Frank Capra
gigatos | juni 6, 2022
Sammanfattning
Frank Russell Capra (18 maj 1897-3 september 1991) var en italienskfödd amerikansk regissör, producent och författare som blev den kreativa kraften bakom några av de stora prisbelönta filmerna från 1930- och 1940-talen. Han föddes i Italien och växte upp i Los Angeles från fem års ålder och hans historia från en plånbok till en rikedom har fått filmhistoriker som Ian Freer att betrakta honom som ”den personifierade amerikanska drömmen”.
Capra blev en av USA:s mest inflytelserika regissörer under 1930-talet och vann tre Oscars för bästa regissör från sex nomineringar, tillsammans med tre andra Oscarsvinster från nio nomineringar i andra kategorier. Bland hans främsta filmer kan nämnas It Happened One Night (1934), Mr Deeds Goes to Town (1936), You Can”t Take It With You (1938) och Mr Smith Goes to Washington (1939). Under andra världskriget tjänstgjorde Capra i U.S. Army Signal Corps och producerade propagandafilmer, till exempel serien Why We Fight.
Efter andra världskriget minskade Capras karriär eftersom hans senare filmer, som It”s a Wonderful Life (1946), hade dåliga resultat när de först släpptes. Under de följande decennierna fick dock It”s a Wonderful Life och andra Capra-filmer ett positivt omdöme från kritikerna. Utanför regin var Capra aktiv inom filmindustrin och engagerade sig i olika politiska och sociala aktiviteter. Han var ordförande för Academy of Motion Picture Arts and Sciences, arbetade tillsammans med Writers Guild of America och var chef för Directors Guild of America.
Capra föddes som Francesco Rosario Capra i Bisacquino, en by nära Palermo på Sicilien, Italien. Han var det yngsta av sju barn till Salvatore Capra, en fruktodlare, och Rosaria ”Serah” Nicolosi. Capras familj var romersk-katolsk. Namnet ”Capra”, konstaterar Capras biograf Joseph McBride, representerar familjens närhet till jorden och betyder ”get”. Han noterar att det engelska ordet ”capricious” härstammar från det, ”vilket framkallar djurets skvistiga temperament”, och tillägger att ”namnet uttrycker två aspekter av Frank Capras personlighet: känslosamhet och envishet”.
1903, när han var fem år gammal, emigrerade Capras familj till USA och reste i en kupé på ångfartyget Germania, vilket var det billigaste sättet att ta sig dit. För Capra förblev resan, som tog 13 dagar, en av de värsta upplevelserna i hans liv:
Ni är alla tillsammans – ni har inget privatliv. Du har en säng. Väldigt få människor har koffertar eller något annat som tar plats. De har bara det de kan bära i handen eller i en väska. Ingen tar av sig kläderna. Det finns ingen ventilation och det stinker som fan. De är alla olyckliga. Det är den mest förnedrande plats man någonsin kan vara på.
Capra minns fartygets ankomst till New Yorks hamn, där han såg ”en staty av en stor dam, högre än ett kyrktorn, som höll en fackla över det land som vi var på väg in i”. Han minns sin fars utrop vid denna syn:
Ciccio, titta! Titta på det där! Det är det största ljuset sedan stjärnan i Betlehem! Det är frihetens ljus! Kom ihåg det.
Familjen bosatte sig i Los Angeles East Side (idag Lincoln Heights) på avenue 18, som Capra i sin självbiografi beskrev som ett italienskt ”ghetto”. Capras far arbetade som fruktplockare och den unge Capra sålde tidningar efter skolan i tio år, tills han gick ut gymnasiet. Istället för att arbeta efter examen, som hans föräldrar ville, skrev han in sig på college. Han arbetade under hela collegetiden vid California Institute of Technology, spelade banjo på nattklubbar och tog udda jobb som att arbeta i campusets tvättstuga, servera och rengöra motorer vid ett lokalt kraftverk. Han studerade kemiteknik och tog examen våren 1918. Capra skrev senare att hans collegeutbildning hade ”förändrat hela hans syn på livet från en gräsrotsråttas syn på livet till en kultiverad människas syn på livet”.
