Camille Corot
gigatos | maj 30, 2022
Sammanfattning
Jean-Baptiste-Camille Corot (16 juli 1796-22 februari 1875) var en fransk landskaps- och porträttmålare samt en etsare. Han är en central person inom landskapsmåleriet och hans omfattande produktion hänvisar samtidigt till den nyklassiska traditionen och föregriper impressionismens plein-air-innovationer.
Läs också: biografier – Édouard Piette
Tidigt liv och utbildning
Jean-Baptiste-Camille Corot (förkortat Camille Corot) föddes i Paris den 16 juli 1796 i ett hus på 125 Rue du Bac, som nu är rivningshotad. Hans familj var borgerlig – hans far var perukmakare och hans mor, Marie-Françoise Corot, var modist – och till skillnad från vad vissa av hans konstnärskollegor upplevde, kände han under hela sitt liv aldrig brist på pengar, eftersom hans föräldrar gjorde bra investeringar och skötte sina affärer väl. När hans föräldrar gifte sig köpte de den hattmakeri där hans mor hade arbetat och hans far gav upp sin karriär som perukmakare för att sköta affärsverksamheten i butiken. Butiken var ett känt resmål för fashionabla parisare och gav familjen en utmärkt inkomst. Corot var det andra av tre barn som föddes i familjen, som bodde ovanför deras butik under dessa år.
Corot fick ett stipendium för att studera vid Lycée Pierre-Corneille i Rouen, men lämnade det efter att ha haft svårigheter med skolan och började på en internatskola. Han ”var inte någon lysande elev och under hela sin skolgång fick han inte en enda nominering till ett pris, inte ens för teckningsklasserna”. Till skillnad från många mästare som tidigt visade talang och böjelser för konst visade Corot före 1815 inget sådant intresse. Under dessa år bodde han hos familjen Sennegon, vars patriark var vän med Corots far och som tillbringade mycket tid med den unge Corot på naturvandringar. Det var i denna region som Corot gjorde sina första målningar efter naturen. Vid nitton års ålder var Corot ett ”stort barn, blyg och obekväm. Han rodnade när han blev tilltalad. Inför de vackra damer som besökte hans mors salong blev han generad och flydde som en vild sak…”. Känslomässigt var han en tillgiven och välartad son, som avgudade sin mor och darrade när hans far talade.” När Corots föräldrar flyttade till ett nytt hus 1817 flyttade den 21-årige Corot in i det fönsterförsedda rummet med takkupor på tredje våningen, som också blev hans första ateljé.
Med faderns hjälp gick Corot i lära hos en draperihandlare, men han hatade affärslivet och föraktade vad han kallade ”affärstricks”, men han stannade troget kvar i yrket tills han var 26 år gammal, då hans far gick med på att han skulle börja arbeta som konstnär. Senare förklarade Corot: ”Jag berättade för min far att affärerna och jag helt enkelt var oförenliga och att jag skulle skiljas”. Affärserfarenheten visade sig dock vara fördelaktig eftersom den hjälpte honom att utveckla ett estetiskt sinne genom att han exponerades för tygernas färger och texturer. Kanske av tristess övergick han till oljemålning omkring 1821 och började genast med landskap. Från och med 1822, efter sin systers död, började Corot få ett årligt bidrag på 1 500 franc som på ett adekvat sätt finansierade hans nya karriär, ateljé, material och resor för resten av hans liv. Han hyrde omedelbart en ateljé på quai Voltaire.
Under den period då Corot fick möjlighet att ägna sig åt konst var landskapsmåleriet på uppgång och delades i allmänhet upp i två läger: ett historiskt landskap av neoklassicister i Sydeuropa som representerade idealiserade vyer av verkliga och påhittade platser med antika, mytologiska och bibliska figurer, och ett realistiskt landskap, vanligare i Nordeuropa, som till stor del var troget mot verklig topografi, arkitektur och flora, och som ofta visade figurer av bönder. I båda dessa metoder började landskapskonstnärerna vanligtvis med skisser utomhus och förberedande målningar, och det slutliga arbetet utfördes inomhus. De franska landskapskonstnärerna i början av 1800-talet påverkades i hög grad av engelsmännen John Constable och J. M. W. Turner, som förstärkte trenden till förmån för realismen och bort från neoklassicismen.
