David Bowie

gigatos | januari 26, 2022

Sammanfattning

David Bowie (IPA:

Bowies passion för musik ledde till att han lärde sig spela saxofon som ung. Efter att ha bildat band började han spela solo i början av 1970-talet och spände över fem decennier av rockmusik och fick ett rykte om sig att ha fulländat glamrockgenren. Betydelsefullt och fruktbart var hans samarbete med Tony Visconti och Brian Eno, veteraner inom den tidiga 70-talets glamrock, med vilka han etablerade en stark och djup vänskap som varade i flera år.

Även om det inte var hans huvudsysselsättning ägnade sig Bowie åt måleri och film och arbetade som skådespelare med regissörer som Martin Scorsese, David Lynch och Christopher Nolan. Bland de filmer han medverkat i finns The Man Who Fell to Earth, Furyo, Miriam Wakes at Midnight, Absolute Beginners, Labyrinth, Basquiat, The Prestige och My West.

David Bowie har sålt omkring 140 miljoner album under sin livstid och är en av världens mest sålda artister. 2007 utsågs han av tidningen Forbes till världens fjärde rikaste sångare. Han anses allmänt vara en av 1900-talets mest inflytelserika musikaliska artister. 2008 rankades han på 23:e plats på Rolling Stones lista över de 100 bästa sångarna, där Life on Mars, Space Oddity, Fame och Heroes anges som hans bästa låtar. Dessutom finns fem av hans album med på Rolling Stones lista över de 500 bästa albumen. År 2019 utsågs Bowie till ”1900-talets största underhållare” i en omröstning som genomfördes av BBC Two.

Läs också: biografier – Bahadur Shah II

Barndom och tonår (1947-1961)

David Robert Jones föddes i Brixton, en förort i södra London, den 8 januari 1947. Hans mor, Margaret Mary Burns, känd som ”Peggy”, var kassörska på en biograf, medan hans far, Haywood Stenton Jones, var en före detta soldat som just hade återvänt från fronten och senare blev fängelsedirektör i Bromley-fängelset. Vid sex års ålder flyttade han och hans familj från hemmet på 42 Stansfield Road till ett nytt hus i Bromley, en annan förort i södra London, där han snart blev intresserad av musik från USA: ”När jag var mycket ung såg jag min kusin dansa till Elvis Hound Dog”, berättade han senare, ”och jag hade aldrig sett henne resa sig upp och vifta på det sättet till någon annan låt. Den musikens kraft slog mig verkligen. David började lyssna på skivor med Fats Domino och Little Richard när han fortfarande gick i skolan och odlade ett växande intresse för rhythm and blues, skiffle och rock ”n” roll samt andra konstformer. När en lärare frågade honom vad han ville bli när han växte upp svarade han att han ville bli den brittiska Elvis.

En nyckelroll i hans musikaliska utveckling spelades av hans halvbror Terry Burns, som föddes 1937 och som hade ett tidigare förhållande med sin mor. ”Terry var början på allting för mig”, sa David år senare, ”han läste en massa beat writers och lyssnade på jazzmusiker som John Coltrane och Eric Dolphy… medan jag fortfarande gick i skolan åkte han till stan varje lördagskväll för att lyssna på jazz på olika klubbar… han lät håret växa ut och på sitt eget sätt var han en rebell… allt detta hade ett stort inflytande på mig. Terry, som var inlåst på psykiatriska avdelningen på Cane Hill Hospital i London från 1970-talet till 1985, då han tog sitt liv genom att kasta sig framför ett tåg, kom att inspirera sångaren på flera sätt, vilket framgår av albumet The Man Who Sold the World från 1970 och låtar som The Bewlay Brothers från 1971 och Jump They Say från 1993.

1958 började David sjunga som körpojke i St Mary”s Church med vännerna George Underwood och Geoffrey MacCormack, och året därpå fick han sin första saxofon i gåva av sin mor. På Terrys inrådan började han ta lektioner av jazzsaxofonisten Ronnie Ross: ”För mig representerade saxofonen Beatgenerationen på västkusten, den period av den amerikanska kulturen som fascinerade mig så mycket. Instrumentet blev ett emblem för mig, en symbol för frihet. Under karriärens gång lärde han sig att spela många instrument och visade mer känsla för rytmegitarr än för huvudgitarr.

En annan viktig erfarenhet i Davids musikaliska utbildning var en kort tid i en skivaffär i Bromley, då han blev fascinerad av James Browns, Ray Charles och Jackie Wilsons musik, som då var föga känd i Europa. 1960 gick han med i en grupp konstintresserade elever på Bromley Technical High School, och hans kreativa talanger uppmuntrades av den progressiva läraren Owen Frampton, far till gitarristen Peter Frampton som han senare skulle samarbeta med. Två år senare fick han möjlighet att spela tillsammans med George Underwood i ett av skolans band och Davids konstnärliga äventyr började.

Läs också: historia-sv – Biblioteket i Alexandria

Åren före Deram (1962-1966)

I mitten av 1962 slog sig David och Underwood samman med några elever som hade bildat en grupp som hette The Kon-rads, som hade grundats av eleverna Neville Wills och Dave Crook från Bromley Technical High School i början av 1962; Underwood erbjöd sig att sjunga för dem och i juni tog David med sig för att sjunga Joe Browns A Picture of You och hjälpa till med sången på en cover av Bruce Channels Hey! Baby av Bruce Channel. David började använda sin tenorsaxofon och Kon-rads fick ett nytt liv. Den första dokumenterade konserten hölls den 16 juni på en skolfest. ”Kon-rads gjorde covers av alla låtar som hamnade på listorna”, berättade David 30 år senare. ”Vi var ett av de bästa coverbanden i området och vi jobbade mycket.”

I slutet av året lämnade Underwood bandet och ersattes av en ny sångare, Roger Ferris, medan David Crook ersattes av Dave Hadfield på trummor. Bandet utökades med Rocky Shahan på bas, gitarristen Alan Dodds och sångerskorna Christine och Stella Patton. ”Jag kom ursprungligen in som saxofonist”, säger David, ”men sedan blev vår sångare Roger Ferris misshandlad av några feta typer på Civic i Orpington så jag började sjunga.” Kon-rads spelade i ungdomsklubbar och församlingshem och hade till och med en brun corduroyuniform. David började experimentera med sin scenattityd och introducerade nya idéer för att göra bandet mer ”attraktivt”, bytte namn till Dave Jay, inspirerad av beatgruppen Peter Jay and the Jaywalkers, och började även komponera egna låtar, varav några lades till bandets repertoar som innehöll låtar som In the Mood, China Doll och Sweet Little Sixteen. Det var under denna period som Underwood, under ett gräl i skolan om en flicka vid namn Carol Goldsmith, slog honom på vänster öga och ringen på hans finger orsakade kronisk traumatisk mydriasis. Resultatet blev en permanent utvidgning av pupillen, vilket för alltid skulle prägla hans blick och ge honom en förändrad uppfattning av djup och ljus (”När jag kör bil ser jag inte bilarna som kommer emot mig, jag ser dem bara bli större”, skulle han säga 1999). Det mest uppenbara resultatet av detta slag var att pupillen i hans vänstra öga förblev permanent utvidgad. I motsats till vad många tror har iris inte ändrat färg, även om man på grund av den förlamade pupillen kan få intrycket att vänster öga är grönaktigt, medan höger öga har förblivit blått.

I augusti 1963 bjöd Eric Easton, chef för Decca Records, in Kon-rads till provspelning efter att ha sett dem på en konsert i Orpington. Den 30 augusti, i Deccas studior i West Hampstead, bestämde sig gruppen för att framföra I Never Dreamed, en sång som David hade skrivit utifrån nyheterna om en flygolycka. Förutom att skriva texten till låten var 16-årige David med som bakgrundssångare och spelade saxofon på vad som anses vara hans första kända studioinspelning. Provspelningen misslyckades dock och bidrog till att han lämnade Kon-rads. Inom kort blev Kon-rads för begränsande för David: ”Jag ville gå in i rhythm and blues”, berättade han senare, ”men de höll inte med. De ville hålla sig till topp 20. Så jag gick.

Efter att ha slutat Bromley Technical High School började David arbeta som illustratörslärling på den amerikanska reklambyrån J. Walter Thompson. ”Jag var junior visualiserare”, skulle han säga 1993, ”det var en viktig kvalifikation, men jag gjorde egentligen bara collage. Och jag fick aldrig en chans att bevisa mig själv eftersom byrån var full av talanger. En positiv aspekt av jobbet var mötet med Ian, en John Lee Hooker-fan: ”Jag hittade ett John Lee Hooker-album och ett Bob Dylan-album i en affär i Soho. Jag köpte två exemplar av båda och eftersom Ian hade presenterat mig för John gav jag honom Dylans album. Jag upptäckte dessa två artister på en och samma dag. Det var något magiskt. ”Inflytandet från den amerikanska bluesmannens musik framgår av namnet på den trio som David bildade efter Kon-rads med George Underwood på gitarr och munspel och trummisen Viv Andrews, The Hooker Brothers (även om de ibland gick under andra namn som The Bow Street Runners och Dave”s Reds & Blues). Bandet spelade covers och fick några spelningar på Peter Melkin”s Bromel Club och Ravensbourne College of Art, men det var kortvarigt och efter några spelningar lämnade Andrews bandet. David och Underwood lade grunden för den trio som de skulle göra sin första skiva med, King Bees, en 45:a som hette Liza Jane. Namnet på gruppen inspirerades av en låt av bluesmannen Slim Harpo, I”m a King Bee. De andra medlemmarna, förutom David och Underwood, var Roger Bluck, Dave ”Frank” Howard och Bob Allen på gitarr, bas och trummor. ”Jag minns inte ens vad de hette”, skulle han erkänna 1993, ”de var från norra London och var nästan proffs. Ganska skrämmande.” Ändå tog han och Underwood, som Underwood berättade, snart kontroll över bandet: ”Vi påtvingade de andra vår egen smak”.

Våren 1964 tog David kontakt med managern Leslie Conn, som fixade en audition för King Bees hos Decca och chansen att spela in singeln, samt en spelning på Marquee Club och framträdanden i BBC:s TV-program Juke Box Jury och The Beat Room. Conn ordnade först en spelning för King Bees på Blooms bröllopsfest i Soho. ”Det var ganska pinsamt”, berättade David år senare. De hann spela Got My Mojo Working och Hoochie Coochie Man innan Bloom ropade: ”Få bort dem! De förstör min fest!” Provspelningen med Decca visade sig vara mer tillfredsställande och kort därefter fick de möjlighet att äntligen spela in Liza Jane. Så den 5 juni 1964 släpptes Bowies första officiella 45-tonsalbum, även om det var Davie Jones och King Bees som stod bakom det, och sångaren slutade sitt jobb på reklambyrån. För att marknadsföra singeln ordnade Conn en rad framträdanden för bandet på olika platser i London. David hade möjlighet att göra sitt första framträdande på Marquee Club och i BBC:s Juke Box Jury (6 juni) och The Beat Room (27 juni). Den bristande framgången med Liza Jane, som sålde väldigt få av de 3500 exemplar som trycktes, innebar dock slutet på hans tid med gruppen.

I augusti anslöt han sig till Manish Boys, som redan hade varit aktiva i fyra år och ansågs ligga i framkant av det så kallade Medway-beatet, och i slutet av året gav han sin första tv-intervju. Johnny Flux, Paul Rodriguez, Woolf Byrne, Johnny Watson, Mick White och Bob Solly, som redan varit aktiva i fyra år, var inte särskilt entusiastiska över Davids ankomst, vilket Solly själv berättade för den brittiska månadstidningen Record Collector år 2000: ”Vi ville först inte göra det, men Conn sa: ”Han har ett skivkontrakt, han har precis släppt en skiva, och det kan vara en fördel för er”. David intog en dominerande position och vände gruppen mot rytm och blues. Den 18 augusti meddelade Chatham Standard: ”En annan nyhet från pojkarna är att de nu ackompanjerar Decca-stjärnan Davie Jones, vars band King Bees tappade honom”. Dagen därpå spelade David för första gången med Manish Boys på Eel-Pie Island, en berömd jazzlokal i Twickenham.

