Edward Hopper
gigatos | december 31, 2021
Sammanfattning
Edward Hopper (22 juli 1882-15 maj 1967) var en amerikansk realistisk målare och grafiker. Även om han är allmänt känd för sina oljemålningar var han lika skicklig som akvarellist och grafiker i etsning. Hans karriär gynnades på ett avgörande sätt av hans äktenskap med konstnärskollegan Josephine Nivison, som bidrog mycket till hans arbete, både som livsmodell och som kreativ partner. Hopper var en konstnär som skapade ett dämpat drama av vardagliga ämnen som ”lagrades med en poetisk innebörd” och som inbjöd till berättande tolkningar, ofta oavsiktliga. Han prisades för sin ”fullständiga sanning” i det Amerika han porträtterade.
Läs också: civilisationer – Kazaker
Tidigt liv
Hopper föddes 1882 i Nyack, New York, ett centrum för båtbyggeri vid Hudsonfloden norr om New York City. Han var ett av två barn i en välbärgad familj. Hans föräldrar, som till största delen var av holländsk härkomst, var Elizabeth Griffiths Smith och Garret Henry Hopper, en torrvaruhandlare. Även om Garrett inte var lika framgångsrik som sina förfäder, försörjde han sina två barn väl med stor hjälp av sin hustrus arv. Han gick i pension vid fyrtionio års ålder. Edward och hans enda syster Marion gick i både privata och offentliga skolor. De växte upp i ett strikt baptisthem. Hans far var av mild natur och hushållet dominerades av kvinnor: Hoppers mor, mormor, syster och tjänsteflicka.
Hans födelse- och barndomshem upptogs i National Register of Historic Places år 2000. Det drivs nu som Edward Hopper House Art Center. Det fungerar som ett ideellt kulturellt centrum med utställningar, workshops, föreläsningar, föreställningar och särskilda evenemang.
Hopper var en duktig elev i grundskolan och visade talang för teckning redan vid fem års ålder. Han tog lätt till sig sin fars intellektuella tendenser och kärlek till franska och ryska kulturer. Han visade också upp sin mors konstnärliga arv. Hoppers föräldrar uppmuntrade honom till konst och försåg honom med material, läromedel och illustrerade böcker. Hopper började signera och datera sina teckningar vid tio års ålder. De tidigaste av dessa teckningar omfattar kolskisser av geometriska former, bland annat en vas, en skål, en kopp och lådor. Den detaljerade undersökningen av ljus och skugga som fortsatte under resten av hans karriär kan redan hittas i dessa tidiga verk. I tonåren arbetade han med penna och tusch, kol, akvarell och olja – han ritade från naturen och gjorde politiska karikatyrer. År 1895 skapade han sin första signerade oljemålning, Rowboat in Rocky Cove, som han kopierade från en reproduktion i The Art Interchange, en populär tidskrift för amatörkonstnärer. Hoppers andra tidigaste oljemålningar som Old ice pond at Nyack och hans målning Ships från ca 1898 har identifierats som kopior av målningar av konstnärer som Bruce Crane och Edward Moran.
I sina tidiga självporträtt tenderade Hopper att föreställa sig själv som mager, obehärskad och hemtrevlig. Trots att han var en lång och tyst tonåring fick hans skämtsamma humor utlopp i sin konst, ibland i skildringar av invandrare eller av kvinnor som dominerar män i komiska situationer. Senare i livet avbildade han oftast kvinnor som figurer i sina målningar. I gymnasiet (han tog examen från Nyack High School 1899) drömde han om att bli sjöarkitekt, men efter examen förklarade han sin avsikt att följa en konstnärlig karriär. Hoppers föräldrar insisterade på att han skulle studera kommersiell konst för att få en pålitlig inkomstkälla. När Hopper utvecklade sin självbild och sin individualistiska livsfilosofi påverkades han av Ralph Waldo Emersons skrifter. Han sade senare: ”Jag beundrar honom mycket … jag läser honom om och om igen.”
Hopper inledde sina konststudier med en korrespondenskurs 1899. Snart gick han över till New York School of Art and Design, föregångaren till Parsons The New School for Design. Där studerade han i sex år, med lärare som William Merritt Chase, som instruerade honom i oljemålning. Tidigt tog Hopper sin stil efter Chase och de franska impressionistiska mästarna Édouard Manet och Edgar Degas. Att skissa från levande modeller visade sig vara en utmaning och en chock för den konservativt uppfostrade Hopper.
En annan av hans lärare, konstnären Robert Henri, undervisade i livskurser. Henri uppmuntrade sina elever att använda sin konst för att ”skapa en förändring i världen”. Han rådde också sina elever: ”Det är inte ämnet som räknas utan vad du känner för det” och ”Glöm konsten och måla bilder av det som intresserar dig i livet”. På detta sätt påverkade Henri Hopper, liksom framtida konstnärer George Bellows och Rockwell Kent. Han uppmuntrade dem att genomsyra sina verk med en modern anda. Vissa konstnärer i Henris krets, däribland John Sloan, blev medlemmar i ”The Eight”, även känd som Ashcan School of American Art. Hoppers första bevarade oljemålning som antyder att han använde interiörer som tema var Solitary Figure in a Theater (ca 1904). Under sina studieår målade han också dussintals nakenbilder, stillebenstudier, landskap och porträtt, inklusive självporträtt.
År 1905 fick Hopper ett deltidsjobb på en reklambyrå där han skapade omslag för facktidskrifter. Hopper började avsky illustrationer. Han var bunden till den av ekonomisk nödvändighet fram till mitten av 1920-talet. Han flydde tillfälligt genom att göra tre resor till Europa, var och en med Paris som centrum, för att till synes studera konstscenen där. I själva verket studerade han dock ensam och verkade mestadels opåverkad av de nya strömningarna inom konsten. Senare sade han att han ”inte minns att han överhuvudtaget hade hört talas om Picasso”. Han var mycket imponerad av Rembrandt, särskilt av hans Nattväktare, som han sade var ”det mest underbara av hans verk som jag har sett; det är bortom all tro på sin verklighet”.
