Edvard Munch
gigatos | maj 22, 2022
Sammanfattning
Edvard Munch (12 december 1863 – 23 januari 1944) var en norsk målare. Hans mest kända verk, Skriet (1893), har blivit en ikonisk bild i konstvärlden.
Hans barndom överskuggades av sjukdom, sorg och rädslan för att ärva en psykisk sjukdom som fanns i familjen. Munch studerade vid Kungliga skolan för konst och design i Kristiania (dagens Oslo) och började leva ett bohemiskt liv under inflytande av nihilisten Hans Jæger, som uppmanade honom att måla sitt eget känslomässiga och psykologiska tillstånd (”själsmåleri”). Ur detta växte hans distinkta stil fram.
Resor gav nya influenser och möjligheter. I Paris lärde han sig mycket av Paul Gauguin, Vincent van Gogh och Henri de Toulouse-Lautrec, särskilt deras användning av färg. I Berlin träffade han den svenske dramatikern August Strindberg, som han målade, när han påbörjade en stor serie målningar som han senare skulle kalla Livets friser, som skildrar en rad djupgående teman som kärlek, ångest, svartsjuka och svek, genomsyrade av atmosfär.
Scream skapades i Kristiania. Enligt Munch var han ute och promenerade i solnedgången när han ”hörde naturens enorma, oändliga skrik”. Målningens plågade ansikte identifieras allmänt med den moderna människans ångest. Mellan 1893 och 1910 gjorde han två målade versioner och två i pastell samt ett antal tryck. En av pastellerna skulle så småningom få det fjärde högsta nominella pris som betalats för en målning på auktion.
Samtidigt som hans berömmelse och rikedomar växte, förblev hans känslomässiga tillstånd osäkert. Han övervägde kortvarigt att gifta sig, men kunde inte binda sig. Ett mentalt sammanbrott 1908 tvingade honom att sluta dricka mycket och han blev uppmuntrande av att han alltmer accepterades av Kristianias befolkning och exponerades i stadens museer. De senare åren tillbringade han med att arbeta i lugn och ro och i avskildhet. Även om hans verk förbjöds i det av nazisterna ockuperade Europa överlevde de flesta av dem andra världskriget och säkrade honom ett arv.
Läs också: biografier – Georgij Plechanov
Barndom
Edvard Munch föddes i en bondgård i byn Ådalsbruk i Løten i Norge som son till Laura Catherine Bjølstad och Christian Munch, son till en präst. Christian var läkare och läkare och gifte sig med Laura, en kvinna som var hälften så gammal som han själv, år 1861. Edvard hade en äldre syster, Johanne Sophie, och tre yngre syskon: Peter Andreas, Laura Catherine och Inger Marie. Laura var konstnärligt begåvad och kan ha uppmuntrat Edvard och Sophie. Edvard var släkt med målaren Jacob Munch och historikern Peter Andreas Munch.
Familjen flyttade till Christiania (omdöpt till Kristiania 1877 och numera Oslo) 1864 när Christian Munch utnämndes till läkare vid Akershus fästning. Edvards mor dog av tuberkulos 1868, liksom Munchs favoritsyster Johanne Sophie 1877. Efter moderns död uppfostrades syskonen Munch av sin far och av moster Karen. Edvard var ofta sjuk under en stor del av vintrarna och fick inte gå i skolan, och han tecknade för att hålla sig sysselsatt. Han fick handledning av sina skolkamrater och sin moster. Christian Munch undervisade också sin son i historia och litteratur och underhöll barnen med levande spökhistorier och berättelser från den amerikanske författaren Edgar Allan Poe.
Som Edvard minns det överskuggades Christians positiva beteende gentemot sina barn av hans morbida pietism. Munch skrev: ”Min far var temperamentsfullt nervös och tvångsmässigt religiös – till den grad att han fick psykoneuros. Från honom ärvde jag fröna till galenskap. Rädslans, sorgens och dödens änglar stod vid min sida sedan den dag jag föddes”. Christian tillrättavisade sina barn genom att berätta för dem att deras mamma tittade ner från himlen och sörjde över deras dåliga uppförande. Den förtryckande religiösa miljön, Edvards dåliga hälsa och de levande spökhistorierna bidrog till att inspirera hans makabra visioner och mardrömmar; pojken kände att döden ständigt närmade sig honom. En av Munchs yngre systrar, Laura, diagnostiserades tidigt med psykisk sjukdom. Av de fem syskonen var det bara Andreas som gifte sig, men han dog några månader efter bröllopet. Munch skulle senare skriva: ”Jag ärvde två av mänsklighetens mest fruktansvärda fiender – arvet från konsumtion och sinnessjukdom”.