Den 6 oktober gjorde bandet sin första inspelning i Regent Sound Studios, där covers av Barbara Lewis” Hello Stranger, Gene Chandlers Duke of Earl och Mickey & Sylvias Love is Strange spelades in. Även om det första spåret övervägdes för en 45rpm-utgåva, gavs inget av spåren ut. En månad senare gav Bowie sin första stora TV-intervju, men den hade inte mycket med hans musik att göra. Han hade nu blont hår och påstod i ett försök att få publicitet att han hade grundat en förening som hette International League for the Protection of Animal Hair, och det var i egenskap av ”president” som han blev intervjuad av författaren Leslie Thomas i kvällstidningen Evening News and Star den 2 november (rubriken var ”Who”s Behind the Fringe?”). Den 1 december inledde bandet en turné med sex datum där de spelade som bakgrundsband för Gene Pitney, Kinks, Marianne Faithfull och Gerry and the Pacemakers. Med undantag för Liza Jane och Last Night (skriven av Manish Boys och som användes som öppningsnummer) var ljudet i deras framträdanden huvudsakligen baserat på amerikansk blues och soul, från James Brown, Ray Charles och Yardbirds.

Manish Boys skivkarriär tog en ny vändning i början av 1965 när de upptäcktes av den amerikanska producenten Shel Talmy, känd för att ha arrangerat och producerat The Kinks You Really Got Me och, lite senare, The Who”s debutalbum. Som ett resultat av detta släppte bandet den 5 mars 45 rpm-skivan I Pity the Fool på Parlophone, som också innehöll den då okända turneraren Jimmy Page. Inspelningen och mixningen av singeln fick dock inte de andra medlemmarnas godkännande och slutresultatet misshagade de flesta i bandet. När Leslie Conn lyckades få dem att få en sändningstid på BBC TV den 8 mars för Gadzooks! It”s All Happening var David involverad i den andra reklamkampanjen med hans hårlängd. Daily Mirror publicerade en artikel med titeln ”War for David”s Hair” och dagen därpå rapporterade Daily Mail att bandet hade sparkats bort från showen och att David hade sagt ”Jag skulle inte klippa mig om premiärministern bad mig om det, än mindre för BBC”. På dagen för sändningen publicerade Evening News en bild på veckans mest uppmärksammade popsångerska som klippte sig för att vara med i programmet.

I Pity the Fool drog inte nytta av vare sig TV-uppträdandet eller den publicitet som följde med det, och David bröt med gruppen efter ett gräl om att hans namn skulle förekomma på singeln (låten hade tillskrivits Manish Boys trots att han först hade gått med på att den skulle vara Davie Jones and the Manish Boys verk). Trots misslyckandet med I Pity the Fool lyckades producenten Shel Talmy få ett kontrakt med Parlophone. I april ledde David Lower Third. Bandet, som kom från Margate och hade bildats 1963, behövde nya medlemmar efter att tre av medlemmarna hade slutat, och David provspelade på La Discotheque i Soho tillsammans med Steve Marriott, som genast lämnade bandet för att bilda Small Faces. Under dessa dagar provspelade Bowie också (främst på Marquee Club) för andra grupper, bland annat High Numbers, som snart skulle explodera som The Who. Den 17 maj 1965, vid ett framträdande på Grand Hotel i Littlestone, föddes officiellt Davy Jones and the Lower Third, som bestod av Denis ”Tea-Cup” Taylor på gitarr, Graham ”Death” Rivens på bas och Les Mighall på trummor (senare ersatt av Phil Lancaster). ”Jag tror att jag ville att det skulle vara ett rhythm and blues-band”, sa Bowie 1983. ”Vi spelade en massa John Lee Hooker-låtar och försökte anpassa hans musik till det stora takten, men utan större framgång. Men det var modernt på den tiden: alla valde en bluesmusiker… vår var Hooker.”

Den 20 augusti släppte gruppen singeln You”ve Got a Habit of Leaving, som spelades in i IBC Studios under en session där man förutom B-sidan Baby Loves That Way spelade in två andra demos (som finns på samlingen Early On från 1991): I”ll Follow You och Glad I”ve Got Nobody. Samma dag som singeln släpptes öppnade Lower Third för The Who på Bournemouth Pavilion och David träffade Pete Townshend för första gången, en annan stor inspirationskälla för den engelske sångaren. Kort därefter lämnade han Leslie Conn för sin första heltidsanställda manager, Ralph Horton. Denna 45:a visade sig också vara ett misslyckande och David dumpade Leslie Conn för sin första heltidsanställda manager Ralph Horton, vars första beslut var att övervaka förvandlingen av de fyra långhåriga tonåringarna: klädd i de senaste modebyxorna och Carnaby Street-blommor tvingade han dem att klippa sig i mod-stil och uppmuntrade dem att använda hårspray. Det sistnämnda upprörde vissa medlemmar i gruppen, men inte David, som redan var förälskad i modsgruppens dandyimage och deras nya talesman, The Who. Horton säkrade Lower Third en rad sommarspelningar och bandet började bete sig som Roger Daltrey och Pete Townshends grupp och slog sönder sina instrument i slutet av spelningarna. ”Vi var kända som det näst mest stökiga bandet i London”, berättade Denis Taylor år senare. Den 31 augusti spelade Lower Third in en demo med två låtar, Baby That”s a Promise och Silly Boy Blue, som fortsatte att visa på influenser från grupper som Kinks och Small Faces samt Motown r&b.

Vid denna tid antog sångaren officiellt artistnamnet ”David Bowie” för att undvika förväxling med Davy Jones från Monkees. Han berättade senare att han valde namnet med hänvisning till jaktknivarna med samma namn: ”Jag ville ha något som uttryckte en önskan att skära igenom lögnerna och allt det där”. Tydligen fick David inspirationen efter att ha sett filmen Slaget vid Alamo från 1960, där knivtillverkaren Jim Bowie spelades av Richard Widmark.

Ralph Horton visade sig inte vara Lower Third”s bästa inköp när det gäller ekonomisk förmåga och kapacitet, så till den grad att det var han, medveten om sina egna begränsningar, som kontaktade Kenneth Pitt, Manfred Mann”s manager (och Bob Dylan”s när han turnerade i Storbritannien) och bad honom hjälpa Lower Third. Pitt vägrade, men rådde David att byta namn för att undvika att bli förväxlad med Davy Jones som höll på att bli känd med Monkees. Några dagar senare, den 17 september 1965, meddelade David resten av bandet att han hädanefter skulle kallas David Bowie. Kort därefter fick Bowie och Lower Third ett kontrakt med Pye Records, som snart skulle producera deras första skiva med producenten Tony Hath.

Den 2 november misslyckades bandet med en audition för ett BBC TV-program där de spelade en rockversion av Chim Chim Cheree (en låt från filmen Mary Poppins), Out of Sight (en James Brown-cover) och Baby That”s a Promise. ”En cockney-typ, inte särskilt originell, en sångare utan personlighet som sjunger fel toner och otakt”, var en av kommitténs skarpa kommentarer om Bowie.

1965 avslutades med inspelning av tre låtar i Pye Studios i Marble Arch: Now You”ve Met The London Boys (omarbetad och utgiven ett år senare som The London Boys), och vad som skulle bli A- och B-sidorna på den nya 45:an: Can”t Help Thinking About Me och And I Say To Myself. På nyårsafton spelade gruppen med Arthur Brown i Paris och stannade ett par dagar. Singeln skulle snart släppas, men Davids förmånsbehandling under reklamkampanjen bidrog till att skapa en klyfta mellan honom och resten av gruppen. Allting kom till sin spets den 29 januari 1966 på Bromel Club i Bromley, när Lower Third vägrade att spela efter att Horton sagt till dem att de inte skulle få betalt den kvällen. När bandet splittrades hade Bowie bara en singel att marknadsföra och inget band att följa med. Trots en del uppmuntrande recensioner blev skivan (hans första i USA) en flopp som sina föregångare, men den väckte tillräckligt mycket intresse för att Bowie skulle få sin första intervju i Melody Maker den 26 februari och ett framträdande i ITV:s program Ready Steady Go! där han framförde låten med ett nytt band, The Buzz, den 4 mars.

David Bowie and the Buzz, det vill säga John Hutchinson (gitarr), Derek Fearnley (bas), John Eager (trummor) och Derek Boyes (keyboards), hade gett det första av en serie liveframträdanden på Leicester University den 10 februari 1966. Om sitt möte med Bowie sa Hutchinson år senare: ”Jag träffade honom första gången efter att jag hade tillbringat ett år med att spela rhythm and blues med Apaches i Göteborg 1965. Jag dök upp till en mycket professionell audition på Marquee Club i Wardour Street i London en lördagsmorgon och det gick bra. Jag tror att David valde mig för att jag hade svenska kläder, en mockajacka, jeans och blå träskor, ingen i England hade sett något liknande förrän då och jag tror att Bowie var imponerad. Jag var också den bästa av de gitarrister som kom till provspelningen i alla fall!”

Tre dagar efter TV-framträdandet i Ready, Steady, Go! spelade bandet in Do Anything You Say, som skulle släppas som en 45-tumsskiva den 1 april och krediteras enbart David, vilket undvek de missförstånd som fanns i tidigare band. ”Från första dagen”, säger trummisen John Eager, ”insåg vi att vi faktiskt var David och hans band.” Ralph Horton kontaktade Kenneth Pitt igen, och under tiden började bandet en serie konserter på Marquee Club, kallade ”Bowie Showboat”, som skulle äga rum på söndagseftermiddagar fram till den 12 juni. Efter att ha deltagit i den andra av dessa konserter blev Pitt officiellt Bowies manager och Horton tog på sig rollen som assistent och konsertarrangör.

Den 15 juni bestämde sig John Hutchinson för att lämna Buzz på grund av uteblivna betalningar, och under de följande veckorna tvingades Bowie spela ett par spelningar utan gitarrist innan han tog in den före detta Anteeeks Billy Gray. Producenten Tony Hatch bestämde sig dock för att inte låta de kvarvarande i bandet spela in den nya singeln I Dig Everything, som skulle släppas månaden därpå, utan att använda sig av några sessionsspelare. 45:an släpptes den 19 augusti och visade sig vara ännu ett kommersiellt misslyckande trots några uppmuntrande recensioner i fackpressen, så i september frigjorde Tony Hatch och Pye Bowie från hans kontrakt. Den nya managern lyckades intressera Deram Records och producenten Mike Vernon, med vilken han snart skulle spela in sitt debutalbum med titeln David Bowie.

Men det gick inte så bra med Buzz, främst på grund av den nya berättande riktning som Bowies låtar rörde sig i. Gruppen upphörde att existera den 2 december efter en spelning i Shrewsbury, samma dag som Rubber Band släpptes, även om Boyes, Fearnley och Eager fortsatte att delta i inspelningen av David Bowie (och andra låtar som inte var med på albumet, som The Laughing Gnome) fram till februari 1967.

I slutet av året, under skivans sessioner, skrev David också en låt för den engelske skådespelaren och sångaren Paul Nicholas, till vilken han också bidrog med bakgrundssång. Den tredje singeln från Oscar (Nicholas artistnamn) i juni 1967 heter Over the Wall We Go och handlar skämtsamt om förrymda fångar och inkompetenta poliser.

Läs också: biografier – Marcus Vipsanius Agrippa

Space Oddity och tidiga framgångar (1967-1969)

Han blev alltmer inriktad på en solokarriär, men gick kortvarigt med i flera band 1967 och med Riot Squad spelade han in Little Toy Soldier, en sadomasochistisk låt med tydliga referenser till Venus in Furs av Velvet Underground. Lou Reeds dekadenta drag ger dock vika för en musikhallsatmosfär som berikas av skrik, hosta, knarrande fjädrar, explosioner och andra ljud från ljudingenjören och framtida Space Oddity-producenten Gus Dudgeon.

I april släpptes en ny singel, The Laughing Gnome, som av Roy Carr och Charles Shaar Murray på NME beskrevs som ”det mest pinsamma exemplet på Bowies ungdomlighet”, och av biografen David Buckley som ”fullständigt korkad, om än perverst catchy”. Trots singelns bristande framgång släpptes hans första album, David Bowie, i juni 1967. Under tiden spelades andra spår in för Deram, men Deram vägrade att ge ut dem, även på grund av den dåliga försäljningen av albumet. Skådespelaren och mimikern Lindsay Kemp sa senare: ”Jag lyssnade på den tills den var slut”. På hösten samma år spelades Let Me Sleep Beside You och Karma Man in. Inte heller dessa släpptes av Deram, men den första av de två var början på ett av Bowies viktigaste samarbeten, med Tony Visconti, som han hade träffat i sin förläggare David Platzs studior.

