Архипенко, Александр Порфирьевич

Delice Bette | 14 августа, 2022

Суммури

Александр Порфирович Архипенко был американским скульптором украинского происхождения, родился в Киеве 30 мая 1887 года и умер в Нью-Йорке 25 февраля 1964 года.

Сын инженера, Александр Архипенко также изучал математику. Художник был очарован связью между искусством и наукой. Он обучался живописи и скульптуре в Киеве и Москве с 1902 по 1906 год. В этот период он увлекся византийскими иконами, фресками и мозаиками в Киеве. После пребывания в Москве, в 1908 году он переехал в Париж, где вступил в контакт с авангардными движениями, в частности, с группой кубистов. Он поселился в Ла Руш, 2, пассаж де Данциг, бывшем винном павильоне Всемирной выставки 1889 года, переоборудованном под мастерские художников. Он работал один, предпочитая ходить в Лувр для изучения архаической греческой скульптуры, а не в Beaux-Arts, где он презирал академическое преподавание. Художник уже упрекал своих преподавателей в Киевском художественном училище, которые в итоге отчислили его. Находясь под влиянием Родена до представления своих работ в Москве в 1906 году, в возрасте 24 лет он заявил о себе как об одном из лидеров авангардной скульптуры в Париже.

В 1910 году он участвовал в Салоне независимых художников в Париже. В пятницу 21 апреля 1911 года на 27-м Салоне независимых художников работы Альбера Глейзеса, Жана Мецингера, Робера Делоне, Анри Ле Фоконье, Андре Льоте, Жозефа Ксаки и Архипенко стали предметом яростной критики, достойной той, которую вызвала выставка фове. Считающиеся «мастер-кубами», даже Гийом Аполлинер был смущен этой выставкой. Их упрекали в отклонении от кубизма, его карикатурности и даже антиакадемизме. Отсутствие Пикассо и Брака (которые выставлялись исключительно в галерее Даниэля-Генриха Канвейлера) на этой выставке вызывало сожаление.

Его первая персональная выставка состоялась в Германии в музее Фолькванг Хаген в 1912 году. В том же году он открыл художественную школу в Париже и вступил в «Секцию д»Ор», создав свои первые рельефные картины — скульптурные. В октябре 1912 года в Галерее де ла Боэти была организована первая выставка группы Section d»Or, в которой участвовали Леже, Глейзес, Метцингер, Грис, Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон, Жак Вийон, Льот, Ла Френе, Маркуссис и Архипенко. Тридцать один художник с двумя сотнями картин без присутствия Пикассо. Эта выставка носит дидактический характер: кубизм вступил в теоретическую фазу через четыре года после своего рождения. Выставка группы Section d»Or вызвала резкую критику этих революционных работ: Аполлинер защищал их в своих колонках в L»Intransigeant или в предисловиях к каталогам.

В 1913 году четыре его работы были показаны на выставке Armory Show в Нью-Йорке. Он сделал свои первые гравюры, которые были воспроизведены в итальянском футуристическом издании Lacerba в 1914 году. Он участвовал в Салоне независимых художников в 1914 году и Венецианской биеннале в 1920 году. В военные годы художник жил в Симьезе под Ниццей. С 1919 по 1921 год он ездил в Женеву, Цюрих, Париж, Лондон, Брюссель, Афины и другие европейские города, чтобы выставить свои работы. Его первая персональная выставка в США состоялась в 1921 году в Нью-Йорке в Société Anonyme. В 1923 году он уехал из Берлина в США, где в течение нескольких лет открыл несколько художественных школ в Нью-Йорке, Вудстоке, Лос-Анджелесе и Чикаго. В течение следующих тридцати лет он преподавал в Соединенных Штатах в художественных школах и университетах, даже в недолго просуществовавшем «Новом Баухаусе». В 1928 году он стал американским гражданином.

В 1933 году он выставлялся в Украинском павильоне в Чикаго в рамках Всемирной выставки «Век прогресса». С 1937 по 1939 год он был помощником преподавателя в Школе промышленного искусства «Новый Баухаус» в Чикаго. Большинство работ художника в немецких музеях были конфискованы нацистами с целью очищения от дегенеративного искусства. В 1947 году он создал скульптуры, которые освещались изнутри. Он сопровождал гастрольную выставку своих работ по Германии в 1955 и 1956 годах. Он начал писать свою книгу «Архипенко: 50 лет творчества 1908-1958», которая была опубликована в 1960 году. Книга содержит материалы пятидесяти искусствоведов и тексты Архипенко о художественном творчестве. В 1962 году он был избран членом Американской академии искусств и литературы.

