Alexander Archipenko
gigatos | april 9, 2022
Sammanfattning
Alexander Porfyrovych Archipenko var en amerikansk skulptör av ukrainskt ursprung, född i Kiev den 30 maj 1887 och död i New York den 25 februari 1964.
Alexander Archipenko var son till en ingenjör och studerade även matematik. Konstnären var fascinerad av förhållandet mellan konst och vetenskap. Han utbildade sig i måleri och skulptur i Kiev och Moskva 1902-1906. Under denna period blev han fascinerad av bysantinska ikoner, fresker och mosaiker i Kiev. Efter en vistelse i Moskva flyttade han 1908 till Paris, där han kom i kontakt med avantgardistiska rörelser, särskilt kubisterna. Han bosatte sig i La Ruche, 2, passage de Dantzig, en före detta vinpaviljong från världsutställningen 1889 som omvandlats till konstnärsateljéer. Han arbetade ensam och föredrog att gå till Louvren för att studera arkaisk grekisk skulptur framför att gå till Beaux-Arts, där han föraktade den akademiska undervisningen. Konstnären hade redan tidigare anklagat sina lärare vid konstskolan i Kiev, som till slut uteslöt honom. Han påverkades av Rodin fram till dess att hans verk presenterades i Moskva 1906, och vid 24 års ålder blev han en av ledarna för avantgardets skulptur i Paris.
År 1910 ställde han ut på Salon des indépendants i Paris. Fredagen den 21 april 1911, på den 27:e Salon des indépendants, blev Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky och Archipenko föremål för en brandtalande kritik som var värdig den kritik som Fauve-utställningen gav upphov till. De betraktas som ”master-cubes” och till och med Guillaume Apollinaire blev förvirrad av denna utställning. De anklagades för kubismens avvikelser, dess karikatyrer och till och med dess antiakademism. Man beklagade Picassos och Braques frånvaro på denna utställning (som enbart ställde ut i Daniel-Henry Kahnweilers galleri).
Hans första separatutställning ägde rum i Tyskland på Folkwang Hagen-museet 1912. Samma år öppnade han en konstskola i Paris och anslöt sig till Section d”Or, där han skapade sina första reliefmålningar: skulpturmålningar. I oktober 1912 anordnades den första utställningen för gruppen Section d”Or på Galerie de la Boétie, med Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis och Archipenko. Trettioen konstnärer med tvåhundra målningar utan Picasso. Utställningen har en didaktisk karaktär: kubismen gick in i en teoretisk fas fyra år efter sin födelse. Utställningen med gruppen Section d”Or gav upphov till hård kritik av dessa revolutionära verk: Apollinaire försvarade dem i sina kolumner i L”Intransigeant eller i förord till kataloger.
År 1913 visades fyra av hans verk på Armory Show i New York. Han gjorde sina första gravyrer som återgavs i den italienska futuristiska publikationen Lacerba 1914. Han deltog i Salon des Indépendants 1914 och Venedigbiennalen 1920. Under krigsåren bodde konstnären i Cimiez nära Nice. Mellan 1919 och 1921 reste han till Genève, Zürich, Paris, London, Bryssel, Aten och andra europeiska städer för att ställa ut sina verk. Hans första separatutställning i USA ägde rum 1921 i New York på Société Anonyme. 1923 lämnade han Berlin för USA där han under åren öppnade flera konstskolor i New York, Woodstock, Los Angeles och Chicago. Under de följande trettio åren undervisade han i USA på konstskolor och universitet, till och med på det kortlivade New Bauhaus. Han blev amerikansk medborgare 1928.
1933 ställde han ut i den ukrainska paviljongen i Chicago som en del av världsutställningen Century of Progress. Mellan 1937 och 1939 var han biträdande lärare vid New Bauhaus School of Industrial Arts i Chicago. De flesta av konstnärens verk i tyska museer konfiskerades av nazisterna i syfte att rensa ut degenererad konst. 1947 skapade han skulpturer som var upplysta inifrån. Han följde med en vandringsutställning av sina verk genom hela Tyskland 1955 och 1956. Han började skriva sin bok Archipenko: 50 Years of Creation 1908-1958, som publicerades 1960. Boken innehåller bidrag från femtio konsthistoriker och texter av Archipenko om konstnärligt skapande. Han valdes in i American Academy of Arts and Letters 1962.
