Pablo Picasso

gigatos | november 28, 2021

Sammanfattning

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25 oktober 1881-Mougins, 8 april 1973) var en spansk målare och skulptör som tillsammans med Georges Braque skapade kubismen.

Sedan 1900-talets början har han betraktats som en av de största målarna som deltog i de olika konstnärliga rörelser som spreds över världen och utövade ett stort inflytande på andra stora konstnärer i sin tid. Hans verk finns i museer och samlingar i hela Europa och världen. Han arbetade också med andra genrer som teckning, gravyr, bokillustrationer, skulptur, keramik samt scenografi och kostymdesign för teaterföreställningar. Han har också en kort litterär produktion.

Politiskt förklarade sig Picasso vara pacifist och kommunist. Han var medlem av det spanska kommunistpartiet och det franska kommunistpartiet fram till sin död den 8 april 1973 vid 91 års ålder i sitt hus ”Notre-Dame-de-Vie” i den franska staden Mougins. Han är begravd i slottsparken i Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Läs också: historia-sv – Invasionen av Polen 1939

Barndom

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (enligt födelseattest) eller Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (enligt dopattest), var den första sonen till José Ruiz y Blasco och María Picasso López. Han föddes den 25 oktober 1881 i Malaga (Spanien) i en borgerlig familj. Picasso hade två systrar, Dolores (1884-1958) och Concepción (1887-1895). Hans farfars farfar, Tommaso Picasso (född 1787), kom ursprungligen från Sori i Genua i Italien och flyttade till Spanien omkring 1807.

Det är känt att hans far ville bli konstnär och undervisade i teckning vid San Telmo Royal Academy of Fine Arts. Man vet inte mycket om hans mor, men hon var tydligen en starkare personlighet än sin make och Picasso hade alltid en större respekt och ömhet för henne, vilket vissa anser kan ses i det porträtt han ritade av henne 1923. Pablo började måla tidigt; 1889, vid åtta års ålder, målade han efter en tjurfäktning och under sin fars ledning El picador amarillo (”Den gula picadoren”), som han alltid vägrade att ta avstånd från.

År 1891 tvingades familjen att lämna Malaga på grund av den bristande ekonomiska stabiliteten. José Ruiz Blasco hade börjat be om en förflyttning till La Coruña, där en lärartjänst hade skapats vid konstskolan efter att han hade avskedats som intendent för konstmuseet i Malaga 1888. Förändringen var inte alls trevlig för familjen, vilket återspeglas i det uttryck som Picasso minns från sin far i detta skede: ”Inget Malaga, ingen tjurfäktning, inga vänner, ingenting”, ”Bara för mig var flytten till Galicien en fest”. I Galicien arbetade Pablo med sina teckningar och visade en stark tilltro till sig själv och sina talanger; han var tio år gammal. Hans första verk, som var av en kraftfull och nästan våldsam realism, visade en tidig förkärlek för folkliga karaktärer. I La Coruña gjorde han sin första utställning vid 13 års ålder och publicerade karikatyrer och teckningar i de handutgivna tidskrifterna ”La Coruña”, ”Azul y Blanco” och ”Torre de Hércules”.

År 1895 var ett år med viktiga händelser i hans barndom; i januari dog hans syster Concepción och i september fick hans far en stol vid Barcelonas konstskola, där den unge Pablo antogs som elev och studerade i två år, vilket ledde till att han, kanske för att behaga sin far, målade en serie tavlor där stilens sentimentala akademiska stil var överraskande efter vitaliteten i de porträtt han hade målat i La Coruña.

Picasso var en briljant och tidig elev och klarade inträdesprovet till Ecole de la Lonja på en enda dag, vid fjorton års ålder, och fick hoppa över de två första klasserna. Enligt en av de många legenderna om konstnären ska hans far, som insåg sin sons extraordinära talang när han såg hans första verk som barn, ha gett honom penslar och palett och lovat att aldrig mer måla i sitt liv.

Till skillnad från musiken finns det inga underbarn inom måleriet. Det som människor uppfattar som ett geni i förtid är barndomens geni. Den försvinner inte gradvis när man blir äldre. Det är möjligt att ett sådant barn en dag blir en riktig målare, kanske till och med en stor målare. Men han måste börja från början. Så vad mig beträffar var jag inget geni. Mina första teckningar har aldrig visats på en utställning med barnteckningar. Jag saknade ett barns klumpighet och naivitet. Jag har gjort akademiska teckningar redan som sjuåring, med en precision som skrämmer mig.

Läs också: biografier – Avicenna

Ungdom: hans vänskap i Paris

Under sin vistelse i Paris 1912 ingick Picasso i en krets av framstående vänner i stadsdelarna Montmartre och Montparnasse, bland dem poeten André Breton, författaren Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry och Gertrude Stein. Apollinaire arresterades misstänkt för att ha stulit Mona Lisa från Louvren och för att ha ingått i ett internationellt tjuvgäng. Apollinaire skyllde på sin vän Picasso, som också blev utsatt för förhör, men båda blev senare frikända.

Läs också: biografier – Theodor Mommsen

De första målningarna

Vintern 1895 målade han sin första stora akademiska duk, Första nattvarden (Museo Picasso, Barcelona), i Barcelona, där han bodde i nio år, med undantag för några sommarsemestrar och mer eller mindre långa vistelser i Madrid och Paris. 1897 presenterade han duken Vetenskap och välgörenhet (Museo Picasso, Barcelona) på den allmänna utställningen för de sköna konsterna i Madrid. Sommartid tillbringade han återigen sina semestrar i Malaga, där han målade landskap och tjurfäktningar.

I september åkte han till Madrid för att börja studera vid akademin San Fernando, men han lämnade snart akademin: den intellektuella atmosfären i huvudstaden, som var oemottaglig för den katalanska modernismen som Picasso försökte införa (han grundade en liten tidskrift 1901, Arte Joven, som hade en ganska kortvarig existens), övertygade honom inte. Trots detta utnyttjade han sina täta besök på Pradomuseet för att bekanta sig bättre med El Grecos verk, vilket bekräftades av konstnärer och forskare i slutet av 1800-talet.

Från 1898 signerade han sina verk som ”Pablo Ruiz Picasso”, sedan som ”Pablo R. Picasso” och först från 1901 som ”Picasso”. Förändringen verkar inte innebära att Picasso förkastade fadersfiguren, utan beror snarare på Picassos önskan att framhäva sig själv som personlighet, vilket initierades av hans katalanska vänner, som började kalla honom med moderns efternamn, som var mycket mindre vanligt än faderns Ruiz.

Han återvände till Barcelona i juni 1898, sjuk i scharlakansfeber, och flyttade till Horta de Ebro (numera Horta de San Juan), hans vän Manuel Pallarés by, som ligger söder om Ebro nära staden Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). Under denna vistelse återupptäckte Picasso de ursprungliga rötterna i landet och en viss återgång till naturen, mer i linje med den modernistiska ideologin, vilket utgjorde en av de första ”primitivistiska” episoderna i hans karriär.

Efter att ha övergivit sin avsikt att bo i Madrid för att ägna sig åt att kopiera de stora mästarna var han i februari 1899 tillbaka i Barcelona, där han började besöka bryggeriet Els Quatre Gats, som var den modernistiska bohemiens flaggskepp och där han höll sin första separatutställning och blev vän med Jaime Sabartés och Carlos Casagemas. Det var i denna miljö som Picasso kom i kontakt med det anarkistiska tankesättet, som hade etablerat sig i Barcelona. Den misär som rådde i Barcelonas slumområden, de sjuka och skadade soldaterna som återvände till Spanien efter det katastrofala kubakriget, skapade en grogrund för socialt våld som utan tvekan präglade Picassos känslighet på ett individuellt och moraliskt snarare än ett rent politiskt plan, och som kan ses i vissa teckningar som gjordes mellan 1897 och 1901: Fången, En anarkist som håller på att slå sig samman och Anarkisten.

I oktober 1900 besökte han Paris tillsammans med Casagemas för att delta i världsutställningen, där ett av hans verk, Last Moments, som nu är försvunnet, visades. I Paris flyttade han in i ateljén hos Isidre Nonell, en katalansk konstnär som Picasso kände från den impressionistiskt influerade gruppen Els Quatre Gats och som speglade den katalanska sociala situationen i början av århundradet genom porträtt av marginaliserade och eländiga människor. Nonells verk, tillsammans med Toulouse-Lautrecs, påverkade Picassos stil vid denna tid, vilket kan ses i verk som La espera (Margot), Bailarina enana (Dvärgdansare) och El final del número (Slutet på numret), båda från 1901. Han träffade också sin första återförsäljare, Pere Mañach (som erbjöd honom 150 franc i månaden för alla hans verk under ett år) och kom i kontakt med galleristen Berthe Weill. Han återvände till Barcelona den 20 eller 23 december (enligt olika källor) tillsammans med Casagemas, som Picasso tog med sig för att fira årets slut i Malaga.

Läs också: biografier – Mao Zedong

Mellan Barcelona och Paris. Den blå perioden

Picassos blå period är känd som perioden 1901-1904: namnet kommer från den färg som dominerar det kromatiska spektrumet i hans målningar, och dess ursprung ligger i hans vän Carlos Casagemas självmord den 17 februari 1901, som lämnade honom full av sorg och sorg. Casagemas hade försökt mörda sin älskare Germaine, en dansare på Moulin Rouge som umgicks med den spanska konstnärskretsen, och begick självmord i Paris. Motiverad och rörd av sin väns död målade Picasso en tavla som han kallade Casagemas begravning, en allegorisk målning som började visa hans övergång till den blå perioden. Uppdelningen av målningens rum i två delar, jord och himmel, kropp och ande, påminner om El Grecos Grevens begravning av greven av Orgaz.

Andra influenser på Picassos arbete under denna period var Van Gogh och Gauguin, den förstnämnde framför allt på ett psykologiskt plan, vilket återspeglas i den känslomässiga intensiteten i målningarna från denna period, även om det också finns en förenkling av volymerna och definierade konturer som påminner om Gauguin, från vilken han också skulle hämta en universell uppfattning om sentimentalitet. Picasso uttryckte karaktärernas ensamhet genom att isolera dem i en odefinierbar miljö och genom att nästan uteslutande använda blått under en period av mer än två år, något som var praktiskt taget oöverträffat i konsthistorien. På samma sätt påminde den förlängning av figurerna som introducerades i hans verk återigen om El Grecos stil.

Picasso var en outtröttlig arbetare. I slutet av april 1901 återvände han till Barcelona, där han ställde ut Kvinnan i blått (Museo Reina Sofía, Madrid) på den allmänna konstutställningen, och i maj återvände han till Paris, där han bosatte sig på 130 Boulevard de Clichy, där Casagemas hade haft sin ateljé. Mellan juni och juli samma år hade Picasso och Iturrino en utställning på Vollards galleri i Paris. Utan pengar eller arbete träffade han i juni poeten Max Jacob, som han skulle ha en nära relation med fram till Jacobs död 1944. Poeten erinrade sig senare att han upptäckte Picassos verk och att han som konstkritiker uttryckte sin beundran för målarens talang. Kort därefter fick han en inbjudan från Mañach att presentera honom för den unge man som han representerade (de tillbringade hela dagen med att titta på Picassos enorma verk, som vid den tiden målade en eller två tavlor per kväll och sålde dem för 150 franc på Rue Laffite). Under hösten målade han De två harlekinerna (Harlekin och hans följeslagare) (Pusjkinmuseet i Moskva), Harlekin med stöd (Porträtt av Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), Porträtt av Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Malaga) och Blå självporträtt (Museu Picasso, Paris).

I slutet av januari 1902 bröt han sitt avtal med Mañach, och efter en motsvarande uppgörelse återvände han till Barcelona. Han började arbeta i Ángel Fernández de Sotos ateljé på Carrer Nou de la Rambla 6. Under våren började den blå färgen dominera hans arbete. Tillsammans med Fernández de Soto besökte han bordellerna i Barcelona, vilket återspeglades i en serie erotiska teckningar, bland annat Självporträtt med naken (en teckning i bläck och akvarell av Ángel Fernández de Soto med en kvinna) och La macarra (allegorisk komposition), som ägs av Picassomuseet i Barcelona.

I Paris arrangerade Mañach en utställning med målningar och pasteller på galleriet Berthe Weill den 1-15 april med verk av Picasso och Lemaire, och en annan i juni på samma galleri med verk av Picasso och Matisse. I Barcelona fick Picasso ett meddelande om att han skulle börja göra militärtjänst i oktober. För att slippa det var han tvungen att betala två tusen pesetas, en summa som hans farbror hade gett honom. Strax därefter återvände han till Paris tillsammans med Sébastien Junyer och visade sina blå målningar för första gången från den 15 november till den 15 december i en grupputställning som Mañach återigen organiserade i galleriet Berthe Weill.