Для Архипенко «трудно классифицировать творчество художника по периодам». Он добавляет: «Я никогда не принадлежал к школам: меня исключали из школ. Я проводил исследования, изобретал и экспериментировал, потом мне подражали… Для каждого художника искусство — это творческий восходящий поток к индивидуальному открытию истины в формах природы, а периоды — это лишь коробки в умах критиков.

Проблема, поднимаемая скульптурой, по Архипенко, — это объем и связь масс друг с другом. В этом он даже более экстремален, чем современные скульпторы, такие как Бранкузи или Дюшан-Вийон, которые, как и он, являются членами группы «Золотое сечение». Его главная проблема — пустота, которая обладает силой отсутствующего объекта и тем самым создает объем. Упрощение и очевидность объемов при сохранении фигуративного аспекта — вот принципы его скульптуры. Его искусство, характеризующееся большой математической строгостью, оставляет преобладающее место женскому телу. Он любит вспоминать о вездесущности каменных идолов древних славян в своем детстве.

Пикассо разработал первые правила этой скульптурной грамматики: полихромия, интеграция самых разнообразных материалов, ритмичное использование плоскостей и появление открытых форм. Как и живопись, скульптура кубистов в основном связана с отношениями между объектами и пространством, с объемами и пустотами, которые их разделяют или в которые они вставляются. Влияние итальянского футуризма, особенно через Боччони, с которым Архипенко познакомился в 1912 году, привело к формированию динамичных форм. Архипенко особенно исследовал диалектику вогнутых и выпуклых форм.

Он разработал личный стиль со стереометрически упрощенными массами тела, пространственно выпрямленными фигурами, скошенными формами, острыми углами, кристаллическими изломами из формального инвентаря кубизма, а также вдохновлялся маньеризмом.

За исключением Боччони, ни один скульптор не ставил анализ пространства, центральную проблему этого десятилетия, как абсолют. Ни один художник не продвигал взаимодействие между объемом и пустотой таким личным способом к экспрессивным и лирическим, динамичным и статным областям. Он достиг союза между формальной строгостью и игривой привлекательностью. Он объединил в одной форме четыре неуловимых элемента: пространство, прозрачность, свет и отражение, в результате чего получилась современная скульптура вогнутой формы.

Торс» (1909) — его первая скульптура с тенденциями кубизма. Она показывает, как он расчленяет объемы и перфорирует их, чтобы заставить пространство проникнуть внутрь.

В 1909 и следующем году он еще ничего не знал о кубизме и был вдохновлен сложенными скульптурами Барлаха или Кельвица (Женщина с кошкой в 1910 году или Женщина с кошкой в 1911 году). В 1911-12 годах они раскрываются, и в его раздутых бедрах и руках чувствуется влияние кубизма или, наоборот, этицизма («Женщина, идущая», 1912 год). Начиная с 1911 года, он активно участвовал в движении кубистов. Пластические проблемы, которые решала его скульптура в то время, были решительно новыми: полные объемы, отношения между пустотами и полными объемами в пустоте. Он хотел символизировать «отсутствующую реальность». В картине «Женщина на марше» (Femme qui marche) в 1912 году он впервые пощадил голову в негативе. В 1912 году он определил свою любимую тему: взаимопроникновение тела и пространства, развитие вогнутых и выпуклых кривых таким образом, чтобы скульптурная форма стала в некотором роде воспринимаемой через свою матрицу. Он разрабатывает собственную теорию взаимодополняющих форм: каждая пустота порождает свою воображаемую антитезу.

В работе «Медрано», созданной в 1912 году, он создал свой первый ассамбляж из различных окрашенных материалов (стекла, дерева и металла). В постоянном художественном поиске он разработал новые методы творчества и создал взаимодействие между живописью и скульптурой. В работе Medrano I Le Jongleur в 1912 году он использовал дерево, стекло и металлическую проволоку. Medrano — это шарнирные куклы, напоминающие деревянных арлекинов, выполненные из стекла, металлической фольги, проволоки, цилиндрических конусов и дисков, покрытых полихромной краской. Этим освобождением формы Архипенко порвал с традиционной скульптурой и утвердился в качестве одного из мастеров авангарда. Он возродил жанр, которым западная скульптура пренебрегала с XVII века, — полихромию.

