Barnett Newman
gigatos | januari 21, 2022
Sammanfattning
Barnett Newman (29 januari 1905, New York – 4 juli 1970, New York) var en amerikansk målare. Han är en av de viktigaste företrädarna för den abstrakta expressionismen och en av de första målarna inom Colorfield Painting.
Läs också: biografier – Django Reinhardt
Barndom
Barnett Newman föddes den 29 januari 1905 i familjens hem på 480 Cherry Street på Lower East Side på Manhattan i New York City. Hans föräldrar Abraham och Anna (födda 1874 respektive 1882) var judiska invandrare från den polska staden Lomza.
Fadern försörjde sig genom att sälja delar till symaskiner till arbetare i klädfabriker. Barnett Newman hade fyra syskon. Den äldsta av dem dog som barn, vilket gjorde Barnett till den äldsta av syskonen. Abraham Newman startade ett företag för industriella kläder. Hans affärsverksamhet blomstrade och 1915 hade familjen Newman flyttat till Belmont Avenue, ett medelklassområde i Bronx. Där fick Barnett en barndom fylld av sport och pianolektioner.
Familjen Newman var sionister och barnen gick i National Hebrew School i Bronx. Utöver skolans undervisning får barnen undervisning hemma av unga judar från Europa.
Läs också: biografier – Kambyses II
Ungdom
Mellan 1919 och 1923 studerade Barnett Newman vid DeWitt Clinton High School. Newman berättade senare att han regelbundet skolkade från skolan för att underhålla det närliggande Metropolitan Museum of Art.
Under sitt första år i gymnasiet sökte Newman ett mellannamn, som blev Benedict, en avledning av hans hebreiska namn Baruch. Senare skulle han kallas ”Barney” och sedan ”B.B.”. Newman använde ett extra ”B” i sin namnteckning som han använde resten av sitt liv på alla sina officiella dokument.
När han gick sista året på gymnasiet arbetade Newman med sin teckning sex dagar i veckan på Art Students League. Han fick sin belöning när hans mycket utarbetade teckning valdes ut på en utställning med de bästa elevarbetena.
På den här skolan träffade Newman mellan 1923 och 1927 Adolph Gottlieb, som redan hade börjat sitt konstnärsliv eftersom Gottlieb hade hoppat av gymnasiet 1921 för att studera konst och besöka Europa. De blev vänner och besökte regelbundet Metropolitan Museum of Art.
Efter gymnasiet skrev Newman in sig på New York University där han studerade filosofi. Han skrev artiklar i skoltidningen The Campus och i studenternas litterära tidskrift The Lavander. Han publicerade till exempel en recension av Roger Fry. Under sina studier blev han vän med Aaron Siskind, en konstnär som senare skulle bli en välkänd fotograf.
På 1930-talet målade han vad som sägs ha varit expressionistiska verk, men förstörde dem alla. Därefter blev han författare och konstkritiker, organiserade utställningar och skrev katalogförord. Senare blev han medlem i Uptown Group.
Läs också: biografier – Luigi Cadorna
Efter universitetet
1927 erbjöd Newmans far honom att gå med i familjens blomstrande företag för att spara pengar inför den osäkra framtid som en konstnär skulle kunna gå till mötes. Barnett Newman accepterade och fick sällskap av en av sina bröder.
När aktiemarknaden kraschar i oktober 1929 befinner sig familjens klädföretag i kris. Medan hans bror lämnade företaget stannade Barnett Newman kvar och försökte hjälpa sin far att rädda företaget. Men verksamheten fortsätter att kollapsa. Barnett lämnade företaget och försökte bli konstlärare i New Yorks offentliga skolor. Han blev vikarierande konstlärare och tjänade 7,50 dollar om dagen.
Genom sin vän Gottlieb träffade han målaren Milton Avery på 1930-talet. De blev centrum för en grupp unga konstnärer som ofta träffades i Milton Averys hus för att studera deras verk och diskutera litteratur. Newman och Gottlieb bodde tillsammans under denna period.
Några år senare lade Newman fram ett manifest tillsammans med en vän med titeln ”The Need for Public Action by Men of Culture” (Behovet av offentliga åtgärder från kulturmänniskor), som bestod av tre delar: bredare utbildning, större hänsyn till hantverket och främjande av kulturlivet.