Hopper började måla stads- och arkitektoniska scener i en mörk palett. Sedan övergick han till impressionisternas ljusare palett innan han återvände till den mörkare palett som han kände sig bekväm med. Hopper sade senare: ”Jag kom över det och senare saker som gjordes i Paris var mer av den typ av saker som jag gör nu”. Hopper tillbringade mycket av sin tid med att teckna gatu- och caféscener och att gå på teater och opera. Till skillnad från många av sina samtida som imiterade de abstrakta kubistiska experimenten, drogs Hopper till den realistiska konsten. Senare erkände han att han inte hade några andra europeiska influenser än den franske gravören Charles Meryon, vars stämningsfulla Paris-scener Hopper imiterade.
Läs också: biografier – Constantius I Chlorus
År av kamp
Efter att ha återvänt från sin sista resa i Europa hyrde Hopper en ateljé i New York City, där han kämpade för att definiera sin egen stil. Motvilligt återvände han till illustration för att försörja sig själv. Som frilansare var Hopper tvungen att be om projekt och knacka på dörrarna till tidskrifter och byråer för att hitta affärer. Hans måleri var inte längre något att göra: ”Det är svårt för mig att bestämma mig för vad jag vill måla. Ibland går jag i månader utan att hitta det. Det kommer långsamt.” Hans illustratörskollega Walter Tittle beskrev Hoppers deprimerade känsloläge i skarpare ordalag och såg sin vän ”lida … av långa perioder av obesegrad tröghet, sitta dagar i sträck framför sitt staffli i hjälplös olycklighet, oförmögen att lyfta en hand för att bryta förtrollningen”.
År 1912 (22 februari-5 mars) ingick han i utställningen The Independents, en konstnärsgrupp på initiativ av Robert Henri, men han sålde inte.
År 1912 reste Hopper till Gloucester i Massachusetts för att söka inspiration och gjorde sina första utomhusmålningar i Amerika. Han målade Squam Light, den första av många fyrmålningar som skulle komma.
På Armory Show 1913 tjänade Hopper 250 dollar när han sålde sin första målning, Sailing (1911), till den amerikanske affärsmannen Thomas F Vietor, som han hade målat över ett tidigare självporträtt. Hopper var trettioen år gammal, och även om han hoppades att hans första försäljning skulle leda till andra inom kort, skulle hans karriär inte slå igenom förrän om många år. Han fortsatte att delta i grupputställningar på mindre ställen, till exempel MacDowell Club i New York. Kort efter sin fars död samma år flyttade Hopper till lägenheten 3 Washington Square North i Greenwich Village på Manhattan, där han skulle bo resten av sitt liv.
Året därpå fick han i uppdrag att skapa filmaffischer och sköta reklam för ett filmbolag. Även om han inte gillade illustrationsarbetet var Hopper en livslång anhängare av film och teater, som han båda behandlade som motiv för sina målningar. Varje form påverkade hans kompositionsmetoder.
När han inte längre kunde ta ställning till sina oljemålningar övergick Hopper 1915 till etsning. År 1923 hade han producerat de flesta av sina cirka 70 verk i detta medium, många av stadsbilder från både Paris och New York. Han producerade också några affischer för krigsarbetet och fortsatte även med enstaka kommersiella projekt. När han kunde gjorde Hopper några oljemålningar utomhus vid besök i New England, särskilt vid konstkolonierna i Ogunquit och Monhegan Island.
I början av 1920-talet började hans etsningar att uppmärksammas av allmänheten. De uttryckte några av hans senare teman, som i Night on the El Train (par i tystnad), Evening Wind (ensam kvinna) och The Catboat (enkel sjöfartsscen). Två anmärkningsvärda oljemålningar från den här tiden var New York Interior (1921) och New York Restaurant (1922). Han målade också två av sina många ”fönstermålningar” som skulle komma att följa med: Flickan vid symaskinen och Månskensinteriör, som båda visar en figur (påklädd eller naken) vid ett fönster i en lägenhet, betraktad som en blick utåt eller från en synvinkel från utsidan som tittar in.
Även om dessa år var frustrerande, fick Hopper ett visst erkännande. År 1918 tilldelades Hopper priset från U.S. Shipping Board för sin krigsposter ”Smash the Hun”. Han deltog i tre utställningar: 1917 med Society of Independent Artists, i januari 1920 (en separatutställning på Whitney Studio Club, som var föregångare till Whitney Museum) och 1922 (återigen med Whitney Studio Club). År 1923 fick Hopper två utmärkelser för sina etsningar: Logan Prize från Chicago Society of Etchers och W. A. Bryan Prize.
Läs också: biografier – Athelstan av England
Äktenskap och genombrott
År 1923 gav Hoppers långsamma uppstigning äntligen ett genombrott. Han träffade Josephine Nivison, en konstnär och tidigare elev till Robert Henri, igen under en sommarmålningstur i Gloucester, Massachusetts. De var motsatser: hon var kort, öppen, sällskaplig, social och liberal, medan han var lång, hemlighetsfull, blyg, tyst, inåtvänd och konservativ. De gifte sig ett år senare med konstnären Guy Pene du Bois som best man. Hon anmärkte: ”Ibland är det som att släppa en sten i en brunn när man pratar med Eddie, förutom att den inte dunkar när den når botten.” Hon underordnade sin karriär under hans och delade hans tillbakadragna livsstil. Resten av deras liv kretsade kring deras extra lägenhet i staden och deras somrar i South Truro på Cape Cod. Hon skötte hans karriär och hans intervjuer, var hans främsta modell och hans livskamrat.