Under en kort period mellan 1821 och 1822 studerade Corot för Achille Etna Michallon, en landskapsmålare i Corots ålder som var en skyddsling till målaren Jacques-Louis David och som redan var en respekterad lärare. Michallon hade ett stort inflytande på Corots karriär. Corots teckningslektioner omfattade spårning av litografier, kopiering av tredimensionella former och att göra landskapsskisser och målningar utomhus, särskilt i skogarna vid Fontainebleau, i hamnstäderna längs Normandie och i byarna väster om Paris, som Ville-d”Avray (där hans föräldrar hade ett lantställe). Michallon utsatte honom också för principerna för den franska neoklassiska traditionen, som förespråkades i den berömda avhandlingen av teoretikern Pierre-Henri de Valenciennes och som exemplifierades i de franska neoklassicisternas Claude Lorrain och Nicolas Poussins verk, vars främsta mål var att framställa idealisk skönhet i naturen, kopplad till händelser i antiken.
Även om denna skola var på nedgång, hade den fortfarande inflytande i salongen, den främsta konstutställningen i Frankrike, som tusentals besökare besökte varje gång. Corot sade senare: ”Jag gjorde mitt första landskap från naturen … under ögonen på denna målare, vars enda råd var att med största noggrannhet återge allt jag såg framför mig. Lektionen fungerade; sedan dess har jag alltid värnat om precision.” Efter Michallons tidiga död 1822 studerade Corot hos Michallons lärare Jean-Victor Bertin, en av de mest kända neoklassiska landskapsmålarna i Frankrike, som lät Corot rita kopior av litografier av botaniska motiv för att lära sig exakta organiska former. Även om Corot hade högsta respekt för neoklassicisterna begränsade han inte sin utbildning till deras tradition av allegorier som utspelar sig i en föreställd natur. I hans anteckningsböcker finns exakta återgivningar av trädstammar, stenar och växter som visar på inflytande från den nordliga realismen. Under hela sin karriär visade Corot en benägenhet att tillämpa båda traditionerna i sitt arbete och ibland kombinera dem.
Läs också: biografier – Sigmar Polke
Första resan till Italien
Med föräldrarnas stöd följde Corot det väletablerade mönstret för franska målare som åkte till Italien för att studera den italienska renässansens mästare och teckna den romerska antikens sönderfallande monument. Ett villkor från hans föräldrar innan han reste var att han skulle måla ett självporträtt åt dem, hans första. Corots vistelse i Italien från 1825 till 1828 var en mycket formativ och produktiv tid, under vilken han färdigställde över 200 teckningar och 150 målningar. Han arbetade och reste med flera unga franska målare som också studerade utomlands och som målade tillsammans och umgicks på kvällarna på kaféerna, kritiserade varandra och skvallrade. Corot lärde sig lite av renässansens mästare (även om han senare nämnde Leonardo da Vinci som sin favoritmålare) och tillbringade den mesta tiden i närheten av Rom och på den italienska landsbygden. Farnese-trädgården med dess fantastiska utsikt över de antika ruinerna var ett vanligt resmål, och han målade den vid tre olika tidpunkter på dagen. Utbildningen var särskilt värdefull för att få en förståelse för utmaningarna med både mellan- och panoramaperspektivet och för att effektivt placera konstgjorda strukturer i en naturlig miljö. Han lärde sig också att ge byggnader och klippor effekten av volym och soliditet med rätt ljus och skugga, samtidigt som han använde en jämn och tunn teknik. Att placera lämpliga figurer i en världslig miljö var dessutom en nödvändighet för ett bra landskapsmåleri, för att lägga till mänsklig kontext och skala, och det var ännu viktigare i allegoriska landskap. I detta syfte arbetade Corot med figurstudier i infödd klädsel såväl som naken. Under vintern tillbringade han tid i en ateljé men återvände till arbetet utomhus så fort vädret tillät det. Det intensiva ljuset i Italien ställde honom inför stora utmaningar: ”Den här solen avger ett ljus som får mig att förtvivla. Det får mig att känna den totala maktlösheten hos min palett”. Han lärde sig att behärska ljuset och att måla stenarna och himlen i subtila och dramatiska variationer.