Det var vid den här tiden som hans filmerfarenhet började, med hans medverkan i Michael Armstrongs kortfilm The Image; när Bowie återigen talade om den 1983 beskrev han den som ”underground avantgardistiska grejer i svartvitt, gjorda av en viss kille…. Han ville göra en film om en målare som ritar ett porträtt av en tonåring, men porträttet vaknar till liv och visar sig vara någons lik. Jag minns inte riktigt handlingen… den var hemsk.”

Efter ett framträdande med den nya singeln Love You Till Tuesday i det holländska tv-programmet Fanclub och ett framträdande på Stage Ball i London, där han sjöng med Bill Savill Orchestra till förmån för välgörenhetsorganisationen British Heart Foundation, uppträdde han den 18 december 1967 i en ”BBC-session” för John Peels radioprogram Top Gear, där Bowie ackompanjerades av Arthur Greenslades sextonhövdade orkester. Den 28 december avslutades den första upplagan av Pierrot in Turquoise på Oxford Playhouse, en pjäs som bygger på ett triangeldrama mellan Pierrot, Columbine och Harlequin. Cloud, som Bowie spelade, var ett slags berättarkaraktär, vars ständiga förändringar syftade till att vilseleda och lura den olyckliga huvudpersonen. Under föreställningen framförde han When I Live My Dream och Sell Me a Coat, tillsammans med tre specialskrivna kompositioner (Threepenny Pierrot, Columbine och The Mirror), allt ackompanjerat på piano av Michael Garrett. Den lokala tidningen Oxford Mail skrev: ”David Bowie har komponerat några fascinerande låtar som han sjunger med en fantastisk drömmande röst”, men ansåg att föreställningen som helhet ”bara lyckas antyda de universella sanningar som Marcel Marceau lyckas uttrycka”.

Den 27 februari 1968 reste Bowie till Hamburg för att spela in tre låtar för ZDF:s program 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute. Vid sin återkomst spelade han in In the Heat of the Morning och London Bye Ta-Ta med Visconti, men Derams vägran att ge ut dem fick sångaren att lämna bolaget för gott.

Under våren fortsatte föreställningarna av Pierrot in Turquoise på Londons Mercury Theatre och Intimate Theater med viss framgång. Bowie spelade sedan in en andra session med låtar på BBC, följt av en spelning på Middle Earth Club i Covent Garden, som förband till T. Rex, och på Royal Festival Hall. Vid båda framträdandena framförde han det korta mimstycket Jetsun and the Eagle, som gav upphov till Wild Eyed Boy från Freecloud, inspirerad av den tibetanska präst och poeten Milarepa och framförd med bakgrundsmusik som inkluderade Silly Boy Blue.

Efter ett flyktigt framträdande i The Pistol Shot, ett BBC-drama baserat på den ryske poeten Pushkins liv, flyttade Bowie till London och flyttade till sin partner Hermione i South Kensington i London, Han började planera en enmansshow speciellt för kabarékretsen och sammanställde en repertoar som växlade mellan hans egna låtar (When I”m Five, Love You Till Tuesday, The Laughing Gnome, When I Live My Dream, Even a Fool Learns to Love) och Beatles-covers som Yellow Submarine och All You Need Is Love; Han höll två provspelningar under sommaren för att få framföra sin föreställning, men båda misslyckades. Han bildade sedan den akustiska trion Turquoise med Hermione och Tony Hill, tidigare gitarrist i Misunderstood, med en repertoar som innehöll några av hans mer bisarra kompositioner, inklusive den outgivna Ching-a-Ling och ett urval av covers som representerade Bowies första försök att ta del av Jacques Brels verk.

Bowies första riktiga spelning var den 14 september på Roundhouse i London; efter några spelningar lämnade gitarristen Tony Hill och ersattes av John Hutchinson. Bandet fick namnet Feathers och debuterade den 17 november på Country Club i Haverstock Hill. Förutom låtarna turades trion om att recitera poesi medan Bowie framförde sitt mimverk The Mask.

Medan de två grupperna Slender Plenty och The Beatstalkers släppte låten som Bowie hade skrivit året innan, Silver Tree Top School for Boys, var årets sista engagemang för tysk tv: det andra framträdandet i 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute och framträdandet i Für Jeden Etwas Musik, där Bowie spelade upp ett mimiskt stycke och sjöng en sång.

Ett annat viktigt möte för Bowie ägde rum i början av 1969 med den 19-åriga amerikanskan Mary Angela Barnett, som fyra månader senare blev hans partner och sedan hans fru i mars 1970; men mötet med Barnett var främst kopplat till den gemensamma bekantskapen med Calvin Mark Lee, europeisk chef för A&R-avdelningen på Mercury Records i New York, som Bowie hade träffat redan 1967, vid ett möte med generaldirektören Simon Hayes. Enligt biograferna Peter och Leni Gillman verkar det också som om Calvin Mark Lee var involverad med sångaren i ett förhållande som gick längre än bara vänskap, och detta kan ha varit den ”trekant” som Bowie hänvisade till många år senare när han provocerande förklarade i en intervju att han träffade sin blivande fru när ”vi båda gick ut med samma man”.

Den 22 januari spelade Bowie in en reklamfilm för Lyons Maid”s Luv ice cream, regisserad av Ridley Scott, och fyra dagar senare började han spela in videoverket Love You Till Tuesday. Under denna period gav han och John Hutchinson sitt första liveframträdande under året vid University of Sussex. Han deltog också i några Tyrannosaurus Rex-turnéer, där han utförde mimsekvenser, och försökte utan framgång provspela för musikalen Hair på Londons Shaftesbury Theatre.

Samma dag övergav Bowie och Hutchinson mimik och poesi och koncentrerade sig på mer sofistikerade folkklanger, baserade på dubbla akustiska gitarrer och vokalharmonier. De spelade in en akustisk demo med tio personer som låg till grund för det nya albumet.

Före sommaren startade sångaren och hans nya partner, Sunday Times-journalisten Mary Finnigan, en folkklubb på puben Three Tuns i Beckenham och började hålla veckomöten med allt fler intellektuella, poeter, filmstudenter och andra kreativa människor. Denna nya verklighet kallades tillväxt.

Den 14 juni var Bowie och Visconti Strawbs gäster i BBC:s Colour Me Pop-program och några dagar senare började inspelningen av den nya LP:n i Trident Studios i Soho, där ljudingenjör Dudgeon övervakade de två spåren som utgjorde albumets första 45-tums, Space Oddity och Wild Eyed Boy från Freecloud. Dessa sessioner var ett tillfälle för Bowie att spela med nya musiker som senare skulle komma att arbeta med honom igen: basisten Herbie Flowers, som också skulle spela på 1974 års album Diamond Dogs, och Rick Wakeman, som hade arbetat med 1971 års album Hunky Dory, och Visconti själv.

Bara tre veckor efter inspelningen och i tid för den första månlandningen med Apollo 11 släpptes Space Oddity 45:an den 11 juli 1969 i två olika versioner, både i Storbritannien och USA, och fick ett bra mottagande i fackpressen.

I slutet av månaden reste han med Pitt till Valletta för Malta Song Festival, där Bowie framförde When I Live My Dream och den tidigare outgivna No-One; Someone, medan han några dagar senare gjorde sitt första framträdande i Italien i Monsummano Terme för International Record Award, där han vann sitt första pris för When I Live My Dream.

Inspelningen fortsatte under sommaren och Visconti rekryterade ett antal andra musiker för tillfället, bland annat Rats-gitarristen Mick Ronson, som gjorde sin officiella debut tillsammans med den brittiska sångaren genom att spela ett kort gitarrsolo i mittendelen av Wild Eyed Boy från Freecloud. I mitten av augusti anordnades en gratisfestival av Growth, Bowies konstverkstad, på Beckenham Recreation Ground, där även Strawbs uppträdde. 3 000 personer deltog och evenemanget förevigades i låten Memory of a Free Festival, även om det verkar som om Bowies humör den dagen inte stämde överens med de nostalgiska känslor som uttrycks i låten, kanske på grund av hans fars död, som hade dött några dagar tidigare av lunginflammation. Beckenham-festivalen var dock Bowies avsked från hippierörelsen, som han äcklades av medelmåttigheten och trögheten hos många av dess anhängare, och den sista akten av Growth Art Workshop, som i huvudsak besöktes av apatiska åskådare snarare än av de aktiva medarbetare som var tänkta att delta i den.

I slutet av augusti, efter att ha spelat in en version av Space Oddity för det holländska TV-programmet Doebidoe, lyckades han få Pitt att skriva på ett kontrakt med Mercury Records för en ny skiva som skulle distribueras i Storbritannien av dess dotterbolag Philips. Valet av producent föll först på George Martin, men Tony Visconti valdes.

Efter ett liveframträdande på Library Gardens i Bromley spelade han i oktober in sitt första framträdande i BBC:s Top of the Pops-program där han framförde Space Oddity, som då hade nått plats 5 på den brittiska listan och var hans första riktiga hit. Detta följdes av en BBC-inspelning med Junior”s Eyes för Dave Lee Travis Show. Samtidigt flyttade Bowie och Barnett till Beckenham till en byggnad i Haddon Hall, som senare blev den inofficiella inspelningsstudion, liksom en fotostudio och ett gemensamt område för sångarens följe. Under denna period framförde han hitlåten Space Oddity vid flera tillfällen, bland annat i den schweiziska televisionens program Hits à gogo och i ZDF:s program 4-3-2-2-1 Musik für Junge Leute.

Detta sammanföll med utgivningen av hans andra album, som släpptes i Storbritannien som David Bowie, samma titel som hans första LP, och i USA som Man of Words.

Under denna period, efter att ha fått håret klippt i en militär stil på grund av att han några månader tidigare deltagit i filmen The Virgin Soldiers där han spelade rollen som soldat, presenterade han sig själv med en rufsigt lockig permanent, som han skulle fortsätta att ha fram till början av 1970-talet.

I slutet av 1969 deltog han i en mycket lyckad konsert i Royal Festival Hall, men eftersom det inte fanns några journalister på plats kunde inte den nationella pressen rapportera om evenemanget. Bland de få som recenserade konserten var Tony Palmer från Observer som beskrev den som ”brinnande” och sa att Space Oddity var ”spektakulärt bra”, även om andra framträdanden som An Occasional Dream beskrevs av honom som ”dystra, monotona och fulla av självömkan”.

1969 avslutades med inspelningen av Ragazzo solo, ragazza sola, den italienska versionen av Space Oddity, om än med en text som inte är relaterad till originalet, och Hole in the Ground, som framfördes på Save Rave ”69 välgörenhetskonserten. Trots att det andra albumet var ett kommersiellt misslyckande och bara sålde drygt 5 000 exemplar i Storbritannien i mars 1970, röstades Bowie fram som bästa nya artist i en läsaromröstning i Music Now!, medan Penny Valentine från Disc and Music Echo utsåg Space Oddity till årets album.

Läs också: strider – Slaget vid Thermopyle

Metamorfosen: från ”folk” till ”glamrock” (1970-1971)

Kort därefter återvände Bowie till Skottland och gästade Grampian TV:s Cairngorm Ski Night.Tillsammans med en stor TV-orkester framförde han London Bye Ta-Ta och gjorde ett dansnummer med Angela och Lindsay Kemp.Under tiden inrättade Visconti och Ronson en inspelningsstudio i Haddon Hall, där mycket av materialet från den här perioden producerades. Bowies halvbror Terry Burns var en flitig besökare i studion, och även om han var volontär på Cane Hill Hospital stannade han ofta hos gruppen, och dessa besök hade ett stort inflytande på några av de kompositioner som hamnade på det nya albumet.

Sedan släpptes 45 rpm-skivan The Prettiest Star, en sann kärleksförklaring till Barnett, som fick stor uppmärksamhet från brittiska musiktidningar eftersom den släpptes efter framgången med Space Oddity. Det positiva mottagandet från pressen fick dock inte något kommersiellt gensvar och singeln sålde inte mer än 800 exemplar. För den amerikanska marknaden föredrog Mercury Records att fokusera på en ny, mer kortfattad och energisk inspelning av Memory of a Free Festival, men detta visade sig vara ett misslyckande.

Den 20 mars 1970 gifte sig David Bowie och Angela Barnett i Bromley Town Hall, i en informell ceremoni med några vänner och Bowies mamma. Fem dagar senare spelade The Hype in ytterligare en session på BBC för Andy Ferris show, men sedan splittrades bandet och spelade sin sista spelning på Star Hotel i Croydon. Under den här tiden arbetade Angela hårt för att hjälpa David, till exempel genom att hålla kontakt med arrangörer och allmänna PR-aktiviteter, boka lokaler där hennes man kunde uppträda, kontrollera ljus och ljud för konserterna osv. Hon skulle också bidra till sin mans nya androgyna image genom att ge honom råd om bland annat kostymval, frisyrer och offentliga tal.