1934 blev Newman vän med Annalee Greenhouse, som han delade musik med och njöt av. Hon blev hans hustru en tid senare.
År 1935 tog han upp ett arbete som han hade gjort som student om försvaret av tjänstemännens rättigheter (lärare, sophämtare etc.) som han kallade ”Svaret” och skrev: ”De böcker vi rekommenderar” och spred böcker som Spinozas etik, Platons republik och en spegeltext med titeln: ”De böcker vi fördömer” och citerade Marx” och Lenins verk.
Läs också: biografier – Richard Hamilton
Hans lärarkarriär
Den 30 juni 1936 gifte sig Annalee och Barnett. Paret ville flytta till Maine, men ekonomiska bekymmer tvingade dem att återvända till sina lärarjobb i New York.
1939 fick Annalee ett vanligt lärarjobb på en gymnasieskola i Queens (William Cullen Bryant School).
En akvarell av Newman med titeln ”Country Studio” ingick i en konstutställning som anordnades av medlemmar av Art Teachers” Association i mars 1940. Denna akvarell är nästan lik kampanjen ”Kan vi rita?” som hade publicerats två år tidigare. I oktober samma år beslutade Newman att sluta med några av de kvällskurser i screentryck som han höll. Han fortsatte att intressera sig för naturvetenskap. Han deltog i kurser vid American Museum of Natural History och valdes in som associerad medlem i American Ornithologists” Union. Under sommaren studerade Barnett och Annalee fåglar och marint liv i Maine och tog sedan kurser i botanik och ornitologi vid Cornell University i Ithaca, New York.
Läs också: biografier – Cimabue
Konstnärlig karriär
1943 skrev Barnett Newman förordet till katalogen för AMA:s första utställning, American Modern Artists. Utställningen var en protest mot Metropolitan Museum of Art i New York, som uteslöt modern konst från sina utställningar. År 1945 ägnade han sig åt flera skrifter som skulle publiceras efter sin död, till exempel ”The Plasma Image”, en essä där han redogör för sina idéer om abstrakt konst. Samma år fick Newman och hans fru veta att några familjemedlemmar hade deporterats av nazisterna. Det var vid den här tiden som de blev nära vänner med Tony Smith, en arkitekt och konstnär som hjälpte honom att organisera utställningar. I slutet av samma år anslöt sig Newman till de konstnärer som ställde ut på Betty Parsons utställning. Detta var Newmans första utställning sedan 1940 års utställning med sina vänner, medlemmarna i Art Teachers Association.
1947 träffade Newman Jackson Pollock och Lee Krashner. Newman och Pollock fick en stark vänskap. Pollock var en konstnär som ställde ut sina verk på den senaste utställningen ”Art of This Century” som Peggy Guggenheim skapade. Newmans väninna Betty Parson lade senare till Pollock bland de konstnärer som hon ställde ut i sitt galleri. Newman förberedde ett evenemang på Betty Parsons galleri samma år där han ställde ut sina verk: Gea och Euclidian Abyss.
I juni 1947 dog Newmans far. I slutet av skolåret lämnade Newman sitt jobb och sitt äktenskap för att leva på Annalee, sin hustrus enda inkomst. Newman skrev en essä med titeln Den första människan var en konstnär. Denna essä publicerades i det första numret av Tiger”s Eye, en liten konsttidskrift. Han gjorde ett viktigt bidrag genom att skriva om ”Varför jag målar”, där han sa: ”En konstnär målar för att ha något att titta på, ibland måste han skriva för att ha något att läsa. Samma år ställdes hans verk Euclidian Abyss ut av abstrakt och surrealistisk amerikansk konst på Art Institute of Chicago i november 1947. Denna målning var Newmans första försäljning. Målningen köptes av samlare i Connecticut.
Året därpå, 1948, målade Newman Onement I. Denna målning måste ses som ett stort genombrott i hans karriär, och de följande två åren skulle bli de mest produktiva i hans liv. Onement I ingår i Onement-serien, tillsammans med Onement II och Onement III. Tidigt på hösten bildade William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell och Mark Rothko en kooperativ konstskola. Newman föreslog att skolan skulle heta Artist”s Subjects för att betona objektets betydelse i den abstrakta konsten.