Från detta datum härstammar ett porträtt av Germaine som Acquavella Galleries förvärvade för 18,6 miljoner dollar på en auktion hos Christie”s 2006. I december 1902 flyttade han för en tid till Max Jacobs lägenhet på 87 Boulevard Voltaire. Rummet hade bara en säng, så Picasso arbetade på natten och sov på dagen medan Jacob arbetade. Vid den här tiden kunde han inte köpa duk och var tvungen att begränsa sig till att teckna.

I januari 1903 återvände Picasso till Barcelona. På våren påbörjade han målningen Life (Cleveland Museum of Fine Arts), en av de största och mest komplexa dukarna från hans blå period, som anses vara hans viktigaste verk under dessa år, ett verk med en ovanligt oklar symbolik i hans tidiga verk och föremål för flera akademiska tolkningar, som konstnären aldrig uttalade sig om. Picasso gjorde fyra förberedande skisser för målningen och ändrade figurernas sammansättning minst två gånger; det bör noteras att den manliga figuren, som började som ett självporträtt, slutade med att vara en föreställning av hans vän Carlos Casagemas. Livet sammanfattar de flesta av den blå periodens teman och stämning: den nihilistiska pessimism som utvecklades under hans formativa år i Barcelona, som intensifierades av de materiella svårigheter som han led under den tiden. ”Barnens ensamhet, de fattigas, tiggares och blindas elände skildras ofta i målningar från den perioden: De två systrarna (Hermitage Museum, S:t Petersburg), De fattiga vid havet (National Gallery of Art, Washington D. C.), Den gamla gitarristen (The Old Guitarist, S:t Petersburg), De fattiga vid havet (National Gallery of Art, Washington D. C.), De fattiga vid havet (National Gallery of Art, S:t Petersburg), De fattiga vid havet (National Gallery of Art, S:t Petersburg), De fattiga vid havet (National Gallery of Art, S:t Petersburg), De fattiga vid havet (National Gallery of Art, Washington D. C.), Den gamla gitarristen, S:t Petersburg). C.), The Old Blind Guitarist (Art Institute of Chicago), The Ascetic (Barnes Foundation, Philadelphia) och La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Paris) hör till Picassos tidiga mästerverk.

I slutet av 1903 började Picasso tro att hans rykte skulle kunna nå ut över Spaniens gränser endast om han bosatte sig permanent i Frankrike. Han flyttade till skulptören Pablo Gargallos (1881-1934) ateljé, som då befann sig i Paris, på Carrer del Comerç 28 i Barcelona, där han avslutade La Celestina (Carlota Valdivia) och påbörjade ett nytt porträtt av Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo), som han slutförde våren 1904.

Läs också: biografier – Bruce Lee

Paris, Bateau Lavoir. Den rosa perioden

I april 1904 bosatte sig Picasso i Paris på Bateau-Lavoir i Montmartre-distriktet, i en ateljé som hans vän skulptören Paco Durrio var på väg att lämna. Där återupptog han kontakten med flera spanska konstnärer som också bodde i Bateau-Lavoir, särskilt Ricardo Canals, som lärde honom etsningstekniken i september samma år, och hans hustru, Manuel Hugué och hans hustru Totote samt Ramon Pichot och Germaine, dansösen som hans vän Casagemas hade begått självmord för. Under sommaren hade han ett förhållande med ”Madeleine”, som förekommer i flera teckningar och målningar, till exempel Akrobatens hustru (Art Institute of Chicago) och som inspirerade ämnet för Harlekins familj (1905). I augusti 1904 träffade Picasso sin första sentimentala följeslagare: Fernande Olivier (1881-1966), konstnärsmodell och vän till Ricardo Canals hustru Benedetta, som i den spanska kolonin på Bateau-Lavoir var känd som ”la belle Fernande”. Fernande, som båda var 21 år gamla, var Picassos första stora kärlek och blev hans inspirationskälla fram till 1910, även om deras förhållande inte tog definitivt slut förrän 1912.

I oktober 1904 träffade Picasso poeten André Salmon och Guillaume Apollinaire, poeten och författaren som var en föregångare till surrealismen, som han fick ett mycket nära förhållande till. Picasso blev en stamgäst på kabarén Lapin Agile (”Agile Rabbit”) och Cirque Medrano. Från och med att han bosatte sig i Montmartre började Picassos palett och teman förändras; fattigdomen och svårigheterna i livet för cirkusartister och akrobater gav hans målningar en ny lyrisk karaktär och han gick från den blå perioden till den så kallade rosa perioden. Den rosa perioden kännetecknas av pastellfärger och varma toner, med mjuka och fina linjer; med särskild tonvikt på linje och teckning snarare än på färg fortsatte han att arbeta med figurer med långsträckta proportioner som påminner om hans beundran för El Greco, som i Skådespelaren (MoMA, New York) eller i akvarellen Galningen (Museo Picasso, Barcelona), en återgång till manéristiska formler som det har påpekats att Picasso använde sig av under hela sin karriär. De teman som han behandlade var glädje och existentiell oro; liksom i den blå perioden finns det ett inslag av melankoli, men vid den här tiden dominerades det av kärlek, med många hänvisningar till djurparks- och cirkusvärlden. Han målade masker, harlekiner, tränare och clowner, och det var också den rosa mödravårdens tid. Representativa verk från denna period är Akrobat med en boll (flicka med en boll) (Pushkin Museum, Moskva), Akrobaternas familj (National Gallery of Art, Washington), Akrobat och ung harlekin (Barnes Foundation, Philadelphia) och Akrobaternas familj med en apa (Göteborgs konstmuseum, Göteborg).

Mellan den 25 februari och 6 mars 1905 ställde han ut sina första rosa dukar på Galerie Sérurier. Kritikerna talade om att hans talang hade fått en lysande förvandling; efter den blå periodens dramatik beskrev Apollinaire den rosa periodens verk i Revue immoraliste: ”Under hans akrobaternas blinkande flingor känner man verkligen medlidande med människorna, mångsidiga, listiga, sluga, fattiga och lögnare”. Som Fernande Olivier sade tycktes Picasso älska det som han inte var skapad för, det som var annorlunda än han: zigenare, tjurfäktning, skumma kabaréer, clowner och cirkusvärlden; han älskade och fördjupade sig med glädje i allt som hade en våldsam lokal färg.

På våren samma år målade han ett av sina viktigaste verk det året, Saltimbanquis familj, en tydlig utveckling mot den rosa perioden; ett karg, suddig landskap där de vältecknade, stiliserade figurerna av marionettspelarna, marginella karaktärer vars ensamma liv imponerade på Picasso, är inramade i isolering. En eftermiddag, efter att ha lämnat Cirque Médrano med Max Jacob, bestämde han sig för att modellera sitt huvud i lera, och när han arbetade med verket under de följande dagarna lade han till en hatt och klockor som en narr, i stil med cirkusfigurer. Verket hette The Madman (Harlequin”s Head) (Musée Picasso, Paris), som galleristen Ambroise Vollard lät gjuta i brons.

Under sommaren reste han till norra Nederländerna och bodde sex veckor i Schoorl på inbjudan av den nederländska författaren Tom Schilperoort. Under vistelsen målade han en naken, The Dutch Beauty (Queensland Art Gallery, South Brisbane), och The Three Dutchwomen (Musée Picasso, Paris), en personlig version av det klassiska temat med de tre gracerna. Efter en kort vistelse i Paris tillbringade han en semester i augusti med Fernande i Tiana, nordost om Barcelona. När han återvände i september flyttade Fernande in i Picassos blygsamma ateljé på Bateau-Lavoir.Det var en lycklig början på deras förhållande, och Picassos målningar och teckningar av Fernande hyllade hennes skönhet och personliga närhet. Picasso hade för vana att besöka de små gallerierna, och tillsammans med Fernande deltog han i de officiella salongernas populära vernissager.

Gertrude Stein och hennes bror Leo hade bosatt sig i Paris och ägnade sin förmögenhet åt att samla ihop en extraordinär konstsamling. Leo Stein köpte Family of Acrobats with Monkeys av konsthandlaren Clovis Sagot, genom vilken Leo och Gertrude besökte Picassos ateljé och köpte flera verk av honom för 900 franc. Picasso blev en regelbunden besökare i Gertrude Steins salong i hennes Parislägenhet; han målade ett porträtt av Leo och hans son Michael och påbörjade den första av de åttio till nittio sittningarna av det berömda porträttet av Gertrude Stein (Metropolitan Museum of Art, New York). Gertrude hade nyligen köpt Matisse”s Kvinna med hatt och bestämde sig för att de två konstnärerna skulle träffas.

1906, efter tre månaders arbete med Porträtt av Gertrude Stein, övergav han det tillfälligt och gjorde de första skisserna till Les Demoiselles d”Avignon. Han övergav temat med harlekiner för ryttare och ungdomar i natursköna landskap, i linje med Gauguin och Puvis de Chavannes, i ett sökande efter både tematisk och formell klassicism, vilket ledde Picasso till studier av antik konst; i mars upptäckte han spansk primitiv konst vid en utställning på Louvren med iberiska skulpturer som hittats i Osuna och Cerro de los Santos, inklusive Lady of Elche. Ambroise Vollards galleri förvärvade de flesta av de rosa dukarna också i mars. I maj åkte han med Fernande Olivier till Barcelona, där han presenterade henne för vänner och släktingar, och sedan under sommaren till Gósol i Lérida, där han återigen kom i kontakt med populärkulturens primitivism och målade badscener och nakenbilder med en utsökt behärskning av rött; den rödaktiga paletten i Gósol återspeglar en omsorg om volymernas modellering och en återgång till rötterna i ett arkaiskt Medelhavsområde. Detta inspirerade honom till att skapa en serie målningar med figurer som hade vissa drag av denna primitivism och som bröt med hans tidigare stil. Även om förenklingarna och volymerna är föregångare till kubismen, var detta ett stadium med en egen enhet som inte kan räknas in i någon erkänd stil. I dessa målningar kan vi observera hans egna ansiktsdrag även bland kvinnofigurerna, vilket kan ses genom att jämföra dem med självporträtten i denna serie. Denna vistelse hade en viktig inverkan på Picassos arbete, eftersom Gósol-målningarna markerade början på hans kubistiska revolution året därpå; flera år senare tog Picasso upp det som skulle ha varit den logiska utvecklingen av denna stil i sin neoklassiska period.

Läs också: biografier – Henrik VIII av England

Protokubism

I augusti 1906, när han återvände från Gósol, tog han upp porträttet av Gertrude Stein igen, arbetade från minnet (Stein var i Italien) och reducerade hennes ansikte till ett slags iberisk mask, på en gång orörlig och uttrycksfull. Picasso sade om porträttet av Gertrude Stein: ”Alla tycker att hon inte alls är som sitt porträtt, men det spelar ingen roll, i slutändan kommer hon att lyckas se ut som det. ”Picasso, som påverkades av den iberiska skulpturen och Cézannes målningar som han såg i salongerna, undersökte form och volym, vilket kan ses i självporträttet med palett (Philadelphia Museum of Art), en målning med en nästan vild arkaism som också föregriper de influenser som Picasso samlat på sig sedan 1905.

På Salon d”Automne 1906 visades en retrospektiv utställning om Gauguin, som gjorde ett djupt intryck på Picasso och som påverkade hans arbete i hög grad; på salongen visades också tio verk av Cézanne, som dog ungefär samtidigt. På vintern målade Picasso Två nakna kvinnor (figurernas monumentalitet och den självständiga användningen av ljus och skugga påminner om Cézannes De stora badarna). Mot slutet av året slutade han att måla och inledde en serie studier och skisser av nakenbilder för en komposition med flera figurer på temat bordell, som skulle kulminera 1907 med den revolution som representeras av Les Demoiselles d”Avignon.

Den första reaktionen från Picassos omgivning på de tidigare studierna av de unga damerna var i allmänhet negativ: hans vänner förstod inte riktigt den nya stilen. I en anteckningsbok beskrev Apollinaire det som ett ”underbart språk som ingen litteratur kan uttrycka, eftersom våra ord redan har skapats”. Under våren 1907 träffade Picasso genom Apollinaire Georges Braque, som efter att ha besökt hans ateljé uttryckte en viss upprördhet för storskaligt måleri.

I mitten av maj målade han Självporträtt (Národni Galerie, Prag): linjen blir ett dominerande strukturellt element som markerar dragen och till och med avgränsar de andra delarna av bilden, som nästan alla är fulla av färg och mycket få är modellerade. Han lämnade till och med delar av duken omålade. I slutet av maj påbörjade han den sista målningen av De unga damerna i Avignon, och de manliga figurerna försvann: en av dem, en sjöman, togs bort, och en student till vänster ersattes av en naken kvinna som höll i en gardin.

