Ellsworth Kelly
gigatos | mars 27, 2022
Sammanfattning
Ellsworth Kelly (31 maj 1923 – 27 december 2015) var en amerikansk målare, skulptör och grafiker som förknippades med hard-edge painting, Color Field painting och minimalism. Hans verk uppvisar anspråkslösa tekniker som betonar linje, färg och form, i likhet med John McLaughlins och Kenneth Nolands verk. Kelly använde ofta starka färger. Han bodde och arbetade i Spencertown i New York.
Kelly föddes som den andra sonen av tre till Allan Howe Kelly och Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly i Newburgh, New York, ungefär 60 miles norr om New York City. Hans far var chef för ett försäkringsbolag av skotsk-irländsk och tysk härkomst. Hans mor var en före detta skollärare av walesisk och Pennsylvania-tysk härstamning. Familjen flyttade från Newburgh till Oradell, New Jersey, en stad med nästan 7 500 invånare. Familjen bodde nära Oradell Reservoir, där hans farfars mormor introducerade honom för ornitologi när han var åtta eller nio år gammal.
Där utvecklade han sin passion för form och färg. John James Audubon hade ett särskilt starkt inflytande på Kellys arbete under hela hans karriär. Författaren Eugene Goossen spekulerade i att de två- och trefärgsmålningar (t.ex. Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963) som Kelly är så välkänd för kan spåras till hans fågelskådning och hans studier av de två- och trefärgade fåglar som han såg så ofta i tidig ålder. Kelly har sagt att han ofta var ensam som ung pojke och blev något av en ”ensamvarg”. Han hade en lätt stamning som fortsatte under tonåren.
Kelly gick i en offentlig skola där konstundervisningen betonade material och försökte utveckla den ”konstnärliga fantasin”. Denna läroplan var typisk för den bredare trend inom skolväsendet som hade uppstått genom de progressiva utbildningsteorier som förkunnades av Columbia University”s Teacher”s College, där den amerikanske modernistiske målaren Arthur Wesley Dow hade undervisat. Även om hans föräldrar var ovilliga att stödja Kellys konstutbildning uppmuntrade hans lärare Dorothy Lange Opsut honom att gå vidare. Eftersom hans föräldrar endast ville betala för teknisk utbildning studerade Kelly först vid Pratt Institute i Brooklyn, där han gick från 1941 tills han blev inkallad i armén på nyårsdagen 1943.
När han började i den amerikanska militärtjänsten 1943 begärde Kelly att bli tilldelad 603rd Engineers Camouflage Battalion, vilket krävde många konstnärer. Han blev inkallad i Fort Dix i New Jersey och skickades till Camp Hale i Colorado, där han tränade med bergsskidtrupper. Han hade aldrig åkt skidor tidigare. Sex till åtta veckor senare förflyttades han till Fort Meade i Maryland. Under andra världskriget tjänstgjorde han tillsammans med andra konstnärer och formgivare i en bedrägerienhet som kallades The Ghost Army. Spöksoldaterna använde uppblåsbara stridsvagnar, lastbilar och andra element av undanflykter för att vilseleda axelmakterna om de allierade styrkornas riktning och disposition. Hans exponering för militärt kamouflage under den tid han tjänstgjorde blev en del av hans grundläggande konstutbildning. Kelly tjänstgjorde i enheten från 1943 till slutet av krigets europeiska fas.
Kelly använde sig av G.I. Bill för att studera 1946-47 vid School of the Museum of Fine Arts i Boston, där han utnyttjade museets samlingar, och sedan vid École nationale supérieure des Beaux-Arts i Paris. I Boston ställde han ut i sin första grupputställning på Boris Mirski Gallery och undervisade i konstundervisning på Norfolk House Center i Roxbury. I Paris etablerade Kelly sin estetik. Han deltog sällan i undervisningen, men fördjupade sig i de rika konstnärliga resurserna i den franska huvudstaden. Han hade hört en föreläsning av Max Beckmann om den franske konstnären Paul Cézanne 1948 och flyttade till Paris samma år. Där träffade han sina amerikanska landsmän John Cage och Merce Cunningham, som experimenterade med musik respektive dans, den franske surrealistiske konstnären Jean Arp och den abstrakta skulptören Constantin Brâncuși, vars förenkling av naturliga former hade en bestående effekt på honom. Upplevelsen av att besöka konstnärer som Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti och Georges Vantongerloo i deras ateljéer var omvälvande.
