Francis Picabia
gigatos | februari 14, 2022
Sammanfattning
Francis Picabia (Francisco María Martínez Picabia della Torre, 22 januari 1879, Paris – 30 november 1953, Paris) var en fransk avantgardemålare, grafisk och publicistisk författare, teaterregissör, manusförfattare, skådespelare och diplomat.
Francis Picabia blev känd som en excentrisk konstnär som inte anslöt sig till någon politisk eller stilistisk dogm. Han hade ett stort inflytande på den samtida konsten, särskilt dadaismen och surrealismen.
Francisco María Martínez Picabia della Torre, kallad Francis Picabia (ibland stavat Picabia), föddes i Paris av en fransk mor och en spansk far. Francis Picabias far arbetade först på Kuba inom sockerindustrin och senare på Kubas ambassad i Frankrike som diplomat. Det var i Paris som han träffade Franciskus framtida mor. Hans mor, Marie Cecile Davan, tillhörde den välbärgade parisiska borgarklassen. Hon dog när den blivande konstnären och poeten var 5 (enligt andra källor 7) år gammal.
Francis Picabia hade en flexibel, utåtriktad personlighet och ett mycket föränderligt, koleriskt temperament. Skarpa svängningar i temperament och kreativ tonalitet utbröt ibland i långvarig depression eller neurastheniska utbrott av ilska, vilket vanligtvis manifesterades i familjemiljö. Under hela sitt liv ändrade Picabia sin kreativa stil och sin personliga och estetiska smak många gånger. I detta avseende kan han betraktas som något av en rekordbrytare. Om man räknar alla förändringar av hans stil, inriktning, skrivstil och till och med ideologi, får man inte mindre än sju (eller till och med tio) dramatiska vändningar. Kanske överträffar Francis Picabia i detta avseende till och med sin mer berömda samtida och konstnärskamrat Pablo Picasso.
När han var sexton år gammal erbjöd hans far i hemlighet ett av hans landskap till juryn på Salon de l”Artiste Française i Paris. Till familjens och den unge målarens förvåning accepterades målningen och fick till och med en notering. Detta uppmuntrade Picabia att börja måla på allvar.
Mellan 1895 och 1896 tog Francis Picabia lektioner vid Ecole des Arts Décoratifs i Paris för Embert och Cormon, och i sin första stil målade han goda, typiskt franska landskap, som om han i impressionistisk riktning fortsatte Camille Corots berömda verk. Efter 1899 ställde Picabia ut på Salon des Independents och etablerade sig snart i Paris konstkretsar som impressionist. Picabis impressionism varade dock inte länge. Redan 1902, efter en resa till Spanien, började Picabies konstnärliga intressen gradvis att förskjutas mot den färgglada och flashiga (”spanska”) fauvistiska stilen.
Hans bekantskap med Marcel Duchamp 1910 hade ett avgörande inflytande på den fortsatta utvecklingen av Francis Picabius personlighet och arbete. Från fauvismen under en relativt kort period före kriget mot Tyskland övergick han först till kubismen och geometrisk abstraktion. Picabias mest kända målning från den här tiden, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), är ett dokument inte bara om Picabias abstrakta stil, utan också om hans långa (mer än tre år) resa till New York. Picabia hade i sitt liv i allmänhet för vana att lämna en krigsplats. Han ställer ut sina nya abstrakta kubistiska målningar på Armory Show (New York 1913), vilket gör honom ännu mer berömd. Men Picabia stannar inte heller där. Mellan 1915 och 1917, under alla tre åren av sitt liv i New York, hade han nära kontakt med avantgardistiska konstnärer, och tillsammans med Duchamp ledde han den dadaistiska rörelsens New York-sektion. Men bara två år senare byter han återigen paradoxalt nog stil. Den här gången överger Francis Picabia den geometriska abstraktionen och väljer inte en redan existerande stil eller rörelse. Han målar en rad originella kompositioner som har blivit de mest igenkännbara och kännetecknande för hans personliga målarstil. Konventionellt sett kan dessa kallas ”mekaniska” eller ”antropomorfa teckningar”. Genom att måla kopior av tekniska ritningar och lägga till oväntade, ofta levande och meningslösa detaljer gav Picabia dem de paradoxala dragen av mänskliga former. Det är till exempel hans mest kända verk: Parade of Love (1917), A Daughter Born Without a Mother (1917) och The Carburetor Child (1919). Francis Picabias levande ”mekanomorfiska” teckningar är fulla av provokation, dadaistisk epatage och sarkasm, och de visar både på den mänskliga perceptionens meningslöshet och kraft, eftersom de kan implantera verkliga bilder i vilken form som helst, även den mest abstrakta eller absurda. Det är dessa verk av Picabia som tycks vara närmast och bäst anpassade till hans kreativa personlighet, som paradoxalt nog manifesterades direkt i hans liv och arbete.