Uppmuntrad av André Derain besökte Picasso 1907 etnografiska museet i Trocadero-palatset i Paris. Detta var hans första kontakt med ett stort antal afrikanska och oceaniska verk, som både Derain och Matisse länge hade samlat på, men som Picasso hittills inte hade ägnat någon större uppmärksamhet åt. Upptäckten av den icke-västerländska konsten gav Les Demoiselles d”Avignon en ny impuls och utövade också ett betydande inflytande på hans skulpturala arbete. Picasso ändrade sedan ansiktena på några av damerna, de två mest ”kubistiska” av de fem, som liknar afrikanska masker, medan de två centrala är mer besläktade med stilen hos medeltida fresker och tidiga iberiska skulpturer; ansiktet på figuren till vänster har också en profil som påminner om egyptiska målningar. Denna protokubistiska period, som sträcker sig från 1907 till 1909, är också känd som Picassos afrikanska period, svarta period eller mörka period; hans stil var starkt influerad av afrikansk skulptur, men konstnären hade alltid den motsatta avsikten.

Les Demoiselles d”Avignon (MoMA, New York) var en ny början för Picasso, som eliminerade hänvisningar till traditionen genom att bryta med realismen, överge de rumsliga djup- och perspektivkanonerna och det hittillsvarande idealet av kvinnokroppen, och reducera verket till en uppsättning vinkelräta plan, utan avgränsad bakgrund eller rumsligt perspektiv, där formerna markeras av ljus-mörka-linjer. De ockrafärgade och rödaktiga tonerna är karakteristiska för hans mildare rosa period, men målningens råhet gör dem aggressiva.

Målningen kan också ha påverkats av El Grecos långsträckta figurer, i synnerhet av hans Vision of the Apocalypse, som Picasso möjligen såg den sommaren i Paris; strukturen och kompositionen härstammar från Cézannes De stora badarna; Cézannes målning gör föremålen verkligt närvarande, med särskild betoning på volymerna och deras tyngd, utan impressionismens atmosfäriska palpitation. Enligt Fermigier, 1969, s. 69, var det hans retrospektiv på 1907 års Salon d”Automne som avgjorde Picassos senare utveckling. Även Braque, inspirerad av Cézanne, började en serie landskap som visar hans övergång från fauvismen till den protokubistiska perioden.

Förhållandet med Fernande hamnade i kris och de beslöt att separera på sensommaren 1907, även om de försonades i slutet av november. I deras frånvaro hade Max Jacob och Apollinaire övertalat Picasso att röka opium; Picasso svävade mellan visionernas välsignelser och rädslan för att ge efter för apati och trötthet inför arbetet. Picassos palett var fylld av ljusa ”afrikanska” färger: Han målade naken kvinna (Avignon-dansaren) (privat samling, Lausanne), en epilog till De unga damerna i Avignon där element som bygger på iberisk och afrikansk konst når en ny grad av geometrisk förenkling; i samma stil, slöjdddans (naken med draperi) (Hermitage Museum, St Petersburg), påbörjad på sommaren och köpt av Gertrude Stein tillsammans med förberedande skisser för den; samt Blommor på ett bord (MoMA, New York). I senare verk blev köttfärgerna ockra och bruna, och Picasso konfronterades genast med många experiment med brytningar i sina målningar: övergivandet av perspektivet, erövringen av rummet genom att fragmentera planen med hjälp av platta toner med tjocka, definierade konturer, sökandet efter relief genom överdrivna blå konturer på en brun bakgrund och tjocka skuggor, bland annat Vänskap (Eremitagemuseet i S:t Petersburg) och Naken med handduk (privatsamling, Paris). Picassos ateljé blev ett centrum för diskussioner och debatter, inte bara om hans verk. Braque tog med sig sina egna verk dit, Matisse och Picasso bytte tavlor: Picassos stilleben Kanna, skål och citron (Fondation Beyeler, Riehen, Basel) mot Matisses porträtt av hans dotter Marguerite. Picassos och Matisses förhållande varierade från konkurrens till hån till intensiv ömsesidig beundran; Matisse sa att ingen hade tittat på hans verk som Picasso, och ingen hade tittat på Picassos verk som han hade gjort.

Läs också: biografier – Robert Rauschenberg

Kubism

Med Les Demoiselles d”Avignon som utgångspunkt formulerade Braque och Picasso 1908 kubismen. Kubismen var en radikal vändpunkt i konsthistorien som inspirerade resten av det konstnärliga avantgardet att överge bildillusionismen och avvisa naturalistiska beskrivningar till förmån för kompositioner av former som abstraherats från den konventionella uppfattningen och som lekte med tredimensionalitet och ytstrukturer. Denna teknik, som inleddes av Picasso och Braque, hade många efterföljare, som Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay och Albert Gleizes.

I januari 1908 öppnade Matisse sin skola, Academie Matisse. Derain och Braque var å andra sidan Picassos anhängare, vilket, tillsammans med deras växande vänskap med Gertrude Stein, irriterade Matisse. På Salon des Indépendants i maj samma år presenterade Derain och Braque målningar som var inspirerade av Picassos nya stil, vilket väckte stor uppståndelse bland kritikerna. Picasso var upprörd över att den första utställningen av kubistisk konst hölls utan att erkänna dess roll som inspirationskälla, särskilt Woman (1908), en mycket ny naken av Braque, som han inte hade diskuterat med någon, inte ens med Picasso. När salongen stängde gick Braque till L”Estaque fram till september. I Picassos verk gav de afrikanska elementen gradvis vika för effekter av Cézannes inflytande, vilket kanske hänger samman med den cezannistiska reduktivismen i Braques landskap.

Hans vän, den tyske målaren Wieghels, begick självmord på Bateau-Lavoir efter en kväll med överdriven konsumtion av olika droger; denna tragedi övertygade Picasso och Fernande om att ge upp opium; kompositionen Komposition med en död mans huvud (Eremitagemuseet, S:t Petersburg), som färdigställdes sent på våren, kan vara ett minne av Wieghels” död.

Under sommaren skapade Braque en serie kubistiska landskap i L”Estaque, där han snarare än en inspiration betraktar brytningen med Cézannes mekaniserade perspektiv som en initiering. Picasso hyrde en bondgård i Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, 60 kilometer norr om Paris; Fernande nämnde att Picasso med denna reträtt försökte övervinna den nervösa oro som Wieghels död hade orsakat honom. Båda konstnärerna började skildra en känsla av lättnad genom godtycklig tillämpning av ljus och skugga på bekostnad av naturalistiska skuggor; formerna förenklades till det yttersta, med en större och djupare skulpturalitet i Picassos målningar, vars palett begränsades till en rad bruna, grå och gröna färger. Picassos landskap är influerade av Henri Rousseau (1844-1910) och en tidig Cezanne.

När Braque skickade in sina landskap till Salon d”Automne i september förkastade juryn, där Matisse ingick, verken. Enligt Apollinaire var Matisse den förste som använde begreppen ”kubist” och ”kubism” när han förkastade Braques verk som skickades in till salongen. Denna berättelse har sedan 1912 betraktats som rörelsens officiella ursprung. Josep Palau i Fabre påpekar att hösten 1908 var början på vad han kallar Picassos gröna period: de stilleben som han målade vid den tiden uppvisar en formell stilisering som möjligen beror på tillämpningen av de cezanesiska postulaten, enligt vilka formerna skulle reduceras till koner, cylindrar och sfärer. Denna geometriska schematisering innebär inte att de avbildade föremålen förlorar sin kroppslighet och kan därför beskrivas som platt relief. Under sommaren och oktober slutförde han den slutliga versionen av Tre kvinnor (Eremitagemuseet, Sankt Petersburg), där de afrikanska influenserna från de tidiga studierna av målningen har spätts ut i den nya stilen från den gröna perioden.

Efter utställningen av Braques verk i Daniel-Henry Kahnweilers galleri, som mottogs bättre av kritikerna än hans verk på Salon des Indépendants, anordnade Picasso en bankett på Bateau-Lavoir för att hedra Rousseau och fira det faktum att han just hade köpt ett verk av målaren, Porträtt av en kvinna, för fem franc från Père Souliers antikvariat. Under den vintern ökade utbytet av idéer mellan Braque och Picasso till en daglig nivå, samtidigt som deras vänskap stärktes. Fruktstilleben, ett emblematiskt motiv hos Cézanne, var ett av de teman som de två målarna delade vid den här tiden: Le compotier (Fruit Dish) (MoMA, New York), Still Life with Fish and Bottles (Musée d”Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d”Ascq). Under vintern arbetade han också med Carnival at the Bistrot (Musée Picasso, Paris), som i början av 1909 utkristalliserades i Bread and Fruit Bowl with Fruit on a Table (Musée d”Art Basel).

Picasso började uppskattas av samlare; en vän till Steins, som just hade köpt hans Tre kvinnor, schweizaren Hermann Rupf köpte flera av hans verk, och Dutilleul (som också var kund till Braque) började sin samling. I mars 1909 publicerades en artikel av Charles Morice i Mercure de France där begreppet kubism för första gången förekom i tryck. I maj åkte Picasso och Fernande till Barcelona för att besöka familj och gamla vänner; han målade ett porträtt av Manuel Pallarés (Detroit Institute of Arts) i sin väns ateljé. De flyttade sedan till Horta de San Juan, elva år efter det första besöket, där han målade och ritade stilleben och många porträtt av Fernande, bland annat Nakna kvinnan i en fåtölj (privat samling, Frankrike) och Bust of a Woman (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). Den porträttserie av Fernande som påbörjades i Paris kulminerade i Woman with Pears (Fernande) (MoMA, New York). Han skapade också sex stora landskap, bland annat Reservoaren (Horta de Ebro) (MoMA, New York), Hortafabriken (Hermitagemuseet, S:t Petersburg) och Husen på kullen (Horta de Ebro) (Nya nationalgalleriet, Berlin). Dessa var början på den analytiska kubismen, som hade sin grund i Cézannes begrepp om relief, ”omvänt perspektiv” och modellering.

I de verk som han målade i Horta var träd och naturliga former borttagna, och den ytligt sett amorfa klippan analyserades och bröts upp i plan för att sedan rekonstrueras genom att lägga över varandra. I vissa fall sträckte sig geometriseringen till himlen, och helheten erbjöd en rigorös komposition med ett djup som inte avundades det traditionella perspektivet. Användningen av ljuset var helt godtycklig, enbart för att framhäva konturer och skärpa reliefer. Den analytiska kubismen var dock fortfarande en revidering snarare än ett förkastande av traditionen; målningen förblev ett illusoriskt fönster till en representerad, rekonstruerad värld. Den syntetiska kubismen var ett förnekande av den europeiska traditionen, collage bröt bildytans okränkbarhet och representation av verkligheten upphörde att vara bildens mål och blev dess utgångspunkt.

I september flyttade han till Paris, till 11 boulevard de Clichy. Han återvände med en mängd verk i den nya stilen och trots att allmänheten och kritikerna förkastade den utställning som Vollard ordnade för dem, fortsatte en utvald grupp samlare med Gertrude Stein och Sergei Shchukin i spetsen att köpa dem. I sin nya ateljé fortsatte han att utveckla kubismen, som han vid denna tid inte bara delade med Braque utan också med en grupp Montmartrekonstnärer som var starkt påverkade av den nya stilen, däribland Derain, spanjoren Juan Gris och Léger. Kubismen spreds i Europa, med konstruktivisten och suprematismen Malevitj i Ryssland och Mondrian i Nederländerna, även om båda hade stora skillnader med Picassos stil: Enligt Penrose ledde deras strävan efter en ren formgeometri dem bort från bildsubjektet och mot abstraktion, något som inte ingick i Picassos instinkter, för vilken det var en form av avtrubbning att ta bort symboler och poetiska anspelningar från måleriet. Den inspirerade också futuristerna med Marinetti i spetsen i Italien och vorticisterna i England, som baserade sin estetiska teori på form och mekanisk rörelse och rytm och försökte införa tid i bildframställningen. Men Picasso strävade inte efter att utveckla teorier eller skolor; hans behov var att bryta med det förflutna och att ge konstverket sitt eget inre liv.

I Manuel Hugués ateljé gjorde han skulpturer som Head of a Woman (Fernande) (Picassomuseet i Barcelona), inspirerad av de dukar han målade i Horta. Fernande kände sig inte bekväm med de förändringar som skedde i deras miljö och livsstil, hon längtade tillbaka till spontaniteten från deras första tid tillsammans.

Redan 1909 målade Picasso en serie porträtt där disciplinens stränghet i sökandet efter en ny uppfattning om rummet ledde till att han gradvis minskade användningen av färg; i Horta-landskapen och i Woman Sewing (Claire B. Zeisler Collection, Chicago), som målades under vintern 1909-1910, begränsades paletten till ockra, grått och grönt, tills han eliminerade denna färg och övergick till en monokrom som ibland bröts av subtila graderingar av grått och ockra. År 1910 målade han bland annat porträtt av Ambroise Vollard (Pushkin Museum, Moskva), Wilhelm Uhde (Pulitzer Collection, St Louis) och Daniel-Henry Kaufmann (St Louis). Trots sin progressiva tendens att måla med tankens öga snarare än direkt från naturen, arbetade han i många sessioner med modellerna, precis som Gertrude Stein före honom; trots den progressiva processen av analytisk segmentering av rum och form, fångade Picasso porträttmännens fysionomi.