Efter att ha varit utomlands i sex år var Kellys franska fortfarande dålig och han hade bara sålt en enda målning. År 1953 blev han vräkt från sin ateljé och återvände till Amerika året därpå. Han hade blivit intresserad efter att ha läst en recension av en Ad Reinhardt-utställning, en konstnär vars arbete han kände att hans arbete hade samband med. När han återvände till New York fann han konstvärlden ”mycket hård”. Även om Kelly nu anses vara en viktig innovatör och bidragsgivare till den amerikanska konströrelsen var det svårt för många att hitta sambandet mellan Kellys konst och de dominerande stiltrenderna. I maj 1956 hade Kelly sin första utställning i New York på Betty Parsons galleri. Hans konst ansågs vara mer europeisk än vad som var populärt i New York vid den tiden. Han ställde ut igen på hennes galleri hösten 1957. Tre av hans verk: Atlantic, Bar och Painting in Three Panels, valdes ut till och visades på Whitney Museum of American Art”s utställning ”Young America 1957”. Hans verk ansågs vara radikalt annorlunda än de andra tjugonio konstnärernas verk. Painting in Three Panels, till exempel, uppmärksammades särskilt; vid den tiden ifrågasatte kritikerna att han skapade ett verk av tre dukar. Michael Plante har till exempel sagt att Kellys verk med flera paneler oftast var trånga på grund av installationsrestriktioner, vilket minskade interaktionen mellan verken och rummets arkitektur.
Kelly flyttade så småningom från Coenties Slip, där han ibland hade delat ateljé med konstnären och vännen Agnes Martin, till den nionde våningen i höghusets studio.
Kelly lämnade New York City för Spencertown 1970 och fick sällskap av sin partner, fotografen Jack Shear, 1984. Från 2001 fram till sin död arbetade Kelly i en 20 000 kvadratmeter stor studio i Spencertown som byggts om och utökats av arkitekten Richard Gluckman. Kelly och Shear flyttade 2005 till den bostad som de delade fram till målarens död, ett träklätt kolonialhus byggt omkring 1815. Shear är direktör för Ellsworth Kelly Foundation. År 2015 gav Kelly sitt byggnadskoncept för en plats för kontemplation till Blanton Museum of Art vid University of Texas i Austin som gåva. Stenbyggnaden på 2 715 kvadratmeter med titeln Austin – som har fönster i färgat glas, en totemisk träskulptur och svartvita marmorpaneler – är den enda byggnad som Kelly har ritat och är hans mest monumentala verk. Austin, som Kelly ritade trettio år tidigare, öppnade i februari 2018.
Kelly dog i Spencertown, New York den 27 december 2015, 92 år gammal.
Läs också: biografier – Herman Willem Daendels
Målning
I Paris fortsatte Kelly att måla figurer, men i maj 1949 gjorde han sina första abstrakta målningar. Han observerade hur ljuset spreds på vattenytan och målade Seine (1950), som består av svarta och vita rektanglar som arrangerats av en slump. År 1951 inledde han en serie på åtta collage med titeln Spectrum Colors Arranged by Chance I till VIII. Han skapade den med hjälp av numrerade papperslappar; varje lapp hänvisade till en färg, en av arton olika nyanser som skulle placeras på ett rutnät på 40 tum x 40 tum. I vart och ett av de åtta collagen användes en annan process.
Kellys upptäckt 1952 av Monets sena verk gav honom en ny frihet att uttrycka sig som målare: han började arbeta i extremt stora format och utforskade begreppen serialitet och monokroma målningar. Som målare arbetade han från och med nu uteslutande på ett abstrakt sätt. I slutet av 1950-talet betonade hans måleri formen och de plana massorna (ofta i icke rätlinjiga format). Hans verk från denna period utgjorde också en användbar bro från den amerikanska geometriska abstraktionen från 1930-talets och det tidiga 1940-talets avantgarde till minimalismen och den reduktiva konsten från mitten av 1960-talet och 1970-talet. Kellys reliefmålning Blue Tablet (1962) ingick till exempel i den banbrytande utställningen Toward a New Abstraction på Jewish Museum 1963.