Bowie fortsatte att uppträda live som soloartist, främst med låtar från Space Oddity, men även med förhandsvisningar av låtar som skulle hamna på senare album. Han spelade också in den outgivna låten Tired of my life, som Bowie enligt uppgift skrev när han var 16 år, och släppte The World of David Bowie, den första officiella samlingen av låtar från hans debutalbum och några tidigare outgivna låtar. Inspelningen av The Man Who Sold the World inleddes i Trident Studios från den 18 april till den 22 maj. Cambridge ersattes på trummor av Mick ”Woody” Woodmansey, Ronsonsons tidigare Rats-kollega, medan Visconti tillbringade större delen av sessionerna med att försöka stimulera den nygifta mannen och kämpa mot hans uppenbara apati för projektet. Bandet växte till fem personer när keyboardisten Ralph Mace, en chef på Philips Records som hade blivit Bowies referens på skivbolaget tidigare under året, under inspelningen av The Prettiest Star, tillkom.

När inspelningarna var färdiga sackade Bowies arbete ner, och då han var missnöjd med den riktning som Pitt försökte ta hans arbete, åkte han tillsammans med den unge juridiske rådgivaren Tony Defries till managerens hus, som gick med på att upplösa alla yrkesmässiga förpliktelser. De två skiljdes åt i godo och Defries blev konstnärens manager på heltid. Pitt förblev en av de mest inflytelserika personerna under den brittiska sångarens tidiga period och gjorde betydande personliga investeringar, även om de var betydligt mindre än de medel som Defries kollega Laurence Myers ställde till förfogande, tillsammans med vilken han just hade skapat Gem Music Group; hans sista möte med Pitt var vid Ivor Novello Awards-ceremonin den 10 maj på Talk Of the Town i London, där Bowie sjöng Space Oddity och vann ett pris. Låten framfördes i ett stort orkesterarrangemang arrangerat av Paul Buckmaster och dirigerat av Les Reed, och framförandet sändes via satellit i Europa och USA, men i Storbritannien spelades den bara i radio.

Under tiden började föregående års framgång med samma låt att avta, så i oktober förhandlade Defries fram ett avtal med Chrysalis Records och fick ett förskott på 5000 pund, medan Bowie lade sin energi på en period av intensivt skrivande. The Man Who Sold the World släpptes i USA den 4 november 1970 och fick ett gott mottagande av kritikerna trots dålig försäljning. Ronsonsons hårda rockgitarrspel var en märkbar förändring från den tidigare skivans övervägande folkliga och akustiska atmosfär. Texterna var mer komplexa och mindre raka än tidigare, och de djupare ämnena skulle komma att föras vidare till Bowies senare verk: sexuell tvetydighet, personlighetsklyvning, isolering, galenskap, falska gurus, totalitarism. Bowie tänkte snart på sitt nästa album. Bob Grace, general manager för Chrysalis, hyrde Radio Luxemburgs studior i London där sångerskan började spela in nytt material, bland annat låten Oh! Ni vackra saker.

Följande år släpptes den nya 45:an, Holy Holy, trots att inspelningen försenades med sex månader på grund av kontraktsförhandlingar. Några dagar senare framfördes låten i Granada TV:s program Six-O-One: Newsday, men den blev ingen succé. 1971 var ett avgörande ögonblick i Bowies karriär, ett ögonblick då Defries bidrog till att förverkliga och främja de idéer som föddes ur sångarens geni; managern revolutionerade radikalt hela den organisation som hade präglat hans karriär fram till dess och övertygade honom om att bryta sin relation med Tony Visconti, som var skyldig till att upprätthålla relationer med Marc Bolan, som nu konkurrerade med Bowie som glamrockens primadonna. Visconti lämnade och koncentrerade sig på att producera Marc Bolan och T. Rex, behöll namnet Hype och anställde Rats-sångaren Benny Marshall för att gå med Ronson och Woodmansey. Han återupptog sitt arbete med Bowie 1974, när relationerna mellan sångaren och Defries försämrades.

I februari åkte Bowie för första gången till USA för en kort turné för att marknadsföra The Man Who Sold the World. Trots att han genom sitt äktenskap med Angela hade fått grönt kort kunde Bowie inte uppträda på grund av fackliga avtal med American Federation of Musicians, och han begränsades till personliga framträdanden och intervjuer i Washington, New York, Chicago, Philadelphia, San Francisco och Los Angeles. I en av dessa intervjuer meddelade han John Mendelsohn från Rolling Stone att han ville ”introducera mimik i en traditionell västerländsk miljö, för att fånga publikens uppmärksamhet med en serie mycket stiliserade, mycket japanska rörelser”. Vid samma tillfälle förklarade han också att rockmusiken ”borde vara klädd som en prostituerad, som en parodi på sig själv, den borde vara en sorts clown, en Pierrot”. Musiken är en mask som döljer budskapet. Musiken är Pierrot och jag, konstnären, är budskapet”.

Efter detta korta amerikanska intermezzo återvände Bowie till Trident Studios för att färdigställa det nya albumet Hunky Dory och producerade nya låtar som Changes och Life on Mars? Bland de musiker som till en början anställdes fanns ett antal Dulwich-studenter som hade gett sig själva namnet Runk, däribland gitarristen Mark Carr Pritchard, som ingick i Arnold Corns, basisten Polak de Somogyl och trummisen Ralph St Laurent Broadbent. Andra musiker som han hade arbetat med under tidigare månader övervägdes också för senare inspelningar, däribland Space Oddity-trummisen Terry Cox och Tony Hill, som Bowie hade känt sedan 1968.

The Man Who Sold the World släpptes i Storbritannien nästan ett år efter det att inspelningarna hade avslutats, men trots positiva recensioner, som den hade fått utomlands, var försäljningen katastrofal. Bowies kontrakt med Mercury var på väg att löpa ut, men bolaget skulle förnya det för ytterligare ett album. Följande månad kom skivbolagets representant Robin McBride från Chicago till London för att erbjuda honom ett nytt treårskontrakt. Defries svarade att om Mercury utnyttjade möjligheten att förnya för en ny skiva skulle de ge honom ”den största skit de någonsin haft” och informerade honom om att Bowie under inga omständigheter skulle spela in en ny skiva med Mercury, som gick med på att säga upp kontraktet.

Bowie förberedde material för det nya albumet i en rasande takt och kallade in Ronson och Woodmansey; Ronson gick med på det och tog in basisten Trevor Bolder för att ersätta Visconti. Besättningen för de framtida Spiders from Mars började växa fram.

Bandet flyttade till Haddon Hall för att repetera nya kompositioner, och Bowie bestämde sig för att använda den kommande BBC-sessionen den 3 juni som ett skyltfönster för sin nya krets av musiker, inklusive vännerna Dana Gillespie, George Underwood och Geoffrey Alexander, för att framföra några nya låtar, inklusive Kooks, komponerad för hans son Zowie. Den 23 juni deltog Bowie i Glastonbury Fayre, där bland annat Hawkwind, Traffic, Joan Baez och Pink Floyd uppträdde. Kvällens setlista hade blivit för lång och Bowies konsert hade ställts in eftersom myndigheterna hade insisterat på att evenemanget skulle vara avslutat vid 22.30. Bowie började spela klockan 5 på morgonen med vissa olägenheter som avbröt Oh! You Pretty Things och fortsatte med ytterligare sex spår, inklusive Memory of a Free Festival.

Inspelningen av Hunky Dory fortsatte i Trident Studios under sommaren, och i augusti flög Defries till New York med 500 reklameexemplar av en vinyl kallad BOWPROMO 1A1.

Under slutskedet av Hunky Dory dök en annan avgörande faktor upp för Bowies framtida karriär. Sommaren 1971 satte Roundhouse i London upp den amerikanska produktionen Pork, Andy Warhols bearbetning av en samling samtal som spelats in i New Yorks skumma kretsar, med transvestiten Wayne County, den ohämmade Geri Miller och Cherry Vanilla med Tony Zanetta som spelade Warhol själv. För den brittiska allmänheten var Pork med scener av onani, homosexualitet, droger och abort en oacceptabel förolämpning mot den goda smaken. Utställningen fick enorm gratis publicitet genom pressens upprörda kommentarer, och för Bowie var kontakten med Warhols konstigheter en ny vändpunkt. Denna händelse och hans möte med den amerikanska artisten månaden därpå gav honom insikten om att han skulle smälta samman musik och uppträdande, ändra sitt utseende och använda medierna för att skapa sin nya rockstjärneimage. Hans roll på scenen var inte längre begränsad till att vara en sångare och musiker med en god användning av kroppsrörelser, utan en skådespelare och musiker.

Bowie lockades av deras fräckhet, dunkla sexualitet, New York-stil och Warhol-kopplingar och skyndade sig att presentera de nya medlemmarna för Defries när han återvände från USA. När Defries lämnade Gem Music Group 1972 och startade MainMan Management, sitt helägda företag för att hantera den enorma mängd affärer som Bowie skulle kunna göra, anställdes några av Pork”s nyckelpersoner och fick framträdande roller i företaget.

När Hunky Dory var färdigställd återvände Bowie till Amerika tillsammans med Angela, Defries och Ronson för att skriva på ett nytt kontrakt med RCA. Precis som vid sin tidigare resa kunde Bowie inte uppträda, men vistelsen gav honom möjlighet att träffa Warhol personligen och han spelade låten som var tillägnad honom. Som Bowie avslöjade 1997 reagerade Warhol inte positivt: ”Jag tror att han trodde att han blev förödmjukad av låten eller något, och det var verkligen inte min avsikt, det var en ironisk hyllning. Han tog det mycket illa upp men han gillade mina skor…. Jag hade ett par skor som Marc Bolan hade gett mig, en ljus kanariegul färg, med en klack och en rundad tå, eftersom Warhol också hade för vana att designa skor, så vi hade något att prata om. Samma dagar ägde två andra viktiga möten rum: Dennis Katz från RCA presenterade honom för Lou Reed på en restaurang och samma kväll, på en fest på Max”s Kansas City, träffade han Iggy Pop, ett möte som skulle visa sig vara grundläggande för deras båda karriärer.

När Bowie återvände till Europa fortsatte han att spela live och i studio och inspelningarna av The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars inleddes den 9 september med en cover av den amerikanska singer-songwritern Ron Davies It Ain”t Easy. Den 21 september hölls ytterligare en BBC-session för Sounds of the 70s med ”Whispering” Bob Harris, där Bowie och Ronson spelade Brels Amsterdam. Fyra dagar senare var det första liveframträdandet med de blivande Spiders from Mars, med Tom Parker på piano, på Friars Club i Aylesbury.

Den 8 november inleddes den första riktiga sessionen där många av spåren till det nya albumet producerades. Bland dessa fanns nya versioner av Moonage Daydream och Hang On to Yourself, de berömda Ziggy Stardust och Lady Stardust, varav de två sistnämnda redan hade spelats in på en akustisk demo i Radio Luxemburgs studior några månader tidigare. Bland de bortkastade spåren fanns Shadow Man, Sweet Head, Velvet Goldmine, en ny version av Holy Holy Holy och en ombetitlad Round and Round-tolkning av Chuck Berrys Around and Around.

Hunky Dory släpptes den 17 december 1971, då Bowie var halvvägs in i inspelningen av sitt nästa album och arbetade på en ny image och stilförändring. Det nya verket innebar en återgång till ett mer folkligt sound som dominerades av Rick Wakemans piano och Mick Ronsonsons operaarrangemang, och framför allt visade det upp Bowies färdigheter i låtskrivande, men trots lysande recensioner i fackpressen och lanseringen av singeln Changes var reklamkampanjen otillräcklig och försäljningen var dålig. I USA slutade den på plats 93 på Billboard 200 och i Storbritannien fick den vänta tills Ziggy Stardust släpptes innan den hamnade på listan. Hunky Dory anses fortfarande vara hans första autentiska ”klassiska” album genom åren.

Läs också: biografier – Leopold II av Belgien

Ziggy Stardust-eran (1972-1973)

Det verkliga genombrottet kom 1972 med albumet The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, där han åtföljdes av det namngivna bandet The Spiders from Mars och som innehöll de flesta av hans klassiker, som fortsatte att upprepas på varenda konsert även trettio år senare: Från Starman till Moonage Daydream, Rock ”n” Roll Suicide till Ziggy Stardust och Space Oddity, en version som Bowie framförde i sitt första videoklipp, filmat i RCA Studios i New York samma år.