Strax efter att ha tagit examen från college blev Capra utnämnd till andra löjtnant i USA:s armé efter att ha genomgått ROTC på campus. I armén undervisade han artillerister i matematik vid Fort Point i San Francisco. Hans far dog under kriget i en olycka (1916). I armén drabbades Capra av spansk influensa och blev medicinskt avskedad för att återvända hem och bo med sin mor. Han blev naturaliserad amerikansk medborgare 1920 och tog namnet Frank Russell Capra. Capra bodde hemma med sina syskon och sin mor och var den enda familjemedlemmen med en högskoleutbildning, men han var den enda som förblev kroniskt arbetslös. Efter ett år utan arbete, när han såg hur hans syskon hade fasta jobb, kände han att han var ett misslyckande, vilket ledde till depressioner.
Kroniska buksmärtor visade sig senare vara en odiagnostiserad bruten blindtarm. Efter att ha återhämtat sig hemma flyttade Capra ut och tillbringade de följande åren på flumhus i San Francisco och vandrade runt i västra USA på godståg. För att försörja sig tog han småjobb på gårdar, som statist, spelade poker och sålde aktier i lokala oljekällor.
Under denna tid regisserade den 24-årige Capra en 32 minuter lång dokumentärfilm med titeln La Visita Dell”Incrociatore Italiano Libya a San Francisco. Filmen dokumenterade inte bara besöket av det italienska örlogsfartyget Libya i San Francisco, utan även det mottagande som San Franciscos L”Italia Virtus Club, numera känd som San Francisco Italian Athletic Club, gav fartygets besättning.
Som 25-åring tog Capra ett jobb som försäljare av böcker skrivna och utgivna av den amerikanske filosofen Elbert Hubbard. Capra mindes att han ”hatade att vara en bonde, att vara en nykomling som var fast i det sicilianska ghettot i Los Angeles. … Allt jag hade var kukighet – och låt mig säga er att det räcker långt”.
Läs också: biografier – Sebastian I av Portugal
Stumfilmskomedier
Under sin bokförsäljning – och nästan pank – läste Capra en tidningsartikel om en ny filmstudio som öppnade i San Francisco. Capra ringde dem och sa att han hade flyttat från Hollywood och antydde falskt att han hade erfarenhet av den spirande filmindustrin. Capras enda tidigare kontakt med film var 1915 när han gick på Manual Arts High School. Studions grundare, Walter Montague, var ändå imponerad av Capra och erbjöd honom 75 dollar för att regissera en stumfilm på en rulle. Capra, med hjälp av en kameraman, gjorde filmen på två dagar och gjorde den med amatörer.
Efter detta första seriösa jobb inom filmbranschen började Capra försöka hitta liknande möjligheter inom filmindustrin. Han tog en tjänst i en annan mindre studio i San Francisco och fick sedan ett erbjudande om att arbeta med producenten Harry Cohn i dennes nya studio i Los Angeles. Under denna tid arbetade han som fastighetsskötare, filmklippare, titelförfattare och regiassistent.
Capra blev senare skämttecknare för Hal Roach”s Our Gang-serie. Han anlitades två gånger som författare för Mack Sennett, en regissör av slapstickkomedier, 1918 och 1924. Under hans ledning skrev Capra manus för komikern Harry Langdon och producerade av Mack Sennett, varav det första var Plain Clothes 1925. Enligt Capra var det han som uppfann Langdons karaktär, den oskyldiga dåren som lever i en ”stygg värld”; Langdon hade dock redan 1925 kommit in i denna karaktär.
När Langdon så småningom lämnade Sennett för att göra längre långfilmer med First National Studios tog han med sig Capra som sin personliga manusförfattare och regissör. De gjorde tre långfilmer tillsammans under 1926 och 1927, som alla var framgångsrika hos kritiker och publik. Filmerna gjorde Langdon till en erkänd komiker i samma kaliber som Charlie Chaplin och Buster Keaton. Capra och Langdon blev senare osams och Capra fick sparken. Under de följande åren gick Langdons filmer på nedgång utan Capras hjälp. Efter skilsmässan med Langdon regisserade Capra en film för First National, For the Love of Mike (1927). Detta var en stumfilmskomedi om tre grälande gudfäder – en tysk, en judisk och en irländsk – med den blivande skådespelerskan Claudette Colbert i huvudrollen. Filmen ansågs vara ett misslyckande och är en förlorad film.