Under 1960-talet började han arbeta med oregelbundet vinklade dukar. Yellow Piece (1966), konstnärens första formade duk, representerar Kellys avgörande brytning med det rektangulära stödet och hans omdefiniering av målningens figur.
På 1970-talet lade han till böjda former till sin repertoar. Målningen består av två olika, formade monokromatiska dukar som är placerade ovanpå varandra: en storskalig, inverterad grön trapet är placerad vertikalt ovanför en mindre vit triangel, vilket bildar en ny geometrisk sammansättning.
Efter att ha lämnat New York City för Spencertown 1970 hyrde han en före detta teater i den närliggande staden Chatham, vilket gjorde att han kunde arbeta i en studio som var rymligare än någon annan som han tidigare hade haft. Efter att ha arbetat där i ett år påbörjade Kelly en serie på 14 målningar som skulle komma att bli Chatham-serien. Varje verk har formen av en inverterad ell och består av två sammanfogade dukar, varje duk är monokrom i en annan färg. Verken varierar i proportion och palett från ett till nästa; noggrann uppmärksamhet ägnades åt storleken på varje panel och den valda färgen för att uppnå balans och kontrast mellan de två.
Gray är en större serie på tolv verk som Kelly påbörjade 1972 och inte avslutade förrän 1983. Gray var ursprungligen tänkt som ett uttalande mot kriget och är helt utan färg. År 1979 använde han kurvor i tvåfärgsmålningar gjorda av separata paneler.
I senare målningar har Kelly renodlat sin palett och introducerat nya former. I varje verk började han med en rektangulär duk som han omsorgsfullt målade med många lager vit färg. En formad duk, oftast svartmålad, placeras ovanpå.
Med hänvisning till sitt eget arbete sade Kelly i en intervju 1996: ”Jag tror att det vi alla vill ha av konsten är en känsla av fasthet, en känsla av att den står i motsats till kaoset i det dagliga livet. Detta är naturligtvis en illusion. Duken ruttnar. Färgen byter färg. Men man fortsätter att försöka frysa världen som om man kunde få den att vara för evigt. På sätt och vis har jag försökt att fånga verkligheten i förändring, att hålla konsten öppen och ofullständig, för att nå fram till den hänryckning det innebär att se.”
Kelly kommenterade: ”Jag insåg att jag inte ville komponera bilder … jag ville hitta dem. Jag kände att min vision var att välja ut saker som fanns i världen och presentera dem. För mig var undersökningen av perceptionen av största intresse. Det fanns så mycket att se, och allt såg fantastiskt ut för mig.”
Läs också: viktiga_handelser – Gyllene bullan år 1356
Litografier och teckningar
Kelly erbjöd teckningar av växter och blommor från slutet av 1940-talet och framåt. Ailanthus (1948) är den första växtteckningen som han utförde i Boston, Hyacinth (1949) var den första han gjorde när han var i Paris. Från och med 1949, när han bodde i Paris (och påverkad i detta val av ämne av Henri Matisse och Jean Arp) började han rita enkla växt- och tångformer. Växtstudierna är för det mesta konturteckningar av blad, stjälkar och blommor gjorda med rena streck av blyerts eller penna och centrerade på sidan.
I mitten av 1960-talet tog han upp tryckeriet på ett samlat sätt, då han producerade sin svit med tjugosju litografier (1964-66) för Maeght Éditeur i Paris. Det var då han skapade sin första grupp växtlitografier. Från och med 1970 samarbetade han främst med Gemini G.E.L. Hans första serie på 28 överföringslitografier, med titeln Suite of Plant Lithographs, markerade början på en samling som skulle växa till 72 tryck och oräkneliga teckningar av bladverk. År 1971 slutförde han fyra upplagor av tryck och en upplaga av den spegelvända Concorde i flera exemplar hos Gemini G.E.L. Hans Lila
Läs också: biografier – Kālidāsa
Skulptur
Även om Kelly kanske är mer känd för sina målningar, arbetade han också med skulptur under hela sin karriär. År 1958 skapade Kelly en av sina första träskulpturer, Concorde Relief I (1958), en blygsam väggrelief i alm, som utforskar den visuella leken och balansen mellan två rektangulära former som läggs på varandra, där den översta har sina övre högra och nedre vänstra hörn borttagna. Han gjorde 30 skulpturer i trä under hela sin karriär. Från och med 1959 skapade han fristående vikta skulpturer. Rocker-serien började 1959 efter Kellys tillfälliga samtal med Agnes Martin, som bodde nedanför honom på Coenties Slip på nedre Manhattan. Kelly lekte med papperstoppen från en kaffekopp och klippte och vek en del av det runda föremålet, som han sedan ställde på bordet och gungade fram och tillbaka. Strax därefter byggde han sin första skulptur i rund form, Pony. Titeln hänvisar till ett barns käpphäst med svängda gungstolar.