Picasso och Fernande tillbringade sommaren 1910 i Cadaqués (de hyrde ett hus vid havet och fick sällskap av Derain och hans fru). Efter semestern återvände Picasso med oavslutade verk där ett framsteg mot kubismens nya språk var uppenbart; i porträttet av Daniel-Henry Kahnweiler, som han målade efter semestern, behandlas figuren som en tredimensionell struktur som visar sig i element som är förskjutna i rummet i en transparent väv, som kan ses från flera olika vinklar och som ändå bildar en sammanhängande helhet, vilket också är fallet i målningar som Stående naken kvinna (Philadelphia Museum of Art).

Under vintern 1910-1911 samarbetade Picasso och Braque så nära att det är svårt att spåra ursprunget till de idéer som de båda satte igång, och eftersom de inte signerade sina målningar var det ibland svårt att skilja sitt eget verk från den andres; allteftersom de avancerade i sin analys av föremålet kände Picasso och Braque att de förlorade referenserna till dess igenkännbara verklighet. Införandet av verklighetselement i deras kubistiska kompositioner ledde senare till trompe l”œil, och därifrån till uppfinningen av collage, vilket innebar att de bröt med traditionen att endast använda ett medium för ett verk och ifrågasatte principerna för själva måleriet.

Picasso reste till Céret, en fransk by i den historiska regionen Roussillon, i juli 1911. Fernande Olivier och Braque anslöt sig till honom i augusti, och de två målarna fortsatte sitt nära samarbete för att definiera kubismen. De skapade flera målningar där de införde den lokala tidningens rubrik i sina verk, med en igenkännbar gotisk typografi, till exempel The Fan (”L”Indépendant”) (privat samling, Ascona, Schweiz). Den 5 september återvände Picasso till Paris och på 1911 års Salon d”Automne presenterade han ett kubistiskt rum, där både han och Braque var frånvarande. Detta faktum chockade pressen i New York, Madrid och Amsterdam som bevakade evenemanget, eftersom de var kända för att vara stilens grundare; flera artiklar och essäer om Picasso och Braque publicerades över hela Europa. Förhållandet med Fernande hade försämrats, och på hösten samma år träffade Picasso Eva Gouel (Marcelle Humbert), den polske målaren Louis Markus” sentimentala partner, som han kallade ma jolie (min skönhet) i flera av sina målningar.

I början av 1912 tillverkade Picasso den första konstruerade skulpturen, Guitar (MoMA, New York), gjord av kartong, snöre och tråd. Picasso inledde i hög grad en process som ledde till att skulpturen frigjordes från klassiska begrepp som volym och att modellerings- eller snideriprocesser ersattes med alla typer av konstruktiva tekniker, vilket innebar en revolutionerande förändring inom skulpturen. Parallellt med den kubistiska collagetekniken, vars första exempel är Stilleben med flätad stol (Musée Picasso, Paris), som skapades våren 1912, reducerades formerna till plan som kunde artikuleras fritt. Begreppen sammansättning och konstruktion gjorde det möjligt att införa nya tekniker och material; volymens nedbrytning medförde nya perspektiv, uppskattning av tomhet och ljus som skulpturala element av lika stor betydelse som massan.

Mellan 1912 och 1915 utvecklade Picasso och Braque kubismens andra fas, där de i sina verk återgav en motsvarighet till de traditionella begrepp som de hade brutit med eller eliminerat i den föregående fasen; former, föremål och ord blev igenkännbara samtidigt som ytan återskapades; de återvände till en solidare och mer lysande kromatik, planerna var tydligt avgränsade och avgränsade, de överlappade varandra och tycktes omfatta texturerade ytor och dekorativa mönster.

Mellan april och maj 1912 hölls en kubistisk utställning på Galeria Dalmau i Barcelona utan verk av Picasso eller Braque. Förhållandet med Fernande tog slut och Picasso skrev till Braque: ”Fernande har lämnat mig för en futurist”. Den 18 maj anlände han till Céret med Eva, där han gjorde några teckningar som han använde 1800-talstapeter och dagboksrester på. När Picasso i juni får veta att Fernande planerar att åka till Céret i sommar med Pitxot och hans fru skriver han till Kahnweiler för att säga att han inte ska förvänta sig något av honom, att han skulle vara lycklig om han aldrig såg henne igen, samtidigt som han bekräftar sin kärlek till Eva och anger att han kommer att skriva in den i sina målningar. Det är troligt att han mellan juni och september arbetade med Kvinnlig naken (”J”aime Eva”) (ett ljusare, mer färgstarkt verk, med inslag av syrliga färger, där konstruktionen av kvinnofiguren härrör från den collageteknik som han använde i sina teckningar). För att undkomma Fernandes besök flyttade han den 25 juni till Villa des Clochettes i Sorgues-sur-L”ouvèze. Braque var imponerad av Cérets målningar och Picasso bad honom om hans åsikt om Violin (”Jolie Eva”) (New Stuttgart State Gallery), där han målade ytor som efterliknar tillägg av trä och skrivna papper, eller om Amatör (Le torero) (Basel Art Museum). Braque flyttade till Sorgues i augusti, där de återupptog sitt arbete och fortsatte att skissera på sina konstnärliga koncept.

I september 1912 besökte han Paris under ett par veckor för att organisera sin flytt till en ny ateljé på 242 boulevard Raspail, men återvände till Sorgues där han arbetade med Amatören (Le Torero) och Poeten (Basel Museum of Art). Den hermetiska kubismen kännetecknas av att formerna blir hårdare och plattare, vilket markerar början på övergången till den syntetiska kubismen. I slutet av september återvänder han till Paris med Eva för att hämta sina saker och flytta in i den nya studion, där de flyttar in den första oktober. I mitten av november påbörjar han den första serien av papiers collés, som svar på Braques arbete i detta medium, och tillämpar tekniken för montering och inkorporering av material i Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas): på en bakgrund av målat papper klistrar Picasso in pappersfragment, bland annat en rubrik från Le Journal, på vilken han har bevarat orden La bataille s”est engagé (Striden har börjat).

I mitten av december återvände han till Céret, varifrån han reste till Barcelona med Eva under julhelgen. Han återvände till Paris den 21 januari 1913 och började arbeta på Violin Hanging on the Wall (Musée des Beaux-Arts, Bern), där han införde användningen av sand i färgen och, i en dubbel imitation, simulerar collageeffekten med hjälp av plan som påminner om de pappersutklipp (som i sin tur imiterar en trästruktur) som Braque och Picasso använde i sina collage, Samtidigt producerade han en andra serie papiers collés där han använde samtida tidningar från Paris (i flera av dem använde han Le Figaro) eller från Céret, där man kan se en ökad abstraktion och mer färg.

I slutet av februari hölls den första Picasso-retrospektivutställningen i Tyskland, på Moderne Galerie Heinrich Thannhauser i München; åtta verk av Picasso och tre av Braque ingick också i den internationella utställningen av modern konst (Armory Show) i New York, i 69th Regiment Armory, som senare vandrade vidare till Chicago och Boston, en av de mest inflytelserika händelserna i den amerikanska konsthistorien, som också innehöll Marcel Duchamps berömda Nude Descending a Staircase.

Picasso och Eva återvände till Céret i mars 1913, även om han reste till Barcelona vid flera tillfällen. Hans far dog i början av maj och Picasso deltog i begravningen. Evas hälsa var inte heller bra och försämrades sent på våren. I juni återvände Picasso till Paris och blev samtidigt sjuk i angina eller bronkit (som han återhämtade sig från i slutet av juli), liksom Eva, som tydligen aldrig blev helt frisk. I augusti återvände de till Céret, där han färdigställde Man with a Guitar (MoMA, New York), som visar den utvecklade syntetiska kubismen: fragmenterade motiv från den analytiska kubismen syntetiserade till stora, platta former som är ”tecken” på föremål. Efter en kortare vistelse återvände de till Paris den 19 augusti, där de började flytta till en ny ateljé på 5bis rue Schoelcher, på boulevard Raspail, med utsikt över kyrkogården i Montparnasse. Detta var början på den period som kallas poetisk kubism.

Vid tiden för Salon d”Automne målade Picasso två stora verk av särskild betydelse: Kortspelaren (MoMA, New York), som innehåller många element av trompe l”oeil-collage, och Kvinna i skjorta som sitter i en fåtölj (privat samling, New York), som kombinerar den analytiska kubismens färg och den syntetiska kubismens schematiska mönster. Han fortsatte också att utveckla sina assembleringar; i slutet av året besökte ryssen Vladimir Tatlin, som kände till hans verk från Shchukin-samlingen i Moskva, Paris för att besöka Picasso och hans ateljé, där han såg Picassos konstruktioner. När han återvände till Moskva gjorde Tatlin sina första konstruktioner.

År 1914 producerade Picasso en tredje serie papiers collés. Den 14 januari publicerade Kahnweiler Max Jacobs Belägringen av Jerusalem, illustrerad av Picasso. Han arbetade också med sina konstruktioner, bland annat The Glass of Absinthe (MoMA, New York), som hans återförsäljare Kahnweiler beställde sex exemplar av i brons, målade på olika sätt, vissa med mycket färg, andra med sandig textur.

I slutet av juni flyttade Picasso och Eva till Avignon, nära Derain som bodde i Montfavet och Braque i Sorgues. Attacken i Sarajevo där ärkehertig Franz Ferdinand av Österrike och hans fru mördades utlöste första världskriget. Apollinaire ansökte om franskt medborgarskap för att kunna ta värvning som frivillig; Braque och Derain mobiliserades; Picasso tog farväl av dem på stationen i Avignon den 2 augusti 1914. På hösten, fortfarande i Avignon, inledde kort, glas och romflaska (Vive la France) (Leigh B. Bloch Collection, Chicago) den pointillistiska kubismens period. Han arbetade med serier av teckningar av män som lutar sig mot en balustrad, ett bord eller en stol, i stilar som sträcker sig från naturalism till kubism; den oavslutade duken Konstnären och hans modell (Musée Picasso, Paris), förmodligen Eva, visar en tendens att återgå till den representativa figuration som senare skulle komma att dyka upp igen.

När han återvände till Paris i mitten av november fick hans något ambivalenta inställning till kriget och hans förhållande till sina tyska mecenater Kahnweiler och Thannhauser, tillsammans med det faktum att de flesta av de unga männen var vid fronten, Picasso att betraktas med misstänksamhet. På vintern målade han oljemålningen Still life: Guitar, Newspaper, Glass and Ace of Clover (Musée Picasso, Paris), som inledde den period som kallas kall kubism, där kompositionen arbetades i kalla färger med en övervägande blå färg.

I januari 1915 gjorde han blyertsteckningen Porträtt av Max Jacob (Musée Picasso, Paris) i naturalistisk stil. Evas hälsa fortsatte att försämras och hon genomgick en operation. I maj, medan hon var på sanatorium, hade Picasso en affär med Gabrielle Depeyre, med vilken han gjorde en hemlig resa till Saint-Tropez samma år. I augusti gjorde han en annan teckning, Porträtt av Ambroise Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), med en klassisk teknik och en nästan fotografisk likhet. Teckningar av denna typ var fortfarande samtida med kubistiska målningar, som Harlekin (MoMA, New York), en stram komposition av stora monokroma geometriska ytor på en svart bakgrund, som ingår i en lång serie på samma tema och som kan förstås som en allegori över förlust, särskilt Evas dödliga sjukdom, som i november överfördes till Auteils sjukhus. Picasso hade det mycket svårt, ”mitt liv är ett helvete”, skrev han till Gertude Stein. Eva dog den 14 december 1915.

Under kriget fokuserade han på kubistiska stilleben och porträtt i naturalistisk stil; kubism, pointillism, manierism och nyklassicism samsades i hans verk från 1917 och framåt. Efter kriget fortsatte han att arbeta samtidigt i dessa olika stilar, men efterhand tenderade Picasso att gå mot en nyklassisk stil, som utvecklades fullt ut 1920 och som han fortsatte att arbeta med fram till 1924.

Läs också: biografier – Oliver Heaviside

Balletterna Russerna

År 1916 hade han ett förhållande med två kvinnor: Gabrielle Lespinasse, en showgirl från Montparnasse som han hade en affär med utan att det fick några konsekvenser, och Elvira Paladini, sensuell och sybaritisk, vars närvaro gav Picasso en viss föraning om Italien i hans verk. I mars återvände Apollinaire skadad från fronten och Picasso gjorde flera teckningar som porträtterade honom under de följande tre månaderna, till exempel Porträtt av Apollinaire (privat samling), som också har en realistisk stil. I juni började han flytta till 22 rue Victor-Hugo i Montrouge-kvarteret. Han målade flera porträtt av Elvira Paladini och Apollinaire i realistisk stil och flera teckningar av harlekiner som påminner om den rosa perioden. Den första offentliga utställningen av Les Demoiselles d”Avignon hölls i juli på Salon d”Automne, organiserad av André Salmon. Precis som i fallet med kubismen var kritikerna ganska hårda mot ett verk som de inte kunde förstå.

