблюдать и одобрять моральный рост молодого протагониста.

В его первом фильме, «Мудрец дзюдо», форма повествования меняется после того, как мастер дзюдо Яно становится учителем и духовным наставником главного героя, «в форме хроники, исследующей этапы роста мастерства и зрелости героя». Отношения между мастером и учеником в его послевоенных фильмах — таких как «Ангел потерянный», «Бродячая собака», «Семь самураев», «Красная борода» и «Узала-киргиз» — предполагают очень мало прямого обучения, вместо этого ученик учится на собственном опыте. Стивен Принс связывает эту тенденцию с частной и невербальной природой концепции дзенского просветления.

Однако с появлением Кагемуши, по словам Принса, смысл этих отношений изменился в сторону пессимизма. Вор, выбранный в качестве двойника даймё, продолжает свою личность после смерти последнего: «Отношения стали призрачными и порождаются извне, с хозяином в качестве призрачного присутствия. Его конец — смерть, а не возобновление обязательств перед живыми, как в его предыдущих фильмах». Однако, по словам биографа, в Мададайо появилось более оптимистичное видение этой темы: «Студенты устраивают ежегодный праздник в честь своего профессора, на котором присутствуют десятки выпускников, теперь уже разного возраста. Эта расширенная последовательность выражает, как может только Куросава, простые радости отношений между учеником и учителем, родства и самой жизни».

Фильмы Куросавы часто посвящены судьбам и поступкам героических личностей. Типичный герой Куросавы стал результатом послевоенного периода, когда феодальные ценности были заменены индивидуалистическими в связи с оккупацией Японии. Куросава, который с юных лет больше ориентировался на западные ценности, приветствовал эти перемены и принял их как художественную и социальную программу. По словам Стивена Принса, «Куросава приветствовал меняющийся политический климат и стремился сформировать его в своем собственном кинематографическом голосе». Японский кинокритик Тадао Сато согласен: «Поражение Японии во Второй мировой войне оставило многих японских граждан с осознанием того, что правительство обманывало их в течение многих лет и не было ни справедливым, ни заслуживающим доверия. В это время Акира Куросава дал понять раздраженному населению, что смысл жизни не направляется нацией, а должен быть найден каждым индивидуально через свои страдания». Сам режиссер сказал по этому поводу: «Я всегда думал, что без утверждения самости как позитивного идеала не может быть ни свободы, ни демократии».

Первой из этих героических фигур была, что нехарактерно для режиссера, женщина: Юкиэ, которую сыграла Сэцуко Хара в фильме «Не жалею о своей молодости». По мнению Принса, ее «уход из семьи, помощь бедной деревне, упорство, несмотря на огромные препятствия, принятие личной ответственности и альтруизма, а также экзистенциальное одиночество» являются неотъемлемыми составляющими героя Куросавы. Это экзистенциальное одиночество также характеризует фигуру доктора Санады, которого играет Такаси Шимура в фильме «Ангел потерянных»: «Куросава настаивает на том, чтобы его герои оставались верны себе и в одиночку боролись с традициями и препятствиями за лучший мир, даже если исход не совсем ясен для них. Отделение от коррумпированной, социально стигматизирующей системы, чтобы облегчить страдания человека, как это делает доктор Санада, является почетным курсом».

Многие комментаторы рассматривают «Семь самураев» как высшее выражение героических идеалов художника. Джоан Меллен описывает эту точку зрения следующим образом: Семь самураев» — это прежде всего дань уважения благородному сословию самураев. Для Куросавы самурай олицетворяет лучшие японские традиции и целостность». Семь достигают неожиданного величия благодаря хаотичным временам гражданской войны, а не вопреки им. «Куросава ищет неожиданные преимущества не дальше, чем в трагедии этого исторического момента. Потрясения заставляют самураев доказать бескорыстность своего кредо верной службы, работая на низших людей, крестьян». Однако этот героизм напрасен, потому что «уже существовал зарождающийся класс, который заменит аристократию воинов». Таким образом, их мужество совершенно бескорыстно, поскольку они все равно не могут остановить внутреннее разрушение своего класса.