År 1973 började Kelly regelbundet göra storskaliga skulpturer utomhus. Kelly gav upp målade ytor och valde i stället olackat stål, aluminium eller brons, ofta i totemliknande konfigurationer som Curve XXIII (1981). Medan de totemiska formerna i hans fristående skulpturer kan vara upp till 15 fot höga, kan hans väggreliefer vara mer än 14 fot breda. Kellys skulpturer ”bygger på att de håller sig till absolut enkelhet och klarhet i formen”. När det gäller skulpturerna från 1980-talet, under denna period i Spencertown, ägnade konstnären för första gången lika mycket energi åt sina skulpturer som åt sitt måleri, och i processen producerade han över sextio procent av sina totalt 140 skulpturer.
Kelly skapade sina verk med hjälp av en rad idéer i olika former. Han kan ha börjat med en teckning, förbättrat teckningen för att skapa ett tryck, tagit trycket och skapat ett fristående verk, som sedan gjordes till en skulptur. Hans skulpturer är tänkta att vara helt enkla och kan betraktas snabbt, ofta bara i en enda blick. Betraktaren observerar släta, plana ytor som är avskilda från det utrymme som omger dem. Denna känsla av planhet och minimalism gör det svårt att se skillnaden mellan förgrund och bakgrund. Kellys Blue Disc ingick i den banbrytande utställningen på Jewish Museum i New York 1966 med titeln Primary Structures, tillsammans med många mycket yngre konstnärer som just börjat arbeta med minimala former.
Läs också: civilisationer – Österrike-Ungern
Stil
William Rubin noterade att ”Kellys utveckling har varit helt och hållet innerligt styrd: varken en reaktion på den abstrakta expressionismen eller resultatet av en dialog med sina samtida konstnärer”. Många av hans målningar består av en enda (vanligtvis ljus) färg, och vissa dukar har oregelbunden form, ibland kallade ”formade dukar”. Linjekvaliteten som syns i hans målningar och i formen på hans formade dukar är mycket subtil och antyder perfektion. Detta visas i hans verk Block Island Study (1959).
Läs också: historia-sv – Andra boerkriget
Influenser
Kellys bakgrund inom militären har föreslagits vara en källa till allvaret i hans verk. Under sin tjänstgöring i armén utsattes Kelly för och påverkades av den kamouflage som hans specifika bataljon arbetade med. Detta lärde honom om användningen av form och skugga, samt om konstruktionen och dekonstruktionen av det synliga. Det var grundläggande för hans tidiga utbildning som konstnär. Ralph Coburn, en vän till Kelly från Boston, introducerade honom för tekniken med automatisk teckning när han var på besök i Paris. Kelly anammade denna teknik där han skapade en bild utan att titta på pappersarket. Dessa tekniker hjälpte Kelly att luckra upp sin teckningsstil och vidgade hans acceptans av vad han ansåg vara konst. Under sitt sista år i Paris var Kelly sjuk och led också av depression; Sims trodde att detta påverkade hans dominerande användning av svartvitt under den perioden.
Kellys beundran för Henri Matisse och Pablo Picasso syns tydligt i hans verk. Han tränade sig själv i att se saker på olika sätt och arbeta i olika medier på grund av deras inspiration. Piet Mondrian påverkade de icke objektiva former han använde i både sina målningar och skulpturer. Kelly påverkades först av konst och arkitektur från den romanska och bysantinska eran när han studerade i Paris. Hans introduktion till surrealismen och neoplasticismen påverkade hans arbete och fick honom att testa abstraktionen av geometriska former.