Det var inte bara den italienska arkitekturen och ljuset som fångade Corots uppmärksamhet. Den sent blommande Corot var också förtrollad av italienska kvinnor: ”De har fortfarande de vackraste kvinnorna i världen som jag har träffat…. deras ögon, axlar och händer är spektakulära. I det avseendet överträffar de våra kvinnor, men å andra sidan är de inte deras jämlikar när det gäller grace och vänlighet … Själv föredrar jag som målare den italienska kvinnan, men jag lutar mig mot den franska kvinnan när det gäller känslor.” Trots sin starka dragning till kvinnor skrev han om sitt engagemang för måleriet: ”Jag har bara ett mål i livet som jag vill följa troget: att göra landskap. Denna fasta föresats håller mig borta från en seriös bindning. Det vill säga i äktenskap … men min självständiga natur och mitt stora behov av seriösa studier gör att jag tar lätt på saken”.
Läs också: biografier – Auguste Rodin
Sträva efter salongen
Under de sex år som följde på hans första och andra besök i Italien fokuserade Corot på att förbereda stora landskap för presentation i salongen. Flera av hans salongsmålningar var anpassningar av hans italienska oljeskisser som han omarbetade i ateljén genom att lägga till fantasifulla, formella element som överensstämde med de neoklassiska principerna. Ett exempel på detta var hans första salongsbidrag, Utsikt vid Narni (1827), där han tog sin snabba, naturliga studie av en ruin av en romersk akvedukt i dammig, stark sol och förvandlade den till en falskt idyllisk pastoral miljö med jättelika skuggande träd och gröna gräsmattor, en omvandling som var tänkt att tilltala de neoklassiska jurymedlemmarna. Många kritiker har värderat hans italienska målningar i plein-air högt för deras ”grogrund av impressionism”, deras trohet mot det naturliga ljuset och deras undvikande av akademiska värden, även om de var avsedda som studier. Flera decennier senare revolutionerade impressionismen konsten genom att använda ett liknande tillvägagångssätt – snabbt, spontant måleri utomhus. Men där impressionisterna använde snabbt applicerade, oblandade färger för att fånga ljus och stämning, blandade och mixade Corot vanligtvis sina färger för att få sina drömska effekter.
När Corot inte var i ateljén reste han runt i Frankrike, vilket speglade hans italienska metoder, och koncentrerade sig på rustika landskap. Han återvände till Normandiekusten och Rouen, den stad han bodde i som ung. Corot gjorde också några porträtt av vänner och släktingar och fick sina första uppdrag. Hans känsliga porträtt av sin systerdotter Laure Sennegon, klädd i puderblått, var ett av hans mest framgångsrika och donerades senare till Louvren. Han målade vanligtvis två kopior av varje familjeporträtt, en för motivet och en för familjen, och gjorde ofta kopior av sina landskap också.
Våren 1829 kom Corot till Barbizon för att måla i Fontainebleau-skogen, som han hade målat i Chailly-skogen för första gången 1822. Han återvände till Barbizon hösten 1830 och sommaren 1831, där han gjorde teckningar och oljestudier, av vilka han gjorde en målning avsedd för salongen 1830, hans Vy av Fontainebleaus skog (som nu finns i National Gallery i Washington) och, för salongen 1831, ytterligare en Vy av Fontainebleaus skog. Där träffade han medlemmarna av Barbizonskolan: Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet och den unge Charles-François Daubigny. Corot ställde ut ett porträtt och flera landskap på salongen 1831 och 1833. Hans mottagande av kritikerna på salongen var svalt och Corot beslutade att återvända till Italien, eftersom han inte lyckades tillfredsställa dem med sina nyklassiska teman.