По мере развития своей карьеры режиссеру становилось все труднее поддерживать героический идеал. Принс отмечает: «Видение Куросавы — это, по сути, трагическое видение жизни. Поэтому его чувствительность мешает его усилиям». Более того, повествование его поздних фильмов подрывает сам героический идеал: «Когда история предстает как слепая сила, как в «Замке в паутинном лесу», героизм перестает быть реальностью». По словам Принса, видение режиссера в конечном итоге стало настолько мрачным и нигилистическим, что он рассматривал историю лишь как вечно повторяющуюся картину насилия, в которой человек изображается не только не героическим, но и совершенно беспомощным. (см. ниже: «Цикл насилия»)

Природа — важный элемент в фильмах Куросавы. По словам Принса, «чувствительность Куросавы сильно сосредоточена на тонкостях и красоте времен года и пейзажей». Режиссер никогда не уклонялся от использования климата и погоды как важных элементов сюжета, до такой степени, что они стали «активными участниками работы». «Удушающая жара в «Бродячей собаке» и «Равновесии жизни» вездесуща, подчеркивая тему мира, раздираемого экономическим коллапсом или ядерной угрозой». Сам Куросава однажды сказал: «Я люблю жаркое лето, холодную зиму, проливные дожди и много снега, и я думаю, что большинство моих фильмов показывают это. Мне нравятся крайности, потому что в них я чувствую себя самым живым».

Ветер также является важным символом: «Постоянная метафора в работах Куросавы — это ветер, ветер перемен, счастья и несчастья. Битва в Yojimbo происходит на главной улице, в то время как огромные облака пыли окружают бойцов. Ветры, перемешивающие пыль, принесли в город огнестрельное оружие вместе с западной культурой. То, что положит конец традициям воинов».

В фильмах Куросавы дождь также используется отдельно: «В фильмах Куросавы к дождю никогда не относятся нейтрально. Когда он появляется, он никогда не бывает в виде мелкого моросящего дождя, а всегда в виде яростного ливня. Финальная битва в фильме «Семь самураев» — это экстремальная духовная и физическая борьба, сопровождаемая неистовым ливнем, что позволяет Куросаве визуализировать окончательное слияние социальных групп. Но со свойственной Куросаве амбивалентностью, это кульминационное видение бесклассовости становится похожим на ужас. Сражение представляет собой водоворот из вихря дождя и грязи. Сплав социальной идентичности возникает как выражение адского хаоса».

Начиная с «Замка в паутинном лесу», фильмы Куросавы неоднократно касались исторических циклов неослабевающего жестокого насилия, что Стивен Принс описывает как «противодействие героическому тону его фильмов». По словам Дональда Ричи, в фильме «причина и следствие — единственный закон». Свободы не существует». Принс утверждает, что события «вписаны во временной цикл, который повторяется снова и снова». Он берет за основу своего тезиса то, что, вопреки оригиналу пьесы Шекспира, хозяин Васидзу ранее убил своего собственного хозяина из соображений власти, прежде чем в конце концов погиб сам от руки Васидзу. «Развитие событий «Макбета» передано Куросавой с более резким акцентом на предначертанность событий и неуместность человека через законы кармы».

Эпопеи Куросавы «Кагемуша» и «Ран» знаменуют собой резкий перелом в мировоззрении режиссера. В отношении Кагемуши Принс утверждает, что «если раньше индивид мог точно улавливать и требовать от событий, чтобы они соответствовали его импульсам, то теперь «я» — лишь эпифеномен безжалостного и кровавого временного процесса, превратившегося в пыль под тяжестью и силой истории».

Его последующая эпопея «Ран», по словам Принса, является «неумолимой хроникой самой жажды власти, предательства отца его сыновьями, вездесущих войн и убийств». Историческая обстановка в фильме используется только в качестве «пояснительного комментария к тому, что Куросава стал воспринимать как вечную склонность человека к насилию и саморазрушению». «История уступает место восприятию жизни как колеса бесконечного страдания, постоянно вращающегося и всегда повторяющегося», — говорит Принс; этот процесс обычно характеризуется в обычных голливудских сценариях как ад. По словам Принса, Куросава «обнаружил, что ад — это и неизбежный результат человеческого поведения, и подходящая визуализация его собственной горечи и разочарования».

Читайте также, биографии — Моро, Гюстав

Репутация среди директоров

Многие известные режиссеры вдохновлялись Куросавой и почитали его творчество. Упомянутые ниже режиссеры являются избранными и могут быть условно разделены на четыре категории: во-первых, те, кто, как и сам Куросава, добился известности в 1950-х и 1960-х годах; во-вторых, так называемые режиссеры Нового Голливуда около 1970 года; в-третьих, другие азиатские режиссеры; и в-четвертых, режиссеры более позднего времени.