För Archipenko är det ”svårt att klassificera en konstnärs arbete i perioder”. Han tillägger: ”Jag har aldrig tillhört någon skola, jag har blivit utvisad från skolor. Jag forskade, jag uppfann och experimenterade, och sedan blev jag imiterad… För varje konstnär är konsten ett kreativt uppåtgående flöde mot den individuella upptäckten av sanningen i naturens former och perioder är bara lådor i kritikernas medvetande.
Enligt Archipenko är det problem som skulpturen ger upphov till volymen och massornas koppling till varandra. I detta avseende är han till och med mer extrem än moderna skulptörer som Brancusi och Duchamp-Villon, som i likhet med honom tillhör gruppen Gyllene snittet. Hans huvudfråga är tomrummet, som har kraften av det frånvarande objektet och därmed skapar volym. Förenklingen och de uppenbara volymerna samtidigt som den figurativa aspekten bibehålls är principerna för hans skulpturer. Hans konst, som kännetecknas av en stor matematisk stringens, ger kvinnokroppen en dominerande plats. Han minns gärna att de gamla slavernas stenidoler var allestädes närvarande i hans barndom.
Picasso hade utvecklat de första reglerna för denna skulpturala grammatik: polykromi, integrering av de mest olika material, rytmisk användning av planytor och öppna former. Liksom måleriet är den kubistiska skulpturen främst inriktad på förhållandet mellan föremål och rum, på de volymer och tomrum som skiljer dem åt eller i vilka de är placerade. Inflytandet från den italienska futurismen, särskilt genom Boccioni, som Archipenko träffade 1912, ledde till dynamiska former. Archipenko utforskade särskilt dialektiken mellan konkava och konvexa former.
Han utvecklade en personlig stil med stereometriskt förenklade kroppsmassor, rumsligt upprätta figurer, fasade former, skarpa vinklar, kristallina frakturer från kubismens formell inventering och inspirerades även av manierismen.
Med undantag för Boccioni har ingen skulptör ställt analysen av rummet, det centrala problemet för detta årtionde, som ett absolut problem. Ingen konstnär har på ett så personligt sätt drivit samspelet mellan volym och tomrum mot expressiva och lyriska, dynamiska och statuariska områden. Han har lyckats skapa en förening mellan formell stränghet och lekfullhet. Han har förenat de fyra svårfångade elementen rymd, transparens, ljus och reflektion i en enda form, vilket resulterar i en modern skulptur med konkav form.
Torso (1909) är hans första skulptur med kubistiska tendenser. Den visar hur han tar isär volymer och perforerar dem för att få rummet att tränga igenom.
År 1909 och följande år kände han fortfarande inte till kubismen och inspirerades av Barlachs och Köllwitz vikta skulpturer (Kvinna och katt 1910 eller Kvinna med katt 1911). År 1911-12 är de utvikta, och man kan ana kubismens inflytande i hans uppblåsta lår och armar eller tvärtom en eticism (Woman walking 1912). Från och med 1911 deltog han aktivt i den kubistiska rörelsen. De plastiska problem som hans skulptur vid den tiden tog upp var helt nya: fulla volymer, förhållandet mellan tomrum och fulla volymer i hålrum. Han ville symbolisera en ”frånvarande verklighet”. Med Femme qui marche 1912 skonade han för första gången ett huvud i negativ. År 1912 identifierade han sitt favorittema: kroppens och rummets genomträngning, utvecklingen av konkava och konvexa kurvor så att den skulpturala formen på något sätt blir märkbar genom sin matris. Han utvecklade sin egen teori om komplementära former: varje tomrum genererar sin imaginära antites.
