Antoni Tàpies
gigatos | februari 14, 2022
Sammanfattning
Antoni Tàpies i Puig, I Marqués de Tápies (Barcelona, 13 december 1923 – ibidem, 6 februari 2012), var en spansk målare, skulptör och konstteoretiker. Han är en av världens främsta företrädare för informalismen och anses vara en av 1900-talets mest framstående spanska konstnärer. Den katalanska konstnärens verk har ett studie- och konserveringscenter på Fundació Antoni Tàpies i Barcelona.
Tàpies var självlärd och skapade sin egen stil inom 1900-talets avantgardekonst, där han kombinerade tradition och innovation i en abstrakt stil, men full av symbolik, och där han lade stor vikt vid verkens materiella substrat. Det är värt att lyfta fram den tydliga andliga känsla som konstnären ger sina verk, där det materiella stödet överskrider sitt tillstånd för att betyda en djupgående analys av människans villkor.
Tàpies verk har fått stor uppskattning både nationellt och internationellt och har ställts ut på de mest prestigefyllda museerna i världen. Under sin karriär har han fått många priser och utmärkelser, bland annat Wolf Foundation Prize for the Arts (1981), Generalitat de Catalunyas guldmedalj (1983), Prince of Asturias Prize for the Arts (1990), Unescos Picasso-medalj (1993) och Velázquez Prize for the Plastic Arts (2003). Som ett erkännande av hans konstnärliga karriär tilldelade kung Juan Carlos I honom titeln markis av Tàpies den 9 april 2010.
Antoni Tàpies verk står i traditionen av dessa explosioner som då och då äger rum i vårt land och som flyttar så många döda saker. Den är autentiskt Barcelonisk med universell utstrålning. För detta förtjänar han all min beundran.
Tàpies var son till advokaten Josep Tàpies i Mestres och Maria Puig i Guerra, dotter till en katalansk politikerfamilj. Faderns yrke och moderns familjs förbindelser med medlemmar av det katalanska politiska livet skapade en liberal atmosfär under konstnärens barndom. Tàpies har alltid påpekat att konfrontationen mellan faderns antiklerikalism och moderns ortodoxa katolicism ledde honom till ett personligt sökande efter en ny andlighet, som han fann i österländska filosofier och religioner, främst zenbuddhismen.
Enligt egen utsago väcktes hans konstnärliga kallelse av ett julnummer av tidskriften D”Ací i d”Allà 1934, som presenterade ett omfattande panorama av internationell modern konst. En av de händelser som präglade hans liv var hans konvalescens efter att ha insjuknat i svullnad vid 18 års ålder, en omständighet som fick honom att ompröva meningen med sitt liv, liksom hans kallelse, eftersom han under konvalescensen ägnade sig intensivt åt att teckna. Den feber som han led av ledde till att han ofta fick hallucinationer, vilket skulle bli avgörande för utvecklingen av hans arbete. Under sin vistelse på sanatoriet Puig d”Olena (1942-1943) tog han sin tillflykt till musiken (Wagner) och litteraturen (Ibsen, Nietzsche, Thomas Mann) och gjorde kopior av Van Gogh och Picasso.
Han kombinerade sina studier i juridik vid universitetet i Barcelona, som han hade påbörjat 1943, med sin passion för konst. Han övergick slutligen till måleriet och avbröt sina studier 1946. Han var självlärd och studerade endast kort vid Nolasc Valls Academy. 1946 inrättade han sin första ateljé i Barcelona.
År 1948 var han en av grundarna av tidskriften och rörelsen Dau al Set, som var besläktad med surrealismen och dadaismen. Ledaren för denna rörelse var poeten Joan Brossa, och Tàpies fick sällskap av Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Joan Ponç, Arnau Puig och senare Juan Eduardo Cirlot. Tidskriften fanns kvar till 1956, men Tàpies hade lämnat Paris 1950 och tagit avstånd från gruppen, även om han fortsatte att bidra sporadiskt till publikationen.