Шведский режиссер Ингмар Бергман назвал свой фильм «Девичья весна» «паршивым подражанием Куросаве» и добавил: «В то время мое восхищение японским кино было на пике. Я сам был почти самураем». В Италии Федерико Феллини объявил Куросаву «лучшим примером всего, чем должен быть кинорежиссер». В 1965 году во Франции Роман Полански назвал японского художника наряду с Феллини и Орсоном Уэллсом одним из трех своих любимых режиссеров, назвав «Семь самураев», «Замок в паутинном лесу» и «Скрытую крепость» в качестве аллюзий, повторяющих его эйфорию. Пионер кино Бернардо Бертолуччи сказал о нем в одном из интервью: «Фильмы Куросавы — это то, что вдохновило меня. Они привлекли меня к тому, что я сам захотел стать режиссером». Немецкий режиссер Вернер Херцог, представитель нового немецкого кино, включил Куросаву в число своих величайших кумиров: «Когда я думаю о своих любимых режиссерах, на ум приходят Гриффит, Бунюэль, Куросава и Эйзенштейн». Когда российского пионера кино Андрея Тарковского попросили перечислить своих любимых режиссеров, он назвал Куросаву лучшим, а «Семь самураев» — одним из десяти своих любимых фильмов. Для американского кинопровидца Стэнли Кубрика Куросава был «одним из величайших режиссеров всех времен». Ближайший друг Кубрика Энтони Фруин добавил: «Я не могу вспомнить ни одного режиссера, о котором он говорил так часто и с таким восхищением. Если бы Стэнли оказался на необитаемом острове и мог взять с собой только ограниченное количество фильмов, я бы предположил, что «Битва за Алжир», «Дантон», «Рашомон», «Семь самураев» и «Замок в паутинном лесу».

Среди поклонников Куросавы в кругах Нового Голливуда — Роберт Олтман, Фрэнсис Форд Коппола, Стивен Спилберг, Мартин Скорсезе, Джордж Лукас и Джон Милиус. В первые годы работы продюсером на телевидении Роберт Олтман рассказывал анекдот о том, что он был настолько очарован тем, как Куросава умел делать разные, красивые кадры, когда камера была направлена прямо на солнце — «Рашомон» считается первым, кто сделал это успешно — что на следующий день он попробовал сделать это непосредственно для своего собственного телевизионного шоу, хотя и безуспешно. Коппола сказал о Куросаве: «Одна вещь, которая отличает его от любого другого режиссера, заключается в том, что он не просто сделал один или два или три шедевра. Он создал, ну, восемь шедевров. «Спилберг и Скорсезе называли Куросаву своим учителем и великим примером для подражания. Скорсезе называл его «сенсей» — японский термин, обозначающий учителя. Спилберг сказал: «Я научился у него большему, чем у кого-либо другого в кинобизнесе», а Скорсезе добавил: «Позвольте мне объяснить это просто: Акира Куросава был моим мастером и мастером многих других режиссеров по всему миру».

Будучи первым всемирно известным кинорежиссером из Азии, Акира Куросава послужил источником вдохновения для нескольких других азиатских авторов. Сатьяджит Рэй, самый известный индийский режиссер, сказал о «Рашомоне»: «Эффект, который фильм произвел на меня после того, как я впервые увидел его в Калькутте в 1952 году, был электрическим. Я смотрел его три раза в течение последующих трех дней и каждый раз задавался вопросом, существует ли в мире еще один подобный фильм, демонстрирующий столь прочное доказательство полного контроля режиссера на съемочной площадке». Среди других известных азиатских поклонников — японский режиссер аниме Хаяо Миядзаки, актер-режиссер Такеши Китано, гонконгский режиссер Джон Ву и режиссер из материкового Китая Чжан Имоу, который назвал Куросаву «квинтэссенцией азиатского кино».

В 21 веке постановки Куросавы продолжают вдохновлять кинематографистов всего мира. Первые годы своей карьеры Александр Пэйн провел за детальным просмотром и изучением фильмов Куросавы, особенно «Икиру» — «Однажды действительно живой». Гильермо дель Торо назвал Куросаву одним из своих «основополагающих мастеров» и включил «Замок в паутинном лесу», «Между небом и адом» и «Ран» в список лучших фильмов всех времен. Кэтрин Бигелоу назвала Куросаву одним из «самых влиятельных режиссеров», которому удается создавать самые эмоционально глубокие персонажи. Джей Джей Абрамс сказал, что при создании фильма «Звездные войны: Пробуждение силы» он черпал значительное вдохновение у Куросавы. Алехандро Гонсалес Иньярриту рассказал в интервью о том, как в девятнадцать лет он был эмоционально захвачен фильмом «Икиру — однажды действительно живой», как никогда раньше, и похвалил Куросаву как одного из «первых гениев повествования, который смог перевернуть привычное повествование в кино». Спайк Ли опубликовал список из 87 фильмов, которые должен посмотреть каждый поклонник кино, в том числе три фильма Куросавы «Рашомон», «Йоджимбо» и «Ран». Фильм Уэса Андерсона «Остров собак — путешествие Атари» был в значительной степени вдохновлен Куросавой и его экстравагантными киноприемами.