Mellan 1972 och 1973 turnerade han med en show där den riktiga Bowie och Ziggy Stardust-figuren suddades ut. Klädd i tajta färgade strumpbyxor, flamboyanta kostymer och med håret färgat i knallrött, inledde Bowie Ziggys första spelning i den intima miljön på Toby Jug Pub i Tolworth den 10 februari 1972. Showen, som senare presenterades för en större publik, katapulterade slutligen Bowie in i de brittiska mediernas rampljus under de följande sex månadernas turnéer, vilket gav honom en enorm popularitet och växande hyllningar från både publik och kritiker. Horder av unga pojkar och flickor strömmade till hans konserter, imponerade av den hårda, melodiska glamrock och sexuellt frigjorda attityden hos epheben Ziggy. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, som kombinerar hårdrocken från The Man Who Sold the World med den mer popiga och experimentella ansatsen från Hunky Dory, släpptes i juni 1972. Den nådde plats fem i Storbritannien och låg kvar på listorna i ungefär två år, vilket också fick den sex månader gamla Hunky Dory att återvända till listorna. Framgången berodde till stor del på Bowies framträdande i Top of the Pops, där han framförde singeln (från det nya albumet) Starman, som också nådde plats tio. Inom några veckor släpptes även singeln John, I”m Only Dancing, som inte fanns med på albumet, och All the Young Dudes, en låt skriven och producerad för Mott the Hoople, som också blev brittiska hits. Ziggy Stardust-turnén fortsatte i USA.

Under denna period bidrog Bowie som producent och musiker, tillsammans med Ronson, till den största kommersiella framgången i Lou Reeds karriär, albumet Transformer, som anses vara en milstolpe inom glamrock.

Nästa studioarbete var albumet Aladdin Sane, som blev Bowies första album som hamnade på topplistan i Storbritannien. Skivan beskrevs av Bowie själv som ”Ziggy Goes to America”, för att betona amerikaniseringen av det föregående årets glam-sound, och innehöll låtar som skrevs under resan genom USA för de första datumen av Ziggy-turnén, som fortsatte till Japan. Aladdin Sane gav upphov till två hitsinglar som nådde toppen av de brittiska listorna: The Jean Genie och Drive-In Saturday.

Titeln är en ordlek som speglar Bowies dubbla personlighet vid den tiden: å ena sidan den övernaturligt friska Aladdin (Aladdin Sane) och å andra sidan den galna pojken (A lad insane). Famous blev albumets ikoniska omslagsbild, ett halvlång foto av Bowie i Aladdin Sane-smink med en röd blixt över ansiktet, en av de mest igenkännbara och emblematiska avbildningarna av artisten under årtiondena.

Bowies kärlek till skådespeleri och teater ledde till att han helt och hållet fördjupade sig i sitt androgyna musikaliska alter ego. I efterhand säger musikern: ”På scenen var jag en robot och utanför scenen hade jag känslor. Det är förmodligen därför jag föredrog att klä ut mig till Ziggy framför att klä ut mig till David. Med framgången följde personliga svårigheter: att spela samma roll om och om igen gjorde det allt svårare för Bowie att skilja sina karaktärer från sin sanna personlighet; ”Ziggy”, sa Bowie, ”ville inte lämna mig på flera år”. Det var då allt gick för långt. Hela min personlighet påverkades. Det blev mycket farligt. Jag började allvarligt ifrågasätta mitt förstånd.

Ziggys sista konserter, som innehöll låtar från både Ziggy Stardust och Aladdin Sane, var helt teatrala och innehöll studerade stunder av patos på scenen som växlade med förvirrande gester, där Bowie simulerade fellatio med Ronsonsons gitarr. Han avslutade denna period med det dramatiska tillkännagivandet att han skulle sluta som Ziggy vid en konsert på Londons Hammersmith Odeon den 3 juli 1973, på höjden av sin framgång.

Efter att ha upplöst Spiders from Mars försökte Bowie att lämna Ziggy-personligheten för gott. Som en återspegling av den aktuella framgången sålde även alla album i hans tidigare katalog bra: The Man Who Sold the World återutgavs 1972 tillsammans med Space Oddity. Låten Life on Mars? släpptes som singel i juni 1973 och nådde tredje plats på den brittiska listan. Pin Ups, en samling covers av Bowies favoritlåtar från sextiotalet, släpptes i oktober och nådde förstaplatsen på den brittiska listorna. 1973 hade Bowie sex album på den brittiska listan och den kommersiella framgången, åtminstone på hemmaplan, var på god väg.

Mot slutet av året hade Bowie ett kort men intensivt förhållande med Amanda Lear, som han upptäckte när han såg henne på omslaget till Roxy Musics album For Your Pleasure. Det var Bowie själv som övertalade henne att sluta vara modell och satsa på en karriär som sångerska, och han finansierade till och med sång- och danslektioner.

Läs också: biografier – Karl I av England

I mars 1974 gick Bowie ombord på oceanfartyget SS France och anlände till USA den 1 april, där han till en början bodde i New York.

Albumet Diamond Dogs från samma år var resultatet av två olika idéer: en avbruten musikal baserad på den apokalyptiska framtid som beskrivs i George Orwells roman 1984 och de första soul- och funkinfluenserna som började smyga sig in i Bowies musik.

Med hits som Rebel Rebel och Diamond Dogs blev albumet nummer ett i Storbritannien och nummer fem i USA. För att marknadsföra skivan gav sig Bowie ut på den spektakulära Diamond Dogs-turnén, som gick i stora städer i Nordamerika mellan juni och december 1974. Den mycket teatrala turnén sammanföll med Bowies växande kokainberoende, vilket orsakade honom ett antal fysiska problem på grund av försvagning. I april 1975 flyttade Bowie till ett hus i Los Angeles Hills i Kalifornien, där han tillbringade en av de mörkaste perioderna i sitt liv, besatt av sin passion för det ockulta och försvagad av ett tungt drogmissbruk. Denna mörka period bidrog dock delvis till att hans nästa personlighet föddes.

Bowie själv, med tanke på sin osäkra hälsa, kommenterade sitt nästa livealbum, David Live, och sa ironiskt nog att det borde ha fått titeln ”David Bowie is alive and well but living only in theory” (David Bowie lever och mår bra, men lever bara i teorin). David Live befäste dock Bowies status som rockstjärna och nådde plats två i Storbritannien och plats åtta i USA. Efter en paus i Philadelphia, där Bowie spelade in nytt material, fortsatte turnén med större tonvikt på soulmusik, Bowies sista stora passion.

Resultatet av sessionerna i Philadelphia blev albumet Young Americans, som släpptes 1975, där Bowie äntligen lade av med sin färgglada glamrockhjälte och kastade sig in i den svarta amerikanska musiken. Biografen Christopher Sandford skrev: ”Under åren har många brittiska musiker försökt att bli ”svarta” genom att efterlikna amerikansk svart musik, men få har lyckats så bra som Bowie.

Skivans distinkta, konstruerade sound, som Bowie beskrev som ”plastic soul”, var en radikal nyhet i hans musikaliska stil. Singeln Fame, som skrevs tillsammans med John Lennon och Carlos Alomar, är hämtad från Young Americans och gav Bowie en tvåveckors förstaplats på den amerikanska listan. Albumet markerade en viktig fas i Bowies musikaliska utveckling, eftersom det var det första av hans album som rörde sig bort från rock och mot funkigare, mer själfulla ljud, vilket skapade en sorts ”vit R&B”.

När Bowie fick höra dessa uppgifter var MainMan skuldsatt, många räkningar i både Storbritannien och USA hade blivit obetalda och utgifterna hade ökat, tillsammans med Defries missriktade investeringar. Bowie kände sig förrådd och utnyttjad; hans första reaktion var att skära ner på de orimliga konsertpriserna och anta mer sobra kostymer och miljöer och döpa om turnén till ”Philly Dogs Tour”. Den 29 januari 1975 gick han till RCA:s kontor och meddelade att han lämnade MainMan och fick ett förskott för den kommande Young Americans. Nästa dag kom brevet om uppsägning av avtalet till MainMan.

Läs också: viktiga_handelser – Peloponnesiska kriget

Åren med ”White Duke” och Berlin-trilogin (1976-1979)

I januari 1976 släpptes uppföljningsalbumet Station to Station, som i februari följdes av en tre och en halv månad lång turné i Europa och USA för att marknadsföra albumet och de dramatiska framträdandena av Bowies nya personlighet, den tunne White Duke.

Detta nya alter ego markerade en av de många konstnärliga vändpunkterna i hans karriär, som nu låg långt ifrån den mångfärgade glamrock som han hade haft några år tidigare. White Duke” utgav sig för att vara en aristokratisk person med sobra och eleganta kläder, hypotetiska högersympatier och en stark förkärlek för ockultism. Även om många av dessa element bara var sceniska trick för den mångfacetterade artisten, kom namnet ”White Duke” in i allmänhetens kollektiva fantasi och blev snart hans vanligaste smeknamn under resten av hans karriär.

Bland höjdpunkterna från denna period finns albumets titelspår, influerat av ljudet från tyska krautrockgrupper, balladerna Word on a Wing och Wild Is the Wind, en cover av en låt som Nina Simone gjorde känd, samt de funkiga låtarna TVC 15 och Stay. Bandet som följde Bowie på scenen bestod av gitarristen Carlos Alomar, basisten George Murray och trummisen Dennis Davis, som skulle vara med Bowie fram till slutet av decenniet. Turnén blev en stor framgång, men den skapade också politiska kontroverser, till exempel vid ett datum i Stockholm, där Bowie anklagades för att ha gjort följande uttalande: ”Storbritannien skulle gynnas av en fascistisk ledares tillkomst”, och kort därefter stoppade gränspolisen honom vid den polsk-ryska gränsen för att han hade nazistiska minnesprylar.

Den kontroversiella affären kulminerade i det som blev känt som ”Victoria Station incidenten” i London i maj följande år. På eftermiddagen den 2 maj 1976, när han återvände till Storbritannien efter två års frånvaro, lämnade Bowie stationen och viftade med sin vänstra arm mot en skara beundrande fans, vilket misstogs för en nazisthälsning, fotograferades och publicerades i NME. Bowie hävdade att fotografen helt enkelt hade ”fryst” hans armrörelse i luften som en del av en normal hälsning. Den brittiska pressen ignorerade till största delen händelsen, men tabloidtidningar spekulerade om sångarens påstådda nazistiska tendenser och underblåste det med återvunna citat från tidigare år, till exempel Bowies intervju med Cameron Crowe, där han sa att ”Adolf Hitler var en av de första riktiga rockstjärnorna”, eller att han citerade låten Somebody Up There Likes Me från albumet Young Americans, där han talade om Hitlers återkomst. Bowie bad senare offentligt om ursäkt för dessa tvetydiga attityder och skyllde dem på sitt kokainberoende och sin överidentifiering med karaktären ”White Duke”: ”Jag var galen, jag var helt galen. Jag var mer intresserad av mytologin än av hela Hitler och totalitarismen.

Det var också under den här perioden som Bowie fick sin första riktiga filmupplevelse genom att spela huvudrollen i science fiction-filmen The Man Who Fell to Earth av Nicolas Roeg, som gav honom rollen efter att ha sett honom i dokumentären Cracked Actor om föregående års Diamond Dogs-turné. I samband med detta började David också komponera några instrumentala stycken som skulle ha varit soundtrack till filmen men som istället blev en del av hans senare inspelningar.

1976 flyttade Bowie till Schweiz och köpte en stor villa i Blonay, i bergen nära Montreaux vid Genèvesjön, där hans kokainanvändning ökade ytterligare och allvarligt hotade hans hälsa. Bowie var fast besluten att bli ren och att distrahera sig från den stressiga musikmiljön och började måla och skapade flera postmoderna verk. Han tog också för vana att ta med sig en skissbok på turnéerna för att teckna när han kände sig inspirerad och började fotografera allt som han tyckte var intressant. Hans intresse för måleri växte till den grad att han besökte stora europeiska utställningar och även många konstgallerier i Genève och Brücke-Museum i Berlin och blev, med biografen Christopher Sandfords ord, ”en produktiv producent och samlare av samtida konst”; hans målningar visades i många separatutställningar och några köptes av museer i Storbritannien och USA. Genom sin webbplats Bowieart.com var han också engagerad i att främja och uppmuntra unga konstnärers verk att synas.