Läs också: biografier – Yves Klein
Columbia Pictures
Capra återvände till Harry Cohns studio, som nu hette Columbia Pictures, som då producerade kortfilmer och komedier på två rullar som ”fyllnadsfilmer” mellan huvudfilmerna. Columbia var en av många nystartade studior på ”Poverty Row” i Los Angeles. Liksom de andra kunde Columbia inte konkurrera med de större studiorna, som ofta hade egna produktionsanläggningar, distribution och biografer. Cohn återanställde Capra 1928 för att hjälpa hans studio att producera nya långfilmer i full längd för att konkurrera med de större studiorna. Capra skulle så småningom regissera 20 filmer för Cohns studio, inklusive alla hans klassiker.
På grund av Capras tekniska utbildning anpassade han sig lättare till den nya ljudtekniken än de flesta regissörer. Han välkomnade övergången till ljudet och minns: ”Jag var inte hemma i stumfilmer”. De flesta studior var ovilliga att investera i den nya ljudtekniken och trodde att den var en tillfällig modefluga. Många i Hollywood betraktade ljudet som ett hot mot industrin och hoppades att det skulle passera snabbt; McBride noterar att ”Capra var inte en av dem”. När han 1927 såg Al Jolson sjunga i The Jazz Singer, som ansågs vara den första ljudfilmen, minns Capra sin reaktion:
Det var en chock att höra en man öppna munnen och höra en sång komma ut ur den. Det var en sådan upplevelse som man bara får en gång i livet.
Få av studions chefer eller personal var medvetna om Capras tekniska bakgrund innan han började regissera The Younger Generation 1929. Den chefsfotograf som arbetade med Capra på ett antal filmer kände inte heller till det. Han beskriver denna tidiga period av ljud för film:
Det var inte något som kom upp. Man var tvungen att bluffa för att överleva. När ljudet började komma in var det ingen som visste så mycket om det. Vi gick alla omkring i mörkret. Inte ens ljudmannen visste mycket om det. Frank upplevde det. Men han var ganska intelligent. Han var en av de få regissörer som visste vad fan de höll på med. De flesta av era regissörer gick runt i en dimma – – de visste inte var dörren fanns.
Under sitt första år på Columbia regisserade Capra nio filmer, varav några var framgångsrika. Efter de första filmerna sa Harry Cohn: ”Det var början på att Columbia gjorde filmer av bättre kvalitet.” Enligt Barson ”blev Capra Harry Cohns mest betrodda regissör”. Hans filmer gjorde snart Capra till en ”bankbar” regissör som var känd i hela branschen, och Cohn höjde Capras ursprungliga lön på 1 000 dollar per film till 25 000 dollar per år. Capra regisserade en film för MGM under denna period, men insåg snart att han ”hade mycket större frihet under Harry Cohns välvilliga diktatur”, där Cohn också satte Capras ”namn ovanför titeln” på sina filmer, vilket var första gången inom filmindustrin. Capra skrev om denna period och erinrade sig det förtroende som Cohn hade för Capras visioner och regissörskap:
Jag var skyldig Cohn mycket – jag var skyldig honom hela min karriär. Så jag hade respekt för honom, och en viss mängd kärlek. Trots hans råhet och allt annat gav han mig min chans. Han tog en chansning på mig.
Capra regisserade sin första ”riktiga” ljudfilm, The Younger Generation, 1929. Det var en romantisk komedi om en judisk familjs uppåtgående rörlighet i New York City, där deras son senare försöker förneka sina judiska rötter för att behålla sin rika, icke-judiska flickvän. Enligt Capras biograf Joseph McBride ”kände Capra uppenbarligen en stark identifikation med berättelsen om en judisk invandrare som växer upp i New Yorks ghetto … och som känner att han måste förneka sitt etniska ursprung för att nå framgång i Amerika”. Capra förnekade dock att berättelsen hade något samband med hans eget liv.
McBride insisterar ändå på att The Younger Generation är full av paralleller till Capras eget liv. McBride noterar den ”förödande smärtsamma kulminerande scenen”, där den unge sonen som klättrar uppåt i samhället, som blir generad när hans rika nya vänner först träffar hans föräldrar, förvandlar sin mor och far till hushållsbiträden. Den scenen, påpekar McBride, ”är ett eko av den skam Capra erkände att han kände för sin egen familj när han steg i social status”.