Christian Munchs militärlön var mycket låg och hans försök att utveckla en privat praktik misslyckades, vilket gjorde att hans familj levde i förnämlig men ständig fattigdom. De flyttade ofta från en billig lägenhet till en annan. Munchs tidiga teckningar och akvareller skildrade dessa interiörer och enskilda föremål, såsom medicinflaskor och ritredskap, samt några landskap. I tonåren dominerade konsten Munchs intressen. Vid tretton års ålder fick Munch sin första kontakt med andra konstnärer i den nybildade konstföreningen, där han beundrade den norska landskapsskolans verk. Han återvände för att kopiera målningarna, och snart började han måla i olja.
Läs också: biografier – Licinius
Studier och influenser
År 1879 skrev Munch in sig på en teknisk högskola för att studera teknik, där han utmärkte sig i fysik, kemi och matematik. Han lärde sig skal- och perspektivritning, men ofta avbröt sjukdomar hans studier. Året därpå lämnade Munch, till sin fars besvikelse, högskolan fast besluten att bli målare. Hans far betraktade konsten som ett ”oheligt yrke”, och hans grannar reagerade bittert och skickade honom anonyma brev. I motsats till faderns rabiata pietism intog Munch en odogmatisk hållning till konsten. Han skrev sitt mål i sin dagbok: ”I min konst försöker jag förklara livet och dess mening för mig själv.”
År 1881 skrev Munch in sig vid Kungliga konst- och designskolan i Kristiania, vars grundare var hans avlägsna släkting Jacob Munch. Hans lärare var skulptören Julius Middelthun och den naturalistiska målaren Christian Krohg. Samma år visade Munch att han snabbt hade tagit till sig figurträningen vid akademin i sina första porträtt, bland annat ett porträtt av sin far och sitt första självporträtt. År 1883 deltog Munch i sin första offentliga utställning och delade ateljé med andra studenter. Hans porträtt i helfigur av Karl Jensen-Hjell, en ökänd bohemisk stadsbo, fick en kritikers avvisande svar: ”Det är impressionism i extrem stil. Det är en parodi på konst.” Munchs nakenmålningar från den här perioden finns endast kvar i skisser, med undantag för Stående naken (1887). De kan ha konfiskerats av hans far.
Redan som ung påverkades Munch av impressionister som Édouard Manet och senare av postimpressionistiska konstnärer som Vincent van Gogh och Paul Gauguin. Under dessa tidiga år experimenterade han med många stilar, bland annat naturalism och impressionism. Vissa tidiga verk påminner om Manet. Många av dessa försök gav honom ogynnsam kritik från pressen och gav honom ständiga tillrättavisningar från sin far, som ändå gav honom små summor för sitt uppehälle. Vid ett tillfälle förstörde dock Munchs far, kanske påverkad av det negativa yttrandet från Munchs kusin Edvard Diriks (en etablerad, traditionell målare), minst en målning (troligen en naken) och vägrade att ge honom mer pengar till konstmaterial.
Munch fick också faderns vrede för sin relation med Hans Jæger, den lokala nihilisten som levde efter devisen ”en passion för att förstöra är också en kreativ passion” och som förespråkade självmord som den ultimata vägen till frihet. Munch hamnade under hans illvilliga, antietablissemangistiska förtrollning. ”Mina idéer utvecklades under bohemernas inflytande eller snarare under Hans Jæger. Många har felaktigt påstått att mina idéer formades under inflytande av Strindberg och tyskarna … men det är fel. De hade redan formats då.” Vid den här tiden var Munch, till skillnad från många av de andra bohemerna, fortfarande respektfull mot kvinnor samt reserverad och välartad, men han började ge efter för de dryckesrus och slagsmål som förekom i hans krets. Han var orolig för den sexuella revolutionen som pågick vid denna tid och för de självständiga kvinnorna i hans omgivning. Han blev senare cynisk i sexuella frågor, vilket inte bara tog sig uttryck i hans beteende och konst utan även i hans skrifter, till exempel i en lång dikt som heter The City of Free Love (Den fria kärlekens stad). Munch var fortfarande beroende av sin familj för många av sina måltider, och hans förhållande till sin far förblev spänt på grund av oro över hans bohemiska liv.
Efter många försök kom Munch fram till att det impressionistiska uttrycket inte gav tillräckligt med uttryck. Han tyckte att det var ytligt och alltför likt vetenskapliga experiment. Han kände ett behov av att gå djupare och utforska situationer som var fulla av känslomässigt innehåll och uttrycksfull energi. Med Jægers bud att Munch skulle ”skriva sitt liv”, dvs. att Munch skulle utforska sitt eget känslomässiga och psykologiska tillstånd, inledde den unge konstnären en period av reflektion och självrannsakan och skrev ner sina tankar i sin ”själsliga dagbok”. Detta djupare perspektiv bidrog till att flytta honom till en ny syn på sin konst. Han skrev att hans målning Det sjuka barnet (1886), som bygger på hans systers död, var hans första ”själsliga målning”, hans första brytning med impressionismen. Målningen fick ett negativt gensvar från kritiker och hans familj och orsakade ännu ett ”våldsamt utbrott av moralisk indignation” i samhället.