Före slutet av 1976 ledde Bowies intresse för den tyska konstscenen till att han flyttade till Västberlin för att bli ren och återuppliva sin karriär. Här inledde han ett fruktbart samarbete med Brian Eno och delade en lägenhet i Schöneberg med Iggy Pop och Corinne Schwab, hans personliga assistent i Los Angeles, som han hade anförtrott de flesta organisatoriska och administrativa aspekterna åt.

Schwab var föremål för stor avundsjuka från Bowies fru Angie, som efter att ha tillbringat några dagar i Berlin flyttade tillbaka till USA. Bowie tillägnade henne låten Be My Wife på albumet Low och bad henne förgäves att stanna med honom på detta nya äventyr. Äktenskapet hade varit i gungning sedan 1973, deras sexuella passion hade avtagit och de hade ofta haft utomäktenskapliga affärer. Angie skulle senare hävda att hon inte längre ville träffa sin man efter de återkommande pro-nazistiska incidenterna, som till exempel incidenten på Victoria Station. Bowie hävdade att de hade träffats ibland och levt skilda liv sedan 1974. Detta följdes av deras slutliga separation och skilsmässa 1980.

David började fokusera på minimalism och ambientmusik, vilket skulle komma att prägla albumen i den så kallade ”Berlin-trilogin”. Under denna period hjälpte han också till att återuppliva Iggy Pops karriär genom att producera och medskriva hans första soloalbum The Idiot och det efterföljande Lust for Life. Under Iggy Pops turné i Europa och USA i mars och april 1977 var Bowie keyboardist.

Albumet Low från 1977 var delvis influerat av Krautrock från Kraftwerk och Neu! och markerade ett steg framåt för Bowie som kompositör och konceptuell konstnär, som rörde sig bort från enkel pop och rock för att producera ambitiös, mer abstrakt musik, där texterna var sporadiska och inte väsentliga. Trots den inledande negativa kritiken på grund av dess uppenbara komplexitet och omöjlighet att sälja nådde Low plats två på den brittiska listorna och gav även upphov till hitsingeln Sound and Vision som också nådde plats tre på den brittiska listorna. I efterhand skulle det visa sig vara ett kultalbum och leda till att avantgardistiska kompositörer som Philip Glass beskrev det som ”ett genialt verk av ojämförlig skönhet”. Glass komponerade själv en hel symfoni baserad på skivans musik och atmosfär, 1992 års Low Symphony.

Den 23 september 1977 släpptes ”Heroes”, som följde Lows minimalistiska strategi och innehöll den berömda låten med samma namn som skrivits tillsammans med Brian Eno.Albumet smälte samman pop och rock och utvidgade genregränserna, och var det enda av de tre Berlin Trilogy-albumen som spelades in helt och hållet i Berlin. Liksom Low genomsyrades Heroes av det kalla krigets tidsanda och var stigmatiserad av muren som delade staden i två delar. Det blev ännu en stor succé och nådde plats tre på den brittiska listan. Titelspåret, som bara nådde plats 24 på den brittiska singellistan vid den tiden, blev kanske det mest kända och ikoniska spåret i Bowies hela karriär och har under åren bestått som hans signaturlåt.Mot slutet av året framförde Bowie spåret både i Marc Bolans TV-show och i Bing Crosbys julspecial, med vilken han framförde en version av Peace on Earth.

Efter att ha färdigställt Low och Heroes marknadsförde Bowie de två albumen och tillbringade större delen av 1978 på en turné med 70 konserter i 12 länder där en miljon människor deltog. Turnén resulterade i livealbumet Stage, som släpptes samma år. 1978 släpptes filmen Just a Gigolo med Bowie i huvudrollen. Filmen mottogs dåligt av publiken och fick dåliga recensioner av kritikerna.

Det sista kapitlet i trilogin var 1979 års album Lodger, som i sin tur visade ett närmande till den minimalistiska, ambienta och komplexa musiken från de två tidigare skivorna men med en partiell återgång till konventionell rock baserad på slagverk och gitarrer. Resultatet blev en komplex blandning av new wave- och världsmusikelement, med vissa multietniska influenser; vissa låtar komponerades med hjälp av aforismerna från Brian Eno och Peter Schmidts Oblique Strategies: Boys Keep Swinging föddes på detta sätt och uppmuntrade musikerna att ”slå” sina instrument, medan Move On använde ackordföljden i All the Young Dudes baklänges och Red Money använde det grundläggande instrumentala spåret i Sister Midnight, en låt som tidigare hade komponerats tillsammans med Iggy Pop. Albumet spelades in helt och hållet i Bowies privata studio i Schweiz och markerade ett tillfälligt avbrott i Bowies samarbete med Brian Eno, som skulle återvända för att arbeta tillsammans på 1990-talet. Lodger nådde plats fyra i Storbritannien och plats 20 i USA, och singlarna Boys Keep Swinging och DJ kom från albumet. Även om Lodger till en början uppfattades som en mindre bra avslutning på Berlin-trilogin, skulle den omvärderas under åren, inte minst på grund av de nedslående resultaten av Bowies album på 1980-talet.

Läs också: biografier – Frans Xavier

Kommersiell framgång och massframgångar (1980-1989)

Under 1980-talet var Bowie starkt involverad i film och teater och ökade antalet scener och omfattningen av sina turnéer, medan hans skivproduktion baserades på förfinad, generisk pop, med album som innehöll några mer kommersiella hits, lämpliga för massiv radiospelning. Framgången för dessa singlar fick ytterligare bränsle genom de suggestiva videor som följde med dem, ett videofenomen som Bowie redan var bekant med och som han utnyttjade till fullo, som den mångfacetterade artist han alltid varit. 1980 års album Scary Monsters (and Super Creeps) blev en stor framgång och nådde förstaplatsen i Storbritannien, med gitarrbidrag från Robert Fripp, Pete Townshend och Tom Verlaine. Det gav upphov till den topplistade hiten Ashes to Ashes, som gav internationell exponering åt den nyromantiska rörelsen, när Bowie rekryterade statister för videoklippet, bland annat Steve Strange från Visage, på nattklubben Blitz i London. I videon är Bowie klädd som en läskig Pierrot, en av hans mest kända förklädnader. I september 1980 debuterade Bowie på Broadway i pjäsen The Elephant Man, där han spelade den deformerade John Merrick utan smink och fick strålande recensioner.

Samma år medverkade han i den tyska filmen Christiane F. – Soundtracket till filmen, som uteslutande består av hans låtar från Station to Station, Low, Heroes och Lodger, släpptes några månader senare och fick stor uppskattning. 1981 samarbetade Bowie med Queen på deras album Hot Space och spelade tillsammans med Freddie Mercury på låten Under Pressure. Låten blev en stor framgång och blev Bowies tredje första singel i Storbritannien. 1982 spelade han huvudrollen i BBC:s tv-version av Bertolt Brechts pjäs Baal. Fem av låtarna från pjäsen, som spelades in i Berlin, släpptes på en EP med samma namn. 1983 års enormt framgångsrika album Let”s Dance, som samproducerades med Chics Nile Rodgers, fick platina på båda sidor av Atlanten. Efter Let”s Dance följde Serious Moonlight Tour, med gitarristen Earl Slick och sångarna Frank och George Simms som medhjälpare. Världsturnén pågick i sex månader och blev en stor framgång, även om vissa kritiker påpekade att Bowies musik hade blivit alltför ”kommersialiserad”. Under turnén uppträdde han med en ny look med oljigt hår och solbränd kropp, och erbjöd lättillgänglig dansrock med störande teman och utmanande texter.

1983 medverkade Bowie i filmen Furyo, även känd under originaltiteln Merry Christmas Mr Lawrence, regisserad av Nagisa Ōshima och baserad på romanen The Seed and the Sower av Laurens van der Post. Hans insats fick beröm av kritikerna och filmen mottogs väl av publiken. 1984 släpptes Tonight, ett annat dansorienterat och mycket kommersiellt album som nådde förstaplatsen i Storbritannien, med Tina Turner och Iggy Pop. Bland skivans covers fanns en mycket kritiserad version av Beach Boys klassiker God Only Knows från 1966. Det fanns dock en hit, Blue Jean, som skulle komma att presenteras i den korta musikfilmen Jazzin” for Blue Jean, som vann Grammy Award för bästa kortformiga musikvideo.

1985 uppträdde Bowie i Live Aid på den gamla Wembley Stadium i London. Under evenemanget visades en specialgjord video där Bowie spelade duett med Mick Jagger på låten Dancing in the Street, som senare hamnade på första plats på listorna. Senare spelade han huvudrollen i Absolute Beginners och Labyrinth, filmer som släpptes 1986 och till vilka han även skrev soundtracket. Singeln Absolute Beginners nådde plats två i Storbritannien och plats ett på den europeiska singellistan Eurochart Hot 100 Singles. 1987 släppte han albumet Never Let Me Down, som av kritikerna ansågs vara en tråkig, kommersiell satsning, men som gick bra på listorna, med hjälp av en ny världsturné, den onanistiska och teatrala Glass Spider Tour.

Läs också: mytologi – Ra (gud)

Den korta perioden med Tin Machine (1989-1990)

1989 var han sångare, gitarrist och saxofonist i rockbandet Tin Machine, som bildades tillsammans med Reeves Gabrels och bröderna Tony och Hunt Sales, som han redan på 1970-talet hade samarbetat med på Iggy Pops album Lust for Life; han spelade också keyboard på turnén som dokumenterades på livealbumet Tv Eye (1978).

Även om det rådde absolut demokrati inom Tin Machine började Bowies ledarskapsnatur snart dominera bandets dynamik, både som låtskrivare och som ledare. 1989 kom bandets debutalbum Tin Machine, som togs emot väl av både publik och kritiker, även om den överdrivna politiseringen av texterna väckte viss oro. Albumet nådde tredje plats på den brittiska listan och bandets första världsturné blev en succé. Efter en rad misslyckade singlar och ett bråk med EMI lämnade Bowie dock skivbolaget och bandet upplöstes efter att ha släppt ett andra studioalbum och ett livealbum, båda dåligt mottagna av publik och kritiker. Innan bandet släppte sitt andra album hade Bowie redan återgått till soloaktivitet med Sound+Vision-turnén 1990, som höll honom sysselsatt i sju månader och turnerade världen runt med sina gamla hits, efter att Sound and Vision-boxen släppts, till stor hyllning och enorma vinster. Ett tredje studioalbum med Tin Machine planerades, men Bowie föredrog att återgå till soloaktiviteter efter att ha träffat Nile Rodgers (producenten av Let”s Dance). Tillsammans med Rodgers spelade han in Real Cool World, titelspåret till Cool World-filmens soundtrack, som släpptes som singel sommaren 1992.

Läs också: biografier – Mahmud av Ghazni

Elektronik, nya experiment och en återgång till det förflutna (1990-1999)

1990 flyttade han permanent till New York till en lägenhet på 160 Central Park South, på nionde våningen i Essex House, med utsikt över Central Park, och ägnade sig åt att experimentera, och utformade nya album, alla mycket olika varandra, som släpptes i början av nittiotalet. Han återgick till att arbeta med Nile Rodgers och Brian Eno och utforskade genrer och musikaliska trender från den tiden, som hiphop, jungle och drum and bass. I New York grundade han också Isolar Enterprises, ett företag som hanterade hans låtkatalog, upphovsrätt, fastigheter och all pressverksamhet.

I april 1992 uppträdde hon på Freddie Mercury Tribute Concert där hon framförde Heroes, All the Young Dudes och, tillsammans med Annie Lennox, Under Pressure. Den 6 juni 1992 gifte hon sig med Iman Mohamed Abdulmajid i en privat ceremoni i St James Episcopal Church i Florens, Italien.

Albumet, som producerades av Nile Rodgers, nådde toppen av de brittiska listorna, med två singlar på topp 40 och en på topp 10, Jump They Say, tillägnad hans halvbror Terry. Bowie utforskade senare nya ambientmusiktrender med The Buddha of Suburbia, soundtracket till tv-miniserien med samma namn; albumet fick goda recensioner men var ett kommersiellt misslyckande och hamnade på plats 87 i Storbritannien.