Med Nivisons hjälp fick sex av Hoppers akvareller från Gloucester plats i en utställning på Brooklyn Museum 1923. En av dem, The Mansard Roof, köptes av museet för 100 dollar till dess permanenta samling. Kritikerna var i allmänhet mycket förtjusta i hans verk; en av dem konstaterade: ”Vilken vitalitet, kraft och direkthet! Observera vad som kan göras med det hemtrevligaste motivet.” Hopper sålde alla sina akvareller vid en separatutställning året därpå och bestämde sig slutligen för att lägga illustrationen bakom sig.
Konstnären hade visat sin förmåga att överföra sin dragning till parisisk arkitektur till amerikansk stads- och landsbygdsarkitektur. Enligt Carol Troyen, intendent vid Boston Museum of Fine Arts, ”gillade Hopper verkligen hur dessa hus med sina torn och torn, verandor, mansardtak och ornament kastade underbara skuggor. Han sa alltid att hans favorit var att måla solljus på sidan av ett hus.”
När Hopper var fyrtioett fick han ytterligare erkännande för sitt arbete. Han fortsatte att hysa bitterhet över sin karriär och tackade senare nej till framträdanden och utmärkelser. Med sin ekonomiska stabilitet säkrad av en stadig försäljning skulle Hopper leva ett enkelt och stabilt liv och fortsätta att skapa konst i sin personliga stil i ytterligare fyra decennier.
Hans Two on the Aisle (1927) såldes för ett personligt rekordpris på 1 500 dollar, vilket gjorde det möjligt för Hopper att köpa en bil som han använde för att göra studieresor till avlägsna områden i New England. År 1929 producerade han Chop Suey och Railroad Sunset. Året därpå donerade konstmecenaten Stephen Clark House by the Railroad (1925) till Museum of Modern Art, den första oljemålning som museet förvärvade till sin samling. Hopper målade sitt sista självporträtt i olja omkring 1930. Även om Josephine poserade för många av hans målningar, satt hon bara för ett formellt oljeporträtt av sin make, Jo Painting (1936).
Hopper klarade sig bättre än många andra konstnärer under den stora depressionen. Hans status ökade kraftigt 1931 när stora museer, däribland Whitney Museum of American Art och Metropolitan Museum of Art, betalade tusentals dollar för hans verk. Han sålde 30 målningar det året, däribland 13 akvareller. Året därpå deltog han i den första Whitney Annual, och han fortsatte att ställa ut i varje årgång på museet under resten av sitt liv. År 1933 gav Museum of Modern Art Hopper sin första storskaliga retrospektiva utställning.
1930 hyrde familjen Hopper en stuga i South Truro på Cape Cod. De återvände dit varje sommar under resten av sina liv och byggde ett sommarhus där 1934. Därifrån gjorde de bilresor till andra områden när Hopper behövde leta efter nytt material att måla på. Under somrarna 1937 och 1938 tillbringade paret längre vistelser på Wagon Wheels Farm i South Royalton, Vermont, där Hopper målade en serie akvareller längs White River. Dessa scener är atypiska bland Hoppers mogna verk, eftersom de flesta är ”rena” landskap utan arkitektur eller mänskliga figurer. First Branch of the White River (1938), som nu finns på Museum of Fine Arts i Boston, är det mest kända av Hoppers landskap från Vermont.
Hopper var mycket produktiv under 1930-talet och början av 1940-talet och skapade bland annat New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) och Morning in a City (1944). Under slutet av 1940-talet drabbades han dock av en period av relativ inaktivitet. Han erkände: ”Jag önskar att jag kunde måla mer. Jag blir trött på att läsa och gå på bio”. Under de följande två decennierna vacklade hans hälsa, och han genomgick flera prostatakirurgier och andra medicinska problem. Men under 1950-talet och det tidiga 1960-talet skapade han ytterligare flera stora verk, bland annat First Row Orchestra (och Intermission 1963.
Läs också: biografier – Robert Rauschenberg
Död
Hopper dog av naturliga orsaker i sin studio nära Washington Square i New York City den 15 maj 1967. Han begravdes två dagar senare i familjegraven på Oak Hill Cemetery i Nyack, New York, hans födelseort. Hans hustru dog tio månader senare och är begravd tillsammans med honom.
Hans hustru testamenterade den gemensamma samlingen på över tre tusen verk till Whitney Museum of American Art. Andra viktiga målningar av Hopper finns på Museum of Modern Art i New York, Des Moines Art Center och Art Institute of Chicago.
Läs också: biografier – Bruce Lee
Personlighet och vision
Hopper var alltid ovillig att diskutera sig själv och sin konst och sa helt enkelt: ”Hela svaret finns där på duken.” Hopper var stoisk och fatalistisk – en tyst inåtvänd man med en mild humor och ett uppriktigt sätt. Hopper var en person som drogs till en symbolisk, anti-narrativ symbolism, som ”målade korta isolerade ögonblick av konfiguration, mättade med suggestion”. Hans tysta rum och oroliga möten ”berör oss där vi är mest sårbara” och har ”en antydan till melankoli, som är en melankoli som spelas in”. Hans färgkänsla avslöjade honom som en ren målare då han ”förvandlade puritanern till purist i sina lugna dukar där fläckar och välsignelser balanserar”. Enligt kritikern Lloyd Goodrich var han ”en utomordentligt infödd målare, som mer än någon annan fick in mer av Amerikas kvalitet i sina dukar”.