Tàpies” tidiga verk var inramade av surrealismen, men från och med då ändrade han sin stil och blev en av informalismens främsta företrädare. Tàpies är en representant för det så kallade ”materiemåleriet” och använde i sina verk material som inte anses vara konstnärliga, utan snarare återvunna eller kasserade, till exempel rep, papper eller marmorstoft.
1948 ställde han ut sina verk för första gången på I Salon d”Octubre i Barcelona och visade två verk från 1947: Pintura och Encolado. Samma år träffade han Joan Miró, en av sina mest beundrade konstnärer. 1949 deltog han i utställningen Un aspecto de la joven pintura catalana på Institut Français i Barcelona, där han sågs av Eugeni d”Ors, som bjöd in honom till VII Salón de los Once i Madrid (1950). 1950 hade han sin första separatutställning på Galeries Laietanes i Barcelona, där han ställde ut igen 1952. Med ett stipendium från Franska institutet reste han till Paris (1950), där han lyckades ställa ut på Carnegie International Competition i Pittsburgh och där han träffade Picasso.
1950 valdes han ut för att representera Spanien på Venedigbiennalen, där han deltog flera gånger. År 1953 ställde han ut i Chicago och Madrid och samma år ordnade konsthandlaren Martha Jackson en utställning för honom i New York, vilket gjorde honom känd i USA. Samma år vann han första pris vid jazzsalongen i Barcelona och träffade kritikern Michel Tapié, rådgivare till Galerie Stadler i Paris, där han ställde ut 1956 och flera gånger sedan dess. 1954 gifte han sig med Teresa Barba i Fàbregas, med vilken han fick tre barn: Antoni (poet), Clara och Miquel Àngel.
Han var en av grundarna av Taüll-gruppen 1955, tillsammans med Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Marc Aleu, Josep Guinovart, Jordi Mercadé och Jaume Muxart. Samma år fick han ett pris vid III Bienal Hispanoamericana i Barcelona och ställde ut i Stockholm tillsammans med Tharrats, presenterad av Salvador Dalí. 1958 hade han ett särskilt rum på Venedigbiennalen och vann det första Carnegiepriset och Unesco-priset.
1960 deltog han i utställningen New Spanish Painting and Sculpture på MOMA i New York. Sedan dess har han ställt ut i Barcelona, Madrid, Paris, New York, Washington, Bern, München, Bilbao, Buenos Aires, Hannover, Caracas, Zürich, Rom, Sankt Gallen, Köln, Kassel, London, Cannes m.fl. och fått priser i Tokyo (1960), New York (1964) och Menton (1966). År 1967 kom han in i konsthandlaren Aimé Maeght och ställde ut på Musée d”Art Moderne i Paris (1973), New York (1975) och Maeght Foundation (1976).
På 1970-talet fick hans verk en mer politisk prägel, med katalanska krav och motstånd mot Francoregimen, i allmänhet med ord och tecken på hans målningar, till exempel den katalanska flaggans fyra ränder (El espíritu catalán, 1971). Denna aktivism ledde honom också till aktioner som att låsa in kapucinerklostret i Sarrià för att starta en demokratisk studentkår (1966) eller marschen till Montserrat i protest mot rättegången i Burgos (1970), för vilken han fängslades en kort tid.
Sedan dess har han haft ett stort antal separatutställningar och antologiska utställningar: Tokyo 1976, New York 1977, Rom 1980, Amsterdam 1980, Madrid 1980, Venedig 1982, Milano 1985, Wien 1986, Bryssel 1986, MNCARS Madrid 2000, Micovna Pavilion, Kungliga trädgården i Prag 1991, MOMA New York 1992, Guggenheim Museum New York 1995, Kirin Art Space Harajuku Tokyo 1996, Centro per l”Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato 1997. Antoni Tàpies verk har ställts ut på världens ledande museer för modern konst. Tàpies har utnämnts till doktor honoris causa av flera universitet och har tilldelats flera priser, bland annat Wolf Foundation Prize for the Arts (1981), Generalitat de Catalunyas guldmedalj (1983) och Prince of Asturias Prize for the Arts (1990).