Endast hans vän Christian Krohg försvarade honom:
Han målar, eller snarare betraktar, saker på ett sätt som skiljer sig från andra konstnärers. Han ser bara det väsentliga, och det är naturligtvis allt han målar. Av denna anledning är Munchs bilder i regel ”inte fullständiga”, vilket folk gärna upptäcker själva. Jo, de är kompletta. De är hans kompletta verk. Konsten är fullständig när konstnären verkligen har sagt allt som han tänkte på, och det är just den fördelen som Munch har jämfört med målare av den andra generationen, att han verkligen vet hur han skall visa oss vad han har känt, vad han har gripit honom, och att han underordnar allt annat detta.
Munch fortsatte att använda en mängd olika penseldragstekniker och färgpaletter under 1880-talet och det tidiga 1890-talet, samtidigt som han kämpade för att definiera sin stil. Hans uttryck fortsatte att pendla mellan naturalistiskt, som i Porträtt av Hans Jæger, och impressionistiskt, som i Rue Lafayette. Hans Inger On the Beach (1889), som orsakade ännu en storm av förvirring och kontroverser, ger en antydan om de förenklade formerna, de kraftiga konturerna, de skarpa kontrasterna och det känslomässiga innehållet i hans mogna stil som skulle komma. Han började noggrant beräkna sina kompositioner för att skapa spänning och känslor. Även om han var stilistiskt influerad av postimpressionisterna var det som utvecklades ett motiv som var symbolistiskt till sitt innehåll och som skildrade ett sinnestillstånd snarare än en yttre verklighet. År 1889 presenterade Munch sin första separatutställning med nästan alla sina hittillsvarande verk. Det erkännande den fick ledde till ett tvåårigt statligt stipendium för att studera i Paris för den franske målaren Léon Bonnat.
Munch verkar ha varit en tidig kritiker av fotografiet som konstform och anmärkte att det ”aldrig kommer att konkurrera med penseln och paletten, förrän det går att fotografera i himlen eller helvetet!”.
Munchs lillasyster Laura var ämnet för hans interiör Melancholia från 1899: Laura. Amanda O”Neill säger om verket: ”I denna hetsiga klaustrofobiska scen skildrar Munch inte bara Lauras tragedi, utan även sin egen rädsla för den galenskap han själv kan ha ärvt.”
Läs också: biografier – Vicente Yáñez Pinzón
Paris
Munch anlände till Paris under festligheterna i samband med Exposition Universelle (1889) och bodde tillsammans med två norska konstnärskollegor. Hans bild Morgon (1884) visades i den norska paviljongen. Han tillbringade sina förmiddagar i Bonnats livliga ateljé (där det fanns kvinnliga modeller) och sina eftermiddagar på utställningen, gallerierna och museerna (där studenterna förväntades göra kopior som ett sätt att lära sig teknik och observation). Munch visade sig inte vara särskilt entusiastisk över Bonnats teckningslektioner – ”Det tröttar och tråkar ut mig – det är bedövande” – men uppskattade mästarens kommentarer under museibesöken.
Munch fascinerades av den stora utställningen av modern europeisk konst, inklusive verk av tre konstnärer som skulle visa sig vara inflytelserika: Paul Gauguin, Vincent van Gogh och Henri de Toulouse-Lautrec – alla kända för hur de använde färg för att förmedla känslor. Munch inspirerades särskilt av Gauguins ”reaktion mot realismen” och hans trosbekännelse att ”konsten var mänskligt arbete och inte en imitation av naturen”, en övertygelse som tidigare hade framförts av Whistler. Som en av hans vänner i Berlin senare sade om Munch: ”Han behöver inte åka till Tahiti för att se och uppleva det primitiva i den mänskliga naturen. Han bär sitt eget Tahiti inom sig”. Influerad av Gauguin och den tyske konstnären Max Klingers etsningar experimenterade Munch med tryck som medium för att skapa grafiska versioner av sina verk. År 1896 skapade han sina första träsnitt – ett medium som visade sig vara idealiskt för Munchs symboliska bildspråk. Tillsammans med sin samtida Nikolai Astrup anses Munch vara en av innovatörerna av träsnittsmediet i Norge.
I december 1889 dog hans far och Munchs familj blev utblottad. Han återvände hem och ordnade ett stort lån från en förmögen norsk samlare när de rika släktingarna inte kunde hjälpa honom, och tog från och med nu det ekonomiska ansvaret för sin familj. Christians död gjorde honom deprimerad och han plågades av självmordstankar: ”Jag lever med de döda – min mor, min syster, min farfar, min farfar, min far… Döda dig själv och sedan är det över. Varför leva?” Munchs målningar under det följande året innehöll skissartade krogscener och en serie ljusa stadsbilder där han experimenterade med Georges Seurats pointillistiska stil.