Med Medrano, som skapades 1912, skapade han sitt första assemblage av olika målade material (glas, trä och metall). Genom ständig konstnärlig forskning utvecklade han nya metoder för skapande och skapade ett samspel mellan måleri och skulptur. Med Medrano I Le Jongleur från 1912 använde han trä, glas och metalltråd för att skapa ledade dockor som liknade harlekiner av trä med hjälp av glas, metallfolie, tråd, cylindriska koner och skivor som fick energi av polykrom färg. Med denna frigörelse av formen bröt Archipenko med den traditionella skulpturen och etablerade sig som en av avantgardets mästare. Han återupplivade en genre som sedan 1600-talet försummats av den västerländska skulpturen, polychromi.
Hans skulpturmålningar från 1912 är målade gipsreliefer. Mellan måleri och skulptur studerade han det ömsesidiga förhållandet mellan form och färg, där den ena accentuerar eller förminskar den andra. Dessa två konstarter förenas eller kontrasteras på en visuell och andlig nivå, beroende på syftet.
Mellan 1913 och 1916 dominerade formen över verkligheten. Med Dansen från 1912 definierade han ett uppåtgående inre rum som genomsyras av lätthet genom arabesken som bildas av ett par. Han organiserade denna skulptur kring tomrummet. I detta arbete om tomhet och fyllighet var han noga med att inte fullborda kropparna, vars lemmar han stoppade när plasticiteten bjöd honom att göra det genom att införa tomheten som en intressent, som i Kvinna 1915, vars huvud är ritat runt en lucka.
År 1913 skapade han en trådskulptur som Apollinaire kallade ”en baleine de parapluie”. Senare skulle hans behandling av kubismen gå över till konstruktivismen.
Med La Boxe 1913 försökte konstnären översätta sportens brutala energi till abstrakta former. Boxarna reduceras till skarpa former som griper in i varandra och slår våldsamt mot varandra, musklerna ersätts av rytmisk energi.
Tête constructiviste (1913) består av en sammansättning av plan. Gondoliern (1914) är komponerad i något förskjutna sektioner för att ge en känsla av rörelse i det futuristiska perspektivet, och Stilleben (1915) är en av hans få målningar i relief.
När han anlände till USA i början av 1920-talet tog han till sig traditionen: mjukhet råder, perfekt och avslappnad. Med Femme (1920) återvände han genast till skulpturen med en hög metallfigur på en målad panel. Han blev traditionell.
Mellan 1924 och 1928 utvecklade han Archipentura. Archipeintura från 1924 är dukar som sätts i rörelse av skickligt dolda motorer: en elektrisk mekanism vid apparatens bas sätter den centrala ramen i rörelse och tusentals målade fragment dyker upp på ytan i tur och ordning för att bilda en komplett bild. Denna uppfinning genomfördes i New York. Hans forskning har alltid varit inriktad på att animera sina verk visuellt, antingen genom att genomborra dem i massan så att rummet tränger in i dem, eller genom att använda material som glas, trä eller metall och även genom att lägga till färg i skulpturmålningar.
En Famille (1935) är ett koncentrerat verk som är influerat av konstruktivismen.
I de två dimensionerna finns också ett exceptionellt verk som denna kvinnofigur i gouache, vars omväxlande bruna och vita massor skapar kroppens relief (Moonlight in 1937).
På 1940- och 50-talen fortsatte han sina konstnärliga utforskningar med hjälp av material och tekniker. För Figure assise använde han till exempel skärd och tänd plast. Han tog upp sina ursprungliga former, som till största delen hade försvunnit, i gigantiska format (Figures d”acier 1951, Cléopâtre 1957). På 1950-talet insåg han att han hade gjort ett misstag i sin orientering under en längre tid och började pastischera eller rekonstruera sin början, eftersom många av hans verk inte överlevde första världskriget.
Från slutet av 1950-talet återgick han till sin kubo-konstruktivistiska stil, med mycket geometriska figurer som bevarar de betydande tomrummen och oftast är symmetriska (Kimono 1961 eller Roi Salomon 1963).
Läs också: biografier – Auguste Renoir
Externa länkar
Källor