1949 skapade Newman sjutton verk under samma år, vilket var det mest produktiva under hans karriär. I januari anslöt sig Newman till konstnärens Subjects-fakultet. Paret Newman hjälpte till att organisera föreläsningar för skolan. Trots sin popularitet stängde skolan i maj 1949.
1950 hade Newman sin första separatutställning i Betty Parsons galleri. Omedelbart efter denna första utställning sade Barnett Newman vid en konstsession i Studio 35: ”Vi skapar på sätt och vis världen till vår avbild. Med hjälp av sin talang som författare kämpade Newman för att förstärka sin nya image som konstnär och för att marknadsföra sitt arbete. Men recensionerna var i stort sett negativa. ARTNews skriver: ”Newman är där för att chockera, men han är inte där för att chockera borgarklassen – det har redan gjorts. Han gillar att chocka andra konstnärer. Endast en målning (End of Silence) såldes till vänner till hans fru. Efter utställningen var Newmans vinst 84,14 dollar.
Tillsammans med sjutton andra konstnärer skrev Newman ett brev där han protesterade mot Metropolitan Museum of Art och dess negativa syn på modern konst. Brevet publicerades i New York Times den 22 maj 1950 och utlöste ett stort antal ledare i lokala och nationella publikationer. Samma år gjorde han sin första skulptur Here I av trä och gips. Konstnären reflekterade över vertikaliteten och betonade den i detta bronsverk. Samma år gjorde han också The Wild, som är en lång, smal duk. Dess yta är målad orange och dess kant gråblå.
I april 1951 ställde Newman ut en andra gång på Betty Parsons galleri. Det var på denna utställning som en 5,40 meter lång och 2,40 meter bred målning, Vir Heroicus Sublimis, först dök upp. Tyvärr fördömde kritikerna honom ännu en gång och ingen av målningarna såldes. Han drog så småningom tillbaka sina verk från galleriet och upphörde med all verksamhet där. Denna målning skulle senare bli hans mest kända verk.
I en essä med titeln ”Feelings is all”, som publicerades 1952, erkände kritikern Clement Greenberg sent omsider Newmans verk från 1950 och 1951 på sina utställningar och fördömde hans kritiker. Han förklarade: ”Newman är en mycket viktig och originell konstnär”. I april 1952 uteslöts Newman från Museum of Modern Art, som visade femton amerikanska konstnärer, däribland många av hans vänner som Pollock och Rothko. Denna händelse gjorde Newman djupt skadad. I utställningskatalogen kan man läsa: ”För min vän Barnett Newman, som också borde ha varit representerad i denna utställning”.
I juni 1953 köpte han tillbaka några av sina verk. Han förklarade att han ville ta bort alla dessa ”små” målningar från allmänheten. Denna handling är representativ för Newmans önskan att dra sig tillbaka från den officiella konstvärlden. Han ställde inte ut igen förrän 1955.
År 1955 fyllde Newman femtio år och trots att hans fru började jobba extra, var parets ekonomiska situation osäker. Paret tog lån och pantsatte värdesaker. Samma år berömde kritikern Clement Greenberg Newmans konst och beskrev den som ”djupgående och ärlig”, men han sade också att han var en lärjunge till Still och att hans verk var mycket likt hans vän Rothkos. Det sista uttalandet irriterade Newman djupt. Man kan till exempel citera hans brev av den 9 april 1955: ”Brev till Sidney Janis: – Det är sant att Rothko talar till kämpen. Han kämpar dock för att underkuva filistéernas värld. Min kamp mot det borgerliga samhället har övertygat mig om att förkasta det helt och hållet.”
I samband med Betty Parsons galleris tioårsjubileum ställde han ut ett av sina verk ”Horizon Light”. Detta var hans första offentliga utställning sedan 1951. Fram till 1957 gjorde han inga målningar, och om han gjorde det, övergav han dem. Hans vän Jackson Pollock visar Newmans ateljé för Ben Heller, en ung samlare, som köper två målningar, Adam och Queen of the Night I, för 3 500 dollar. Kort därefter dog Jackson Pollock i en bilolycka på Long Island, vilket påverkade paret Newman mycket.