Han var konservativ i politiska och sociala frågor (Hopper hävdade till exempel att ”konstnärers liv bör skrivas av människor som står dem mycket nära”), han accepterade saker och ting som de var och uppvisade en brist på idealism. Han var kulturell och sofistikerad och var mycket påläst, och många av hans målningar visar figurer som läser. Han var i allmänhet ett gott sällskap och störde sig inte på tystnad, även om han ibland var tystlåten, grinig eller distanserad. Han var alltid seriös när det gällde sin och andras konst, och när han blev tillfrågad gav han öppet sina åsikter.
Hoppers mest systematiska förklaring av sin filosofi som konstnär gavs i en handskriven anteckning med titeln ”Statement” som han lämnade in 1953 till tidskriften Reality:
Stor konst är det yttre uttrycket för konstnärens inre liv, och detta inre liv kommer att resultera i hans personliga vision av världen. Ingen skicklig uppfinningsrikedom kan ersätta det väsentliga elementet fantasi. En av svagheterna i mycket abstrakt måleri är försöket att ersätta det mänskliga intellektets uppfinningar med en privat fantasifull uppfattning.
Även om Hopper hävdade att han inte medvetet lade in psykologiska betydelser i sina målningar var han djupt intresserad av Freud och det undermedvetnas makt. Han skrev 1939: ”Så mycket av all konst är ett uttryck för det undermedvetna att det verkar som om de flesta viktiga kvaliteterna är omedvetet placerade där och att det medvetna intellektet inte har någon större betydelse”.
Läs också: biografier – Julianus Apostata
Metoder
Även om han är mest känd för sina oljemålningar, fick Hopper först erkännande för sina akvareller och han gjorde också några kommersiellt framgångsrika etsningar. Dessutom innehåller hans anteckningsböcker högkvalitativa skisser med penna och blyerts, som aldrig var avsedda att visas för allmänheten.
Hopper lade särskild vikt vid geometrisk design och noggrann placering av människofigurer i balans med sin omgivning. Han var en långsam och metodisk konstnär; som han skrev: ”Det tar lång tid innan en idé slår igenom. Sedan måste jag tänka på den länge. Jag börjar inte måla förrän jag har allting klart för mig. Jag är helt klar när jag kommer till staffliet”. Han gjorde ofta förberedande skisser för att utarbeta sina noggrant beräknade kompositioner. Han och hans fru förde en detaljerad bok över sina verk där de antecknade saker som ”kvinnans sorgsna ansikte utan belysning”, ”elektriskt ljus från taket” och ”låren är svalare”.
För New York Movie (1939) visar Hopper sin noggranna förberedelse med mer än 53 skisser av teaterns interiör och figuren av den eftertänksamma usherette.
Den effektiva användningen av ljus och skugga för att skapa stämning är också central i Hoppers metoder. Det starka solljuset (som ett symboliskt tecken på insikt eller uppenbarelse) och de skuggor det kastar spelar också en symboliskt stark roll i Hoppers målningar som Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) och Sun in an Empty Room (1963). Hans användning av ljus- och skuggeffekter har jämförts med film noir-filmens filmfotografi.
Även om Hopper var en realistisk målare, förenklade hans ”mjuka” realism former och detaljer. Han använde mättade färger för att öka kontrasterna och skapa stämning.
Läs också: historia-sv – Slaget om Korallhavet
Ämnen och teman
Hopper hämtade sina motiv från två primära källor: dels de vanligaste dragen i det amerikanska livet, dels havs- och landsbygdslandskap. När det gäller sin stil definierade Hopper sig själv som ”en blandning av många raser” och inte som medlem av någon skola, särskilt inte ”Ashcan School”. När Hopper väl hade uppnått sin mogna stil förblev hans konst konsekvent och självständig, trots de många konsttrender som kom och gick under hans långa karriär.
Hoppers havsbilder kan delas in i tre huvudgrupper: rena landskap med klippor, hav och strandgräs, fyrar och bondgårdar samt segelbåtar. Ibland kombinerade han dessa element. De flesta av dessa målningar skildrar starkt ljus och vackert väder; han visade föga intresse för snö- eller regnscener eller för säsongens färgskiftningar. Han målade majoriteten av de rena havsbilderna under perioden mellan 1916 och 1919 på Monhegan Island. Hoppers The Long Leg (1935) är en nästan helt blå segelbild med de enklaste elementen, medan hans Ground Swell (1939) är mer komplex och skildrar en grupp ungdomar som är ute och seglar, ett tema som påminner om Winslow Homers ikoniska Breezing Up (1876).
Stadsarkitektur och stadslandskap var också viktiga motiv för Hopper. Han var fascinerad av den amerikanska stadsscenen, ”vår inhemska arkitektur med sin ohyggliga skönhet, sina fantastiska tak, pseudogotiska, franska Mansardtak, koloniala tak, blandtak eller vad det nu kan vara, med iögonfallande färger eller delikata harmonier av blekt färg, som skjuter varandra längs oändliga gator som slutar i träsk eller soptippar”.
År 1925 producerade han House by the Railroad. Detta klassiska verk skildrar en isolerad viktoriansk trävilla som delvis skyms av en upphöjd järnvägsbank. Det markerade Hoppers konstnärliga mognad. Lloyd Goodrich berömde verket som ”ett av de mest gripande och ödesdigra verken av realism”. Verket är det första i en serie av starka scener på landsbygden och i städerna där man använder skarpa linjer och stora former, med hjälp av ovanlig belysning, för att fånga den ensamma stämningen hos sina motiv. Även om kritiker och betraktare tolkar innebörd och stämning i dessa stadslandskap insisterade Hopper på att ”jag var mer intresserad av solljuset på byggnaderna och figurerna än av någon symbolik”. Som ett bevis på detta är hans sena målning Sun in an Empty Room (1963) en ren studie av solljuset.