Läs också: biografier – Vytautas
Berlin
År 1892 formulerade Munch sin karakteristiska och originella syntestiska estetik, som syns i Melankoli (1891), där färgen är det symbolfyllda elementet. Melankoli anses av konstnären och journalisten Christian Krohg vara den första symbolistiska målningen av en norsk konstnär och ställdes ut 1891 på höstutställningen i Oslo. År 1892 bjöd Adelsteen Normann, på uppdrag av Union of Berlin Artists, in Munch att ställa ut på dess novemberutställning, föreningens första separatutställning. Hans målningar väckte dock en bitter kontrovers (kallad ”Munch-affären”), och efter en vecka stängdes utställningen. Munch var nöjd med den ”stora uppståndelsen” och skrev i ett brev: ”Det är otroligt att något så oskyldigt som måleri skulle ha skapat en sådan uppståndelse.
I Berlin blev Munch involverad i en internationell krets av författare, konstnärer och kritiker, bland annat den svenske dramatikern och ledande intellektuella August Strindberg, som han målade 1892. Han träffade också den danske författaren och målaren Holger Drachmann, som han målade 1898. Drachmann var 17 år äldre än Munch och en dryckeskamrat på Zum schwarzen Ferkel 1893-94. År 1894 skrev Drachmann om Munch: ”Han kämpar hårt. Lycka till med din kamp, ensamma norrman”.
Under sina fyra år i Berlin skissade Munch på de flesta av de idéer som skulle komma att ingå i hans huvudverk Livets frise, som först var avsett för bokillustrationer men senare kom att uttryckas i målningar. Han sålde lite, men fick en viss inkomst genom att ta ut inträdesavgifter för att se sina kontroversiella målningar. Munch visade redan en motvilja mot att skilja sig från sina målningar, som han kallade sina ”barn”.
Andra målningar, bland annat kasinotscener, visar en förenkling av form och detaljer som kännetecknar hans tidiga mogna stil. Munch började också föredra ett grunt bildrum och en minimal bakgrund för sina frontalfigurer. Eftersom poseringarna valdes för att ge de mest övertygande bilderna av sinnestillstånd och psykologiska förhållanden, som i Aska, ger figurerna en monumental, statisk kvalitet. Munchs figurer verkar spela roller på en teaterscen (eftersom varje karaktär förkroppsligar en enda psykologisk dimension, som i Skriet, började Munchs män och kvinnor framstå som mer symboliska än realistiska. Han skrev: ”Det skulle inte längre vara interiörer som målades, människor som läste och kvinnor som stickade: det skulle vara levande människor som andades och kände, som led och älskade.”
Läs också: biografier – Bobby Moore
Skriet
Skriet finns i fyra versioner: två pasteller (1893 och 1895) och två målningar (1893 och 1910). Det finns också flera litografier av Scream (1895 och senare).
Pastellen från 1895 såldes på auktion den 2 maj 2012 för 119 922 500 dollar, inklusive provision. Den är den mest färgstarka av versionerna och utmärker sig genom att en av bakgrundsfigurerna har en nedåtriktad hållning. Det är också den enda versionen som inte finns på ett norskt museum.
1893 års version stals från Nationalgalleriet i Oslo 1994 och återfanns. Målningen från 1910 stals 2004 från Munchmuseet i Oslo, men återfanns 2006 med begränsade skador.
Skriet är Munchs mest berömda verk och en av de mest kända målningarna i all konst. Det har tolkats allmänt som att det representerar den moderna människans universella ångest. Den är målad med breda band av grälla färger och starkt förenklade former, och med en hög synvinkel reducerar den den plågade figuren till en klädd skalle som befinner sig i en känslomässig kris.
Med denna målning uppnådde Munch sitt uttalade mål att ”studera själen, det vill säga studera mitt eget jag”. Munch skrev om hur målningen blev till: ”Jag gick längs vägen med två vänner när solen gick ner; plötsligt blev himlen röd som blod. Jag stannade och lutade mig mot staketet och kände mig obeskrivligt trött. Tungor av eld och blod sträckte sig över den blåsvart färgade fjorden. Mina vänner fortsatte att gå, medan jag låg efter och darrade av rädsla. Då hörde jag naturens enorma, oändliga skrik.” Senare beskrev han den personliga ångest som låg bakom målningen: ”I flera år var jag nästan galen… Ni känner till min bild ”Skriet”? Jag var spänd till det yttersta – naturen skrek i mitt blod … Efter det gav jag upp hoppet om att någonsin kunna älska igen.”
