Clyfford Still
gigatos | februari 23, 2022
Sammanfattning
Clyfford Elmer Still var en amerikansk målare från mitten av 1900-talet. Han var en av grundarna av den abstrakta expressionismen i USA. Han föddes den 30 november 1904 i Grandin, North Dakota, och dog den 23 juni 1980 i New York. Sedan 2011 finns ett museum tillägnat honom i Denver (Colorado).
Clyfford Still tillhörde den lilla ursprungliga gruppen abstrakta expressionister tillsammans med Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Franz Kline, Philip Guston, Arshile Gorky, Robert Motherwell och Adolph Gottlieb. Han stod Pollock nära i den första generationen av abstrakt expressionism och utvecklade tidigt ett nytt sätt att måla genom abstraktion, med början 1944 med storskaliga verk (bl.a. 1944-N No. 2, även känd som Red Flash on Black Field, olja på duk, 264,8 × 221,6 cm, MoMA, The Sidney and Harriet Janis Collection, 1967). Under hela sitt liv ställde han sällan ut eller sålde sina målningar.
Still föddes 1904 i Grandin i North Dakota och tillbringade sin barndom i nordvästra USA, Spokane, Washington D.C. och Bow Island i södra Alberta i Kanada. År 1925 besökte han New York och studerade en kort tid vid Art Students League. Han studerade vid Spokane University 1926-1927 och återvände dit 1931 med ett stipendium och tog examen 1933. Hösten 1933 blev han lärarstipendiat och senare lärare vid Washington State College (numera Washington State University), där han tog sin Master of Fine Arts-examen 1935. Han undervisade där fram till 1941.
Han tillbringade somrarna 1934 och 1935 på Trask Foundation (numera Yaddo) i Saratoga Springs, New York. 1937 var Still tillsammans med sin kollega Worth Griffin från Washington med och grundade Nespelem Art Colony (bland annat Untitled (Indian Houses, Nespelem) (1936)) som under de fyra somrarna 37-40 producerade hundratals porträtt och landskap som skildrade indianernas liv i Colville Indian Reservation (Washington State). I dokumentär stil noterade han färgerna på indianernas kläder och gjorde friare studier med en palett som han skulle minnas i många år.
År 1941 flyttade han till San Francisco Bay Area där han arbetade i olika krigsindustrier samtidigt som han fortsatte att måla. Han hade sin första separatutställning på San Francisco Museum of Art (numera San Francisco Museum of Modern Art) 1943. Han undervisade vid Richmond Professional Institute (RPI), numera Virginia Commonwealth University, från 1943 till 1945 och därefter i New York City.
1944 producerade han två målningar som har mycket liknande formella egenskaper: 1944-N No. 1 och 1944-N No. 2, stora format (den förstnämnda 266 × 233 cm), abstraktion och palettkniv i en tjock impasto som skapar en oregelbunden textur: stora svarta färgeffekter.
1946: Mark Rothko, som Still hade träffat i Kalifornien 1943, presenterade honom för Peggy Guggenheim, och hon gav Still sin första separatutställning i sitt galleri, The Art of This Century Gallery, i början av 1946. Året därpå stängde Peggy Guggenheim sitt galleri och Still, tillsammans med Rothko och andra abstrakta expressionister, anslöt sig till Betty Parsons Gallery. Han hade tre utställningar där (1947, 1950, 1951). Han återvände till San Francisco där han blev en mycket inflytelserik lärare vid California School of Fine Arts (numera San Francisco Art Institute) och undervisade där 1946-1950. Han hade en utställning på California Palace of the Legion of Honor i San Francisco (1947). 1948 lade han tillsammans med Rothko grunden till det som skulle bli Subjects of the Artist Academy, en kollektiv tankesmedja och konstnärsklubb som bjöd in talare för att hålla föredrag som diskuterades och debatterades. Clyfford Still flyttade tillbaka till San Francisco i två år innan han återvände till New York.