De flesta av Hoppers figurmålningar fokuserar på människans subtila samspel med sin omgivning, vilket sker med solofigurer, par eller grupper. Hans främsta känslomässiga teman är ensamhet, ensamhet, ånger, tristess och uppgivenhet. Han uttrycker känslorna i olika miljöer, bland annat på kontoret, på offentliga platser, i lägenheter, på vägen eller på semestern. Som om han skapade stillbilder för en film eller tablåer i en pjäs placerade Hopper sina karaktärer som om de hade fångats strax före eller strax efter scenens höjdpunkt.
Hoppers ensamma figurer är mestadels kvinnor – klädda, halvklädda och nakna – som ofta läser eller tittar ut genom ett fönster eller på en arbetsplats. I början av 1920-talet målade Hopper sina första sådana bilder Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (en annan kvinna som syr) (1921) och Moonlight Interior (en naken kvinna som lägger sig i sängen) (1923). Automat (1927) och Hotel Room (1931) är dock mer representativa för hans mogna stil och betonar ensamheten mer öppet.
Som Hopper-forskaren Gail Levin skrev om Hotel Room:
De sparsamma vertikala och diagonala färgbanden och de skarpa elektriska skuggorna skapar ett kortfattat och intensivt drama i natten … Genom att kombinera ett gripande ämne med ett så kraftfullt formellt arrangemang är Hoppers komposition tillräckligt ren för att närma sig en nästan abstrakt känslighet, men ändå fylld av en poetisk betydelse för betraktaren.
Hoppers Room in New York (1932) och Cape Cod Evening (1939) är utmärkta exempel på hans ”parmålningar”. I den första bilden verkar ett ungt par alienerat och okonstlat – han läser tidningen medan hon sitter vid pianot. Betraktaren tar på sig rollen som voyeur, som om han tittar med ett teleskop genom lägenhetsfönstret för att spionera på parets brist på intimitet. I den sistnämnda målningen leker ett äldre par som inte har mycket att säga till varandra med sin hund, vars uppmärksamhet dras bort från sina herrar. Hopper tar par-temat till en mer ambitiös nivå i Excursion into Philosophy (1959). En medelålders man sitter nedstämd på sängkanten. Bredvid honom ligger en öppen bok och en delvis klädd kvinna. Ett ljussken lyser upp golvet framför honom. Jo Hopper antecknade i sin loggbok: ”Den öppna boken är Platon, omläst för sent”.
Levin tolkar målningen:
Platons filosof måste i sitt sökande efter det verkliga och sanna vända sig bort från denna förgängliga värld och betrakta de eviga formerna och idéerna. Den eftertänksamma mannen i Hoppers målning befinner sig mellan den jordiska domänens lockelse, som representeras av kvinnan, och den högre andliga domänens kallelse, som representeras av det eteriska ljusfallet. Smärtan av att tänka på detta val och dess konsekvenser, efter att ha läst Platon hela natten, är uppenbar. Han är förlamad av melankolikerns ivriga inre arbete.
I Office at Night (1940), en annan ”parmålning”, skapar Hopper ett psykologiskt pussel. Målningen visar en man som koncentrerar sig på sina arbetspapper, medan hans attraktiva kvinnliga sekreterare i närheten tar fram en mapp. Flera studier till målningen visar hur Hopper experimenterade med placeringen av de två figurerna, kanske för att öka erotiken och spänningen. Hopper ger betraktaren möjligheten att mannen antingen är verkligt ointresserad av kvinnans attraktionskraft eller att han arbetar hårt för att ignorera henne. En annan intressant aspekt av målningen är hur Hopper använder sig av tre ljuskällor, från en skrivbordslampa, genom ett fönster och indirekt ljus ovanifrån. Hopper fortsatte att göra flera ”kontorsbilder”, men inga andra med en sensuell underström.
Den mest kända av Hoppers målningar, Nighthawks (1942), är en av hans målningar av grupper. Den visar kunder som sitter vid disken på ett matställe där man äter hela natten. Formerna och diagonalerna är noggrant konstruerade. Synvinkeln är filmisk – från trottoaren, som om betraktaren närmar sig restaurangen. Restaurangens hårda elektriska ljus skiljer sig från den mörka natten utanför och förstärker stämningen och de subtila känslorna. Liksom i många målningar av Hopper är interaktionen minimal. Den avbildade restaurangen är inspirerad av en restaurang i Greenwich Village. Både Hopper och hans fru poserade för figurerna, och Jo Hopper gav målningen dess titel. Inspirationen till bilden kan ha kommit från Ernest Hemingways novell ”The Killers”, som Hopper beundrade mycket, eller från den mer filosofiska ”A Clean, Well-Lighted Place”. Stämningen i målningen har ibland tolkats som ett uttryck för krigsångest. I enlighet med titeln på sin målning sade Hopper senare att Nighthawks har mer att göra med möjligheten av rovdjur i natten än med ensamhet.
Hans näst mest kända målning efter Nighthawks är en annan stadsmålning, Early Sunday Morning (ursprungligen kallad Seventh Avenue Shops), som visar en tom gatuscen i skarpt sidoljus, med en brandpost och en frisörstolpe som mänskliga figurer. Ursprungligen hade Hopper för avsikt att placera figurer i fönstren på övervåningen, men han lämnade dem tomma för att förstärka känslan av ödslighet.
Hoppers lantliga scener från New England, som Gas (1940), är inte mindre betydelsefulla. Gas representerar ”en annan, lika ren, väl upplyst tillflyktsort … som är öppen för dem som behöver det när de går igenom natten och reser sina egna mil innan de sover”. Verket är en sammanslagning av flera Hopper-teman: den ensamma figuren, skymningens melankoli och den ensamma vägen.
Hopper närmar sig surrealismen med Rooms by the Sea (1951), där en öppen dörr ger utsikt över havet, utan någon tydlig stege eller trappa och utan någon antydan om en strand.