År 2003 jämförde konsthistorikern Martha Tedeschi målningen med andra stora verk och skrev:
Whistlers Mother, Woods American Gothic, Leonardo da Vincis Mona Lisa och Edvard Munchs The Scream har alla uppnått något som de flesta målningar – oavsett deras konsthistoriska betydelse, skönhet eller penningvärde – inte har: de förmedlar en specifik mening nästan omedelbart till nästan varje betraktare. Dessa få verk har lyckats göra övergången från museibesökarens elitsfär till populärkulturens enorma plats.
Läs också: strider – Galileo Galilei
Livets frise – en dikt om livet, kärleken och döden
I december 1893 hölls en utställning med Munchs verk i Unter den Linden i Berlin, där bland annat sex målningar med titeln Study for a Series visades: Kärlek. Detta inledde en serie som han senare kallade Livets frise – en dikt om liv, kärlek och död. Motiven i Frieze of Life, såsom Stormen och Månskenet, är fyllda av atmosfär. Andra motiv belyser kärlekens nattliga sida, till exempel Rose and Amelie och Vampire. I Death in the Sickroom är motivet hans syster Sophies död, som han bearbetade i många framtida varianter. Målningens dramatiska fokus, som porträtterar hela hans familj, är splittrad i de separata och från varandra skilda sorgens figurer. År 1894 utvidgade han motivspektrumet genom att lägga till ångest, aska, madonna och kvinnor i tre stadier (från oskuld till ålderdom).
I början av 1900-talet arbetade Munch med att färdigställa ”Frieze”. Han målade ett antal bilder, flera av dem i större format och i viss mån med tidens jugendestetik. Han tillverkade en träram med snidade reliefer till den stora målningen Metabolism (1898), som ursprungligen kallades Adam och Eva. Detta verk avslöjar Munchs upptagenhet med ”människans fall” och hans pessimistiska filosofi om kärlek. Motiv som Det tomma korset och Golgata (båda omkring 1900) återspeglar en metafysisk inriktning och även Munchs pietistiska uppfostran. Hela Frieze visades för första gången på den sektionistiska utställningen i Berlin 1902.
”Livets friser” är ett tema som återkommer i hela Munchs verk, men han fokuserade särskilt på dem i mitten av 1890-talet. I skisser, målningar, pastellfärger och tryckta bilder tog han sig in i djupet av sina känslor för att undersöka sina huvudmotiv: livets stadier, femme fatale, kärlekens hopplöshet, ångest, otrohet, svartsjuka, sexuell förödmjukelse och separation i livet och döden. Dessa teman kommer till uttryck i målningar som Det sjuka barnet (1893-94), Aska (1894) och Bron. Den sistnämnda visar slappa figurer med ansiktet utan karaktär eller dolda ansikten, över vilka de hotfulla formerna av tunga träd och gruvliga hus skymtar. Munch porträtterade kvinnor antingen som bräckliga, oskyldiga lidande (se Pubertet och Kärlek och smärta) eller som orsaken till stor längtan, svartsjuka och förtvivlan (se Separation, svartsjuka och Aska).
Munch använder ofta skuggor och färgringar runt sina figurer för att framhäva en aura av rädsla, hot, oro eller sexuell intensitet. Dessa målningar har tolkats som speglingar av konstnärens sexuella ångest, även om man också kan hävda att de representerar hans turbulenta förhållande till själva kärleken och hans allmänna pessimism när det gäller den mänskliga existensen. Många av dessa skisser och målningar gjordes i flera versioner, som Madonna, händer och pubertet, och transkriberades även som träsnitt och litografier. Munch hatade att skilja sig från sina målningar eftersom han betraktade sitt arbete som ett enda uttryck. Så för att kapitalisera sin produktion och få en viss inkomst vände han sig till grafisk konst för att reproducera många av sina målningar, inklusive de i den här serien. Munch erkände de personliga målen med sitt arbete, men han erbjöd också sin konst till ett bredare syfte: ”Min konst är egentligen en frivillig bekännelse och ett försök att förklara mitt förhållande till livet för mig själv – det är därför egentligen ett slags egoism, men jag hoppas ständigt att jag genom detta kan hjälpa andra att nå klarhet”.
Även om han fick starkt negativa reaktioner började Munch på 1890-talet få en viss förståelse för sina konstnärliga mål, som en kritiker skrev: ”Med hänsynslöst förakt för form, klarhet, elegans, helhet och realism målar han med intuitiv talang de mest subtila visionerna av själen.” En av hans stora anhängare i Berlin var Walther Rathenau, senare tysk utrikesminister, som starkt bidrog till hans framgång.