Under sina år på Columbia arbetade Capra ofta med manusförfattaren Robert Riskin (Fay Wrays make) och kameramannen Joseph Walker. I många av Capras filmer skrevs den kloka och skarpa dialogen ofta av Riskin, och han och Capra kom att bli Hollywoods ”mest beundrade författar- och regissörsteam”.
Läs också: biografier – Ansel Adams
Filmkarriär (1934-1941)
Capras filmer på 1930-talet fick enorma framgångar vid Oscarsgalan. It Happened One Night (1934) blev den första filmen som vann alla fem Oscars (bästa film, bästa regissör, bästa skådespelare, bästa skådespelerska och bästa anpassade manus). Filmen är skriven av Robert Riskin och är en av de första skruvkomedierna, och eftersom den släpptes under den stora depressionen ansåg kritikerna att den var en eskapistisk berättelse och en hyllning av den amerikanska drömmen. Filmen etablerade Capras, Columbia Pictures och stjärnorna Clark Gable och Claudette Colbert i filmindustrin. Filmen har kallats ”picaresque”. Den var en av de tidigaste roadmovies och inspirerade andra filmskapares variationer på samma tema.
Han följde upp filmen med Broadway Bill (1934), en skruvad komedi om hästkapplöpning. Filmen var dock en vändpunkt för Capra, eftersom han började tänka sig ytterligare en dimension till sina filmer. Han började använda sina filmer för att förmedla budskap till allmänheten. Capra förklarar sitt nya tänkande:
Mina filmer måste låta varje man, kvinna och barn veta att Gud älskar dem, att jag älskar dem och att fred och frälsning blir verklighet först när alla lär sig att älska varandra.
Detta nya mål inspirerades av ett möte med en vän som är kristen vetenskapsman och som sa åt honom att se på sina talanger på ett annat sätt:
De talanger du har, herr Capra, är inte dina egna, inte självförvärvade. Gud gav dig dessa talanger; de är hans gåvor till dig som du ska använda för hans syfte.
Capra började förkroppsliga budskap i efterföljande filmer, varav många förmedlade ”fantasier om god vilja”. Den första av dessa filmer var Mr Deeds Goes to Town (1936), för vilken Capra vann sin andra Oscar för bästa regi. Kritikern Alistair Cooke observerade att Capra ”började göra filmer om teman i stället för om människor”.
1938 vann Capra sin tredje regissörs-Oscar på fem år för You Can”t Take It With You, som också vann bästa film. Förutom sina tre regissörsvinster fick Capra regissörsnomineringar för tre andra filmer (Lady for a Day, Mr Smith Goes to Washington och It”s a Wonderful Life). Den 5 maj 1936 var Capra värd för den åttonde Oscarsceremonin.
Även om Det underbara livet är hans mest kända film, konstaterar Friedman att det var Mr Smith går till Washington (1939) som mest representerade ”Capra-myten”. Den filmen uttryckte Capras patriotism mer än någon annan och ”presenterade individen som arbetar inom det demokratiska systemet för att övervinna den utbredda politiska korruptionen”.
Filmen blev dock Capras mest kontroversiella. I sin research inför inspelningen kunde han stå nära president Franklin D. Roosevelt under en presskonferens efter Tysklands senaste krigshandlingar i Europa. Capra minns sina farhågor:
Panik slog mig. Japan höll på att stycka upp kolossen Kina bit för bit. Nazisternas pansarvagnar hade rullat in i Österrike och Tjeckoslovakien och deras dunder ekade över Europa. England och Frankrike darrade. Den ryska björnen morrade illavarslande i Kreml. Krigets svarta moln hängde över världens kanslier. Det officiella Washington, från presidenten och nedåt, höll på att fatta svåra, plågsamma beslut. ”Och här var jag, i färd med att göra en satir om regeringstjänstemän; … Var inte detta den mest olämpliga tiden för mig att göra en film om Washington?
När inspelningen var klar skickade studion förhandsgranskningar till Washington. Joseph P. Kennedy Sr., USA:s ambassadör i Storbritannien, skrev till Columbia-chefen Harry Cohn: ”Var snäll och spela inte upp den här filmen i Europa”. Politikerna var oroliga för den eventuella negativa effekt som filmen skulle kunna ha på moralen hos USA:s allierade, eftersom andra världskriget hade börjat. Kennedy skrev till president Roosevelt att ”I främmande länder måste denna film oundvikligen förstärka det felaktiga intrycket att Förenta staterna är fullt av korruption och laglöshet”. Många studiochefer höll med, och de ville inte heller att negativa känslor om Hollywood skulle ingjutas hos politiska ledare.