Efter studietiden var Hoppers nakenbilder alla kvinnor. Till skillnad från tidigare konstnärer som målade kvinnliga nakenbilder för att förhärliga den kvinnliga formen och framhäva kvinnlig erotik, är Hoppers nakenbilder ensamma kvinnor som är psykologiskt utsatta. Ett djärvt undantag är Girlie Show (1941), där en rödhårig stripteasedrottning kliver självsäkert över en scen till ackompanjemang av musikerna i scenen. Girlie Show inspirerades av Hoppers besök på en burleskshow några dagar tidigare. Hoppers fru poserade som vanligt för honom inför målningen och antecknade i sin dagbok: ”Ed börjar en ny målning – en burlesk drottning som gör en striptease – och jag poserar utan ett enda sömnband framför spisen – inget annat än höga klackar i en lotteridansposering”.
Hoppers porträtt och självporträtt var relativt få efter studietiden. Hopper gjorde dock ett beställt ”porträtt” av ett hus, The MacArthurs” Home (1939), där han noggrant beskriver den viktorianska arkitekturen i skådespelerskan Helen Hayes hem. Hon rapporterade senare: ”Jag antar att jag aldrig träffat en mer misantropisk, grinig individ i mitt liv”. Hopper grymtade under hela projektet och accepterade aldrig mer ett uppdrag. Hopper målade också Portrait of Orleans (1950), ett ”porträtt” av staden Cape Cod från dess huvudgata.
Även om Hopper var mycket intresserad av det amerikanska inbördeskriget och Mathew Bradys fotografier från slagfälten, gjorde han endast två historiska målningar. Båda föreställde soldater på väg till Gettysburg. Bland hans motiv är målningar som visar handling också sällsynta. Det bästa exemplet på en actionmålning är Bridle Path (1939), men Hoppers kamp med hästarnas rätta anatomi kan ha avskräckt honom från liknande försök.
Hoppers sista oljemålning, Two Comedians (1966), som han målade ett år före sin död, fokuserar på hans kärlek till teatern. Två franska pantomimskådespelare, en manlig och en kvinnlig, båda klädda i ljusa vita kostymer, bugar sig framför en mörklagd scen. Jo Hopper bekräftade att hennes man ville att figurerna skulle antyda att de skulle ta sin sista båge i livet tillsammans som man och hustru.
Hoppers målningar har ofta av andra uppfattats som att de har ett narrativt eller tematiskt innehåll som konstnären kanske inte hade tänkt sig. Mycket betydelse kan läggas till en målning genom dess titel, men titlarna på Hoppers målningar valdes ibland av andra, eller valdes av Hopper och hans fru på ett sätt som gör det oklart om de har någon verklig koppling till konstnärens mening. Hopper berättade till exempel en gång för en intervjuare att han var ”förtjust i Early Sunday Morning… men det var inte nödvändigtvis söndag. Det ordet sattes på senare av någon annan”.
Tendensen att läsa in tematiska eller narrativa innehåll i Hoppers målningar, som Hopper inte hade tänkt sig, gällde även hans fru. När Jo Hopper kommenterade figuren i Cape Cod Morning: ”Det är en kvinna som tittar ut för att se om vädret är tillräckligt bra för att hänga ut sin tvätt”, svarade Hopper: ”Sa jag det? Du gör den till Norman Rockwell. Från min synvinkel tittar hon bara ut genom fönstret.” Ett annat exempel på samma fenomen finns i en artikel i Time från 1948:
Hoppers Sommarkväll, ett ungt par som pratar i det skarpa ljuset från en stuga, är oundvikligen romantisk, men Hopper blev sårad av en kritikers förslag att den skulle passa som illustration i ”vilken kvinnotidning som helst”. Hopper hade målningen i bakhuvudet ”i 20 år och jag tänkte aldrig på att sätta in figurerna förrän jag faktiskt började förra sommaren”. Jag förstår varför vilken art director som helst skulle slita sönder bilden. Det var inte figurerna som intresserade mig, utan ljuset som strömmade ner och natten runt omkring.”
Läs också: biografier – Neville Chamberlain
Plats i amerikansk konst
Genom att främst fokusera på lugna ögonblick och mycket sällan visa handling använde Hopper en form av realism som en annan ledande amerikansk realist, Andrew Wyeth, hade anammat, men Hoppers teknik var helt annorlunda än Wyeths hyperdetaljerade stil. I likhet med några av sina samtida konstnärer delade Hopper sin urbana känslighet med John Sloan och George Bellows, men undvek deras öppna handling och våld. Där Joseph Stella och Georgia O”Keeffe glamoriserade stadens monumentala strukturer reducerade Hopper dem till vardagliga geometrier och han skildrade stadens puls som ödslig och farlig snarare än ”elegant eller förförisk”.
Charles Burchfield, som Hopper beundrade och som han jämfördes med, sade om Hopper: ”Han uppnår en sådan fullständig sanning att man kan läsa in alla mänskliga implikationer i hans tolkningar av hus och föreställningar om New York-livet som man vill.” Han tillskrev också Hoppers framgång till hans ”djärva individualism”. … I honom har vi återfått det robusta amerikanska oberoende som Thomas Eakins gav oss, men som för en tid var förlorat”. Hopper betraktade detta som en stor komplimang eftersom han ansåg att Eakins var den största amerikanska målaren.
Hopper-forskaren Deborah Lyons skriver: ”Våra egna ögonblick av uppenbarelse speglas ofta, transcendent, i hans verk. När vi väl har sett Hoppers tolkningar existerar de i vårt medvetande tillsammans med vår egen erfarenhet. Vi ser för alltid en viss typ av hus som ett Hopper-hus, kanske med ett mysterium som Hopper har inplanterat i vår egen vision.” Hoppers målningar lyfter fram de till synes vardagliga och typiska scenerna i vår vardag och ger dem anledning till epifani. På detta sätt tar Hoppers konst det grusiga amerikanska landskapet och ensamma bensinstationer och skapar inom dem en känsla av vacker förväntan.