Läs också: biografier – Barnett Newman
I mitten av karriären
Under sina två återresor till Italien besökte han Norditalien, Venedig och återigen den romerska landsbygden. År 1835 skapade Corot en sensation på salongen med sin bibliska målning Agar dans le desert (Hagar i vildmarken), som föreställde Hagar, Sarahs tjänarinna, och barnet Ismael som dör av törst i öknen tills de räddas av en ängel. Bakgrunden härstammar troligen från en italiensk studie. Den här gången lyckades Corots oväntade djärva, fräscha uttalande om det neoklassiska idealet hos kritikerna genom att visa ”harmonin mellan miljön och den passion eller det lidande som målaren väljer att skildra i den”. Han följde upp detta med andra bibliska och mytologiska motiv, men dessa målningar lyckades inte lika bra, eftersom salongskritikerna ansåg att han inte kunde jämföras med Poussin. År 1837 målade han sin tidigaste bevarade naken, Nymfen vid Seine. Senare gav han sina elever följande råd: ”Att studera nakenbilder är den bästa lärdom som en landskapsmålare kan få. Om någon vet hur man utan knep kan få ner en figur kan han göra ett landskap, annars kan han aldrig göra det.”
Under 1840-talet fortsatte Corot att ha problem med kritikerna (många av hans verk avvisades helt och hållet från salongsutställningar) och många verk köptes inte heller av allmänheten. Även om erkännandet och acceptansen från etablissemanget kom långsamt, ledde Baudelaire 1845 en anstormning där Corot förklarades vara ledaren för den ”moderna landskapsmåleriskolan”. Medan vissa kritiker tyckte att Corots färger var ”bleka” och att hans verk hade ”naivt obehag”, svarade Baudelaire klokt: ”M. Corot är mer harmonist än kolorist, och hans kompositioner, som alltid är helt fria från pedanteri, är förföriska just på grund av sin enkelhet i färgen”. År 1846 dekorerade den franska regeringen honom med korset av Légion d”honneur och 1848 tilldelades han en medalj av andra klass vid salongen, men han fick som följd av detta föga statligt stöd. Hans enda beställningsarbete var en religiös målning för ett dopkapell som han målade 1847, i stil med renässansens mästare. Även om etablissemanget fortsatte att hålla tillbaka, erkände andra målare Corots växande status. År 1847 antecknade Delacroix i sin dagbok: ”Corot är en sann konstnär. Man måste se en målare på sin egen plats för att få en uppfattning om hans värde … Corot fördjupar sig djupt i ett ämne: idéerna kommer till honom och han lägger till medan han arbetar; det är den rätta metoden.” På Delacroix rekommendation köpte målaren Constant Dutilleux en Corotmålning och inledde en lång och givande relation med konstnären, som gav honom vänskap och mecenater. Corots offentliga behandling förbättrades dramatiskt efter revolutionen 1848, då han fick tillträde som medlem i Salonjuryn. Han befordrades till officer i salongen 1867.