Läs också: biografier – Leopold I (tysk-romersk kejsare)
Kuratering av
2014 organiserade Kelly en utställning med Matisse-teckningar på Mount Holyoke College Art Museum i South Hadley, Massachusetts. År 2015 var han kurator för ”Monet
1990 var Kelly curator för utställningen ”Artist”s Choice”: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form” på Museum of Modern Art.
1956 träffade han Robert Indiana som flyttade in i samma byggnad och de blev partners. Kelly blev hans mentor. De bröt upp omkring 1964. En av orsakerna var att Indiana använde ord i sina målningar och Kelly ansåg att en sådan teknik inte var värdig hög konst.
Från 1984 till sin död bodde Kelly tillsammans med sin make, fotografen Jack Shear, som är chef för Ellsworth Kelly Foundation.
Kellys första separatutställning ägde rum på Galerie Arnaud i Paris 1951. Hans första separatutställning i New York hölls på Betty Parsons Gallery 1956. År 1957 visade han verk i en grupputställning på Ferus Gallery i Los Angeles. År 1959 ingick han i Museum of Modern Arts banbrytande utställning Sixteen Americans. Kelly bjöds in att ställa ut på São Paulo biennalen 1961. Hans verk var senare med på documenta 1964, 1968, 1977 och 1992. Ett rum med hans målningar ingick i Venedigbiennalen 2007.
Kellys första retrospektiv hölls på Museum of Modern Art 1973. Hans arbete har sedan dess uppmärksammats i många retrospektiva utställningar, bland annat en skulpturutställning på Whitney Museum of American Art i New York 1982, en utställning med verk på papper och en utställning med hans trycksaker som turnerade flitigt i USA och Kanada 1987-88, samt en retrospektiv utställning om hans karriär 1996, organiserad av Solomon R. Guggenheim Museum, som reste till Museum of Contemporary Art i Los Angeles, Tate Gallery i London och Haus der Kunst i München. Sedan dess har det ordnats separatutställningar med Kellys verk på Metropolitan Museum of Art i New York (1998), Fogg Art Museum i Cambridge (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1988) och San Francisco Museum of Modern Art (1988).
1993 visade Galerie nationale du Jeu de Paume i Paris utställningen ”Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-54″, baserad på konstnärens förhållande till staden, som sedan flyttade till National Gallery of Art i Washington D.C. 2008 hedrade Musée d”Orsay Kelly med utställningen ”Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly”. Haus der Kunst visade 2012 den första omfattande retrospektiva utställningen av Kellys svartvita verk.
I samband med konstnärens 90-årsdag 2013 visade National Gallery of Art i Washington en utställning med hans grafik, Barnes Foundation i Philadelphia samlade fem skulpturer i en utställning, Phillips Collection i Washington ställde ut hans panelmålningar och Museum of Modern Art öppnade en utställning med ”Chatham Series”.
Läs också: biografier – Jan Hus
Utvalda separatutställningar
1957 fick Kelly i uppdrag att skapa en 65 fot lång väggskulptur för Transportation Building i Penn Center i Philadelphia, hans största verk hittills. Skulpturen med titeln Sculpture for a Large Wall (1957), som till stor del var bortglömd, demonterades så småningom. Kelly har sedan dess utfört många offentliga uppdrag, bland annat Wright Curve (1966), en stålskulptur avsedd för permanent installation i Guggenheims Peter B. Lewis Theater, en väggmålning för Unescos högkvarter i Paris 1969, Curve XXII (en beställning från I. M. Pei för Raffles City-byggnaden i Singapore; Houston Triptych, vertikala bronsplan monterade på en hög betong vid Museum of Fine Arts, Houston, 1986; Totem (Dallas Panels) (en skulptur från 1989 för Nestlés huvudkontor i Vevey, Schweiz; Gaul (ett tvådelat minnesmärke för United States Holocaust Memorial Museum, Washington, D.C., 1993, och storskaliga Berlin-paneler för Deutscher Bundestag, Berlin, 1998. För John Joseph Moakley United States Courthouse (ritad av Henry N. Cobb) i Boston ritade han The Boston Panels, 21 lysande färgade aluminiumpaneler som installerades i den centrala rotundan som ett enda verk i hela byggnaden.