1950-talet: 1950 flyttade han till New York och stannade där under större delen av decenniet. Detta var den abstrakta expressionismens höjdpunkt, men han undvek all samverkan med New York School of Abstractionism. Det var vid denna tid som han blev alltmer kritisk mot konstvärlden. Han tillhörde en grupp ”irascibles” (nästan alla abstrakta expressionister) som 1950 (vid ett möte på Subjects of the Artist) protesterade mot det förakt som Metropolitan Museum of Art visade dem, eftersom det förberedde sin första utställning med amerikansk konst med en jury som visade sitt förakt för amerikansk abstraktion. Fotot av ”irascibles”, som senare publicerades i Life, gjorde dem allmänt kända och gav publicitet åt den abstrakta expressionismen. Vid denna tid insisterar Still mer än alla andra i gruppen på att hans eget arbete är unikt inom gruppen, han visar dessutom förakt för vissa av sina kolleger, och slutligen utestänger hans ökande krav på erkännande honom från konstvärlden i New York. I början av 1950-talet bröt Still banden med kommersiella gallerier. En retrospektiv utställning av Stills verk hölls på Albright-Knox Art Gallery i Buffalo, New York, 1959.
1961: Han flyttade till en 22 hektar stor gård nära Westminster, Maryland, där han drog sig tillbaka från konstvärlden och kunde arbeta i ensamhet. Han använde alltid en lada som studio på fastigheten under de varmare månaderna. År 1966 köpte Still och hans andra fru ett hus på 312 Church Street i New Windsor, Maryland, ungefär åtta mil från deras gård, där han bodde fram till sin död.
På 1960-talet hade han flera separatutställningar (Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, Philadelphia (1963) och Marlborough-Gerson Gallery, New York (1969-70)). 1972 fick han utmärkelsen Award of Merit for Painting från American Academy of Arts and Letters, som han blev medlem av, och 1975 fick han Skowhegan Medal for Painting. År 1975 ställdes en grupp av hans målningar ut permanent på San Francisco Museum of Modern Art. Slutligen hade han en utställning på Metropolitan Museum of Art 1980.
Bland de första abstrakta expressionistiska målningarna är July 1945-R (under en tid kallad Quicksilver) som påminner om en blixt, en oregelbunden vertikal vit linje på en mörk eller svart bakgrund. I ett brev från 1950 talar han om en blixt som framkallade en ”uppenbarelse” hos honom, även om det inte framgår vilken typ av uppenbarelse det var.
Han anses fortfarande vara en av de mest framstående målarna inom Color Field-rörelsen, men hans icke-figurativa målningar är också icke objektiva och handlar till stor del om att ställa olika färger och ytor mot varandra i olika konfigurationer. Till skillnad från Mark Rothko och Barnett Newman, som organiserade sina färger på ett relativt enkelt sätt (Rothko som nebulösa rektanglar, Newman som fina linjer på stora platta färgfält), är Stills arrangemang mindre regelbundna. Hans ojämna färgutbrott ger intryck av att ett färglager har ”rivits” från målningen och avslöjar färgerna därunder. En annan skillnad mot Newman och Rothko är hur färgen läggs på duken; medan Rothko och Newman använder ganska platta färger och relativt tunn färg, använder Still tjock impasto, vilket ger en mängd olika subtila tjocklekar och skimrande toner som fångar det faktiska ljuset. 1947 hade han börjat arbeta i det stora format som han skulle utvidga och anpassa under hela sin karriär – ett fält av färger i stort format, applicerade med palettknivar, som skulle skapa ljuseffekter och texturerad materia.
Genom dessa materiella effekter, med en hög andel olja eller med ett mycket synligt torrkornigt material, skapar Still ”tektoniska” ytor med sina palettknivar, som ibland fångar ljuset och på andra ställen absorberar det helt och hållet, som svarta hål.
Till skillnad från de flesta bildkonstnärer på den tiden maler och förbereder Still sina egna pigment, med vilka han skapar speciella färger som han applicerar på sina enorma dukar.