Även om Hopper jämfördes med sin samtida Norman Rockwell när det gäller motivet, gillade han inte jämförelsen. Hopper ansåg sig själv vara mer subtil, mindre illustrativ och definitivt inte sentimental. Hopper avvisade också jämförelser med Grant Wood och Thomas Hart Benton och förklarade: ”Jag tycker att American Scene-målarna karikerade Amerika. Jag har alltid velat göra det själv.”
Läs också: historia-sv – Moskvariket
Inflytande
Hoppers inflytande på konstvärlden och populärkulturen är obestridligt, se § I populärkulturen för många exempel. Även om han inte hade några formella elever har många konstnärer nämnt honom som ett inflytande, däribland Willem de Kooning, Jim Dine och Mark Rothko. En illustration av Hoppers inflytande är Rothkos tidiga verk Composition I (ca 1931), som är en direkt parafras av Hoppers Chop Suey.
Hoppers filmiska kompositioner och dramatiska användning av ljus och mörker har gjort honom till en favorit bland filmskapare. Till exempel rapporteras House by the Railroad ha påverkat det ikoniska huset i Alfred Hitchcocks film Psycho. Samma målning har också nämnts som ett inflytande på hemmet i Terrence Malicks film Days of Heaven. Filmen Pennies from Heaven från 1981 innehåller en tableau vivant av Nighthawks, med huvudrollsinnehavarna på plats som matgäster. Den tyske regissören Wim Wenders nämner också Hoppers inflytande. Hans film The End of Violence från 1997 innehåller också en tableau vivant av Nighthawks, återskapad av skådespelare. Den kända surrealistiska skräckfilmsregissören Dario Argento gick så långt att han återskapade matstället och gästerna i Nighthawks som en del av en scenografi för sin film Deep Red (även kallad Profondo Rosso) från 1976. Ridley Scott har nämnt samma målning som en visuell inspiration för Blade Runner. För att fastställa belysningen av scenerna i filmen Road to Perdition från 2002 använde regissören Sam Mendes Hoppers målningar som inspirationskälla, särskilt New York Movie.
Hyllningar till Nighthawks med seriefigurer eller kända popkulturella ikoner som James Dean och Marilyn Monroe finns ofta i affischbutiker och presentbutiker. Kabel-TV-kanalen Turner Classic Movies visar ibland animerade klipp baserade på Hoppers målningar innan de sänder sina filmer. Bland de musikaliska influenserna kan nämnas singersongwritern Tom Waits” album från 1975 med titeln Nighthawks at the Diner, efter målningen. År 1993 inspirerades Madonna tillräckligt mycket av Hoppers målning Girlie Show från 1941 för att döpa sin världsturné efter den och inkorporera många av de teatrala elementen och stämningen i målningen i showen. År 2004 släppte den brittiske gitarristen John Squire (tidigare i Stone Roses) ett konceptalbum baserat på Hoppers verk med titeln Marshall”s House. Varje låt på albumet är inspirerad av, och delar sin titel med, en målning av Hopper. Den kanadensiska rockgruppen The Weakerthans släppte sitt album Reunion Tour 2007 med två låtar som är inspirerade av och namngivna efter Hoppers målningar, ”Sun in an Empty Room” och ”Night Windows”, och har också refererat till honom i låtar som ”Hospital Vespers”. Hoppers Compartment C, Car 293 inspirerade den polske kompositören Paweł Szymańskis Compartment 2, Car 7 för violin, viola, cello och vibrafon (2003), liksom Hubert-Félix Thiéfaines låt Compartiment C Voiture 293 Edward Hopper 1938 (2011). Hoppers verk har påverkat flera inspelningar av det brittiska bandet Orchestral Manoeuvres in the Dark. Early Sunday Morning var inspirationen till omslaget till Crush (1985). Samma bands singel ”Night Café” från 2013 var influerad av Nighthawks och nämner Hopper vid namn. Sju av hans målningar refereras i texten.
Inom poesin har många dikter inspirerats av Hoppers målningar, vanligtvis i form av levande beskrivningar och dramatiseringar; denna genre är känd som ekfrasis. Förutom många enskilda dikter som inspirerats av Hopper har flera poeter skrivit samlingar baserade på Hoppers målningar. Den franske poeten Claude Esteban skrev en samling prosadikter, Soleil dans une pièce vide (Sol i ett tomt rum, 1991), baserad på fyrtiosju Hopper-målningar från perioden 1921-1963, som slutar med Sol i ett tomt rum (1963), därav titeln. Dikterna dramatiserade var och en av Hoppers målningar och föreställde sig en historia bakom scenen. 1991 vann boken priset Prix France Culture. Åtta av dikterna – Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun och Roofs of Washington Square – tonsattes senare av kompositören Graciane Finzi och spelades in med uppläsning av sångerskan Natalie Dessay på hennes album Portraits of America (2016), där de kompletterades genom att man valde ut ytterligare tio Hopper-målningar, och sånger från den amerikanska sångboken som passade till dem. På samma sätt skrev den spanske poeten Ernest Farrés en samling med femtioen dikter på katalanska under namnet Edward Hopper (2006, engelsk översättning 2010 av Lawrence Venuti), och James Hoggard skrev Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). En samling av olika poeter organiserades i The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (redaktör Gail Levin). Bland enskilda dikter finns Byron Vazakas (1957) och John Stone (1985) som inspirerats av Early Sunday Morning, och Mary Leader som inspirerats av Girl at Sewing Machine.