Francis Picabia var extremt fri och oberoende i sin anda och stod Guillaume Apollinaire och Marcel Duchamp nära till sin karaktär och sina personlighetsdrag. Det är underhållande att följa hur Francis Picabia först öppet bekämpade och motsatte sig och sedan stödde och till och med ledde dadarörelsen under sina särskilt anordnade ”propagandaresor” till New York, Barcelona och Zürich. På samma sätt utvecklades hans arbete. Hans dadaistiska artiklar är erkända som förödande och briljanta, den avantgardistiska almanackan ”391”, som han grundade i New York och som han sedan gav ut i Zürich och Paris fram till 1924, liksom hans abstrakta målningar före första världskriget och hans ”mekanomorfiska” teckningar, som liknar märkliga teckningar av framtiden, blev inte bara igenkännliga utan också ikoniska i det tidiga 1900-talets konsthistoria.
Efter den dadaistiska fasen, där han tillsammans med Tristan Tzara var en av de erkända ledarna (1914-1920), gjorde Francis Picabia 1921 en ny vändning och anslöt sig till dadaismens direkta motståndare (och samtidigt anhängare) – surrealisterna. Han plågades regelbundet av depressioner, som han tvingades behandla sig själv med cacodylatpiller (han är mycket road av detta ord), vilket också var djupt inbäddat i hans konst under Paris-perioden. Vid den här tiden överger Picabia sin ”mekaniska” stil, målar inte i olja på flera år och övergår huvudsakligen till collageteknik och surrealistiska objekt. Dessa är hans ”Halmhatt” (1921), ”Cacodylatmålning” (1922) och ”Kvinna med tändstickor” (1923). Under den här perioden är en av Francis Picabias största prestationer, märkligt nog inte ren målning, utan baletten och filmen ”Relache” (”Paus” eller ”Skådespelet är inställt”), som han gjorde tillsammans med den ljusa avantgardistkompositören Eric Satie och den spirande unga filmregissören Rene Clair…
Runt 1927 börjar Picabias stil med ”transparenta målningar”, där han öppet experimenterar och söker efter olika sätt att förvränga perspektivet. Genom att ställa flerdimensionella ansikten, figurer och föremål bredvid varandra väver han in dem i linjära rumsliga överlagringar och försöker uppnå en effekt av synbedrägeri eller en lek med stereoskopiska plana rörelser. I dessa målningar kan stora genomskinliga silhuetter som består av linjer överlagras på ett fint och detaljerat målat landskap, vilket skapar en effekt av speciell ”rumslig surrealism” som inte finns hos någon annan surrealistisk målare. I denna stil ingår målningarna ”Han och hans skugga” (1928), ”Sfinxen” (1929) och ”Medea” (1929).Den surrealistiska perioden Francis Picabia börjar gradvis att blekna och kommer till ”nej” i början av 30-talet. Men hans stilistiska metamorfos slutar inte heller där.