Samarbetet med Brian Eno resulterade i 1.Outside, ett konceptalbum där han skapade ett nytt alter ego, detektiven Nathan Adler, och andra som fick i uppgift att tolka spåren och på så sätt utveckla berättelsen. Albumet, som både kritiserades och hyllades i lika hög grad, men som på senare år har omvärderats mycket positivt, fick ett bra mottagande både i Amerika och Europa och producerade också några av de mest framgångsrika singlarna från den perioden, till exempel låten Hallo Spaceboy, som senare framfördes med Pet Shop Boys. Albumet skulle ingå i en trilogi, men projektet lades på is efter att Outside Tour avslutades i juli 1996.

Den 17 januari 1996 blev Bowie invald i Rock and Roll Hall of Fame, vilket följdes av en stjärna på Hollywood Walk of Fame, som han lade ner i februari 1997. I december 1996 blev Bowie den första rockstjärnan som handlades offentligt och erbjöd investerare obligationer som placerades på Wall Street. Bowieobligationerna var giltiga i tio år och var huvudsakligen säkrade av intäkterna från 287 låtar från hans 25 album som spelades in före 1990. De var värda sammanlagt 55 miljoner dollar och köptes i sin helhet av Prudential Insurance Company of New York. Detta gjorde Bowie till en av världens rikaste sångare och han följdes snart av Elton John, James Brown, Ashford & Simpson och The Isley Brothers.

Samtidigt insåg Bowie webbens potential, och utöver sin egen webbplats www.davidbowie.com lanserade han våren 1996 BowieNet, den första tematiska portalen skapad av en sångare, genom vilken det var möjligt att koppla upp sig mot webben och lagligt ladda ner hans musik. BowieNet nominerades senare till 1999 års Wired Award som årets bästa underhållningssajt och förblev aktiv fram till 2012.

År 1997 släpptes albumet Earthling, som innehöll nya experiment med djungelmusik och drum and bass; det blev en större publik- än kritikersuccé och gav upphov till hiten Little Wonder, med vilken han också uppträdde som gäst på den 47:e Sanremo-festivalen. 1999, för sitt nya album ”hours…”, ändrade Bowie sitt utseende igen och bytte ut sitt korta rödbruna hår mot en ”big hair”-look som liknade hans tidiga dagar. Albumet, som innehåller hitsingeln Thursday”s Child, har av Rolling Stone beskrivits som en syntes av Bowies karriär, där hans fans kan hitta spår av tidigare album som Hunky Dory, Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Heroes och Low.

Läs också: biografier – Guy Fawkes

Hedning, verklighet och pensionering (2000-2013)

År 2000 ägde sessioner rum för det planerade albumet Toy, som skulle vara en sammanställning av nya versioner av några av Bowies tidiga låtar med tillägg av tre nya låtar, men som oväntat förblev osläppt.Den 15 augusti samma år föddes Davids och Imans dotter Alexandria Zahra ”Lexie” Jones.

I oktober 2001 öppnade Bowie Concert for New York City, ett välgörenhetsevenemang för offren för terroristattackerna den 11 september 2001, med ett minimalistiskt framförande av Simon & Garfunkels America, följt av klassikern Heroes.

År 2001 framförde han en version av Nature Boy på soundtracket till filmen Moulin Rouge!

Bowies samarbete med Tony Visconti fortsatte 2002 med produktionen av Heathen, ett album med tidigare outgivna låtar, följt av en lång turné 2002 i USA och Europa som inleddes från Londons Meltdown Festival, som Bowie var curator för det året, och som bjöd in stora artister som Philip Glass, Television och The Dandy Warhols.

Året därpå släppte han albumet Reality och turnerade med stor framgång, men det avbröts dramatiskt den 25 juni 2004 när Bowie efter en konsert på Hurricane Festival i Scheeßel fick föras till Hamburg på grund av en allvarligt blockerad kranskärl, vars symptom hade känts några dagar tidigare. Efter operationen återvände Bowie till New York, men de återstående elva turnédatumen ställdes in.

Under de följande åren höll sig Bowie borta från scenen, med undantag för några sällsynta framträdanden, men han spelade in några stycken för film, till exempel sin gamla hit Changes i duett med Butterfly Boucher för den animerade filmen Shrek 2 från 2004, och skrev 2005 års (She Can) Do That med Brian Transeau för filmen Stealth.

Han återvände för att uppträda live den 8 september 2005 tillsammans med Arcade Fire i samband med det amerikanska TV-eventet Fashion Rocks, och han gick med det kanadensiska bandet igen en vecka senare i samband med CMJ Music Marathon. Några månader senare sjöng han på ett spår på TV on the Radios album Return to Cookie Mountain,

Den 8 februari 2006 tilldelades han Grammy Award for Lifetime Achievement, och efter att i april ha meddelat att han skulle vara borta från scenen i ett år gjorde han ett överraskande framträdande på David Gilmours konsert i Royal Albert Hall i London den 29 maj. Några av låtarna från evenemanget spelades in för DVD:n Remember That Night: Live at the Royal Albert Hall.

Hans sista livekonsert var i november 2006 tillsammans med Alicia Keys för en välgörenhetsshow på Black Ball i New York. Samma år medverkade han som skådespelare i Christopher Nolans film The Prestige i rollen som Nikola Tesla.

År 2007 spelade han in en reklamfilm med Snoop Dogg för den amerikanska radiostationen XM Satellite Radio och samarbetade med Lou Reed på det danska rockbandet Kashmirs album No Balance Palace. Men hans konstnärliga strävanden fortsatte och samma år valdes Bowie till konstnärlig ledare för High Line Festival på Manhattan och samarbetade med Scarlett Johansson på albumet Anywhere I Lay My Head, som innehåller covers av Tom Waits. På 40-årsdagen av Apollo 11:s månlandning släppte EMI spåren från den ursprungliga Space Oddity-inspelningen 2009 i en tävling där allmänheten bjöds in att spela in en remix.

Den 21 januari 2009 rapporterade bloggar att Bowie befann sig i Berlin för att spela in ett nytt album, men detta förnekades snart på artistens officiella webbplats.

I mars 2011 fanns det outgivna albumet Toy, som hade ställts in 2001, tillgängligt för nedladdning på internet. Det innehåller några av de spår som användes för Heathen och de flesta B-sidorna av singlarna från samma album.

2012 anställde Louis Vuitton honom som ny talesperson för sin amerikanska kampanj 2013.

Läs också: biografier – Hesiodos

Återkomsten med The Next Day (2013-2015)

Efter tio års frånvaro (inklusive ett par år tillsammans med Visconti där han i hemlighet arbetade med nya låtar) tillkännagav Bowie sitt nya album The Next Day den 8 januari 2013, sin 66-årsdag. Samma dag föregicks albumet av Tony Ourslers singel och video till Where Are We Now?, följt av The Stars (Are Out Tonight), som släpptes den 25 februari. Albumet släpptes den 12 mars och fick både kritiska och kommersiella lovord och toppade topplistorna över hela världen. Den 5 november släpptes The Next Day Extra, en specialutgåva av albumet som även innehöll en DVD med videoklipp från Where are we now?, The Stars are out Tonight, The Next Day och Valentine”s Day samt fyra tidigare outgivna låtar utöver standardutgåvan.

Hösten 2014 släppte Bowie en ny antologi, Nothing Has Changed, som gavs ut i olika format och innehöll ett outgivet spår, Sue (In the Season of Crime), som också släpptes som singel. Albumet blev en enorm framgång, särskilt i Europa och särskilt i Storbritannien, där Bowie alltid har haft en hård kärna av fans. Den nådde nionde plats på den brittiska topplistan och efter några månader vann den en guldskiva för att ha sålt över 100 000 exemplar.

I oktober 2015 avslöjade John Giddins, en mångårig konsertarrangör i London, att Bowie inte längre skulle uppträda live och att han inte skulle göra några fler turnéer, inte ens för att marknadsföra The Next Day.

Läs också: biografier – Charles Maurice de Talleyrand

Det sista albumet Blackstar och döden (2015-2016)

Den 19 november 2015 släppte Bowie sin nya singel Blackstar, det första utdraget från albumet med samma namn, och därefter Lazarus, som också åtföljdes av en musikvideo som sändes på nätet tre dagar före hans död. Musikalen med samma namn, skriven och producerad för Broadway av Robert Fox, hade premiär den 12 december och Bowie deltog i premiären och gjorde sitt sista offentliga framträdande.

Den 8 januari 2016, på hans 69-årsdag, släpptes studioalbumet Blackstar (stiliserat som ★).

Två dagar senare, natten mellan den 10 och 11 januari, avled sångaren plötsligt vid 69 års ålder på okänd ort, men förmodligen på en cancerklinik i New York, där han tros ha avlivats på grund av att en levertumör, som han i hemlighet hade kämpat mot i cirka 18 månader, förvärrades på ett irreparabelt sätt. Nyheten tillkännagavs på hans officiella Facebook-profil, och under de följande dagarna avslöjade Bowies vän och producent Robert Fox att han hade anförtrott honom att han ville genomföra en ny experimentell cancerbehandling. Han sa också att endast ett fåtal vänner och familjemedlemmar kände till hans sjukdom, men att lika många av dem som var inblandade i inspelningen av albumet inte kände till diagnosen förrän vid Bowies död.

Enligt producenten Tony Visconti i en intervju med RS America var Bowie inspirerad av rapparen Kendrick Lamars album To Pimp a Butterfly och påverkad av grupper som Death Grips och Boards of Canada. Visconti uppgav också att de flesta av de outgivna texterna på Blackstar är sanna, och att de hänvisar till Bowies sjukdom och förestående död, vilket leder till att publiken kan se hela projektet som hans andliga testamente, ett sista farväl till sin publik.

Den 12 januari 2016 debuterade Blackstar på toppen av Storbritanniens officiella albumlista, sålde över 146 000 exemplar och blev guldcertifierad bara knappt en dag efter lanseringen. Albumet toppade snabbt de globala listorna och nådde förstaplatsen i 35 länder, däribland Australien, Belgien, Frankrike, Tyskland, Irland, Nederländerna, Sverige, Danmark, Kanada, Finland, Argentina, Italien och USA, där det debuterade som nummer ett på Billboard Albums Chart med 130 000 sålda exemplar under den första veckan, vilket var Bowies tidigare högsta försäljning på så kort tid. Bowies katalog med alla videor fick mer än 51 miljoner visningar på 24 timmar på Vevo den 11 januari, vilket överträffade Adeles rekord från dagen då Hello släpptes.Några dagar senare avslöjade Amazon.com att de hade sålt slut på alla utgåvor, både vinyl och CD, och att de aldrig tidigare hade haft en så stor försäljning på så kort tid.

Många personer från musikvärlden deltog i sorgen: den 13 januari, under sin konsert i Los Angeles, avbröt Elton John sin spelning för att hylla rockstjärnan. Den 12 januari hyllade Madonna honom också med en cover av Rebel Rebel under Houston-avsnittet av hennes Rebel Heart-turné.

Mick Jagger påminde å Rolling Stones vägnar på Twitter om vad Bowie var för honom och bandet: en ”underbar och snäll man”:

På dagen för hans död registrerades snabbt ett enormt flöde av information och meddelanden på Facebook, Instagram och Twitter. Miljontals fans och många personer från musik-, nöjes- och politikvärlden (däribland David Cameron, Ariana Grande, Brian May, Bryan Adams, Bruce Springsteen, J.K. Rowling, U2, Kanye West, Paul McCartney, Martin Scorsese och Barack Obama) uttryckte sin sorg över sångarens död genom att lämna dedikationer, kondoleansmeddelanden till hans familj, fotografier och videor på nätet.

Den 14 januari rapporterade flera stora amerikanska tidningar att Bowies kvarlevor hade kremerats den 12 januari i New Jersey enligt hans instruktioner, utan någon rösträtt och utan närvaro av familj och vänner. I ett uttalande på Facebook tackade Bowies familj, barn och nära vänner senare hans fans för deras solidaritet och tillgivenhet och sa att de skulle organisera en egen privat minnesstund.

Trots många spontana initiativ runt om i världen fanns det ingen officiell offentlig minnesstund, förutom en stor konsert i Carnegie Hall, som hade planerats redan före hans död men som blev en hyllning till hans minne. Sångerskans familj har dock klargjort att de inte har föreslagit eller organiserat en sådan händelse och fortsätter att hålla händelsen strikt hemlig. På grund av det förväntade stora antalet besökare lade arrangörerna till den 1 april till datumet den 31 mars, och många artister deltog i den dubbla Bowie-hyllningen, bland annat: Michael Stipe, Blondie, Cyndi Lauper, Mumford & Sons, Pixies och hans vän Tony Visconti.