Kellys Blue Black (2001), som består av två paneler och är 28 fot hög och tillverkad av målad aluminium med honungskakor, beställdes av Pulitzer Arts Foundation i St. Louis, och den storskaliga bronsen Untitled (2005) beställdes speciellt för gården i Phillips Collection. År 2005 fick Kelly i uppdrag att göra det enda platsspecifika verket för den moderna flygeln vid Art Institute of Chicago av Renzo Piano. Han skapade White Curve, den största väggskulptur han någonsin gjort, som visas sedan 2009. 2008 installerade Kelly Berlin Totem, en skulptur i rostfritt stål på 40 fot, på gården till USA:s ambassad i Berlin. Senare gjorde han en gardin, Spectrum VIII (2014), bestående av 12 färgade remsor, för auditoriet i Louis Vuitton-stiftelsen i Paris.
1986 planerade Kelly sin första fristående byggnad för en privat samlare, men den förverkligades aldrig. Först 2015 förvärvade Blanton Museum of Art hans ritning för en 2 715 kvadratmeter stor stenbyggnad, inklusive 14 svartvita marmorplattor och fönster i färgat glas, och planerade att bygga den på museets område vid University of Texas i Austin. Byggnaden öppnades för allmänheten den 18 februari 2018. Austin, ett konst- och arkitekturverk, anses vara kulmen på Kellys karriär.
1968 fick Kelly i uppdrag att skapa en stor utomhusskulptur för Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection i Albany, New York. Skulpturen med titeln Yellow Blue var inspirerad av Empire State Plaza och är Kellys största skulptur med en höjd på 9 fot och ett tvärsnitt på nästan 16 fot. Yellow Blue var hans första stålskulptur och är fortfarande den enda skulpturen i målat stål som hittills har gjorts.
1957 köpte Whitney Museum of American Art en målning, Atlantic, som föreställde två vita vågliknande bågar mot svart; det var Kellys första inköp till ett museum. Idag finns hans verk i många offentliga samlingar, bland annat i Centre Pompidou i Paris, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía i Madrid, Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection i Albany, New York, och Tate Modern i London. 1999 meddelade San Francisco Museum of Modern Art att man hade köpt 22 verk, målningar, väggreliefer och skulpturer, av Ellsworth Kelly. De har värderats till mer än 20 miljoner dollar. År 2003 fick Menil Collection Kelly”s Tablet, 188 inramade verk på papper, inklusive skisser, arbetsritningar och collage. Bland kända privata samlare finns bland annat Eli Broad och Gwyneth Paltrow.
Kelly har också fått många hedersdoktorstitlar, bland annat från Bard College (Harvard University, Cambridge) och Williams College (2005).
Läs också: biografier – Sigmund Freud
Kelly frimärken
United States Postal Service meddelade i januari 2019 att en uppsättning frimärken för att hedra Kellys konstverk skulle ges ut under 2019. I USPS:s pressmeddelande erkänns Kellys pionjärskap för en ”distinkt stil av abstraktion baserad på verkliga element som reducerats till sina väsentliga former”. Tio verk är representerade, däribland Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (för Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue och Gaza. Setet med frimärken kommer att ges ut den 31 maj 2019.
Det var handlaren Betty Parsons som erbjöd honom en separatutställning första gången 1956. Efter nästan ett decennium hos Parsons började han 1965 ställa ut på Sidney Janis Gallery. Under 1970- och 1980-talen hanterades hans verk gemensamt av Leo Castelli och Blum Helman i New York. År 1992 anslöt han sig till Matthew Marks Gallery i New York och Los Angeles och Anthony d”Offay Gallery i London. Fasaden på Marks galleri i Los Angeles är inspirerad av Study for Black and White Panels, ett collage som han gjorde när han bodde i Paris 1954, och en målning, Black Over White. Från 1964 producerade han tryck och upplagor av skulpturer på Gemini G.E.L. i Los Angeles och Tyler Graphics Ltd nära New York.
2014 såldes Kellys målning Red Curve (1982) på auktion för 4,5 miljoner dollar på Christie”s New York. Det auktionsrekordet för ett verk av Ellsworth Kelly sattes av den 13-delade målningen Spectrum VI (1969), som såldes för 5,2 miljoner dollar på Sotheby”s New York, Contemporary Art Evening sale, den 14 november 2007.
I november 2019 satte Christie”s auktionsrekord för konstnären med verket Red Curve VII, som såldes för 9,8 miljoner dollar.
Källor