Läs också: mytologi – Penelope
Utställningar
1980 visades utställningen Edward Hopper: Den visade även London, Düsseldorf och Amsterdam samt San Francisco och Chicago. För första gången någonsin presenterades Hoppers oljemålningar tillsammans med förberedande studier för dessa verk. Detta var början på Hoppers popularitet i Europa och hans stora världsrykte.
År 2004 turnerade ett stort urval av Hoppers målningar i Europa och besökte Museum Ludwig i Köln och Tate Modern i London. Tate-utställningen blev den näst mest populära i galleriets historia, med 420 000 besökare under de tre månader den var öppen.
År 2010 visade Fondation de l”Hermitage i Lausanne i Schweiz en utställning som omfattade Hoppers hela karriär, med verk som till stor del kom från Whitney Museum i New York. Utställningen innehöll målningar, akvareller, etsningar, teckningar, affischer samt några av de förberedande studierna till utvalda målningar. Utställningen hade tidigare visats i Milano och Rom. År 2011 höll Whitney Museum of American Art en utställning med namnet Edward Hopper and His Times.
År 2012 öppnade en utställning på Grand Palais i Paris som försökte belysa komplexiteten i hans mästerverk, vilket är en indikation på rikedomen i Hoppers konstnärskap. Utställningen var kronologiskt indelad i två huvuddelar: den första delen behandlade Hoppers formativa år (1900-1924) och jämförde hans verk med samtida konstnärer och den konst som han såg i Paris och som kan ha påverkat honom. Den andra delen behandlade hans mogna år, från de första målningarna som är symboliska för hans personliga stil, som House by the Railroad (1924), till hans sista verk.
År 2020 höll Fondation Beyeler en utställning med Hoppers konst. Utställningen fokuserade på Hoppers ”ikoniska representationer av de amerikanska landskapens och stadslandskapens oändliga vidder”. Denna aspekt har sällan nämnts i utställningar, men är ändå en viktig ingrediens för att förstå Hoppers verk.
Läs också: biografier – Biruni
Konstmarknad
Hoppers verk är sällsynta på marknaden. Konstnären var inte särskilt produktiv och målade bara 366 dukar. Under 1950-talet, när han var i 70-årsåldern, producerade han ungefär fem målningar per år. Hoppers långvariga återförsäljare Frank Rehn, som gav konstnären sin första separatutställning 1924, sålde 1957 Hotel Window (1956) till samlaren Olga Knoepke för 7 000 dollar (motsvarande 64 501 dollar år 2020). År 1999 sålde Forbes Collection den privat till skådespelaren Steve Martin för cirka 10 miljoner dollar. År 2006 sålde Martin den för 26,89 miljoner dollar på Sotheby”s New York, ett auktionsrekord för konstnären.
År 2013 bjöd Pennsylvania Academy of Fine Arts ut Hoppers East Wind Over Weehawken (1934) till försäljning i hopp om att få in 22-28 miljoner dollar, som målningen värderas till, för att inrätta en fond för att förvärva ”samtida konst” som skulle öka i värde. Det är en gatuscen i mörka, jordnära toner som skildrar huset med gavel på 1001 Boulevard East i hörnet av 49th Street i Weehawken, New Jersey, och anses vara ett av Hoppers bästa verk. Det förvärvades direkt från den handlare som hanterar konstnärens målningar 1952, femton år före målarens död, till ett mycket lågt pris. Målningen såldes för rekordhöga 36 miljoner dollar på Christie”s i New York till en anonym telefonbudgivare.
Efter konstsamlaren Barney A. Ebsworths död och efterföljande auktion av många av verken från hans samling såldes Chop Suey (1929) 2018 för 92 miljoner dollar, vilket blev det dyraste av Hoppers verk som någonsin köpts på auktion.
Förutom sitt inflytande (se § Inflytande), refereras Hopper ofta i populärkulturen.
År 1981 visades Hopper”s Silence, en dokumentärfilm av Brian O”Doherty producerad av Whitney Museum of American Art, på New York Film Festival i Alice Tully Hall.
Den österrikiska regissören Gustav Deutsch skapade 2013 filmen Shirley – Visions of Reality utifrån 13 av Edward Hoppers målningar.
Andra verk som bygger på eller inspirerats av Hoppers målningar är Tom Waits album Nighthawks at the Diner från 1975 och en serie fotografier av Gail Albert Halaban från 2012.
I boken (1985, 1998) och vandringsutställningen Hopper”s Places har Gail Levin lokaliserat och fotograferat platserna för många av Hoppers målningar. I sin recension 1985 av en relaterad utställning som Levin organiserade skrev Vivien Raynor i New York Times: ”Miss Levins slutsatser är alltid upplysande, som när hon drar slutsatsen att Hoppers tendens att förlänga strukturer var en återspegling av hans egen stora längd.”
New wave-bandet Orchestral Manoeuvres in the Dark”s album Crush från 1985 har ett konstverk som är inspirerat av flera målningar av Hopper, bland annat Early Sunday Morning, Nighthawks och Room in New York. Bandets singel ”Night Cafe” från 2013 var influerad av Nighthawks och nämner Hopper vid namn. Sju av hans målningar refereras i texten.
New York City Opera satte upp östkustpremiären av Stewart Wallaces ”Hopper”s Wife” – en kammaropera från 1997 om ett tänkt äktenskap mellan Edward Hopper och skvallerkrönikören Hedda Hopper – på Harlem Stage 2016.
Den irländska författaren Christine Dwyer Hickey publicerade 2019 en roman, The Narrow Land, där Edward och Jo Hopper är huvudpersoner.
Paul Weller tog med en låt som heter ”Hopper” på sitt album A Kind Revolution från 2017.
Källor