Efter att ha avstått från långvariga relationer med kvinnor förblev Corot mycket nära sina föräldrar även i femtioårsåldern. En samtida sade om honom: ”Corot är en principiell man, omedvetet kristen; han överlåter all sin frihet till sin mor… han måste be henne upprepade gånger för att få tillåtelse att gå ut… för att äta middag varannan fredag”. Bortsett från sina frekventa resor förblev Corot nära knuten till sin familj tills hans föräldrar dog, då fick han äntligen friheten att gå som han ville. Den friheten gjorde att han kunde ta emot elever för informella sessioner, däribland de judiska konstnärerna Édouard Brandon och den blivande impressionisten Camille Pissarro, som kortvarigt var en av dem. Corots kraft och skarpsinniga råd imponerade på sina elever. Charles Daubigny konstaterade: ”Han är en perfekt Old Man Joy, denne fader Corot. Han är överhuvudtaget en underbar man, som blandar in skämt i sina mycket goda råd.” En annan student sade om Corot: ”Tidningarna hade förvrängt Corot så mycket genom att sätta Theokrit och Vergilius i hans händer, att jag blev ganska förvånad över att finna att han varken kunde grekiska eller latin … Hans välkomnande är mycket öppet, mycket fritt, mycket roligt: han talar eller lyssnar till dig medan han hoppar på en eller två fötter; han sjunger snuttar av opera med en mycket sann röst.” Men han har en ”skarpsinnig, bitande sida som är noggrant dold bakom hans goda natur”.
I mitten av 1850-talet började Corots alltmer impressionistiska stil få det erkännande som gjorde att han fick en fast plats i den franska konsten. ”M. Corot utmärker sig … i att återge vegetationen i dess färska begynnelse; han återger på ett fantastiskt sätt den nya världens förstlingar.” Från 1850-talet och framåt målade Corot många landskapssouvenirer och paysages, drömska föreställningsmålningar av minnesvärda platser från tidigare besök som målades med lätt och löst dunkande streck.
Läs också: biografier – Marcelo H. del Pilar
Senare år
På 1860-talet blandade Corot fortfarande bondefigurer med mytologiska figurer, och blandade nyklassicism med realism, vilket fick en kritiker att beklaga sig: ”Om M. Corot en gång för alla dödade nymferna i sina skogar och ersatte dem med bönder, skulle jag tycka om honom.” I själva verket ökade hans människofigurer senare i livet och nymferna minskade, men även människofigurerna var ofta placerade i idylliska drömmar.
Senare i livet fylldes Corots ateljé av elever, modeller, vänner, samlare och återförsäljare som kom och gick under mästarens toleranta blick, vilket fick honom att säga: ”Hur kommer det sig att ni är tio stycken runt omkring mig, men ingen av er tänker på att tända min pipa på nytt?”. Handlarna nappade på hans verk och hans priser låg ofta över 4 000 franc per målning. Med sin framgång säkrad gav Corot generöst av sina pengar och sin tid. Han blev en av de äldsta i konstnärskollektivet och använde sitt inflytande för att få uppdrag åt andra konstnärer. År 1871 gav han 2 000 pund till de fattiga i Paris, som belägrades av preussarna. (se: Franco-preussiska kriget) Under själva Pariskommunen befann han sig i Arras tillsammans med Alfred Robaut. År 1872 köpte han ett hus i Auvers som en gåva till Honoré Daumier, som då var blind, utan resurser och hemlös. År 1875 skänkte han 10 000 franc till Millet änka för att stödja hennes barn. Hans välgörenhet var närmast ordspråksmässig. Han stödde också ekonomiskt underhållet av ett daghem för barn på rue Vandrezanne i Paris. Senare i livet förblev han en ödmjuk och blygsam man, opolitisk och nöjd med sin tur i livet, och höll fast vid sin övertygelse att ”männen inte ska blåsa upp sig med stolthet, vare sig de är kejsare som lägger till den ena eller andra provinsen till sina imperier eller målare som vinner ett rykte”.
Trots stora framgångar och uppskattning bland konstnärer, samlare och mer generösa kritiker ansåg hans många vänner att han var officiellt försummad, och 1874, kort före hans död, gav de honom en guldmedalj. Han dog i Paris av en magsjukdom vid 78 års ålder och begravdes på kyrkogården Père Lachaise.
Ett antal anhängare kallade sig Corots elever. De mest kända är Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux och Alexandre Defaux.