I mitten av 1930-talet hade Picabia övergått från genomskinliga bilder till hårda, brutala målningar i stil med pseudoklassicistisk amatörkonst. Picabia parodierar eller reproducerar grafiska konstnärers sätt och övergår sedan till en nästan direkt kitschig stil. Han målar dussintals nakenbilder, allegorier, porträtt och till och med klassiska bibliska scener med ett medvetet kitschigt utseende, eller anti-konst. Vid denna tid var han särskilt aktiv inom beställningsarbeten. Francis Picabia har av karaktär och livsstil alltid varit en utpräglad lejonsman och livsnjutare. Picabia var en älskare av det vackra livet och de nöjen som alltid annonseras i resebroschyrer (vackra kvinnor, racerbilar, privata yachter, villor vid kusten, soliga stränder, etc…..) och slutade efter sin ”kritiska femtioårsdag” med att börja tjäna pengar direkt och översätta sitt profilerade namn till ”pengar”. Under den sista delen av sitt liv övergick han till ett konventionellt och nästan glamoröst måleri som tjänade omedelbar kommersiell vinning, men som helt saknade den kraft och originalitet som låg i hans talang under hans yngre år.
Picabia överlevde sex år av krig mot Tyskland i det neutrala Schweiz. Efter den tyska ockupationen återvände han till Paris 1945, och under de sista åren av sitt liv stod han i ganska nära kontakt med existentialister. Det var de som senare återupptäckte hans poetiska skrifter och artiklar om konstteori från 1910-talet, som tillfälligt hade glömts bort. Efter kriget bodde han i sina föräldrars hus och arbetade i sin farfar Alphonses verkstad. Han hade stora ekonomiska svårigheter och kunde inte skaffa nya dukar och var tvungen att måla om samma målning flera gånger.
Han dog den 30 november 1953 i Paris (82 rue des Petits-Champs) och ligger begravd på Montmartre-kyrkogården.
Den dadaistiska baletten Relâche, till musik av Éric Satie, som hade premiär på Théâtre des Champs Élysées den 4 december 1924, kan kanske betraktas som höjdpunkten i Francis Picabias liv och arbete, eftersom den sammanför nästan alla hans kreativa riktningar. Picabia visade sig här både som produktionsdesigner och kostymdesigner, som författare, som författare till balettbiblioteket och filmmanuset, som skådespelare (som spelade två roller i filmen), som en enastående organisatör av teaterproduktionen och som ledare för dadaisterna och surrealisterna (och en skicklig intrigör) som lockade de bästa krafterna att delta i produktionen och som ”desarmerade” de flesta av dess fiender i tid. En central roll i skapandet av den nya produktionen spelades av Erik Satie, en excentrisk och ständigt nyskapande kompositör, som vid 58 års ålder säkert skulle kunna ge någon av de unga ett försprång. Picabia och Satie, som båda var mycket livliga konstnärer med komplexa personligheter, kunde ändå samarbeta aktivt och skapa ett verk som fortfarande är enastående i balettens historia.
Liksom många andra saker i Francis Picabias liv följde hans förhållande till Erick Satie en utpräglad ”sicksack”-bana. År 1919, när Picabia fortfarande bodde i Zürich och inte var involverad i konflikterna och bråken inom Paris konströrelser, inkluderade konstnären det (felstavade) namnet ”Erick Satye” i sin målning med titeln Dada-rörelsen, som var avsedd att illustrera Tristan Tzaras tidskrift. Sex månader senare, redan i Paris, tillsammans med André Breton och hans surrealister, är Picabia redan i full färd med att bekämpa ”Jean Cocteau-gruppen”. Han kallar en av sina dadadadikter från 1920 för ”Auric Satie à la noix de Cocteau” (Auric Satie à la noix de Cocteau). I texten till sin dikt var han mycket giftigt ironisk mot ”Auric Satie, som bestämde sig för att hans ”Furnishing Music” skulle kunna ge honom en plats i societeten på kvällarna” (Dada-Phone Magazine, 1919, nr 7).