Museet i Denver, som är helt och hållet ägnat åt honom, har gjort det möjligt att belysa vissa aspekter av den kreativa processen genom en jämförande studie av varianter eller kopior av mer än 50 målningar. Det verkar alltså som om det här verket kan ses som en ”gestural målning”, eftersom konstnärens gester är fullt synliga när man tittar på målningen, och med stor kraft, om inte annat så på grund av storleken på färglapparna med en palettkniv. Å andra sidan påminner jämförelserna om en gradvis process och inte om en helt spontan och omedelbar uppkomst. Även om det bara finns ett fåtal målningar som har uppfunnits helt på nytt, är förändringarna i de flesta fall mer subtila; en förändring av mediet, en annan metod för att applicera färgen eller en annan textur, eller så är det ljusets spel på färgens yta som inte längre är detsamma, genom att man manipulerar färgens reflekterande egenskaper. Det sker alltså många justeringar, i betydligt olika format, med en önskan att i nästa målning överträffa det som byggdes upp i den första versionen: ”Även om de få repliker jag gör i allmänhet ligger nära originalet eller är en förlängning, har varje replik sitt eget liv och är inte en kopia. Det nuvarande verket har förtydligat vissa faktorer och är paradoxalt nog närmare min ursprungliga idé än det första, som bär spåren av de krafter som drabbade samman.
David Anfam har studerat närheten mellan Pollock och Still. Still upptäckte Pollocks målning The Moon Woman (1942) under utställningen i Peggy Guggenheims galleri The Art of This Century (en) i november 43. Tre av Stills målningar sägs vara ”meditationer”, däribland PH-242 från 1943-44. Vänskapen var särskilt tydlig 1943 när Pollock målade en muralmålning för Peggy Guggenheim i en korridor i hennes lägenhet. Den enorma duken tycks genom sin rymd och sin tomma skräck faktiskt frammana den amerikanska västern, om vi tar hänsyn till en mening av Pollock från 1944. Vänskapen mellan Still och Pollock varade fram till 1955, även om Stills irriterande karaktär nådde en särskilt akut höjdpunkt på 1950-talet.
Båda hade en idé om att måleri framför allt är en ”mans” arbete. Han hänvisade med uppenbar glädje till Pollocks sista utställning på Sidney Janis Gallery 1955 och skickade ett brev till Pollock med följande text: ”Det var som om en man här hade arbetat, det djupaste arbete en människa kan göra, och ställt sig inför det han är och strävar efter”. Och omvänt säger Pollock 1955: ”Still makes the rest of us look academic”. På ett annat ställe säger Pollock att ”båda (Still och han, i vissa versioner ”alla tre” – tillsammans med Rothko) förändrade måleriets natur”. Enligt David Anfam är målningen The Deep (Centre Georges Pompidou) från 1953 ”otvetydigt” en hyllning till Still.
Still gick aldrig med på att dela utställningsrum med andra, men nio månader före öppnandet av hans stora retrospektiv på Metropolitan Museum 1979 valde han att hänga sin enorma målning PH-929 (1974) bredvid Pollocks Automn Rythmn (1950).
Kritiker har berömt hans måleris rena materialitet, den monumentala och dynamiska närvaron och den sublima andan i hans abstrakta bilder. Hans inställning till sina kolleger och till måleriet ansågs provocerande och kompromisslös, liksom David Smith, en vän till Still och Pollock.
David Anfam, som är specialist på abstrakt expressionism, säger så här: ”Hans verk har en inälvlig inverkan, målningarna stirrar tillbaka på mig och betraktaren. Jag känner inte många andra konstnärer som skapar samma slags elektriska laddning – en riktig frisson. Men det är inte bara denna typ av högspänningsdrama som fängslar mig, utan det som jag också tycker är anmärkningsvärt är att Still lyckades kombinera denna intensitet med en sällsynt grad av subtilitet och delikatess. (Hans verk ger en chock för ögonen, målningarna stirrar på mig och på alla betraktare. Jag känner inte till många andra konstnärer som ger samma slags elektriska chock – en riktig kick. Men det är inte bara denna typ av högspänningsdrama som lockar mig, utan det som jag också tycker är anmärkningsvärt är att Still har lyckats kombinera denna intensitet med subtilitet och delikatess i en grad som sällan har uppnåtts).
Läs också: biografier – Yan Xishan
Bibliografi och referenser från Internet
Läs också: biografier – Jakob I av Skottland
Externa länkar
Källor