Men Capras vision av filmens betydelse var ändå tydlig:
Ju mer osäkra världens folk är, ju mer deras hårt förvärvade friheter sprids och förloras i slumpens vindar, desto mer behöver de ett rungande uttalande om USA:s demokratiska ideal. Vår films själ skulle vara förankrad i Lincoln. Vår Jefferson Smith skulle vara en ung Abe Lincoln, skräddarsydd för rälsbrytarens enkelhet, medkänsla, ideal, humor och orubbligt moraliskt mod under press.
Capra vädjade till Cohn om att filmen skulle få distribueras och minns hur intensivt deras beslutsfattande var:
Harry Cohn gick runt på golvet, lika förvånad som Abraham måste ha varit när Herren bad honom offra sin älskade son Isak.
Cohn och Capra valde att ignorera den negativa publiciteten och kraven och släppte filmen som planerat. Den nominerades senare till 11 Oscars, men vann bara en (för bästa originalberättelse), delvis på grund av att 10 stora filmer nominerades det året, däribland Trollkarlen från Oz och Borta med vinden. Hollywoodkolumnisten Louella Parsons kallade den för en ”stor patriotisk succé” och de flesta kritiker höll med och konstaterade att publiken lämnade biograferna med ”en entusiasm för demokratin” och ”i ett sken av patriotism”.
Betydelsen av filmens budskap fastställdes ytterligare i Frankrike, strax efter att andra världskriget började. När den franska allmänheten ombads välja vilken film de helst ville se, efter att ha fått veta av Vichy-regeringen att inga fler amerikanska filmer snart skulle tillåtas i Frankrike, valde den överväldigande majoriteten den framför alla andra. För ett Frankrike som snart skulle invaderas och ockuperas av naziststyrkorna var det filmen som bäst uttryckte ”demokratins uthållighet och det amerikanska sättet”.
1941 regisserade Capra filmen Meet John Doe (1941), som vissa anser vara Capras mest kontroversiella film. Filmens hjälte, spelad av Gary Cooper, är en före detta basebollspelare som nu slösar bort sina pengar och saknar mål. Han väljs av en nyhetsreporter för att representera ”den vanliga människan”, för att fånga vanliga amerikaners fantasi. Filmen släpptes strax innan USA blev inblandat i andra världskriget och medborgarna var fortfarande isolationistiska. Enligt vissa historiker gjordes filmen för att förmedla en ”avsiktlig bekräftelse av amerikanska värderingar”, även om de verkade osäkra med tanke på framtiden.
Filmförfattaren Richard Glazer spekulerar i att filmen kan ha varit självbiografisk och ”återspeglar Capras egen osäkerhet”. Glazer beskriver hur ”Johns oavsiktliga förvandling från lösdrivare till nationell person parallellt med Capras egen tidiga lösdrivning och senare involvering i filmskapande … Meet John Doe var alltså ett försök att bearbeta sina egna rädslor och frågor”.
Läs också: biografier – Louise Bourgeois (skulptör)
Att gå med i armén efter Pearl Harbor
Fyra dagar efter den japanska attacken mot Pearl Harbor den 7 december 1941 lämnade Capra sin framgångsrika karriär som regissör i Hollywood och blev major i den amerikanska armén. Han gav också upp sitt ordförandeskap i Screen Directors Guild. Eftersom han var 44 år gammal blev han inte ombedd att ta värvning, men, konstaterar Friedman, ”Capra hade en intensiv önskan att bevisa sin patriotism för sitt adoptivland”.
Capra nämner några personliga skäl till varför han tog värvning:
Jag hade dåligt samvete. I mina filmer försvarade jag de milda, de fattiga och de förtryckta. Ändå hade jag börjat leva som Aga Khan. Hollywoods förbannelse är de stora pengarna. De kommer så snabbt att de föder och påtvingar sina egna seder, inte rikedom, utan skryt och falsk status.
Läs också: biografier – Jacobus van ’t Hoff
Serien Varför vi slåss
Under de följande fyra åren av andra världskriget var Capras uppgift att leda en särskild avdelning för moral som skulle förklara för soldaterna ”varför fan de bär uniform”, skriver Capra, och var inte ”propagandafilmer” som de som skapades av nazisterna och Japan. Capra regisserade eller var medregissör för sju dokumentära krigsinformationsfilmer.