1990 öppnade Fundació Antoni Tàpies, en institution som konstnären själv skapat för att främja samtida konst, sina dörrar för allmänheten i byggnaden för det tidigare Editorial Montaner i Simón, ett modernistiskt verk av Lluís Domènech i Montaner. Stiftelsen har också en museifunktion, med ett stort antal verk som konstnären har donerat, samt ett bibliotek och ett auditorium.
Tàpies har också gjort scenografier (Or i sal, av Joan Brossa, 1961) och illustrationer till böcker, främst av Brossa (Ú no és ningú, 1979); han har också ägnat sig åt affischdesign och höll en utställning med sina viktigaste affischarbeten 1984, samt grafisk produktion: gravyrer, litografier, serigrafier etc. 2002 gjorde han affischen för Mercè-festivalen i Barcelona.
Som konstteoretiker publicerade Tàpies artiklar i Destino, Serra d”Or, La Vanguardia, Avui m.fl., varav de flesta samlades i böckerna La práctica del arte (1970), El arte contra la estética (1974), La realidad como arte (1982) och Por un arte moderno y progresista (1985), samt självbiografin Memoria personal (1977). I sina verk attackerade han både den traditionella konsten och det extrema avantgardet inom konceptkonsten.
Vid övergången till 2000-talet fortsatte Tàpies att få många nationella och internationella utmärkelser, och retrospektiva utställningar av hans verk anordnades på de bästa museerna och gallerierna i världen. I samband med hans 80-årsdag 2003 hölls en retrospektiv utställning av hans bästa verk på Fundació Antoni Tàpies, med öppet hus för allmänheten. År 2004 anordnades en hyllning till hans personlighet på MACBA i Barcelona, med en stor utställning med 150 verk från 1940-talet fram till idag, inklusive målningar, skulpturer, teckningar och andra kreationer av den lysande konstnären.
Bland hans senaste offentliga handlingar kan nämnas hans samarbete med José Saramago 2005 för att försvara den baskiska pacifistgruppen Elkarri, och donationen samma år av hans verk 7 de noviembre till Kataloniens parlament för att fira 25-årsdagen av restaureringen av verket. I oktober 2007 donerade han ett originalverk till kampanjen mot nedläggningen av TV3 i Valencia, så att reproduktioner kunde säljas för tio euro och på så sätt betala de böter som Generalitat Valenciana (den regionala regeringen i Valencia) ålade ACPV. Samma år lämnade han ett meddelande i Caja de las Letras på Instituto Cervantes, som inte kommer att öppnas förrän 2022. Den 9 april 2010 utnämndes han till markis av Tàpies av kung Juan Carlos I.
Antoni Tàpies avled den 6 februari 2012 i sitt hem i Barcelona, 88 år gammal.
Tàpies var praktiskt taget självlärd på det konstnärliga området, men han var ändå en mycket kulturell man som älskade filosofi (Nietzsche), litteratur (Dostojevskij) och musik (Wagner). Han var en stor försvarare av den katalanska kulturen, som han var djupt genomsyrad av: han var en stor beundrare av den mystiske författaren Ramon Llull (som han gjorde en gravyrbok om mellan 1973 och 1985), liksom av den katalanska romanska och modernistiska arkitekturen av Antoni Gaudí. Samtidigt var han en beundrare av österländsk konst och filosofi, som i likhet med Tàpies suddade ut gränsen mellan materia och ande, mellan människa och natur. Han är influerad av buddhismen och visar i sina verk hur smärta, både fysisk och andlig, är en naturlig del av livet.
Tàpies började med konst genom realistiska teckningar, främst porträtt av familj och vänner. Hans första kontakt med den tidens avantgardistiska konst ledde till att han anslöt sig till en surrealism med magisk ton som påverkades av konstnärer som Joan Miró, Paul Klee och Max Ernst, en stil som utkristalliserades under hans tid på Dau al Set.
Dau al Set var en rörelse som främst påverkades av dadaismen och surrealismen, men som också tog tillvara på många litterära, filosofiska och musikaliska källor: de återupptäckte den mallorcanske mystikern Ramon Llull, Wagners, Schönbergs och jazzens musik, Gaudís konstnärliga verk och Poes och Mallarmés litterära verk, Nietzsches och den tyska existentialismens filosofi, Freuds och Jungs psykologi, och så vidare. Hans måleri var figurativt, med en tydlig magisk-fantastisk komponent, liksom en metafysisk karaktär, med en oro för människans öde.