Men till skillnad från en envishet eller dogmatism tvekade Picabia inte att ändra kurs efter några månader. Han skickade Satie ett brev fullt av sympati och skrev en dedikation ”Erik est Satierik” på omslaget till en av sina tidskrifter. Ett halvår senare publicerar Satie två lätt skämtsamma aforismer i Picabias almanacka 391, vilka visas med stora bokstäver på tidningens förstasida. I början av 1922, under ett nytt ”krig” mellan Bretons surrealister och Tzaras dadaister, hamnar Satie och Picabia återigen i motsatta läger. Ett år senare återupptog dock Satie sin relation med konstnären, denna gång för att samarbeta på en ny balett, som ännu inte hade fått titeln Relâche eller The Spectacle is Cancelled.
Denna balett var höjdpunkten i Saties och Picabias samarbete. Denna produktion beställdes ursprungligen (hösten 1923) av Rolf de Marais, direktör för Svenska baletten i Paris, till Eric Satie efter ett manus av poeten Blaise Sandrard och med dekorer av Picabia. I sin ursprungliga version hade baletten ingen så provocerande titel. I Sandrars manuskript hade baletten en mycket mer ödmjuk titel: After Dinner. Men bara tre eller fyra månader senare drev Francis Picabia, med sin vanliga lätthet, bort Sandrar (som hade åkt till Brasilien vid ett alltför dåligt tillfälle) från projektet, skrev om manuset (enligt Satie ”med bara några få rader”) och blev själv den fullständiga författaren och samtidigt den konstnärliga ledaren för en mycket mer radikal dadaistisk föreställning.
På ett eller annat sätt hade den tidigare baletten After Dinner, med ett libretto av Blaise Sandrar, i slutet av april 1924 slutligen blivit The Spectacle is Canceled. Picabia tänkte sig en provocerande föreställning där många konstarter – teater, balett, musik, skulptur, måleri och till och med film – skulle kombineras ”till ett enda nonsens” – Relâche innehöll två filmprojektioner på skärmen, en i början av föreställningen (Prologue) och en annan i pausen (Intermission). Filmen med just denna titel, ”Entrée”, med många kända dadaistiska och surrealistiska konstnärer, den svenska balettens förste koreograf samt Eric Satie och Francis Picabia själva, regisserades av den då spirande filmskaparen René Clair, gav upphovsmannen ett berömt namn och (separat från Relâche) tog sig in i 1900-talets gyllene fond av filmkonst.
Francis Picabia skapade också en helt dadaistisk och futuristisk scenografi för sin produktion, samtidigt som han aktivt införlivade sig själv i balett- och kompositionsprocessen, vilket var i linje med hans avsikt att skapa en total upphovsmannaprodukt, genomsyrad från grunden till toppen av dadaismens idé. En del av baletten utförs t.ex. i total tystnad och dansarna dansar helt utan stöd av musiken. Vid andra tillfällen finns det tvärtom musik som helt saknar koreografi. Erik Satie stödde gärna alla dessa grimaser av författaren, desto mer som de var helt i linje med hans tidiga idéer. I det ordinarie teaterprogrammet till premiären av Relâche på Svenska Baletten kunde man läsa följande ord som tillhör Picabia och Satie:
”När kommer människor att frigöra sig från den obehagliga vanan att förklara allting? ”Pjäsen är inställd” är en kontinuerlig balett vars syfte är att överföra den mest pretentiösa absurditeten till teatern: ”livet som jag vill ha det, livet utan morgondag, livet bara nu, allt i dag, allt för i dag, ingenting för i går och ingenting för i morgon”. (förhandsvisning av den svenska baletten, Relâche, november 1924)
Pikabia, som är extremt sexuellt frigjord i livet, provocerade ständigt Satie till alla slags ”sublimeringar” under arbetet med Relâche. Därför var baletten full av de mest ”oanständiga” rörelser och scener. Särskilt Satie, som kunde finjustera sådana anspelningar, hävdade under arbetet med partituret att han hade komponerat ”pornografisk” musik för Relâche. Det verkar som om han lyckades, och det på det mest direkta sättet. Satie definierade genren för sitt verk som ”obscen balett”. Och reaktionen på hans upptåg var lämplig. En av de mest toleranta kritikerna, Paul Judge, skrev mildare om det i sin recension av baletten:
”Monsieur Saties musik består av de mest trötta och slitna populära melodier som återges med relativt få ändringar, snarare än som balettmusik, utan som ett rent exempel på tillämpningen av klassisk dansteknik.”