Efter ett par tidigare besök bjöd Jean Cocteau, som han hade träffat i december året innan, in honom den 1 maj för att skapa scenografin för Ballets Russes kompani, under ledning av Sergéi Diágilev, med ett libretto av Cocteau själv och musik av Erik Satie; under besöket skulle han göra ett realistiskt porträtt av författaren. I slutet av maj tog Cocteau med Diágilev till sin ateljé där de diskuterade planerna för baletten Parade. I augusti 1916 gick han äntligen med på att arbeta med baletten Parade. Picasso gjorde flera ändringar i verket, idéer som Satie tyckte bättre om än Cocteau. I september kom de slutligen överens, och i januari 1917 bekräftade han avtalet med Diágilev om att göra scenografin och kostymerna till baletten för 5 000 franc, med ett tillägg på 1 000 franc om han var tvungen att åka till Rom. Mellan februari och mars arbetade han med gardinen till baletten Parade (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris).

Den 19 februari anlände han tillsammans med Cocteau till Rom för att ansluta sig till Diagilev och Ballets Russes. Han stannade åtta veckor på Grand Hôtel de Russie i hörnet av Via del Babuino och Piazza del Popolo, där han gjorde många teckningar av Villa Medici från sitt fönster. Han gjorde många skisser till balettens kostymer och dekorationer i en hyrd ateljé på 53b Via Margutta. När han inte arbetade umgicks han med Diagilev, pjäsens koreograf Léonide Massine, scenografen Léon Bakst, Cocteau och Igor Stravinsky, som han gjorde snabba porträtt och karikatyrer av. Han träffade också de italienska futuristiska konstnärerna och besökte tillsammans med dem stadens berömda platser, Sixtinska kapellet, Rafaelrummen och Vatikanens skulpturmuseer. Under vistelsen i Rom förnyade han sitt intresse för Ingres akademiska stil, vars inflytande skulle återspeglas i hans verk under de följande åren. Under denna period träffade han dansaren Olga Jojlova, medlem av Diagilevs kompani, som han så småningom gifte sig med.

I mars 1917 reste Diagilev med Picasso, Stravinskij, Cocteau och Massine till Neapel, där de besökte ruinerna av Herculaneum och Pompeji. På den tiden utkom den avantgardistiska litteraturtidskriften Nord-Sud i Paris, som under sin korta existens var ett kraftfullt forum för avantgardistisk diskussion om kubismen och som försökte föra samman de parisiska centra för traditionell och avantgardistisk litteratur, Montmartre och Montparnasse. Bland dess medarbetare fanns många av de författare som skulle komma att forma surrealismen: Apollinaire (som myntade begreppet vid denna tid), André Breton, Louis Aragon och Tristan Tzara bland andra. I april återvände Cocteau till Paris och Picasso följde med Ballets Russes kompani på deras resa till Italien för att vara nära Olga, med besök i Florens (där han besökte Medici-kapellet med Michelangelos gravar) och Venedig.

Efter turnén i Italien reste kompaniet till Paris i slutet av april, där Parade uruppfördes på Théâtre du Châtelet den 18 maj 1917. Verkets kombination av avantgardistiska stilar inom konst, musik och koreografi, under en period som präglades av kriget i Europa, gjorde det till den skandal som Diágilev hade hoppats på, eftersom det stämplades som ”offensivt antifransk”. Apollinaire konstaterade i sin essä till balettens program att syntesen av Picassos mönster och Massines koreografi för första gången gav upphov till ett slags ”surrealism där jag ser utgångspunkten för en rad manifestationer av denna nya anda”. Pressrapporterna var däremot fruktansvärda. Mellan maj och juni producerade han ett realistiskt självporträtt (Musée Picasso, Paris) och The Eyes of the Artist (Musée Picasso, Malaga).

Picasso var förälskad i Olga och följde med Ballets Russes till Madrid, där de uppträdde under juni månad.Picasso var påverkad av Olga och hans kontakt med kompaniet och umgicks med Madrids societetsliv. Den 23 juni anlände de till Barcelona, där Ballets Russes uppförde Las Meninas på Teatro del Liceo. I slutet av månaden reste företaget till Sydamerika, medan Olga och Picasso, som redan var förlovade, stannade fyra månader i Barcelona, där hans katalanska konstnärsvänner Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, bröderna Vidal och Francisco Iturrino bjöd honom på en välkomstbankett i Galerías Layetanes i juli. Han målade den naturalistiska Harlekin i Barcelona (Picassomuseet i Barcelona) och Olga Jojlova med en mantilla (Picassomuseet i Malaga), Kvinna i spansk klädsel (La Salchichona) (Picassomuseet i Barcelona), i divisionistisk stil, Kvinna i fåtölj (Personage) (Picassomuseet i Barcelona) och Fruktskål (Picassomuseet i Barcelona), i kubistisk stil, samt ett stort antal teckningar av tjurfäktningar och porträtt och teckningar av Olga.

I november återvände Ballets Russes till Spanien; de uppträdde med Parade i Barcelona och fick ett ljummet mottagande; under föreställningen presenterade Picassos syster Lola och hennes make honom för den dåvarande konststudenten Joan Miró. I slutet av november förbereder sig Olga och Picasso för att återvända till Paris.

1918 markerar början på det som Max Jacob kallar för hertiginnans period, som avslutades omkring 1923. Mellan den 23 januari och 15 februari 1918 ställde Picasso ut en serie protokubistiska målningar tillsammans med Matisse i Paul Guillaumes galleri. I ett klimat som fortfarande var fientligt inställt till kubismen fick utställningen många kommentarer i pressen; det är möjligt att Les Demoiselles d”Avignon var en del av utställningen. Han färdigställde ett porträtt av Olga i en fåtölj (Olga insisterade på att hennes porträtt skulle vara igenkännbara.

Mellan april och maj flyttade han med Olga till Hotel Lutetia, ett fashionabelt förstklassigt hotell på Boulevard Raspail; hans livsstil förändrades, han umgicks med Ballets Russes och rörde sig bland societeten. Den 12 juli gifte han sig med Olga, först under den nödvändiga juridiska ceremonin och sedan under en tre timmar lång mässa i den rysk-ortodoxa kyrkan på Rue Daru i Paris. Deras familjer var inte närvarande och Picasso bad Jean Cocteau, Max Jacob och Apollinaire att vara vittnen. Efter bröllopet vägrade Olga att åka till Montrouge och sa att hon aldrig skulle återvända till huset ”som luktade av för många kvinnor”. Den 30 juli anlände de till Biarritz för sin smekmånad och bodde på Villa La Mimoseraie, som ägdes av deras chilenska vän Eugenia Errázuriz. Där utvecklade han marina teman, som Badande (Musée Picasso, Paris), i en manieristisk stil som påminner om hans långsträckta figurer inspirerade av El Grecos stil. Hans värdinna presenterade honom för konsthandlarna Georges Wildenstein och Paul Rosenberg; Rosenberg ingick ett kontrakt med Picasso på Wildensteins vägnar. Han gjorde några porträtt i Ingres” neoklassiska stil av sina kvinnor och de rika besökarna från societeten.

I slutet av september återvände han med Olga till Montrouge. Paul Rosenberg blev Picassos officiella återförsäljare, som endast accepterade ett muntligt avtal med Picasso, vilket gav återförsäljaren förstahandsval av konstnärens verk; Daniel-Henry Kahnweiler hade varit Picassos återförsäljare från 1907 till dess att det tysk-franska kriget bröt ut och han tvingades flytta till Schweiz. Den 8 oktober hyrde Picasso en stor lägenhet i rue de La Boëtie. Det är troligt att han vid den tiden träffade Louis Aragon, och genom honom och Apollinaire André Breton. Kort därefter, den 9 november 1918, två dagar innan vapenstilleståndet i Rethondes som avslutade första världskriget undertecknades, dog Apollinaire av spansk influensa i sin lägenhet på boulevard Saint-Germain. Från och med då besökte Picasso sin väns grav på Père-Lachaise-kyrkogården varje år den dagen.

Under 1919 fortsatte han att arbeta med kubistiska och realistiska verk samtidigt. Han skapade några realistiska verk där man kan se en viss monumentalitet och skulpturell tyngd i figurerna, som till exempel Stilleben med kanna och äpplen (Musée Picasso, Paris) i den sena Ingres” robusta, klassiska stil, en skulpturell karaktär och ett massivt utseende hos figurerna som skulle bli uppenbart i hans neoklassiska verk från 1920.

Ballets Russes ankomst till London efter kriget sammanföll med en tid då intresset för konst, särskilt avantgardistisk konst, var på modet, och baletten möjliggjorde en kombination av prestige hos stora dansare och skandal hos unga revolutionära konstnärer, vilket både gladde snobbar och drog till sig intellektuella. Baletten gjorde det möjligt att kombinera de stora dansarnas prestige med de unga revolutionära konstnärernas skandal, vilket både gladde snobbarna och lockade de intellektuella. I maj anlände Picasso till London, där Diagilev förberedde en ny balett med musik av Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, baserad på romanen med samma namn av Pedro Antonio de Alarcón. Picasso var entusiastisk över berättelsen, som utspelar sig i södra Italien på 1700-talet, och över möjligheten att arbeta igen med Massine och för första gången med Falla. Under de tre månaderna i London gjorde han många skisser, teckningar och akvareller för scenografin, kostymerna och gardinerna, som han målade personligen, assisterad av Vladimir Polunin och hans fru Elizabeth. När de inte var upptagna med balettrepetitioner och tester umgicks de med det engelska samhället, där Picasso träffade många konstnärer och författare.

Premiären av El sombrero de tres picos på Alhambra-teatern den 22 juli 1919 var en enorm framgång som snart ledde till att spanska dansskolor öppnades i London. Massine hade lärt sig flamencoens rytmer och tillämpat dem i koreografin för dansarna, vars kostymer anpassades till handlingen. Picasso hade instinktivt använt sig av kurvor och sicksacks, motiv som är karakteristiska för spanska bondkärror, rytmer som troligen härstammar från arabiska kalligrafiska arabesker. Kontrasterna mellan grönt, rosa, rött och svart påminner också om Spanien. Kritikern Jean Bernier skrev: ”Alla kostymer är utan undantag fulla av värme och styrka, tempererade av en smak för värdighet som är mycket andalusisk”.

Samtidigt med balettens framgångar kom det sociala livet; Picasso och Olga bjöds, till Olgas glädje, in till en rad högklassiga fester. Picasso beställde kostymer från de bästa skräddarna och verkade oklanderligt klädd vid de fashionabla mottagningarna. I augusti återvände Olga och Picasso till Paris, och därifrån åkte de till Saint-Raphaël på Côte d”Azur; det är troligt att Picasso under tågresan observerade skördescenen som han avbildade i Siesta. Temat med fönstren i Saint-Raphaël, som han arbetade med den sommaren i många akvareller och teckningar, fanns kvar i Picassos arbete när han återvände till Paris på hösten och fram till början av 1920-talet.

Picasso bosatte sig i sin lägenhet på rue de la Boëtie och tog gradvis avstånd från den bohemiska livsstil som han hade levt i före kriget; hans privatliv var lugnare, även om han kunde ses elegant klädd på cocktailpartyn eller äta middag med Olga, klädd i Chanel. Hans samröre med Ballets Russes och konsthandlarna Léonce och Paul Rosenberg gav honom mer positiv uppmärksamhet och synlighet.

I december 1919 bjöd Diagilev, som var tillbaka i Paris efter säsongen i London, in honom att samarbeta på en ny balett inspirerad av Commedia dell”Arte, Pulcinella, med musik av Stravinsky. Diagilev förkastade de första skisserna som alltför moderna och utsmyckade, och Picasso förenklade dem senare. Diagilev förkastade de första skisserna som alltför moderna och utsmyckade; Picasso förenklade dem senare. I början av 1920-talet tog han fram ett stort antal skisser och studier för Pulcinella.

Den 23 januari 1920 uppfördes Den trekantiga hatten på Théâtre National de l”Opéra i Paris, dit han bjöd in sin vän Max Jacob, som han träffade mer sällan. På väg till teatern blev Jacob påkörd av en bil och fick läggas in på sjukhus; Picasso besökte honom ofta på sjukhuset, men de började träffa varandra mer sällan därefter, eftersom Jacob sökte sig till ett mindre livligt och offentligt umgänge.

Massines idé till baletten kom från gatuföreställningar som de såg på sin resa till Neapel 1917. Tillsammans med Diagilev utvecklade de librettot utifrån gamla napolitanska texter, och Stravinskijs musik är ett arrangemang av musik av Giovanni Battista Pergolesi, en italiensk 1700-talskompositör. Picassos första skisser var i en pseudo-rokokostil som han efter Diagilevs första avslag förenklade till en kubistisk stil med stora plana ytor i blått, grått och vitt, över vilka karaktärernas kostymer, baserade på stilen hos de traditionella karaktärerna i Commedia dell”Arte, stod ut. Pulcinella hade premiär på Théâtre National de l”Opéra i Paris den 15 maj 1920.