Его скульптурно-живописные работы, созданные в 1912 году, представляют собой раскрашенные гипсовые рельефы. Между живописью и скульптурой он изучал взаимные отношения между формой и цветом, когда одно подчеркивает или уменьшает другое. Эти два искусства объединяются или противопоставляются на визуальном и духовном уровне, в зависимости от цели.

С 1913 по 1916 год форма доминировала над реальностью. В «Танце» в 1912 году он определил восходящее внутреннее пространство, пронизанное легкостью, через арабеску, образованную парой. Он организовал эту скульптуру вокруг пустоты. В этой работе, посвященной пустоте и полноте, он старался не завершать тела, конечности которых он останавливал, когда пластика приказывала ему это сделать, вводя пустоту в качестве заинтересованной стороны, как в «Женщине в 1915 году», голова которой нарисована вокруг щели.

В 1913 году он создал скульптуру из проволоки, которую Аполлинер назвал «en baleine de parapluie». Позже его отношение к кубизму повернется в сторону конструктивизма.

С картиной La Boxe в 1913 году художник попытался перевести жестокую энергию спорта в абстрактные формы. Боксеры превращаются в резкие фигуры, сцепляющиеся друг с другом и яростно сталкивающиеся, мышцы заменяются ритмичной энергией.

Tête constructiviste (1913) состоит из сборки плоскостей. Гондольер» (1914) состоит из слегка смещенных секций, чтобы создать ощущение движения в футуристической перспективе. В «Натюрморте» (1915) этот новатор также дает одну из своих редких рельефных картин.

Приехав в США в начале 1920-х годов, он перенял традицию: преобладает плавность, безупречность и расслабленность. В работе «Женщина» (1920) он сразу же вернулся к скульптуре, представив высокую металлическую фигуру на окрашенной панели. Он стал традиционным.

С 1924 по 1928 год он разрабатывал «Архипентуру».  Архипеинтура 1924 года — это холсты, приводимые в движение хитро спрятанными моторами: электрический механизм в основании устройства приводит в движение центральную раму, и тысячи нарисованных фрагментов последовательно появляются на поверхности, образуя законченную картину. Это изобретение было реализовано в Нью-Йорке. Его исследования всегда были направлены на визуальное оживление его работ, либо путем пробивания их в массе, чтобы пространство проникало в них, либо с помощью таких материалов, как стекло, дерево или металл, и даже для его скульптурных картин путем добавления цвета.

En Famille (1935) — это концентрированная работа, созданная под влиянием конструктивизма.

В двух измерениях также есть исключительные работы, такие как эта женская фигура в гуаши, чьи чередующиеся коричневые и белые массы создают рельеф тела (Лунный свет в 1937 году).

В 1940-х и 50-х годах он продолжил свои художественные изыскания, используя материалы и техники. Например, для фигуры Ассиза он использовал вырезанный и освещенный пластик. Свои первоначальные формы, большинство из которых исчезли, он воплотил в гигантских форматах («Фигуры из асьера» в 1951 году, «Клеопатр» в 1957 году). В 1950-х годах он понял, что на какое-то время ошибся в своей ориентации, и занялся пастишем своих начинаний или их реконструкцией, поскольку многие из его работ не пережили Первую мировую войну.

С конца 1950-х годов он вернулся к своему кубо-конструктивистскому стилю, с высоко геометрическими фигурами, сохраняющими значительные пустоты, и чаще всего симметричными (Кимоно в 1961 году или Рой Саломон в 1963 году).

Читайте также, биографии — Аристотель

Внешние ссылки

Источники

1. Alexander Archipenko
2. Архипенко, Александр Порфирьевич
3. ^ «Alexander Archipenko». Retrieved 27 July 2022.
4. ^ Donald H. Karshan, Archipenko, Content and Continuity 1908–1963, Kovlan Gallery, Chicago, 1968. p. 40.
5. ^ Halich, W. (1937) Ukrainians in the United States, Chicago ISBN 0-405-00552-0
6. ^ «Deceased Members». American Academy of Arts and Letters. Archived from the original on 26 July 2011. Retrieved July 30, 2011.
7. ^ File:Womans Head Picasso.jpg Picasso, Woman»s Head, modeled on Fernande Olivier
8. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
9. a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)
10. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)