I juni 1957 deltog Newman i Minneapolis Institute of Arts utställning. Men hans problem med kritikerna fortsatte: ”Det dummaste i utställningen är Barnett Newman med Vir Heroicus Sublimis. Några månader senare, mot slutet av året, drabbades Newman av en hjärtattack och låg på sjukhus i sex veckor.
Därefter, 1958, fick han hjälp av sin fru, mor och syster i sin lägenhet och målade mycket lite, bland annat två målningar som senare kallades First Station och Second Station. Dessa målningar var de första i en lång serie med titeln ”Korsets väg”. Senare bjöd Ben Heller, den unge samlaren, in Alfred Barr och Dorothy Miller från Museum of Modern Art att besöka Newmans ateljé. Fyra av hans målningar, Abraham, Concord, Horizon Light och Adam, ställdes sedan ut på en vandringsutställning på Museum of Modern Art och han reste till Milano, Madrid, Berlin, Amsterdam, Bryssel, Paris och London och återvände till New York året därpå.
Under en affärsresa 1959 såg Arnold Rudlinger, en schweizisk konsthistoriker och museichef som skulle komma att betraktas som en av pionjärerna för amerikansk konst i Europa, ett verk av Newman med titeln Day Before One. Han köpte verket och blev den första personen som fick en offentlig samling med ett Newman-verk. Senare följde MoMA efter och blev det första amerikanska museet att ha ett Newman-verk.
Barnett Newman fick sedan en utställning som organiserades av konstkritikern och gallerirådgivaren Clement Greenberg. Kritikerna förblev fientliga, men utställningen var av intresse för den yngre generationen konstnärer i New York, för vilka det var första gången de fick se hans verk. I augusti 1959 reste paret Newman till Kanada där Barnett ledde en sommarworkshop för kanadensiska konstnärer. Han blev mycket inflytelserik för dessa unga konstnärer, av vilka många sedan åkte till New York. En av dem, skulptören Robert Murray, sade senare: ”Han hjälpte oss med vår provinsiella paranoia… Han fick det att verka viktigt att vara konstnär.
1960 avslutade han de grova dukarna med svart färg. Det var vid denna tidpunkt som han började tänka på korsvägsstationer som en serie. Han arbetade med det under de följande sex åren. Han kommer också att arbeta med grafiska verk, vilket han inte har gjort på elva år. Han har gjort en serie av 22 bläckteckningar som är 4,20 meter gånger 3 meter stora. I januari 1961 köptes målningen Vir Heroicus Sublimis av Ben Heller. Andra försäljningar det året var L”Errance och Onement VI.
I februari drabbades Barnett Newman av en djup depression till följd av sin yngre bror Georges plötsliga död. För att få honom ur denna situation bjuder hans vän Cleve Gray in honom till ett litografiprojekt på Pratt Institute Graphic Art Center. Detta var hans första erfarenhet av tryckning. Kort därefter målade han en målning i ekru och svart tillägnad sin bror George, Surgit la lumière (För George).
I januari 1962 avböjde han inbjudningar till viktiga evenemang som Gallery of Modern Art i Washington och evenemanget ”Geometric Abstraction” på Whitney Museum of American Art i New York. Det var också under detta år som han skapade en målning med namnet Den tredje. Med hjälp av Robert Murray deltog Newman i en gjutning med sin skulptur Here I (To Marcia) från 1950 på Modern Art Foundry i Queens. Han fick sitt namn efter Marcia Weisman, som uppmanade honom att göra en rollbesättning.
Den 23 oktober 1962 höll Newman och De Kooning en utställning med sina verk i Tony Smiths galleri. Kritikens vågor gick äntligen till Newmans fördel och han förklarades nu vara en av de ”mest anmärkningsvärda konstnärerna som lever idag”.