Satie själv, som valde ut de mest vulgära och obscena parisiska sångerna till sin balett, var mycket tydligare om detta: ”När man hör en välkänd melodi ska de mest obscena orden som sjungs till den omedelbart dyka upp i publikens minne”. I olika nummer av baletten (”Kvinnan kommer ut”, ”Musiken”, ”Männen klär av sig”, ”Dansen med skottkärran”) är orkestreringen medvetet transparent och klar, och de vulgära motiven är förvrängda precis tillräckligt för att vara lätt igenkännliga. ”Konstruktionen av Erik Saties musik”, skrev Picabias andra hustru Germaine Everling efteråt, ”omslöt och förtydligade ständigt konstnärens tankar.
Den totala idén om Relâches avskaffande fick också sitt direkta förkroppsligande utanför scenen. Baletten skulle ha premiär den 27 november 1924. Men när en sofistikerad publik och hela den parisiska bohemen redan hade samlats på Théâtre des Champs-Elysées, meddelades en avgörande ”relâche” och föreställningen… ställdes in. Orsaken till att dansen ställdes in var det dåliga vädret och att Jean Bjorlen inte ville dansa ”i det skick han var i”. Publiken var genuint upprörd över föreställningens upptåg. Många hävdade allvarligt att ”Relâche” inte fanns på riktigt och att den helt enkelt var en bedräglig bluff för att främja två berömda punchälskare, Satie och Picabia, i deras egen marknadsföring. Upphävandet skedde dock en vecka senare, den 4 december 1924.
Enheten mellan de två främsta balettförfattarna var verkligen imponerande. Satie, som under hela sitt liv hade varit benägen att ständigt vara konfliktbenägen och förbittrad, hade inga motsättningar med Picabia när han arbetade med Relâche. Kanske hade detta effekten att det skapade ett genombrott för Picabia själv, som aldrig tidigare hade haft ett sådant prejudikat i sitt liv eller arbete. Baletten Relâche är Eric Saties sista verk. Han arbetade med partituret medan han redan var dödligt sjuk, och bara två månader efter premiären begav han sig slutligen till klostersjukhuset Saint-Jacques, varifrån han aldrig kom ut. Satie dog den 1 juli 1925. Francis Picabia led mycket av hans död och hamnade i en ny svår depression under mer än ett år, som han aldrig återhämtade sig från, vilket framgår av resten av hans liv och verk.
Under arbetet med baletten Relâche ritade och skissade Picabia på papper ett flertal porträtt av Éric Satie ”i hans mekaniska stil” och publicerade även olika texter om kompositören, där han bland annat hävdade att ”våra ättlingar kommer att bära hans musik som en handske”. Balettens två minuter långa filmiska prolog, som är en vältalig och naiv symbol för deras enighet, visar hur Satie och Picabia personligen laddar kanonen och riktar den mot publiken. Och i filmens andra del, Intermission, har Picabia till och med målat sina egna initialer tillsammans med kompositörens initialer (FP – ES) i ett uttrycksfullt hjärta på begravningspilen med kroppen av den koreograf som han sköt, Jean Bjorlen. Detta gulliga, typiskt dadaistiska skämt visade sig tyvärr inte vara ett gott omen, åtminstone inte för Erik Satie. Bara sex månader senare kom begravningsvagnen för honom också.
Källor