Läs också: biografier – Al Capone
Paris, Berlin och Kristiania
År 1896 flyttade Munch till Paris, där han koncentrerade sig på grafiska framställningar av sina teman från Frieze of Life. Han vidareutvecklade sin träsnitts- och litografiteknik. Munchs Självporträtt med skelettarm (1895) är utfört med en etsningsmetod med nål och bläck som även Paul Klee använde. Munch gjorde också flerfärgade versioner av Det sjuka barnet, som handlar om tuberkulos och som sålde bra, liksom flera nakenbilder och flera versioner av Kyss (1892). I maj 1896 höll Siegfried Bing en utställning med Munchs verk i Bings Maison de l”Art Nouveau. Utställningen visade sextio verk, bland annat Kyssen, Skriet, Madonnan, Det sjuka barnet, Dödskammaren och Dagen efter. Bings utställning bidrog till att introducera Munch för en fransk publik. Ändå ansåg många av de parisiska kritikerna fortfarande att Munchs verk var ”våldsamma och brutala” även om hans utställningar fick seriös uppmärksamhet och god uppslutning. Hans ekonomiska situation förbättrades avsevärt och 1897 köpte Munch sig ett sommarhus med utsikt över fjordarna i Kristiania, en liten fiskarstuga byggd i slutet av 1700-talet, i den lilla staden Åsgårdstrand i Norge. Han döpte detta hem till ”det lyckliga huset” och återvände hit nästan varje sommar under de kommande 20 åren. Det var denna plats han saknade när han var utomlands och när han kände sig deprimerad och utmattad. ”Att gå i Åsgårdstrand är som att gå bland mina målningar – jag blir så inspirerad att måla när jag är här”.
År 1897 återvände Munch till Kristiania, där han också fick ett motvilligt mottagande – en kritiker skrev: ”Ett ganska stort antal av dessa bilder har ställts ut tidigare. Enligt min åsikt blir de bättre när man lär känna dem.” År 1899 inledde Munch ett intimt förhållande med Tulla Larsen, en ”frigjord” överklasskvinna. De reste tillsammans till Italien och när de återvände inledde Munch en ny fruktbar period i sin konst, som bland annat omfattade landskap och hans sista målning i serien ”Livets friser”, Livets dans (1899). Larsen var ivrig att gifta sig, men Munch bad om ursäkt. Hans drickande och dåliga hälsa förstärkte hans rädsla, eftersom han skrev i tredje person: ”Ända sedan han var barn hade han hatat äktenskap. Hans sjuka och nervösa hem hade gett honom känslan av att han inte hade rätt att gifta sig”. Munch gav nästan efter för Tulla, men flydde från henne år 1900, och vände sig också bort från hennes betydande förmögenhet, och flyttade till Berlin. Hans Flickor på bryggan, som skapades i arton olika versioner, visade på temat kvinnlig ungdom utan negativa konnotationer. År 1902 ställde han ut sina verk tematiskt i Berlin-secessionens sal, vilket gav ”en symfonisk effekt – det skapade stor uppståndelse – mycket motsättningar och mycket bifall”. Berlinkritikerna började uppskatta Munchs verk även om allmänheten fortfarande tyckte att hans verk var främmande och märkliga.
Den goda pressbevakningen gjorde Munch uppmärksammad av de inflytelserika mecenaterna Albert Kollman och Max Linde. Han beskrev händelsernas vändning i sin dagbok: ”Efter tjugo års kamp och elände kommer äntligen goda krafter till min hjälp i Tyskland – och en ljus dörr öppnar sig för mig.” Men trots denna positiva förändring involverade Munchs självdestruktiva och oberäkneliga beteende honom först i ett våldsamt gräl med en annan konstnär och sedan i ett oavsiktligt skott i närvaro av Tulla Larsen, som hade återvänt för en kort försoning, vilket skadade två av hans fingrar. Munch sågade senare ett självporträtt som föreställde honom och Larsen på mitten som en följd av skottlossningen och de efterföljande händelserna. Hon lämnade honom slutligen och gifte sig med en yngre kollega till Munch. Munch uppfattade detta som ett svek, och han uppehöll sig länge vid förödmjukelsen och kanaliserade en del av bitterheten i nya målningar. Hans målningar Still life (The Murderess) och The Death of Marat I, som gjordes 1906-07, hänvisar tydligt till skottlossningen och de känslomässiga efterverkningarna.
1903-04 ställde Munch ut i Paris där de kommande fauvisterna, som var kända för sina djärva falska färger, troligen såg hans verk och kanske fann inspiration i dem. När Fauves höll sin egen utställning 1906 bjöds Munch in och visade sina verk tillsammans med deras. Efter att ha studerat Rodins skulptur kan Munch ha experimenterat med plasticin som hjälpmedel för design, men han producerade få skulpturer. Under denna tid fick Munch många beställningar på porträtt och grafik, vilket förbättrade hans vanligtvis prekära ekonomiska situation. År 1906 målade han skärmen till en Ibsen-pjäs i den lilla Kammerspiele-teatern som låg i Berlins Deutsches Theater, där Livets Frieze hängde. Teaterns direktör Max Reinhardt sålde den senare; den finns nu i Berlins Nationalgalerie. Efter en tidigare period av landskap vände han 1907 återigen sin uppmärksamhet mot mänskliga figurer och situationer.