Den 29 januari 2016 rapporterade tidningarna om villkoren i Bowies holografiska testamente, som han lämnat in till den välkände advokaten Herbert E. Nass och som var undertecknat av ”David Robert Jones”. Testamentet föreskrev att hans kropp skulle kremeras och att askan skulle spridas på ön Bali, som Bowie besökte flera gånger, eller på en annan plats som han själv valde så länge buddhistiska ritualer följdes. Testamentet delade också upp dödsboet på cirka 100 miljoner dollar, varav hälften gick till hans änka Iman, inklusive ett majoritetsaktieinnehav i Isolar Enterprises och den stora takvåningen på 285 Lafayette Street, och den resterande hälften, en fjärdedel vardera, till hans äldsta son Duncan och hans andra dotter Lexie, som också ärvde den stora egendomen i Catskills. Arvet gick också till Corinne ”Coco” Schwab, hans personliga assistent i mer än 30 år, som fick 2 miljoner dollar och en del av aktierna i Isolar Enterprises, och Marion Skene, hans äldre barnflicka, som fick 1 miljon dollar och dog i mars 2017.

Bowies skivbolag meddelade också att intäkterna från Blackstar som samlades in under januari 2016 donerades helt och hållet till cancerforskning.

En EP med titeln No Plan släpptes den 8 januari 2017, samma dag som Bowie skulle ha fyllt 70 år. Med undantag för Lazarus innehåller EP:n tre låtar som Bowie spelade in under sessionerna för Blackstar-albumet, men som inte togs med på skivan och senare inkluderades på soundtracket till musikalen Lazarus i oktober 2016. Ett videoklipp gjordes för titelspåret.

Även om han ofta placeras bland glamrock-, artrock- och new wave-artister är David Bowies stil mycket svår att kategorisera.

Inledningsvis baserades Bowies musikproduktion på nostalgiska ljud influerade av beatgenerationen med akustiska folkrocklåtar, vilket skulle följas av 1970-talets metamorfos som ledde till att Bowie blev en av de första och viktigaste företrädarna för glamrock med album som The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) och Aladdin Sane (1973).

Under 1970-talet förändrades Bowies stil otaliga gånger, han blev mer intim och inspirerad av progressiv rock och dansrock, som han var en föregångare till. Dessa års eklekticism bekräftas av de mörkare The Man Who Sold the World (1970) och Station to Station (1976), den mer poppiga Hunky Dory (1971), Young Americans (1975) som i en plötslig stilförändring flyttade fokus till soulgenren med skapandet av white soul, och ”Berlin-trilogin” (bestående av Low, Heroes och Lodger), som anses vara hans mest experimentella och avantgardistiska fas. Under den senare perioden påverkades Bowie också av Krautrock och experimentell rock, och tolkade tidens trender, oro och turbulens, men förutsåg också den ”nya vågen” under de kommande åren.

Efter 1980-talets enorma popframgångar, väl representerade av 1983 års Let”s Dance, återgick Bowies stil till nya experiment, först med bildandet av gruppen Tin Machine i slutet av 1980-talet, där Bowie föreslog en hårdrock som har beskrivits som ”metallisk”. Vidare med experimentella utflykter till electronica och industriell musik på 1995 års album 1.Outside, till djungel och techno på 1997 års album Earthling.

Från 2000-talet och framåt återgick Bowies musikaliska stil till raffinerad rock, utan att förråda det typiskt brittiska popsoundet från hans ursprung, men på de senaste albumen har det inte varit någon brist på mer introverta låtar med en vag new wave-stil. På det senaste albumet Blackstar (2016) spelar Bowie nästan avantgardistiska låtar, kanske på grund av den jazziga och experimentella bakgrunden hos bandet som gjorde skivan.

Förutom de tidigare nämnda samarbetena med Lou Reed, Iggy Pop och Brian Eno samarbetade Bowie med Bing Crosby i en julduett där han sjöng Peace on Earth.

Viktigt var också hans samarbete med John Lennon på en cover av Beatles Across the Universe och på Fame, en av Bowies mest framgångsrika låtar, som ingick i albumet Young Americans från 1975.

År 1981 samarbetade Bowie med Queen för att spela in en nästan okänd och outgiven version av låten Cool Cat och skapandet av Under Pressure, där han duetterade med den brittiska rockgruppen och även sjöng på Freddie Mercury Tribute Concert med Annie Lennox och Mercury-orphaned Queen själva. Låten, som ursprungligen hette People on Streets, komponerades utifrån ett ”riff” av basisten John Deacon och krediterades Queen och Bowie; den inkluderades senare på albumet Hot Space från 1982.

Andra samarbetspartners för ”White Duke” var Rolling Stones ledare Mick Jagger. Tillsammans producerade de 1985 en version av Martha & the Vandellas sång Dancing in the Street, till stöd för Live Aid-projektet, som videoklippet är ett minne av. Det sägs också att bandet mellan de två rockstjärnorna var mer än professionellt och att den berömda låten Angie, som Stones släppte 1973, inspirerades av Angela Bowie och indirekt hänvisade till en orgie mellan henne, David, Mick och hans dåvarande fru Bianca Pérez-Mora Macias. Samma år spelade Bowie in Tonight with Tina Turner, titelspåret till albumet med samma namn från 1984. De två skulle också sjunga duett tillsammans på ett datum under Tina Turners Private Dancer-turné 1985.

Med NIN öppnade Bowie Outside-turnén i USA, där de framförde både hans och bandets låtar tillsammans. Hans samarbete med Trent Reznor, bandledaren som Bowie hade en stark vänskap med, resulterade i flera remixer, bland annat I”m Afraid of Americans, där Reznor medverkar i videon.

Ett annat samarbete skedde med Pet Shop Boys 1996 på låten Hallo Spaceboy. Efter succén med låten, som släpptes som singel, uppträdde Bowie tillsammans med Pet Shop Boys i musikprogram som Top of the Pops och vid de prestigefyllda BRIT Awards 1996.

Efter att ha samarbetat på Placebos debut och tagit med dem på turné som sina supportrar samarbetade Bowie med dem vid två tillfällen: på singeln Without you I”m nothing, från albumet med samma namn, gjorde de en duettversion, och i februari 1999 framförde de tillsammans en cover av 20th Century Boy vid Brit Awards, som Placebo också framförde i filmen Velvet Goldmine, som medlemmar i det fiktiva bandet Malcolm & The Flaming Creatures. Den nära relationen mellan bandet och Bowie har bekräftats genom flera episoder: den hyllning som gavs till honom med en akustisk version av Five Years som framfördes 2004 under ett franskt tv-program och det rörande avskedsbrevet som Brian Molko skrev kort efter Bowies död och som publicerades på bandets officiella webbplats.

1970 gifte han sig med Mary Angela Barnett, med vilken han fick en son, Duncan Zowie Haywood Jones, 1971, men skilde sig 1980. 1992 gifte han sig med den somaliska modellen Iman Mohamed Abdulmajid i Saint James Church i Florens. År 2000 fick han en dotter, Alexandria ”Lexie” Zahra.

Läs också: biografier – Aspasia

Debatten om sexualitet

I slutet av 1964, när han var en del av Manish Boys, provspelade gruppen för BBC för en serie konserter på Star Club i Hamburg. Sångaren säkrade spelningen genom att svära för den tyska arrangören att han var homosexuell. Bowie träffade senare den 14-åriga Dana Gillespie, som blev hans flickvän och som han fortsatte att träffa under 1970-talet. I januari 1972 publicerades en intervju i Melody Maker där han erkände att han var homosexuell, vilket skapade stor uppståndelse och spekulerades vara reklam för hans nya album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Trots detta gjorde den brittiska gayrörelsen David till sin symbol. Tabun har alltid haft en stark dragningskraft på Bowie och hans avvikande inställning drev honom in i den homosexuella subkulturen. Trots detta var Davids kommentarer i ämnet under senare år långt ifrån klargörande: ”Han sa till tidningen Playboy i september 1976, för att kort därefter svara på en annan intervjuares fråga om motsatsen: ”Det var bara en lögn, de satte den bilden på mig och jag anpassade mig ganska bra till den under några år”. Under turnén i Nya Zeeland 1978 hävdade han återigen att han var bisexuell, men 1983, när Bowie var på väg att bli en internationell superstjärna, tog han tillbaka sina tidigare uttalanden och sa till Time Magazine att det hade varit ”ett stort missförstånd” och i Rolling Stone kallade han det ”det största misstaget jag någonsin gjort”. När Smash Hits 1987 pressade honom på ämnet påpekade han lustigt hela saken och lät tidningen publicera: ”Man ska inte tro på allt man läser”. 1993 förnekade han, återigen i Rolling Stone, ryktet om att han var bisexuell: ”Jag kände mig aldrig riktigt bisexuell, men jag var magnetiserad av den underjordiska gayscenen. Det var som en annan verklighet som jag ville köpa in mig i. Denna fas varade bara till 1974 och dog mer eller mindre med Ziggy. Egentligen hade jag precis gjort bisexuell status till min egen, ironin är att jag inte var gay.”. Så småningom ändrades dock även denna sista version igen 2002, vilket rättfärdigade de tidigare tillbakadragandena: när Blender frågade honom om han fortfarande ansåg att det offentliga uttalandet var hans största misstag, svarade han efter en lång paus: ”Jag tror inte att det var något problem i Europa, men det var mycket svårare i Amerika. Jag hade inga problem med att folk visste att jag var bisexuell. Men jag hade ingen lust att hålla banderoller eller representera en grupp människor.

David Bowies diskografi består av 25 studioalbum som soloartist och två med gruppen Tin Machine, som han var medlem i. Bowie själv hänvisade före sin död till sitt sista verk som sitt 25:e album i ett brev till Brian Eno. Den innehåller också fyra soundtracks, fem EP:s, 15 livealbum, 50 samlingar och 113 singlar. Enligt en uppskattning har han producerat cirka 720 låtar och sålt 147 miljoner album världen över.

Studioalbum

Med tennmaskin

Live-album

Ljudspår

Läs också: biografier – Alexis de Tocqueville

Videografi

Bowie har alltid ansetts vara en av musikvideons pionjärer, och 1969 hade han tillräckligt med reklamfilmer för att sätta ihop en långfilm, innan han ens hade fått sin första toppsingel på listorna. Hans första videoklipp var för låten Space Oddity, som släpptes 1972 och regisserades av Mick Rock.

Bowies videografi omfattar 71 reklamvideoklipp som ska läggas till fyra andra artisters videoklipp där han har medverkat, 15 videoalbum eller samlingar som släppts på VHS, DVD och 18 gästspel i andra artisters videoklipp.

Nyare skapelser som The Hearts Filthy Lesson, Little Wonder och Survive har bekräftat att Bowie fortsätter att utforska musikvideons gränser. Under det nya årtusendet har samarbetet med regissörer som Floria Sigismondi och Johan Renck och Hollywoodskådespelare som Gary Oldman och Tilda Swinton lett till att Bowies musikvideor har kommit närmare att bli riktiga filmiska kortfilmer.

Läs också: biografier – Neil Armstrong

Turer

Även om hans första officiella turné var Ziggy Stardust-turnén 1972, började Bowies liveaktivitet med Kon-rads 1962 och fortsatte med de olika grupper som följde med honom fram till 1971. Från King Bees och Lower Third till mer improviserade projekt som The Riot Squad, Turquoise och Feathers, spelade grupperna covers av rock- och R&B-låtar samt Bowies tidiga originalkompositioner, och han växlade mellan att uppträda och mimera.

Från 1972 till 2004, då han gjorde sin sista turné, gjorde Bowie 16 turnéer som sträckte sig över fem kontinenter.

Läs också: biografier – Edward Smith

Skådespelare

Biografer

Television

Reklamfilmer

Läs också: civilisationer – Lezginer

Röstning

Biografer

Television

Läs också: biografier – Caligula

Skådespelare

I de italienska versionerna av hans filmer dubbades David Bowie av:

Läs också: biografier – Franz Ferdinand

Biografisk film

Sedan 1970 har Bowie fått 41 nomineringar och 16 priser (11 för musik, 2 för film och 3 för multimedia). Han blev invald i Rock and Roll Hall of Fame 1996 och året därpå hedrades han för sitt bidrag till underhållningsindustrin med en stjärna på Hollywood Walk of Fame utanför Hollywood Galaxy Theatre.

År 2000 avböjde Bowie titeln Commander of the Order of the British Empire och 2003 titeln Knight of the Order of the British Empire.

Läs också: biografier – Eugène Delacroix

Ytterligare läsning

Källor

1. David Bowie
2. David Bowie