Denna stil i Pulcinellas scenografi utvidgades till Picassos måleri, vilket kan ses i Pulcinella med en gitarr framför en ridå (Massine hälsar); färgerna är livliga men inte skarpa och den målade ytan blev helt platt. Under sommaren i Juan-les-Pins fortsatte han att utveckla denna stil och detta ämne i en serie färgstarka, geometriska och platta gouacher på Commedia dell”Arte, som Pierrot och Harlekin (National Gallery of Art, Washington). I september, fortfarande i Juan-les-Pins, gjorde han en serie teckningar och akvareller på ett antikt tema från Medelhavet, en episod om kentauren Nessus försök till kidnappning av Deyanira, Herkules” hustru, inspirerad av de fresker från Pompeji som han såg under sin resa till Neapel 1917.

Den 4 februari 1921 föddes hans första son Pablo. På våren började han studera för Cuadro flamenco, en annan balett av Diagilev, som den här gången anlitade en grupp på åtta andalusiska dansare och sångare som Falla arrangerade populärmusik för. Den hade ursprungligen beställts av Juan Gris, också en spanjor, men Picasso, med motiveringen att Gris var sjuk och inte skulle ha tid att utveckla projektet med så kort varsel, hann före honom genom att presentera den idé som han övergav i Pulcinella om en ridå med rokokoornament och ett proscenium med par som tittar på föreställningen, vilket kan ses i Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Paris). Förhållandet till Gris svalnade till följd av detta, en situation som fortsatte fram till hans död 1927. Den 22 maj hade verket premiär på Théâtre de la Gaîté-Lyrique. På omslaget till programmet fanns en illustration med fyra nakna personer på stranden i neoklassisk stil som liknar andra verk från samma period. När han återvände till Paris fortsatte han med verk i monumental neoklassisk stil.

Under sommaren flyttade han med Olga och Pablo till Fontainebleau för att undvika värmen i södra Frankrike. Sommaren i Fontainebleau var produktiv, med en majoritet av verk i neoklassisk skulpturstil. Huvudmotiven är mor och barn och kvinnor vid en fontän; dessa kan ses i Moder och barn vid havet (Art Institute of Chicago) och Tre kvinnor vid fontänen (Musée de l”Orangerie, Paris), med grekisk-romerska klädsel och frisyrer. Han skapade också två mästerverk i syntetisk kubistisk stil: Musicians with Masks (MoMA, New York) och Musicians with Masks (Three Musicians) (Philadelphia Museum of Art). Ämnena påminner om hans samarbete med Ballets Russes, särskilt några av studierna för harlekiner och pierrots från Pulcinella.

1922 började Breton, Jacques Doucets rådgivare i konstfrågor, att övertyga honom om vikten av att lägga till stora verk av Picasso till sin samling av modern konst, vilket ledde till att han 1924 förvärvade Les Demoiselles d”Avignon. I juni, under ett besök i Dinard (Bretagne), målade han Two Women Running on the Beach (The Race) (Musée Picasso, Paris), en idealisering av de monumentala figurer som han målade 1921 med ett nytt element, nämligen rörelse, som senare tjänade som modell för bakgrunden till Diagilevs Le Train Bleu 1924. Han gjorde också några skisser av sin son och av sin fru och son tillsammans, vilket kan ses i Familj vid havet (Musée Picasso, Paris). Den 20 december 1922 hade Jean Cocteaus moderniserade bearbetning av Sofokles Antigone premiär på Théâtre de l”Atelier i Montmartre (Paris). Pjäsen hade dekorer av Picasso, kostymer av Coco Chanel och musik av Arthur Honegger.

År 1923 fortsatte Picasso med harlekintemat; han målade flera porträtt av Jacint Salvadó förklädd till harlekin i en mindre monumental och mer lyrisk stil, liksom porträtt av sonen Pablo och hans fru Olga, och Porträtt av Doña María (konstnärens mor) (privat samling). Han målade också porträtt av sin son Pablo och hans fru Olga samt porträttet av Doña Maria (konstnärens mor) (privat samling). Samma sommar återvände han till Rivieran och bosatte sig i Antibes med Olga och Pablo. Han skapade Pans flöjt (Musée Picasso, Paris) samt flera teckningar och skisser på samma tema. I Antibes besökte han många av societetens semesterfirare, till exempel målaren Gerald Murphy och hans fru Sarah (Beaumont bad honom att designa scenografi och kostymer för Mercure, som skulle öppna sommaren 1924).

Koreografen Léonide Massine hade lämnat Ballets Russes för att sommaren 1924 producera en balett för greve Étienne de Beaumont i en serie privata föreställningar, Les Soirées de Paris, för att hjälpa den ryska aristokratin. Med musik av Erik Satie och scenografi och kostymer av Picasso producerade Massine Mercure, den märkligaste och mest originella baletten sedan Parade. De kantiga ytorna och raka linjerna från Parade ersattes av böjda och böljande linjer, slingrande silhuetter i scenografi och kostymdesign. Premiären av Mercure den 18 juni på Théâtre de la Cigale fick ett dåligt mottagande av kritiker och publik. En del surrealister kritiserade Picassos medverkan i ett borgerligt projekt till förmån för aristokratin, men Breton försvarade Picassos konstnärliga arbete och förklarade i sin essä Hommage à Picasso: ”För min del anser jag att Picassos samarbete med Mercure är den viktigaste konstnärliga händelsen under de senaste åren.

Två dagar senare uppfördes Le train bleu, det sista samarbetet med Sergei Diagilevs Ballets Russes, på Théâtre des Champs-Elysées, och gardinen målades av scenmålaren Alexander Shervashidze efter Picassos gouache Two Women Running on the Beach (The Race). Gardinen målades av scenmålaren Alexander Shervashidze efter Picassos gouache Two Women Running on the Beach (The Race). Picasso själv signerade gardinen ”Dedicated to Diágilev Picasso 24”.

Sommaren 1924 flyttade han till Villa La Vigie i Juan-les-Pins. I en skissbok gjorde Picasso en serie försurrealistiska teckningar, konstellationer av linjer och punkter, som flera år senare användes i en illustrerad utgåva av Ambroise Vollard av Honoré de Balzacs Le Chef-d”œuvre Inconnu; för att fira sin sons födelsedag målade Picasso varje år porträtt av pojken; 1924 målade han Pablo de harlequin (Musée Picasso, Paris).

Kontroversen kring Soirées de Paris växte under sommaren och framkallade en splittring bland de före detta dadaisterna, där Bretons grupp ställdes mot en annan grupp som kretsade kring Ivan Goll. I oktober publicerade Breton det surrealistiska manifestet, där han beskrev de konstnärliga konsekvenserna av Sigmund Freuds teori om psykoanalys och drömtolkning. Termen surrealism, som Apollinaire myntade 1917, användes av Breton som namn på sin grupp. Även om Picasso aldrig officiellt anslöt sig till den surrealistiska rörelsen beundrade Breton hans verk, liksom Tristan Tzara och dadaisterna. Picassos verk återges i åtta av de elva numren av La Révolution Surréaliste som publicerades mellan 1924 och 1929.

Läs också: viktiga_handelser – Nikaupproret

Surrealism

Sedan giftermålet med Olga och födelsen av deras första son Pablo hade Picasso haft ett lyckligt familjeliv; han hade ett mycket aktivt socialt liv och umgicks med den parisiska aristokratin och intelligentian; avantgardistiska kritiker berömde hans konstnärliga prestationer, även om de fokuserade på de formella aspekterna och ignorerade de intuitiva och psykologiska elementen i hans verk. Picasso accepterades av samhället och kritikerna och sågs som en del av den franska traditionen som stod över den nya generationens antiborgerliga dadaister, som började ersättas av den grupp som skulle bli känd som surrealisterna.

År 1925 målade han Pablo de pierrot (Konstnärens son) (Musée Picasso, Paris) till sin sons fyraårsdag, i en naturalistisk stil som liknar det harlekinporträtt han målat året innan. Han målade också The Dance (Tate Modern, London), ett avgörande ögonblick i Picassos utveckling, efter en period då han arbetade både i en dekorativ form av syntetisk kubism och i en nyklassisk figurativ stil. Dansen är beroende av båda stilarna, men dess betydelse ligger i det faktum att den markerar en brytning med den lugna, klassiska fasen och början på en ny period av känslomässigt våld och expressionistisk förvrängning.

Dansen markerade början på Picassos surrealistiska period mellan 1925 och 1938. Målningens expressionistiska karaktär, som är en motpol till hans klassiska teckningar av dans, symboliserar Picassos växande irritation mot Olga och kvinnor i allmänhet. Han var sårad av sin vän Ramon Pichots död och trodde att hans fru Germaine, som hade orsakat Casagemas död, förstörde hans vän på samma sätt som Olga förstörde honom. Sorgen över Pichots död förvärrades av musikern Erik Saties död i juli, och på sommaren målade han kyssen (Musée Picasso, Paris) i Juan-les-Pins, som är ännu mer aggressiv i sin anda än dansen. Motivet med de överlagrade huvudena, som förekommer i kvinnans figur och inte i skulpturen, skulle få kontinuitet i hans senare verk. De irrationella kvaliteterna i denna serie verk, liksom i de första kubistiska verken, var det som Breton ansåg vara analogt med de surrealistiska konstnärernas teori om automatism.

I uppsatsen ”Surrealism och måleri”, som publicerades i juli 1925 i nummer 4 av La Révolution Surréaliste, förklarade Breton att Picasso var en modellmålare och hävdade att han var surrealist, samtidigt som han påpekade att det var omöjligt att använda en etikett som skulle begränsa hans arbete: ”Etiketten ”kubist” har i hög grad gjort det misstaget. I november hölls ”Exposition: La Peinture Surréaliste” på Galerie Pierre i Paris, där två av Picassos tidiga kubistiska målningar visades, liksom verk av Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray och Pierre Roy; Breton och Robert Desnos skrev förordet till katalogen. I Maurice Raynals recension av utställningen i L”intransigeant stod det: ”Kubismens ”fader” har blivit surrealisternas adoptivson! I november följde Picasso med sin mor, som hade tillbringat semestern med dem på kusten, till Barcelona. Där träffade han Dalí och besökte hans första separatutställning på Dalmau-galleriet.

År 1926 arbetade han i en stil som har identifierats som Curvilinear Cubism, där han kombinerade dekorationskubismens slingrande ytor, överlagringen av huvuden på figurer och de böjda deformationer som utforskas i teckningarna av konstellationer, tillämpade på ett kubistiskt rutnät. Detta syns bland annat i Klädmakarens verkstad (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris) och Målaren och hans modell (Musée Picasso, Paris), som är monokroma verk målade i grått, svart, vitt och kanelockra. Han utförde också flera porträtt med en viss likhet med Marie-Thérèse Walter, en ung tonårsflicka som vissa författare tror att han träffade för första gången i början av 1925 på Gare Saint-Lazare i Paris. Han fortsatte också att arbeta med motivet med överlappande huvuden.

I april fick han besök av Dalí i sin ateljé, men trots deras ömsesidiga beundran blev de två konstnärerna inte nära vänner. Hans rekommendation till Diagilev att samarbeta med Miró och Max Ernst om scenografi och kostymer för hans Romeo och Julia ledde till att den senare hotades med uteslutning från surrealistgruppen, som motsatte sig samarbete med ”en borgerlig produktion för det höga samhället”.

I januari 1927 träffade han Marie-Thérèse Walter, en sjuttonårig blondin, framför Galeries Lafayette i Paris (även om vissa författare placerar datumet två år tidigare). Inom sex månader blev de älskare. Även om de höll sitt förhållande hemligt fram till dottern Mayas födelse 1935, förekom hänvisningar till Marie-Thérèse i hans verk snart efter att han träffat henne. Spänningen i äktenskapet med Olga växte och hans liv blev mycket komplicerat när han försökte hålla deras förhållande hemligt. Han tillbringade en olycklig sommar i Cannes där han längtade efter Marie-Thérèse, medan Olga var förbittrad över att Picasso aldrig var närvarande vid de sociala sammankomster han ordnade.

På sensommaren utförde han ett album med teckningar, Carnet des Métamorphoses, där han gav biomorfa badande kvinnor elefantlika skulpturala former, med sexuella attribut som når monumentala proportioner, vilket kan ses i Bather in the Cockpit (Female Figure) (Musée Picasso, Paris). Även om det troligen rör sig om studier för ett monument till Apollinaire, skrev Christian Zervos 1929 att Picasso föreslog dem som monument för Croisette, den eleganta strandpromenaden som skiljer stranden från de stora hotellen i Cannes. I slutet av 1927, tillbaka i Paris, arbetade han tillsammans med tryckeriet Louis Fort med en serie på tretton etsningar på beställning av Vollard på temat ”konstnären och modellen” för boken Le Chef-d”œuvre Inconnu, som han skulle publicera 1931.