1963 publicerade tidningen Vogue en lysande biografisk essä av Harold Rosenberg med titeln ”Barnett Newman, a man of controversy and spiritual greatness” (Barnett Newman, en man av kontroverser och andlig storhet). Senare uppmuntrades Newman av William Lieberman, intendent för grafik vid Museum of Modern Art, att göra litografier. Det var då som Newman bestämde sig för att göra en ”bok”, en samling litografier. Han arbetade med fyra stenar i sin ateljé. Hans arbete blev en serie litografiska processer som kallas ”Cantos” och som publiceras av ULAE. Han avslutade sitt projekt 1964 med 14 ”Cantos”, men beslutade senare att det behövdes ytterligare fyra gravyrer, så att det totala antalet gravyrer uppgick till arton. Han var mycket nöjd med denna siffra, som på hebreiska (chai) också betyder levande. För honom är de som musikaliska sånger som han tillägnar sin fru Annalee. Därefter målade han Sjunde stationen, Åttonde stationen, Nionde stationen och Be II, som avslutade serien med korsvägsstationer, som ställdes ut av Guggenheim i New York. I september går Annalee i pension. Nu tillbringar hon dagarna med Barnett i studion.
1965 ingick Newmans verk i två evenemang som firade slutet på den abstrakta expressionismen i Philadelphia, The Decisive Years: 1943-1953 och i Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. Samma år gjorde Newman ytterligare en stålskulptur Here II på Treitel Gratz Company som kompletterade Here I. Några månader senare utsåg Walter Hopps, en kurator, Newman till den centrala figuren i en grupp konstnärer som han valde ut till USA:s paviljong vid den åttonde São Paulo-biennalen. De övriga sex konstnärerna var tjugo år yngre än Newman. De är Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons och Frank Stella. På konstnärens begäran presenteras de sju målningarna och två skulpturerna utom tävlan. Med denna händelse charmade Newman journalisterna. Han fick beundran av arkitekten Oscar Niemeyer och den berömda fotbollsspelaren Pelé. Men han imponerade också på konstnärerna i São Paulo med sin kunskap om konsthistoria.
Den 20 april 1966 höll Guggenheim i New York en utställning med enbart Newmans verk, inklusive korsvägsbilderna. Dessa ”stationer” fick uppmärksamhet långt utanför konstvärldens vanliga gränser och hans verk ställdes ut över hela världen, särskilt i Europa. Han fortsatte att arbeta på Treitel Gratz-gjuteriet där han gjorde en skulptur i corten och rostfritt stål kallad Be III. Samma år gjorde han också sin första målning med primärfärger, som kom att ligga till grund för den serie på fyra Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue som han färdigställde med akrylfärger. Han gjorde flera målningar det året, bland annat en cirka 5 meter lång, Voice of Fire, som användes i den amerikanska paviljongen på världsutställningen i Montreal 1967 och som är en av hans mest imponerande målningar.
I augusti 1967 bjöds Newman in för att tala om den andliga dimensionen av samtida konst vid den första internationella kongressen om religion, arkitektur och bildkonst i New York. I sitt tal sade Newman: ”Vad som är viktigt för en sann konstnär är skillnaden mellan plats och icke plats, och ju större konstverket är, desto större blir den känslan. Och den känslan är en grundläggande andlig dimension. Kort därefter började Newman arbeta med North Haven Foundry i Connecticut, som specialiserade sig på att tillverka stora konstverk. Newman gjorde en monumental skulptur, Broken Obelisk, som senare ställdes ut i många konstgallerier. När Newman arbetade med sin obelisk funderade han på att skapa en triangulär målning.
I november 1967 kom paret Newman till Europa för att inviga ”The Poetry of Vision” i Dublin, en utställning med samtida och antik konst med Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II och Now II. Den 21 december 1967 undertecknar Newman ett öppet brev i New York Review of Books där han protesterar mot antisemitismen i Sovjetunionen.
I januari 1968 kom paret till Paris för att Newman skulle delta i en konferens för att hedra Charles Baudelaire och gjorde sitt första besök på Louvren. Den 28 april accepterade Newman en tjänst som lärare vid universitetet i Bridgeport, Connecticut. Samma år utför Newman en målning tillägnad sin mor Annas ljus. Det var den största målning som Newman någonsin hade gjort och den första som inte var uppspänd och monterades direkt på studioväggen. Några månader senare protesterade han mot Chicagos borgmästare Daley och de brutala polisåtgärderna när Geas verk avlägsnades från en utställning i Chicago. Han planerade en skulptur med titeln Mayor Daley”s Outhouse, men hade inte tillräckligt med tid för att slutföra den.