Läs också: historia-sv – Joan Bennett
Haveri och återvinning
På hösten 1908 hade Munchs ångest, som förvärrats av överdrivet drickande och slagsmål, blivit akut. Som han senare skrev: ”Mitt tillstånd var på gränsen till galenskap – det var en fråga om att röra och gå.” Han drabbades av hallucinationer och känslor av förföljelse och kom in på Daniel Jacobsons klinik. Den terapi som Munch fick under de följande åtta månaderna omfattade diet och ”elektrifiering” (en behandling som då var på modet för nervösa tillstånd, inte att förväxla med elektrokonvulsiv terapi). Munchs sjukhusvistelse stabiliserade hans personlighet, och efter att han återvänt till Norge 1909 blev hans verk mer färgstarka och mindre pessimistiska. Ytterligare upplyfta hans humör, allmänheten i Kristiania värmde äntligen upp för hans verk, och museer började köpa hans målningar. Han utnämndes till riddare av den kungliga S:t Olavsorden ”för tjänster inom konsten”. Hans första amerikanska utställning var 1912 i New York.
Som en del av sin återhämtning rådde dr Jacobson Munch att endast umgås med goda vänner och undvika att dricka offentligt. Munch följde detta råd och producerade under processen flera porträtt i helfigur av hög kvalitet av vänner och mecenater – ärliga porträtt utan smicker. Han skapade också landskap och scener av människor i arbete och lek, med en ny optimistisk stil – breda, lösa penseldrag i livfulla färger med frekvent användning av vita ytor och sällan svart – med endast tillfälliga hänvisningar till sina morbida teman. Med mer inkomster kunde Munch köpa flera fastigheter som gav honom nya utsikter för sin konst och han kunde äntligen försörja sin familj.
När första världskriget bröt ut hade Munch en splittrad lojalitet, och han konstaterade: ”Alla mina vänner är tyskar, men det är Frankrike jag älskar.” På 1930-talet förlorade hans tyska uppdragsgivare, varav många var judar, sina förmögenheter och vissa sina liv under naziströrelsens framväxt. Munch hittade norska tryckare som ersatte de tyskar som hade tryckt hans grafiska verk. Med tanke på sin dåliga hälsohistoria kände sig Munch under 1918 lycklig över att ha överlevt ett anfall av den spanska influensan, den världsomspännande pandemin det året.
Läs också: historia-sv – Indiens delning
Senare år
Munch tillbringade större delen av sina sista två decennier i ensamhet på sin nästan självförsörjande egendom i Ekely vid Skøyen i Oslo. Många av hans sena målningar hyllar livet på gården, däribland flera där han använde sin arbetshäst ”Rousseau” som modell. Utan någon ansträngning drog Munch till sig en stadig ström av kvinnliga modeller, som han målade som motiv i många nakenbilder. Han hade troligen sexuella relationer med några av dem. Munch lämnade ibland sitt hem för att måla väggmålningar på beställning, bland annat för chokladfabriken Freia.
Fram till slutet av sitt liv fortsatte Munch att måla skoningslösa självporträtt, vilket kompletterade hans självundersökande livscykel och hans obarmhärtiga serie av undersökningar av hans känslomässiga och fysiska tillstånd. På 1930- och 1940-talen betecknade nazisterna Munchs verk som ”degenererad konst” (tillsammans med Picasso, Klee, Matisse, Gauguin och många andra moderna konstnärer) och tog bort hans 82 verk från tyska museer. Adolf Hitler meddelade 1937: ”För vår skull kan dessa förhistoriska stenålderskulturbarbarer och konststötare återvända till sina förfäders grottor och där tillämpa sin primitiva internationella skrapning”.
1940 invaderade tyskarna Norge och nazistpartiet tog över regeringen. Munch var 76 år gammal. Med nästan hela sin konstsamling på andra våningen i sitt hus levde Munch i rädsla för att nazisterna skulle beslagta hans konst. Sjuttioen av de målningar som tidigare tagits av nazisterna hade återvänt till Norge genom köp av samlare (de övriga elva återfanns aldrig), däribland Skriet och Det sjuka barnet, och även de gömdes undan nazisterna.
Munch dog i sitt hus i Ekely nära Oslo den 23 januari 1944, ungefär en månad efter sin 80-årsdag. Hans nazistorkestrerade begravning gav norrmännen en antydan om att han var nazistsympatisör, ett slags tillägnelse av den oberoende konstnären. Oslo stad köpte Ekely-egendomen av Munchs arvingar 1946, och hans hus revs i maj 1960.