Efter sin tid på Dau al Set inledde han 1951 en fas av geometrisk abstraktion och övergick 1953 till informalismen: 1951 reste han till Paris, där han bekantade sig med de nya europeiska trenderna och nya bildtekniker (här kom han i kontakt med informalistiska konstnärer som Jean Fautrier och Jean Dubuffet). Informalismen var en rörelse som uppstod efter andra världskriget och som visade spåren av kriget i en pessimistisk människosyn, influerad av den existentialistiska filosofin. Konstnärligt kan informalismens ursprung spåras tillbaka till Kandinskys abstraktion och dadaismens experiment med olika material. Informalismen strävar också efter en interrelation med åskådaren, inom ramen för begreppet ”öppet verk” som den italienske teoretikern Umberto Eco uttrycker.
Inom informalismen tillhörde Tàpies den så kallade ”matter painting”, även känd som ”art brut”, som kännetecknas av teknisk blandning och användning av heterogena material, ofta avfall eller återvunnet material, som blandas med traditionella konstmaterial i sökandet efter ett nytt konstnärligt uttrycksspråk. De främsta företrädarna för materiemåleriet var, förutom Tàpies, de franska konstnärerna Fautrier och Dubuffet samt spanjoren Manolo Millares. Från 1950-talet och framåt var materiemåleriet Tàpies främsta uttrycksmedel, och han arbetade med det med olika egenheter fram till sin död.
Tàpies mest karakteristiska verk är de där han använder sin blandning av olika material i kompositioner som har samma konsistens som väggar, till vilka han lägger till olika särskiljande element genom tecken som betonar verkets kommunikativa karaktär, vilket påminner om den populära konsten ”graffiti”. Denna väggliknande konsekvens har alltid lockat Tàpies, som också gärna relaterade sin stil till etymologin i sitt eget efternamn:
”Väggen är en bild som jag fann lite överraskande. Det var efter några målerisessioner där jag kämpade så mycket med det plastmaterial jag använde och fyllde det med så många repor som målningen plötsligt förändrades, tog ett kvalitativt språng och förvandlades till en stilla, lugn yta. Jag upptäckte att jag hade målat en vägg, en vägg som samtidigt var relaterad till mitt namn.
Av största betydelse för Tàpies är också den ikonografiska karaktär som han ger sina verk genom olika tecken som kors, månar, asterisker, bokstäver, siffror, geometriska figurer etc. För Tàpies har dessa element en allegorisk innebörd som rör konstnärens inre värld och som framkallar transcendentala teman som liv och död, ensamhet, bristande kommunikation eller sexualitet. Varje figur kan ha en specifik betydelse: bokstäverna A och T står för initialer i hans namn eller för Antoni och Teresa (M:et förklarar han på följande sätt):
”Vi har alla ett M på handflatan, vilket betyder döden, och på foten finns rynkor i form av ett S. Allt sammantaget var en säker död”.
Ett annat utmärkande drag hos Tàpies var hans stränga kromatik; han rörde sig i allmänhet i stränga, kalla och jordnära färger som ockra, brunt, grått, beige eller svart. Konstnären ger oss sin egen förklaring:
”Om jag har börjat måla enbart i grått beror det delvis på min reaktion på den kolorism som präglade konsten i generationen före min generation, ett måleri där man använde mycket primärfärger. Att ständigt vara omgiven av reklam och skyltar som är typiska för vårt samhälle ledde också till att jag sökte efter en mer internaliserad färg, som skulle kunna definieras som drömmarnas och vår inre världs dysterhet och ljus. Den bruna färgen är relaterad till en filosofi som är nära knuten till franciskanismen, till franciskanermunkarnas dräkt. Det finns en tendens att leta efter vad de glada färgerna säger: rött, gult, men för mig är grå och bruna färger mer inre, de är mer relaterade till den filosofiska världen”.