Den 25 mars 1969 öppnade Newman sitt första galleri, M. Knoedler and Company, som skulle visa hans verk från 1960-talet. De fyra verken Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue var mycket framgångsrika, liksom Now II, Anna”s Light och de två triangulära målningarna Jericho och Chartres som han just hade slutfört. Sedan kom den första publicerade monografin om Newman av Thomas Hess.
Newmans arbete är kontroversiellt, men det är allmänt uppskattat av samhället. Negativa recensioner från kritiker lämnar inga tvivel om Newmans betydelse. Hans utställningar väckte lika mycket uppmärksamhet som museiutställningarna av Willem de Kooning och David Smith som ägde rum samma år. Samma år utförde han Zim Zum I, som ursprungligen var tänkt att bli 3,60 meter hög, men som han reducerade till 2,40 meter för att den skulle kunna skeppas till Tokyo för en utställning på Hakoone Open Air Museum.
Tio av hans målningar och tre skulpturer från Newmans karriär mellan 1946 och 1969 finns med i New York-utställningen Painting and Sculpture 1940-1970, som Henry Geldzahler organiserade för Metropolitan Museum of Art. Senare samma år började Newman planera för stora retrospektiva utställningar som Thomas Hess skulle organisera på bland annat Tate Gallery i London, Grand Palais i Paris, MoMA i New York och Stedelijk Museum i Amsterdam.
I januari 1970 bidrog Newman till Metropolitan Museum of Art:s hundraårsjubileum, där han skrev: ”Jag har alltid haft en avsmak, till och med ett förakt, för reproduktioner och fotografier av konstverk, även av mina egna verk. Jag kan bara känna mig lyckligt lottad över att min konstutbildning inte kom från att granska fotografier och diabilder eller ens från lärare, utan från mig själv i mötet med verkligheten.
Den 17 maj 1970 hedrade Brandeis University i Waltham, Massachusetts, Newmans arbete med en Medal for Creative Arts in Painting.
Den 4 juli 1970, vid 65 års ålder, dog Barnett Newman av en hjärtattack i sin ateljé i närheten av målningen Who”s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. I ateljén finns också en ofullbordad duk på 5,40 meter gånger 2,40 meter, en rätvinklig triangulär duk och tre av hans färdiga men ännu obetitlade verk.
Läs också: biografier – Ebenezer Howard
De första arbetena
På 1940-talet var hans stil ganska surrealistisk och blev sedan mer mogen. Detta kännetecknas av färgområden som skiljs åt av tunna vertikala linjer, som han kallar dem för dragkedjor. I hans första verk med dessa dragkedjor är färgfälten inte enhetliga, men senare är färgerna rena och platta.
1947 ställde han ut två verk i Betty Parsons galleri, Gea och Euclidian Abyss. På en svart bakgrund blir de vertikala gula linjerna, som inte är helt vertikala, allt viktigare i hans arbete. Dessa dragkedjor markerar konstnärens särart och kommer att förbli ett konstant inslag i Newmans karriär.
Själv ansåg han att han hade nått sin stils fulla mognad med Onement-serien 1948. Det är arbeten med vinröd bakgrund och vertikala dragkedjor i andra färger. De framkallar omvälvningar och känslor hos betraktaren. Newman sade om dessa verk: ”Det finns specifika och separata omvandlingar av känslor som kan upplevas inför varje målning.
I vissa målningar från 1950-talet, till exempel The Wild, som är två och en halv meter lång och fyra centimeter bred, finns dragkedjan med, men inte själva verket. Newman gjorde också några skulpturer, bland annat Here I, som i huvudsak är tredimensionella representationer av dragkedjor.
1951 ställde han ut Vir Heroicus Sublimis, som senare blev hans mest kända verk. Antalet dragkedjor och deras regelbundenhet ger målningen en symmetri, vilket resulterar i en röd planhet som verkar enkel.