När Munch dog testamenterades hans kvarvarande verk till Oslo stad, som byggde Munchmuseet på Tøyen (öppnade 1963). Museet har en samling på cirka 1 100 målningar, 4 500 teckningar och 18 000 tryck, vilket är den bredaste samlingen av hans verk i världen. Munchmuseet fungerar som Munchs officiella dödsbo; det har varit aktivt när det gäller att reagera på upphovsrättsintrång samt att klara upphovsrätten till verket, till exempel när Munchs Skriet dök upp i en reklamkampanj för M&M”s 2006. Den amerikanska upphovsrättsrepresentanten för Munchmuseet och Edvard Munchs dödsbo är Artists Rights Society.
Munchs konst var mycket personlig och han undervisade inte mycket. Hans ”privata” symbolism var mycket mer personlig än den som andra symbolistiska målare som Gustave Moreau och James Ensor använde. Munch hade ändå stort inflytande, särskilt hos de tyska expressionisterna som följde hans filosofi: ”Jag tror inte på den konst som inte är det tvingande resultatet av människans behov att öppna sitt hjärta”. Många av hans målningar, däribland Skriet, har en universell dragningskraft utöver sin högst personliga innebörd.
Munchs verk finns nu representerade på många stora museer och gallerier i Norge och utomlands. Hans stuga, ”Det lyckliga huset”, skänktes 1944 till Åsgårdstrands kommun och fungerar som ett litet Munch-museum. Inventariet har underhållits exakt så som han lämnade det.
En version av Scream stals från National Gallery 1994. År 2004 stals en annan version av Scream, tillsammans med en av Madonna, från Munch-museet i ett djärvt rån i dagsljus. Alla dessa återfanns så småningom, men tavlorna som stals vid rånet 2004 skadades kraftigt. De har restaurerats minutiöst och visas nu igen. Tre Munch-verk stals från Hotel Refsnes Gods 2005; de återfanns inom kort, även om ett av verken skadades under rånet.
I oktober 2006 kom färgträsnittet Två personer. De ensamma (To mennesker. De ensomme) satte ett nytt rekord för hans grafik när det såldes på en auktion i Oslo för 8,1 miljoner kronor (1,27 miljoner US-dollar, motsvarande 1 700 000 dollar år 2021). Det satte också rekord för det högsta pris som betalats på auktion i Norge. Den 3 november 2008 satte målningen Vampire ett nytt rekord för hans målningar när den såldes för 38 162 000 US-dollar (motsvarande 48 000 000 dollar 2021) på Sotheby”s New York.
Munchs bild finns på den norska 1 000-kronorssedeln tillsammans med bilder som inspirerats av hans konstverk.
I februari 2012 inleddes en stor Munch-utställning, Edvard Munch. Det moderna ögat, öppnades på Schirn Kunsthalle Frankfurt; utställningen öppnades av Mette-Marit, Norges kronprinsessa.
I maj 2012 såldes The Scream för 119,9 miljoner dollar (motsvarande 141 500 000 dollar år 2021) och är det näst dyraste konstverket som någonsin sålts på en öppen auktion. (Det överträffades i november 2013 av Three Studies of Lucian Freud, som såldes för 142,4 miljoner dollar).
År 2013 avbildades fyra av Munchs målningar på en serie frimärken av det norska postverket för att fira 150-årsdagen av Munchs födelse 2014.
Den 14 november 2016 såldes en version av Munchs Flickorna på bron för 54,5 miljoner dollar (motsvarande 61 500 000 dollar år 2021) på Sotheby”s i New York, vilket var det näst högsta priset för en av hans målningar.
I april 2019 var British Museum värd för utställningen Edvard Munch: Kärlek och ångest, som omfattar 83 konstverk och bland annat ett sällsynt originaltryck av Skriet.
Läs också: civilisationer – Mykenska kulturen
Universitetsaulan
År 1911 hölls sluttävlingen om dekorationen av de stora väggarna i Oslo universitets Aula (samlingssalen) mellan Munch och Emanuel Vigeland. Episoden är känd som ”Aula-kontroversen”. År 1914 fick Munch slutligen i uppdrag att dekorera Aula och arbetet avslutades 1916. Detta stora verk inom det norska monumentala måleriet omfattar 11 målningar som täcker 223 m2. Solen, Historien och Alma Mater är de viktigaste verken i denna sekvens. Munch förklarade: ”Jag ville att dekorationerna skulle bilda en fullständig och oberoende idévärld, och jag ville att deras visuella uttryck skulle vara både distinkt norskt och universellt mänskligt”. År 2014 föreslogs det att Aula-målningarna har ett värde på minst 500 miljoner kronor.
Läs också: civilisationer – Kazankhanatet
Allmänna källor
Källor