Tàpies visade i sitt arbete en stor omsorg om människans problem: sjukdom, död, ensamhet, smärta och sex. Tàpies gav oss en ny syn på den enklaste, vardagliga verkligheten och upphöjde den till höjder av sann andlighet. Tàpies livsåskådning fick näring av den existentialistiska filosofin, som betonar människans materiella och dödliga tillstånd, den existensångest som Sartre talade om; den ensamhet, sjukdom och fattigdom som vi ser hos Tàpies kan också återfinnas i Samuel Becketts och Eugène Ionescos verk. Existentialismen pekar på människans tragiska öde, men den försvarar också hennes frihet, individens betydelse och hennes förmåga att handla inför livet. På så sätt ville Tàpies genom sin konst få oss att reflektera över vår egen existens:
”Jag tycker att ett konstverk ska lämna betraktaren förbryllad och få honom att meditera över meningen med livet”.
På 1970-talet började han, influerad av popkonsten, använda mer solida föremål i sina verk, till exempel möbeldelar. Användningen av vardagliga element i Tàpies verk har dock inte samma syfte som i popkonsten, där de används för att trivialisera konsumtionssamhället och massmedierna. I Tàpies verk är däremot det andliga substratet alltid närvarande, betydelsen av enkla element som en frammaning av en större universell ordning.
Tàpies anses ofta vara en föregångare till arte povera genom sin användning av fattiga och avfallsmaterial, även om man återigen måste betona den konceptuella skillnaden mellan de två stilarna.
I sitt mest karakteristiska verk inom informalismen använde Tàpies tekniker som blandade traditionella konstpigment med material som sand, kläder, halm etc., med en dominans av collage och assemblage och en textur som ligger nära basrelief.
Tàpies definierade sin teknik som ”blandad”: han målade på duk, i medelstora format, i horisontellt läge och lade på ett homogent lager monokromatisk färg på vilken han applicerade ”blandningen”, en blandning av krossat marmorstoft, bindemedel, pigment och olja, som han applicerade med en palettkniv eller med sina egna händer.
När det var nästan torrt gjorde jag ett grattage med hessisk tyg som jag applicerade på ytan, och när det hade fastnat slet jag av det, vilket skapade en reliefstruktur med rivna, repade eller till och med perforerade områden som kontrasterade mot kluster och materialtäthet i andra delar av målningen. Därefter gjorde han ett nytt grattage med olika verktyg (panna, kniv, sax, pensel). Slutligen har han lagt till tecken (kors, månar, asterisker, bokstäver, siffror etc.) i kompositioner som påminner om graffiti, samt fläckar som applicerats genom droppning.
Han lade inte till några fixeringselement, vilket innebar att verken snabbt försämrades – blandningen är ganska flyktig – men Tàpies försvarade nedbrytningen som en förlust av idén om konstens evighet; han ville att hans verk skulle återspegla känslan av tidens gång. Hans egna spår i sina verk, de snitt han gjorde, som för honom var en återspegling av naturen, bidrog också till detta.
Tàpies började med att teckna, oftast med tusch, och han ägnade sig främst åt porträtt, företrädesvis av familj och vänner, med stor realism: Josep Gudiol, Antoni Puigvert, Pere Mir i Martorell, Självporträtt (1944). Han började intressera sig för nya tekniker och började sätta sin prägel på sina verk: Zoom (1946), ett omvänt porträtt, i form av en sol, med en gul ton som influerats av Van Gogh och ett mycket rent spanskt vitt, vilket ger en stark luminositet.
Mot 1947 producerade han mer flytande teckningar, influerade av Matisse. Senare började han sitt redan autentiskt personliga arbete med tjocka material och korta, separata penseldrag, med ett primitivt och expressionistiskt uttryck, med ett magiskt och panteistiskt tema (Triptych, 1948).