Corot är en central person inom landskapsmåleriet. Hans verk hänvisar samtidigt till den nyklassiska traditionen och föregriper impressionismens plein-air-innovationer. Claude Monet utropade om honom 1897: ”Det finns bara en mästare här – Corot. Vi är ingenting jämfört med honom, ingenting.” Hans bidrag till figurmåleriet är knappast mindre viktigt; Degas föredrog sina figurer framför sina landskap, och Picassos klassiska figurer är en öppen hyllning till Corots inflytande.
Historiker har delat in hans verk i perioder, men uppdelningspunkterna är ofta vaga, eftersom han ofta avslutade en bild flera år efter att han påbörjat den. Under sin tidiga period målade han traditionellt och ”stramt” – med minutiös noggrannhet, tydliga konturer, tunn penselföring och med en absolut definition av föremålen genomgående, med en monokromatisk undermålning eller ébauche. Efter att han nått sitt 50:e levnadsår förändrades hans metoder till att fokusera på tonbredd och ett närmande till poetisk kraft som förmedlas med tjockare färguppdrag. Ungefär 20 år senare, från ungefär 1865 och framåt, blev hans sätt att måla mer lyriskt, påverkat av en mer impressionistisk touch. Delvis kan denna utveckling av uttrycket ses som en markering av övergången från hans ungdomars målningar i friluftsmiljö, som genomsyrades av varmt naturligt ljus, till hans sena mognaders studiomålningar, som omgavs av enhetliga silvertoner. Under sina sista tio år blev han ”Père (Fader) Corot” i parisiska konstnärskretsar, där han betraktades med personlig tillgivenhet och erkändes som en av de fem eller sex största landskapsmålare som världen har sett, tillsammans med Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner och John Constable. Under sitt långa och produktiva liv målade han över 3 000 målningar.
Även om Corot ofta anses vara en föregångare till impressionismens metoder, så har han ett mer traditionellt tillvägagångssätt för sina landskap än vad man vanligtvis tror. Jämfört med de impressionister som kom senare är Corots palett återhållsam och domineras av bruna och svarta färger (”förbjudna färger” bland impressionisterna), tillsammans med mörka och silvergröna färger. Även om han ibland verkar vara snabb och spontan, var hans streck vanligtvis kontrollerade och försiktiga, och hans kompositioner var väl genomtänkta och i allmänhet återgivna så enkelt och kortfattat som möjligt, vilket förstärkte den poetiska effekten av bilderna. Som han själv sade: ”Jag märkte att allt som gjordes korrekt vid första försöket blev mer sant och formerna vackrare”.
Corot hade ett liknande traditionellt förhållningssätt till sina motiv. Även om han var en stor förespråkare för studier i friluftslivet var han i huvudsak en ateljémålare och få av hans färdiga landskap färdigställdes före motivet. Under större delen av sitt liv tillbringade Corot sina somrar med att resa och samla in studier och skisser, och sina vintrar med att färdigställa mer polerade, marknadsklara verk. Till exempel hänvisar titeln på hans Bathers of the Borromean Isles (1865-70) till Lago Maggiore i Italien, trots att Corot inte hade varit i Italien på 20 år. Hans betoning på att teckna bilder från fantasin och minnet snarare än från direkta observationer låg i linje med smaken hos juryn i Salongen, där han var medlem.
På 1860-talet började Corot intressera sig för fotografi, han tog själv bilder och blev bekant med många tidiga fotografer, vilket ledde till att hans måleripalett blev ännu mer begränsad i takt med de monokroma tonerna i fotografierna. Detta hade till följd att hans målningar blev ännu mindre dramatiska men något mer poetiska, ett resultat som fick vissa kritiker att anmärka på en monotoni i hans senare verk. Théophile Thoré skrev att Corot ”har bara en enda oktav, ytterst begränsad och i moll; en musiker skulle säga. Han känner knappt till mer än en enda tid på dagen, morgonen, och en enda färg, ljusgrått”. Corot svarade:
Det som finns att se i måleriet, eller snarare vad jag söker, är formen, helheten, tonernas värde… Därför kommer färgen för mig först efter, för jag älskar mer än något annat helheten, tonernas harmoni, medan färg ger en slags chock som jag inte tycker om. Kanske är det överskottet av denna princip som gör att folk säger att jag har blyiga toner.