Читайте также, биографии — Нанак

Посмертные сценарии

После смерти Куросавы некоторые из его нереализованных сценариев стали фильмами. Фильм «После дождя», снятый Такаси Коидзуми, был выпущен в 1999 году как посмертная дань уважения режиссеру, с которым Коидзуми связывала тесная дружба. Премьера «Море приходит» Кэй Кумаи состоялась в 2002 году, а сценарий, написанный во времена производственного кооператива Yonki no kai и так и не реализованный в пользу Dodeskaden, был реализован в 2000 году единственным выжившим участником Кон Итикава под названием Dora-heita. В 2017 году компания Huayi Brothers объявила о съемках реализованной экранизации Куросавой рассказа Эдгара Аллана По «Маска красной смерти». Конечный продукт планируется выпустить на международный рынок в 2020 году. Патрик Фратер, редактор журнала Variety, написал в своей газете в 2017 году, что в архивах Тохо были найдены еще два выброшенных сценария, которые до сих пор снимаются. Съемки первого фильма начались в 2018 году под проектным названием Silvering Spear.

Читайте также, мифология — Тесей

Производственная компания Куросава

В сентябре 2011 года стало известно, что права на все ремейки или экранизации нереализованных сценариев Акиры Куросавы были переданы лос-анджелесской компании Splendent. Представитель Splendent заявил, что его цель — помочь другим режиссерам познакомить новое поколение зрителей с этими «незабываемыми историями».

Компания Kurosawa Production Co., основанная в 1959 году, до сих пор контролирует все проекты, созданные под именем Акиры Куросавы. Сын режиссера, Хисао Куросава, является нынешним главой компании, а также ее американского филиала Kurosawa Enterprises. До настоящего времени права на Куросаву принадлежали исключительно компании Kurosawa Production Company и киностудиям, под началом которых он работал, в основном Toho. Эти права в конечном итоге были переданы проекту «Акира Куросава 100» и в настоящее время находятся у компании Splendent. Kurosawa Production Co. тесно сотрудничает с Фондом Акиры Куросавы, основанным в 2003 году. Организация проводит ежегодный конкурс короткометражных фильмов и регулирует проекты, связанные с Куросавой, например, запланированное строительство мемориального музея.

Большое количество полнометражных и короткометражных документальных фильмов посвящено жизни и творчеству Акиры Куросавы. А.К.» был выпущен в 1985 году, когда режиссер был еще жив. Его снял французский режиссер-документалист Крис Маркер. Несмотря на то, что документальный фильм появился во время работы над «Раном», он в меньшей степени посвящен созданию фильма, чем личности Куросавы. Позже Маркер назвал этот фильм причиной своего интереса к культуре Японии и вдохновением для своего самого известного фильма Sans Soleil — Невидимое солнце. Премьера фильма состоялась в 1985 году на Каннском международном кинофестивале. Небольшая подборка других документальных фильмов об Акире Куросаве, получивших признание критиков, такова:

Читайте также, биографии — Камбис II

Скрипты

В 1965 году Куросава был избран членом Американской академии искусств и наук.

В 1976 году он был награжден как человек с особыми культурными заслугами, а в 1985 году — Орденом культуры.

18 февраля 2011 года астероид был назван в честь Акиры Куросавы: (254749) Куросава.

В июне 2013 года фильм Куросавы «Жил-был» был включен в список 250 лучших фильмов по версии Internet Movie Database. Это означает, что у Куросавы, наряду с десятью другими режиссерами, было более четырех фильмов в IMDb Top 250. Это делает его одним из самых высокорейтинговых режиссеров на IMDb. В июне 2015 года он добавил «Замок в паутинном лесу», а чуть позже — «Между небом и адом» и «Узала киргиз». Таким образом, ему принадлежит рекорд по количеству восьми фильмов в списке 250 лучших фильмов IMDb наряду с Мартином Скорсезе и Стэнли Кубриком. Другие его фильмы, в том числе «Скрытая крепость», «Красная борода», «Сандзюро», «Отверженные» и «Кагемуша — тень воина», имеют высокие рейтинги на платформе и могут быть включены в список в будущем.

Источники

1. Akira Kurosawa
2. Куросава, Акира