Under Dau al Set-perioden var Tàpies en del av en figurativ magisk surrealism, influerad av Joan Miró, Paul Klee och Max Ernst: Nymfer, Dryader och Harpier (Katten, influerad av Klee, stark chiaroscuro, fantastisk, overklig värld, mörka färger; Brunhildes sorg, influerad av den tyska expressionismen när det gäller kontrasterna av färg, ljus och skugga) och Brunhildes smärta, influerad av den tyska expressionismen när det gäller kontrasterna av färg, ljus och skugga.
Efter sin tid på Dau al Set inledde han 1951 en fas av geometrisk abstraktion och övergick 1953 till den informalism med en materiell tendens som skulle komma att känneteckna hans verk. Hans verk fick gradvis en tjockare täthet, med mycket tät impasto, med en grattering som han använde sig av med en omvänd pensel för att skapa relief. Han gjorde också collage med tidningar eller kartong, återvunnet material eller till och med detritat material, vilket visar på Kurt Schwitters inflytande (Collage av strängar och ris). Hans typiska färger var mörka: kastanj, ockra, beige, brun, brun, brun, svart; vitt är vanligtvis ”smutsigt”, blandat med mörka toner. Endast sporadiskt försökte han sig på livliga färger, såsom rött (Red and Black with Torn Areas, 1963-1965) och blått (Blue and Two Crosses, 1980).
1954 gjorde han skulpturala paneler i relief på fasaden till kontorsbyggnaden Finanzauto på 216 Balmes Street i Barcelona, med motiv som anspelar på Piaristerna, ägarna till byggnaden.
Mellan 1955 och 1960 hade han sin mest radikalt materialistiska period, med en stram stil, neutrala, jordnära färger och ett överflöd av tecken: kors, T (från Tàpies), kors i ett kors (X), 4 (för de fyra elementen och de fyra kardinalpunkterna, som en symbol för jorden), etc.: stor grå målning (1956), stor oval (1956), vit oval (1957), T-formad målning (1960).
I Tàpies verk är det också viktigt att den mänskliga kroppen är närvarande, vanligtvis i separata delar, i schematiska former, ofta med ett utseende av nedbrytning, kroppen verkar söndersliten, angripen, genomborrad. Detta kan ses i El fuego interior (Relief ocre y rosa (Relief i form av en armhåla) (Cráneo blanco (Vit skalle) (Kropp (1986) speglar en liggande figur som framkallar döden – vilket betonas av ordet ”Tartaros”, det grekiska helvetet); Días de Agua I (Dagar av vatten I) (1987), en kropp som är nedsänkt i vågor av grå färg, vilket påminner om legenden om Hero och Leandro (Dagar av vatten I) (1987).
Ett annat kännetecken för Tàpies är att han i sina verk använder sig av de mest varierande föremålen: Caja de cordeles (1946) föregrep redan denna tendens, med en låda full av sladdar som är arrangerade på ett radiellt sätt som påminner om en hårbotten; Puerta metálica y violín (1956) är en märklig sammansättning av de två ovannämnda elementen, som till synes är motsatta, den ena på grund av sin prosaiska karaktär och den andra på grund av sin höga konstnärliga och intellektuella innebörd; Pressad halm med X (Cushion and Bottle (1970)), en ny kombination av två olikartade föremål, syftar till att kontrastera en kudde av förfinad borgerlig smak med en enkel glasflaska med en nästan proletär prägel.
Geometriska figurer är också viktiga i Tàpies verk, kanske påverkade av katalansk romansk eller primitiv och orientalisk konst: White Oval (Folded Matter) (1981), en duk som liknar Kristi sjal, med vissa reminiscenser som påminner om Zurbarán, en målare som Tàpies beundrade; The Ladder (1974), som en symbol för uppstigning, inspirerad av verk av Miró, till exempel Dog Barking at the Moon eller Carnival of the Harlequin.
Även om Tapians verk utvecklades på ett enhetligt sätt från informalismens början, uppstod med tiden subtila skillnader i både teknik och innehåll: mellan 1963 och 1968 påverkades han i viss mån av Pop Art i sitt sätt att se på den omgivande verkligheten, där vardagsföremålet betonas: Materia i form av en hatt, ram, kvinna, materia i form av en valnöt, bord och stolar (1968), materia med en filt (1968), stort knippe halm (1968), pressat halm (1969). Mellan 1969 och 1972 gav han företräde åt katalanska teman: Atención Cataluña (1969), El espíritu catalán (1971), Pintura románica con barretina (1971), Sardana (1971), Inscripciones y cuatro barras sobre arpillera (1971-1972), Cataluña-Libertad (1972).