Genom sin motvilja mot chockerande färger skiljde sig Corot kraftigt från de nya impressionisterna, som var mycket intresserade av att experimentera med livliga nyanser.
Förutom sina landskap (den sena stilen var så populär att det finns många förfalskningar) gjorde Corot ett antal uppskattade figurbilder. Även om motivet ibland placerades i pastorala miljöer var det mestadels ateljéer som ritades från den levande modellen med både specificitet och subtilitet. Liksom hans landskap kännetecknas de av en kontemplativ lyrik, där hans sena målningar L”Algérienne (Algerisk kvinna) och La Jeune Grecque (Den grekiska flickan) är fina exempel. Corot målade ett femtiotal porträtt, mestadels av familj och vänner. Han målade också tretton liggande nakenbilder, där hans Les Repos (1860) påfallande mycket liknar Ingres berömda Le Grande Odalisque (1814) i posering, men Corots kvinna är istället en rustik bacchante. I sin kanske sista figurmålning, Lady in Blue (1874), uppnår Corot en effekt som påminner om Degas, mjuk men ändå uttrycksfull. I samtliga fall av hans figurmålning är färgen återhållsam och är anmärkningsvärd för sin styrka och renhet. Corot utförde också många etsningar och blyertsskisser. I vissa av skisserna användes ett system av visuella symboler – cirklar som representerar ljusområden och kvadrater som representerar skuggor. Han experimenterade också med cliché verre-processen – en hybrid av fotografi och gravyr. Från och med 1830-talet målade Corot också dekorativa paneler och väggar i vänners hem, med hjälp av sina elever.
Corot sammanfattade sin inställning till konst runt 1860: ”Jag tolkar med min konst lika mycket som med mitt öga.”
Corots verk finns på museer i Frankrike, Nederländerna, Storbritannien, Nordamerika och Ryssland.
Den starka marknaden för Corots verk och hans relativt lätta att efterlikna sena måleristil resulterade i en enorm produktion av Corot-förfalskningar mellan 1870 och 1939. René Huyghe skämtade om att ”Corot målade tre tusen dukar, varav tio tusen har sålts i Amerika”. Även om detta är en humoristisk överdrift har tusentals förfalskningar samlats in, och enbart Jousseaume-samlingen innehåller 2 414 sådana verk. Till problemet bidrog Corots slappa attityd som uppmuntrade kopiering och förfalskning. Han tillät sina elever att kopiera hans verk och till och med att låna verken för att senare återlämna dem, han rättade till och signerade kopior av elever och samlare, och han lånade ut verk till professionella kopierare och till uthyrningsfirmor. Enligt Corot-katalogisten Etienne Moreau-Nélaton, vid en kopieringsateljé ”Mästarens självbelåtna pensel autentiserade dessa kopior med några få personliga och avgörande retuscher. När han inte längre var där för att färdigställa sina ”dubbletter” fortsatte de att producera dem utan honom.” Katalogiseringen av Corots verk i ett försök att skilja kopiorna från originalen gav bakslag när förfalskare använde publikationerna som guider för att utvidga och förfina sina falska målningar.
Två av Corots verk är med och spelar en viktig roll i handlingen i den franska filmen L”Heure d”été från 2008 (den engelska titeln Summer Hour). Filmen producerades av Musée d”Orsay, och de två verken lånades ut av museet för inspelningen av filmen.
Det finns en gata som heter Rue Corot på Île des Sœurs i Quebec som är uppkallad efter konstnären.
I Arthur Conan Doyles roman The Sign of the Four från 1890 har Thaddeus Sholto ett okänt verk av Corot utställt.
Läs också: biografier – Gutzon Borglum
Referenser
Källor