I januari 1928 gjorde han ett stort collage med namnet Minotaurus (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris), som består av två ben som kommer ut ur ett tjurhuvud. Detta var det första gången som det mytologiska temat Minotaurus, halvt människa, halvt tjur, dök upp i hans verk, vilket kulminerade i Guernica 1937. Han fortsatte också att arbeta med temat biomorfiska badare och målaren och hans modell.

I mars 1928 återupptog han vänskapen med skulptören Julio González, vars ateljé i rue de Médéah han ofta besökte för att lära sig svetstekniker. I juni tillverkade han sin första tredimensionella skulptur sedan 1914, bronsen Metamorphosis I (Bather) (Musée Picasso, Paris), baserad på teckningar av Marie-Thérèse som färdigställts 1927.

På sommaren flyttade han med Olga och Pablo till Dinard i Bretagne, Frankrike; han tog i hemlighet emot Marie-Thérèse på ett närliggande sommarläger för barn och introducerade henne i sina sadomasochistiska sexuella favoritpraktiker. Han fortsatte att arbeta med temat biomorfiska badande i målningar och teckningar, till exempel Bather and Cabin (MoMA, New York), och en serie studier av konstruktioner i svetsad metall, i linje med konstellationer av punkter som är sammanlänkade med ett nätverk av linjer, som förberedelse för ett framtida monument till Apollinaire. Tillbaka i Paris arbetade han under hösten tillsammans med Gonzalez med detta projekt i en serie modeller av järnstänger, som Kahnweiler beskrev som ”ritningar i rymden”. Den kommitté som ansvarar för monumentet avvisade modellerna som alltför radikala och olämpliga.

Våren 1929 gjorde han den svetsade och målade järnskulpturen Kvinna i trädgården (Musée Picasso, Paris) i González ateljé. Han påbörjade också de första studierna till Korsfästelsen (Musée Picasso, Paris), som han slutförde 1930. Spänningen i hans äktenskap med Olga återspeglades i verk som Bust of a Woman och Self-Portrait (privat samling), där ett vildsint kvinnohuvud med öppna käkar tränger sig på en klassisk profil av honom själv. Även i Large Nude in a Red Armchair (Musée Picasso, Paris), där kvinnofiguren är förvrängd i ett skrik, vilket avslöjar störande element i konstnärens undermedvetna. Den surrealistiska karaktären i denna målning är också tydlig i många andra verk.

I januari 1930 målade han Bather Seated by the Sea (MoMA, New York), en kvinna som är tänkt som en benig struktur, en hotfull varelse som står i kontrast till strandens fridfulla atmosfär, vars huvud liknar huvudet på en mantis, en av surrealisternas favoritsymboler (mantisen slukar sin partner under samlag). Flera tidigare och senare verk av Picasso har samma typ av huvud, och vissa har också en så kallad vagina dentata, vilket påminner om den ”rädsla för psykosexuell kastrering” som surrealisterna symboliserade med hjälp av bönsyrsan.

Läs också: biografier – Neil Armstrong

Boisgeloup

Hans verk visades för första gången på Museum of Modern Art i New York (MoMA), som grundades året innan, som en del av utställningen ”Painting in Paris”. I juni köpte han Château de Boisgeloup, 70 kilometer nordväst om Paris. Boisgeloup skulle bli en tillflyktsort för honom och Marie-Thérèse; han byggde om stallet till en skulpturateljé där hans önskan att återgå till modellering i lera eller gips och inspirationen från sin unga älskare stimulerade honom att skapa stora byster i gips, varav vissa utan tvekan var av sexuell karaktär. Under hösten 1930 skapade han en serie skulpturer, de flesta av dem snidade i trä och senare gjutna i brons, små till storleken och mycket stiliserade. Ungefär vid denna tid flyttade Marie-Thérèse till 44 rue Boétie, mittemot lägenheten där Picasso bodde med Olga. Under dessa tidiga år på 1930-talet slits Picasso mellan sin ovilja att bryta sitt förhållande med Olga och sin besatthet av Marie-Thérèse, som var den främsta inspirationen till de sensuella och suggestiva kvinnofigurerna i hans verk.

I september 1930 påbörjade han den serie på hundra etsningar som skulle komma att utgöra Vollard-sviten.Picasso arbetade med denna serie från 1930 till 1937, även om huvuddelen av arbetet utfördes mellan 1933 (61 etsningar) och 1934 (24 etsningar). Hans Bollinger har urskiljt sju tematiska grupper i Vollard-sviten: ((och (vii) den blinda minotauren. ”Konstnären och modellen” är ett allmänt tema som återfinns i gravyrerna i Vollard-sviten, särskilt i de som handlar om skulptörens ateljé. Picasso kunde därför ”oskyldigt” avbilda sig själv med Marie-Thérèse, ofta naken. Det är ett tema som Picasso använde under hela 1930-talet, men det försvann från hans verk under det spanska inbördeskriget och den tyska ockupationen av Frankrike, även om han återfann det under sina sista år.

I januari 1931 färdigställde han Figures by the Sea (Musée Picasso, Paris), en kärleksscen på stranden där kropparna, som reducerats till runda, skulpturala former, är så sammanblandade i omfamningen att det inte går att urskilja vilken kroppsdel som tillhör mannen eller kvinnan, den högra figuren som kan identifieras som Marie-Thérèse på grund av huvudets form. Picasso betonade på så sätt den mänskliga sexualitetens dubbla natur genom motsättningen mellan omfamningens skenbara ömhet och figurernas steniga närvaro med sina vassa, aggressiva tungor. Figurernas huvuden påminner om Kyssen (två huvuden) (Musée Picasso, Paris) från samma datum, där de två huvudena som slukar varandra återspeglar konflikten med Olga. Parallellt med målningarna av monolitiska former producerade han en serie stilleben i en dekorativ, färgglada, kurvlinjig kubistisk stil; särskilt anmärkningsvärt är det stora stillebenet med ljusstake (Musée Picasso, Paris), där de organiska formerna i ett av hans mest lyriska och sexuellt symboliska stilleben antyder Marie-Thérèses torso. Målningen förblev i Picassos personliga samling fram till hans död, då den donerades till Musée Picasso i Paris tillsammans med hundratals andra verk, i stället för arvsskatt.

I april anordnade London-galleriet Alex Reid & Lefevre en retrospektiv utställning med trettiosju målningar, Thirty Years of Pablo Picasso. I maj tog han äntligen slottet Boisgeloup i besittning, där han fortsatte att arbeta i metall tillsammans med Gonzalez och integrera verkliga föremål i sitt skulpturala arbete. Hans skulpturer från 1930, som är sammansättningar av skurna och svetsade metallelement, till exempel Woman in the Garden (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), kan ses som ”poetiska objekt, ibland med en surrealistisk prägel”. Han återgick också till att modellera i lera och gips. Han gjorde flera byster och reliefer med Marie-Thérèse som porträtt, till exempel Bust of a Woman (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Paris). De rundade formerna och relieferna har en viss sexuell karaktär och ansiktsdragen liknar ibland könsorgan (näsan som en fallos, munnen som en vagina), vilket påminner om neolitisk och afrikansk skulptur. Under sommarsemestern i Juan-les-Pins färdigställde han en serie lyriska och erotiska teckningar och gravyrer som låg till grund för etsningarna i avsnittet ”Skulptörens ateljé” i Vollard-sviten. Han målade också flera små oljemålningar av Villa Chêne-Roc, där han bodde. På hösten återgick han till sitt skulpturala arbete.

I Spanien utropades den andra republiken, vars konstitution, trots de friheter som den hade fått, inte lyckades nå en överenskommelse på viktiga områden med den konservativa högern, som var djupt rotad på landsbygden, och med den katolska kyrkan, som berövades skolor och offentliga bidrag. I resten av Europa växte de totalitära regeringarna fram, framför allt fascismen i Tyskland och Italien och stalinismen i Sovjetunionen. Allt detta mot bakgrund av en världsomfattande ekonomisk depression.

Den 25 oktober 1931 fyllde Picasso femtio år och publicerade Ovidius” Metamorfoser för Albert Skira i Lausanne, totalt femton helsidesraderingar och femton halvsidesraderingar som han hade arbetat med sedan året innan. I denna serie gravyrer hänvisar Picasso till den klassiska teckningens enkelhet och beskriver tydligt föremål och varelser, som han gjorde i Aristofanes Lysistrata, som publicerades 1934. Den 12 november publicerade Ambroise Vollard Balzacs okända mästerverk, med tretton etsningar av Picasso, där han betonar temat konstnären och modellen. I romanen tar Balzac upp konstnärens konflikt mellan att slutföra arbetet och uppnå perfektion, vilket återspeglas i etsningen i serien Målare och modell som stickar, där målaren förvandlar det prosaiska motivet till en elegant, kurvlinjig kalligrafi.

I december 1931 målade han Skulptören (Musée Picasso, Paris) på temat konstnären och modellen, som avslöjar hur relationen mellan Picasso och Marie-Thérèse såg ut; skulptören betraktar den byst han skapat med den karakteristiska klassiska profilen, medan modellen sitter i bakgrunden, underordnad konstnären och det skapade verket. Han påbörjade också en serie porträtt av Marie-Thérèse i en soffa, där hennes unga älskare dyker upp från marginalen för att inta en central position av ”orubblig storhet och trygghet”. Han målade också Kvinnan med stilett (Marats död), som enligt den historiska källan återspeglar den växande förbittringen mot Olgas svartsjuka och besatthet.

I mars 1932 avslutade han serien av sovande kvinnor med Young Woman in Front of the Mirror (MoMA, New York), där han kombinerade de svarta konturerna och de organiska formerna från de stora stillebena från 1931 i en av de mest symboliska och ”multi-evocativa” bilderna av Marie-Thérèse som Picasso skapade.

I juni presenterades en retrospektiv utställning på Galeries Georges Petit i Paris med tvåhundratjugofem målningar, sju skulpturer och sex illustrerade böcker som Picasso själv valt ut, från den blå perioden till hans sista porträtt från 1932. Den kritiska reaktionen var inte positiv, utan varierade från försiktig till negativ. Det verkar som om Olga under denna utställning upptäckte Marie-Thérèses existens, vilket framkallade ”glödande scener” av svartsjuka från hennes sida, även om den konfrontation mellan de två kvinnorna som Picasso befarade inte inträffade. Utställningen upprepades i september på Kunsthaus Zürich.

Medan Olga och Pablo tillbringade sommaren i Juan-les-Pins tillbringade Picasso sommaren i Boisgeloup med Marie-Thérèse, där han fortsatte att arbeta med sovande nakenbilder, strandscener och några små skulpturer. Han gjorde också flera teckningar ur Grünewalds serie om korsfästelsen. När han återvände till Paris på hösten fortsatte han med porträtten av Marie-Thérèse på en soffa och teckningarna av Grünewalds korsfästelse. I oktober började Christian Zervos publicera en katalog (mellan 1932 och 1974 utkom 28 volymer med mer än 16 000 verk).

Även om Picasso redan hade behandlat temat i ett collage från 1928, var perioden mellan 1933 och 1938 Picassos Minotaurus-period, då denna mytiska figur upprepade gånger dök upp i hans verk, tillsammans med andra klassiska teman. Picasso fann i den kvinnliga tjurfäktaren ett bildligt sätt att spegla sina konflikter med Marie-Thérèse och Olga, och i Minotaurus, odjuret som är medvetet om sin bestialitet, en personifiering av hans egen konflikt om denna situation, hans splittring mellan begär och moraliskt ansvar. Det första numret av Minotaurus, med ett omslag av Picasso, utkom i maj 1933. Sommarsemestern 1933 tillbringade han i Cannes med Olga och Pablo. I september målade han Tjurfäktarens död i Boisgeloup.

Mellan juni och september 1934 gjorde han en serie målningar, teckningar och gravyrer om tjurfäktning. I augusti reste han till Spanien med Olga och Pablo och gick på tjurfäktning i Burgos och Madrid. Han besökte museet för katalansk konst i Barcelona. Han gjorde skulpturerna Femme au feuillage och Femme à l”orange. Våren 1935 ställde Pierre ut papiers collés i utställningsgalleriet. Han graverade Minotauromaquia. Han separerade från Olga i juni och i oktober föddes Maya Picasso, hans dotter med Marie-Therese Walter.

Han gjorde vattenteckningarna och andra teckningar på temat Minotaurus. Samma år, när det spanska inbördeskriget bröt ut, utsågs han till chef för Pradomuseet i Madrid. I början av augusti åkte Picasso till Mougins och träffade Dora Maar.