Under perioden 1970-1971 hade han en konceptuell fas, då han arbetade med detritiska material, med fettfläckar eller råmaterial: Pica de lavar con cruz, Mueble con paja, Palangana con Vanguardias, Paja cubierta con trapo. Efter en krisperiod fram till slutet av 1970-talet, då han fokuserade på skulptur och gravyr, förnyade han från 1980 tekniker och teman och återgick till en viss informalism. Under detta årtionde, under inflytande av den postmoderna konsten – särskilt den tyska nyexpressionismen – införde han också mer figurativa element, i allmänhet som en hyllning till traditionella stilar och konstnärer i konsthistorien, som i Recuerdo (1982), som anspelar på Leonardo Da Vinci, eller Materia ocre (1984) och Mancha marrón sobre blanco (1986), som påminner om barocken.
Under 1990-talet fick han en rad institutionella uppdrag: 1991 målade han De fyra krönikorna i Tarradellas-salen i Generalitat de Catalunyas palats. 1992 fick han i uppdrag att dekorera Kataloniens och Internationella olympiska kommitténs muralpaviljonger för världsutställningen i Sevilla. Samma år uppstod en stor kontrovers om det projekt som Barcelonas kommunfullmäktige beställde för att dekorera den ovala salen i nationalpalatset på Montjuïc, där MNAC ligger. Tàpies planerade en skulptur i form av en strumpa, 18 meter hög, med betydelsen, enligt honom själv, av ”en ödmjuk strumpa i vilken meditation föreslås och med vilken jag vill visa på betydelsen av små saker i den kosmiska ordningen”. Men på grund av att folket förkastade projektet och den katalanska regeringen motsatte sig det, blev arbetet aldrig slutfört. Trots detta tog konstnären flera år senare upp projektet igen och byggde sitt verk på terrassen på Fundació Antoni Tàpies, som stiftelsens främsta representativa verk efter återöppnandet 2010, efter två års renovering av museet. Det ursprungliga projektet på 18 meter byggdes dock inte, utan en mindre version på 2,75 meter.
1994 fick Tàpies i uppdrag av Pompeu Fabra-universitetet att anpassa ett utrymme till ett sekulärt kapell, det vill säga till en plats för reflektion och meditation. Utrymmet var en del av universitetets Agora Rubió i Balaguer, som ritats av arkitekten Jordi Garcés och som förbinder de tidigare kasernbyggnaderna Roger de Llúria och Jaume I med varandra under jord, och som förutom kapellet innehåller ett auditorium och en utställningssal. Tàpies tänkte sig rummet som en tillflykt från omvärlden och lät den arkitektoniska strukturen vara som den var, med betongväggar, och installerade en rad konstnärliga ingrepp för att fullborda kapellets känsla av samlande: muralmålningen Diptych of the Bell och skulpturen Serpent and Plate, samt några klockstolar som hängts upp på väggen och en hessianmatta, allt för att skapa en atmosfär av meditation och vila. Skulpturen är placerad på ett altare, med en stor porslinstallrik på vilken ormen är placerad; vi kan ana en föregångare till projektet för strumpan till nationalpalatset, som också skulle ha placerats på ett altare.
När det gäller skulptur har han börjat med assemblage-teknik på 1970-talet och övergått till att använda terrakotta från 1981 och brons från 1987, alltid på samma sätt som i sitt måleri, med blandade tekniker och användning av återvunnet material eller avfall, i ibland ovanliga associationer som syftar till att chocka betraktaren. Hans hyllning till Picasso (Parc de la Ciutadella, 1983) och den keramiska mosaiken på Plaça de Catalunya i Sant Baudílio de Llobregat (1983), liksom installationen Moln och stol på Fundació Tàpies (1989), utmärker sig särskilt.
Källor