Även om Newmans målningar verkar vara rent abstrakta och många av dem var ursprungligen utan titel, så har de namn han senare gav dem relaterat till specifika ämnen, ofta med ett judiskt tema. Två verk från början av 1950-talet heter till exempel Adam, Uriel (1954) och Abraham (1949), en mycket mörk målning, vars namn förvisso är den bibliska patriarken, men också Newmans far som dog 1947. Newman uttrycker en viss mysticism i titlarna på sina verk. Adam”, förnamnet på den bibliska karaktären, ligger nära adom, som betyder röd, och dam, som betyder blod. Denna rödtonade målning är ett resultat av Newmans judiska identitet, som han var mycket bekymrad över, särskilt under andra världskrigets fasor, förintelsen. Han sa: ”När Hitler härjade i Europa, kunde vi då uttrycka oss genom att måla en vacker naken flicka som låg på en soffa? På denna fråga svarade han abstrakt.
Serien av målningar med variationer av beige med svarta vertikala ränder, The Stations of the Cross (1958-1964), började kort efter att Newman hade återhämtat sig från en hjärtattack och ses som en höjdpunkt i karriären. Serien har undertiteln Lema sabachthani – ”Varför har du övergivit mig? – ord som Kristus uttalade på korset. Newman anser att hans ord har en universell betydelse. Serien sågs också som ett minnesmärke över Förintelsens offer. Newman ville uttrycka den universella tragedin och våldet i förhållande till passionen.
Läs också: biografier – Sully Prudhomme
Senare arbeten
Newmans senare verk, till exempel serien Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue, som helt består av primärfärger, och dragkedjorna ger hela målningen en dynamik. Dessa verk är gjorda i rena, livfulla färger, ofta på stora dukar – Anna”s Light (1968), uppkallad till minne av hans mor som dog 1965, är den största, åtta meter fyrtio gånger två meter sjuttio. Mot slutet av sitt liv arbetade Newman också med icke-rektangulära dukar, till exempel Chartres (1969), som är triangulär, och sedan återvände han till skulpturen och gjorde några verk i polerat stål. Hans senare målningar är gjorda med akrylfärg snarare än med oljefärg som i hans tidigare verk. Den största och mest kända av hans skulpturer är den trasiga obelisken, som föreställer en uppochnedvänd obelisk vars spets vilar på toppen av en pyramid.
Han producerade också en serie litografier, 18 Cantos (1963-64), som enligt Newman framkallar musik. Hans verk omfattar också några etsningar. Han tillägnar sina verk till sin fru Annalee.
1962 gjorde han en stor orange duk med två gula dragkedjor, The Third. Om detta verk sade Newman: ”Jag känner att mina dragkedjor inte delar upp mina målningar. Jag anser att de gör precis tvärtom, de förenar helheten.
Newman anses allmänt vara en abstrakt expressionist, baserat på hans arbete i New York på 1950-talet, där han och andra abstrakta expressionister utvecklade en abstrakt stil som inte hade något gemensamt med europeisk konst. Hans förkastande av det expressiva penseldrag som användes av andra abstrakta expressionister som Clyfford Still och Mark Rothko, och användningen av plana färgytor på väldefinierade ytor, kan dock göra honom till en föregångare till konstnärerna inom rörelserna Hard Edge Painting, Colorfield Painting och Minimalism (konst), som Frank Stella.
Newman nådde inga stora framgångar som konstnär under större delen av sitt liv och hamnade i skuggan av färgstarka figurer som Jackson Pollock. Den inflytelserika kritikern Clement Greenberg skrev entusiastiska artiklar om honom, men det var inte förrän i slutet av hans liv som han togs på allvar i beaktande. Trots detta påverkade han många unga målare.
Newman har alltid insisterat på att betraktaren måste se hans verk på nära håll för att kunna omslutas av de täta färgerna. Hans målningar måste ge betraktaren en känsla av att drunkna i ren färg. Hans konst är abstrakt, total och kompromisslös. Han sade: ”Det sägs att jag har tagit det abstrakta måleriet till dess gränser, men för mig är det uppenbart att jag bara har gjort en ny början.
Newman dog i New York av en hjärtattack 1970.
Läs också: biografier – Franz Ferdinand
Anteckningar
Källor