Läs också: historia-sv – Akbar den store

Guernica och pacifismen

I januari 1937 bad den katalanske arkitekten Josep Lluís Sert honom att samarbeta med en stor väggmålning för den andra spanska republikens paviljong på den internationella utställningen i Paris. Landets valda regering stod inför ett eventuellt nederlag under det spanska inbördeskriget mot Francos militära rebeller som stöddes av Nazityskland och det fascistiska Italien. Republiken hoppades visa världen att det var de som representerade det spanska folket och dess bedrifter. Picasso, som 1936 hade tackat ja till en inbjudan från republikens dåvarande president Manuel Azaña att bli hederschef för Pradomuseet i Madrid, var till en början motvillig, både på grund av projektets storlek och för att han aldrig tidigare hade accepterat ett uppdrag av propagandistisk karaktär. I februari hittade Dora Maar en mycket stor ateljé på 7 rue des Grands-Augustins, där Picasso kunde genomföra projektet.

Samma år producerade han Francos dröm och lögn, två gravyrer i ett format som liknar serier eller spanska hallelujaer, med sammanlagt arton scener, avsedda att reproduceras som tryck eller vykort, där han fördömde den fascistiska statskuppen och pekade på krigets brott, och där han skildrade Franco som en ond och grotesk figur. Picasso började gravera dessa bilder den 8 januari, vilket innebär att han kunde utforma dem på eget initiativ innan han fick beställningen på Guernica. Han färdigställde plåtarna i juni och serien publicerades till förmån för republiken tillsammans med en dikt som han skrivit (Fandango de lechuzas).

Den 26 april 1937 bombade den tyska Condor-legionen Guernica på Francos begäran. Picasso, som fram till dess inte hade varit särskilt tydlig med vad målningen skulle handla om, inspirerades av denna händelse till att utveckla väggmålningen för Andra republikens paviljong, och den 1 maj påbörjade han skapandet av ett av sina mest kända verk: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), som slutligen ställdes ut i den spanska paviljongen på den internationella utställningen. Dora Maar fotograferade processen och de olika stegen i målningen, som Picasso slutförde i början av juni. Målningen symboliserar krigets hela skräck och tragedin med många oskyldiga offrens död.

Han var också emot krig och målade den berömda Fredsduvan 1949 i samband med att han blev medlem i Världsfredsrådet. Han tilldelades det internationella fredspriset 1955.

Mellan oktober och december 1937 målade han Den gråtande kvinnan (Paris, Musée Picasso). 1938 gjorde han ett stort collage, Les Femmes à leur toilette (Paris, Musee National d”Art Moderne). I juli 1938 åkte han till Mougins med Dora Maar. I juli 1939 åkte han tillsammans med Dora Maar till Man Ray i Antibes, där han gjorde Pêche de nuit à Antibes (Museum of Modern Art, New York). Från september 1939 till början av 1940 målade han Séquence de femmes au chapeau i Royan.

År 1941 skrev han en surrealistisk pjäs, Desire Caught by the Tail, som han i mars 1944 läste upp hemma hos Michel Leiris tillsammans med sina vänner Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris och Pierre Reverdy bland andra. Pjäsen hade slutligen premiär i juli 1967. Han skrev också två andra litterära verk: De fyra små flickorna och Greve Orgaz” begravning.

Mellan 1942 och 1943 gjorde han assemblagen Bull”s Head (Paris, Musée Picasso), La Aubade (Paris, Musee National d”Art Moderne), L”Homme au mouton (Paris, Musée Picasso) och träffade Françoise Gilot i maj 1943.

Läs också: historia-sv – Klemens von Metternich

Engagemang för kommunistpartiet

Efter andra världskrigets slut blev hans målningar mer optimistiska och glada, och de visar, som titeln på en serie från 1946, The joie de vivre som kändes vid den tiden. Picasso bodde med Marie-Therese under upproret i Paris i augusti 1944. I oktober gick han med i det franska kommunistpartiet och i oktober öppnade han Salon d”Automne och Picasso-retrospektiven. The Ossuary (New York, Museum of Modern Art) målades i april och maj 1945 och bygger på minnet av upptäckten i december 1944 av kroppen av hans avrättade vän, den unge surrealistiske poeten Robert Rius.

Picasso åkte i juli med Dora Maar till Cap d”Antibes, och den 26 november återvände Françoise till Picasso. Efter kriget bestod Picassos vänskapskrets av kommunistiska konstnärer och intellektuella, vilket i viss mening präglade åtminstone en del av hans arbete mellan 1946 och 1953.

Läs också: biografier – Elia Kazan

Vallauris period

1946 flyttade Picasso och Françoise till Golfe-Juan och besökte Matisse i Nice. I början av juli åkte han till Ménerbes (Vaucluse) med Françoise, till det hus han hade gett Dora Maar. Han fick dagligen brev från Marie-Thérèse. Françoise var olycklig och lämnade efter tre veckor för att lifta till Marseille med vänner.Picasso träffade henne på vägen och bad henne komma tillbaka och föreslog att de skulle få ett barn. De besökte Vallauris, där hon stod modell för tre keramikarbeten i Georges Ramiés verkstad i Madoura. När de återvände till Golfe-Juan i augusti var Françoise gravid. Picasso hade träffat Romual Dor de la Souchère, intendent för Musée d”Antibes, i Grimaldi-palatset, men han föredrog att dekorera museet; mellan september och oktober målade han 22 paneler med marina och mytologiska motiv för palatset, som senare skulle bli Musée Picasso i Antibes. Studierna av fauner och klassiska figurer kulminerade i triptyken La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), en titel som han lånade av sin vän Matisse för en målning som speglar den lycka han vid den tiden delade med Françoise. I oktober träffade han Breton, som just hade återvänt från sin exil i USA, på den första filmfestivalen i Cannes. Breton, som hade vägrat att hälsa på Picasso i augusti när de möttes på Golfe-Juan, avvisade återigen Picasso på grund av hans tillhörighet till kommunistpartiet; de träffades aldrig mer. Denna gest var ett förspel till den våldsamma brytningen mellan surrealisterna och kommunismen från 1947 och framåt.

Under 1947 arbetade han med stilleben med temat Uggla på en stol och gravyrer av fauner, kentaurer och bacchanter med temat Sommar i Antibes. I slutet av januari avslutade han oljemålningen Monument to the Spanish Dead för Frankrike (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), som han hade påbörjat i slutet av 1945. I februari påbörjade han en serie av 41 etsningar och akvatintor till utgåvan av Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Tjugo dikter), som publicerades i Paris av Les Grands 1949; i slutet av mars utförde han flera litografier över David och Batseba av Lucas Cranach den äldre (1472-1553); den 15 maj föddes sonen Claude i Paris, ett namn som Françoise valde till ära av Claude Gillot, Watteaus lärare. Paret tillbringade allt mindre tid i ateljén i Paris och allt mer i Golfe-Juan, dit de flyttade med barnet i slutet av juni; i augusti återbesökte han Georges Ramiés keramikverkstad i Vallauris och inledde en intensiv produktion, omkring två tusen verk mellan oktober 1947 och 1948, med formella, tekniska och koloristiska innovationer som ledde till en vitalisering av stadens keramikindustri, som varit på tillbakagång sedan första världskriget. Inom måleri och gravyr producerade han bara några få verk fram till slutet av året; arbetet fortsatte med gravyrerna till Vingt Poèmes de Góngora, några porträtt av Françoise och stilleben. I december gjorde han scenografin för Sophocles Oedipus Rex i regi av Pierre Blanchar.

Våren 1948 lämnade Picasso och Françoise sin lägenhet i Golfe-Juan, och i maj började Picasso arbeta på en serie på 38 etsningar och fyra akvareller för att illustrera Prospero Mérimées Carmen (Paris, La Bibliothèque Française), som han slutförde i november. På sommaren flyttade de till ett litet hus, La Galloise, i bergen runt Vallauris. Françoise etablerade en öppen konstnärlig dialog med Matisse genom korrespondens och besök hos konstnären. Picasso slutförde dikten Les Quatre Petites Filles i sex akter, som han började skriva i november 1947. Den 25 augusti åkte Picasso till kongressen för intellektuella för fred i Wroclaw och återvände till Vallauris i mitten av september. I oktober återvände han till sin ateljé i Paris och Françoise var återigen gravid. Han började arbeta med temat kvinnoblomman och flera stilleben. Han målade två versioner av La Cuisine (Köket), den ena på Musée Picasso i Paris och den andra på MoMA i New York, linjära kompositioner som bygger på rytmer och kraftlinjer, med liten användning av färg. I december målade han flera porträtt av sin son Claude och tryckte 27 modeller av Femme assise dans un fauteuil, en serie där Françoise bär en rock som Picasso tagit med sig från Polen, som fortsatte i januari 1949. Han fortsatte också att arbeta med stilleben med kräftdjur: Nature morte au poron (Stilleben med en porron, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (Den stora röda hummern, privat samling).

I februari 1949 besökte Louis Aragon Picassos ateljé i Paris för att välja ut en teckning till affischen för världskongressen för fredsförespråkare som skulle hållas i Paris i april samma år. Aragon valde att använda colomben, en blå blyertsteckning på papper, som motiv, och bilden blev snabbt känd som fredsduvan.

I mars påbörjade han en serie målningar av Françoise sittande med titeln Femme assise (Sittande kvinna). På våren återvände han kortvarigt till Vallauris och köpte en övergiven fabrik som användes som ateljé, och använde några rum för att förvara sina keramiska verk. Han började också samla föremål och skräp som han senare återanvände i olika verk. Han intensifierade sitt skulpturarbete, som han hade återupptagit året innan: Femme enceinte (Gravid kvinna) gestaltar en kvinnlig gestalt av en lång metallstång, till vilken han lade till två armar ovanför och två ben nedanför, samt en svullen mage med två små bröst i mitten. Han skapade återigen en serie verk inspirerade av Lucas Cranach den äldre: litografierna Vénus et l”Amour (Jeune fille inspirée par Cranach), som ägs av Christie”s, och David et Bethsabée (Cranach) VII (David och Batseba (Cranach) VII), som finns på Musée Picasso i Paris. Picassos variationer av Cranachs David och Batseba hade sitt ursprung i en svartvit reproduktion av katalogen till en utställning om konstnären i Berlin 1937, som Kahnweiler hade gett honom.

Den 19 april 1949 föddes hennes andra dotter, på fredskongressens öppningsdag, och hon bestämde sig för att döpa henne till Paloma, efter den symbol som hon hade skapat för de affischer som fanns överallt på Paris gator.Efter födseln återupptog Françoise sitt arbete som målare, och Kahnweiler erbjöd henne ett kontrakt som hans exklusiva konsthandlare. Familjen återvände till Vallauris på hösten, och Picasso, som hade förlorat en del av sitt intresse för keramik, återvände till måleri och skulptur på ett mer koncentrerat sätt och tillverkade flera bronser, några med afrikanska motiv. Under det följande året ägnade han mest tid åt skulptur.

Den 6 augusti 1950 öppnade Laurent Casanova utställningen L”Homme au mouton i Vallauris. Picasso målade geten, kvinnan med barnvagn och flickan som hoppar rep. Den 15 januari 1951 målade han Massaker i Korea. 1952 ritade han Krig och fred för att dekorera kapellet i Vallauris och skrev en andra pjäs: Les Quatre Petites Filles.

I april 1954 målade han porträtt av Sylvette David. I december inledde han en serie variationer över Delacroix” Kvinnor i Alger. I maj 1955 flyttade han in hos Jacqueline Roque i villan La California i Cannes. I juni hölls en retrospektiv utställning på Musée des Arts Décoratifs. Under sommaren arbetade han med Henri-Georges Clouzot för filmen Picasso Mystère.

År 1956 gjorde han träskulpturerna The Bathers (Stuttgart, Staatsgalerie) som senare skulpterades i brons. Han målade The California Workshop. Den 17 augusti 1957 påbörjade han en serie på 58 tolkningar av Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). Den 29 mars 1958 presenterade han Unescos dekoration: The Fall of Icarus. I september köpte Picasso Château de Vauvenargues och målade Cannesbukten.

Han gifte sig med Jacqueline i Vallauris den 2 mars 1961 och flyttade i juni till Notre-Dame-de-Vie i Mougins (nära Cannes). Han målade: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. I november 1962 målade han Sabine-kvinnornas våldtäkt, som finns på Musée National d”Art Moderne i Paris. Den 19 november 1966 invigdes utställningen i Grand Palais och Petit Palais.

I januari 1970 fick Picasso-museet i Barcelona en donation av de verk som hans familj hade sparat. En utställning med hans verk hölls i Palais des Papes i Avignon från maj till oktober. I april 1971 ställde Louise Leiris Gallery ut 194 teckningar gjorda mellan den 15 december 1969 och den 12 januari 1971. En ny utställning på Louise Leiris Gallery i januari 1973, med 156 etsningar gjorda mellan slutet av 1970 och mars 1972.

Läs också: biografier – Vergilius

Död

1973, vid 91 års ålder, dog han av lungödem i sitt hem i Mougins i Frankrike. De lokala myndigheterna ville dock inte tillåta att han begravdes i herrgården och hans fru Jacqueline beslutade att begrava honom i slottet Vauvenargues, som också ägdes av Picasso, där hon också skulle begravas flera år senare.

Läs också: biografier – Alan Rickman

Andra intressanta länkar

Källor

1. Pablo Picasso
2. Pablo Picasso