Capra fick arbeta direkt under stabschef George C. Marshall, den högsta befälhavaren i armén, som senare skapade Marshallplanen och tilldelades Nobels fredspris. Marshall valde att gå förbi den vanliga avdelningen för dokumentärfilmsproduktion, Signal Corps, eftersom han ansåg att de inte var kapabla att producera ”känsliga och objektiva truppinformationsfilmer”. En överste förklarade vikten av dessa framtida filmer för Capra:
Ni var svaret på generalens bön … Du förstår, Frank, den här idén om filmer för att förklara ”varför” pojkarna bär uniform är general Marshalls eget barn, och han vill ha barnkammaren precis bredvid sin stabschefs kontor.
Under sitt första möte med general Marshall fick Capra veta sitt uppdrag:
Capra, jag vill tillsammans med dig fastställa en plan för att göra en serie dokumenterade, faktabaserade informationsfilmer – de första i vår historia – som kommer att förklara för våra pojkar i armén varför vi kämpar och vilka principer vi kämpar för … Ni har en möjlighet att bidra enormt mycket till ert land och till frihetens sak. Är ni medveten om det, sir?
Capra regisserade till slut en serie om varför vi slåss i sju avsnitt: Förspel till kriget (1942), Dela och erövra (1943), Slaget om Storbritannien (1943), Slaget om Ryssland (1943), Slaget om Kina (1944) och Kriget kommer till Amerika (1945). Dessutom regisserade eller medregisserade Capra propagandafilmerna Tunisian Victory (1945), Know Your Enemy: Japan (1945), Here Is Germany (1945) och Two Down and One to Go (1945), som inte är märkta med varför vi slåss. Capra producerade också den kritikerrosade The Negro Soldier (1944), som regisserades av Stuart Heisler. Capra regisserade också, utan att vara krediterad, den 13 minuter långa filmen Your Job in Germany (1945), som var avsedd för amerikanska trupper på väg till det allierat ockuperade Tyskland.
När han hade färdigställt de första dokumentärerna ansåg regeringstjänstemän och personal från den amerikanska armén att de var kraftfulla budskap och utmärkta presentationer av varför det var nödvändigt för USA att delta i kriget. Allt material kom från militära och statliga källor, medan många journalfilmer under tidigare år i hemlighet använde material från fiendekällor. Animerade diagram skapades av Walt Disney och hans animatörer. Ett antal Hollywoodkompositörer skrev bakgrundsmusiken, bland annat Alfred Newman och den ryskfödde kompositören Dimitri Tiomkin. Efter att den första kompletta filmen hade setts av general Marshall tillsammans med personal från den amerikanska armén – och Franklin Roosevelt – tog Marshall kontakt med Capra: ”Överste Capra, hur gjorde du det? Det är en mycket underbar sak.”
FDR var översvallande: ”Jag vill att alla amerikaner ska se den här filmen. General, var snäll och vidta alla nödvändiga åtgärder”. Prelude To War distribuerades av 20th Century-Fox och blev nationellt hyllad. Fox släppte också Capras Why We Fight opus, The Battle Of Russia. Det nio rullar långa (nästan 90 minuter långa) eposet, som släpptes i två delar för att passa timslånga perioder under introduktionsutbildningen, beskrev Rysslands historia med hjälp av utdrag ur Sergei Eisensteins filmer, och fortsatte sedan med den senaste historien med hjälp av fångade nazistiska journalfilmer och sådana som motvilligt tillhandahölls av Stalin. När han fick se filmen i Moskva var Stalin översvallande och beställde tusen 35 mm-kopior. Han var så angelägen om att hans folk skulle få se filmen att han inte brydde sig om att skapa ett ryskt soundtrack. Capra skrattade förvånat flera år senare när han återberättade historien: ”Stalin hade tolkar vid sidan av scenen på alla teatrar. De översatte helt enkelt filmen i farten och skrek som fan för att höras över musiken och ljudeffekterna”. Serien visades på biografer i hela USA. De översattes också till franska, spanska, portugisiska och kinesiska för visning i andra länder, under Robert Riskins ledning. Winston Churchill beordrade att alla serier skulle visas på biografer för den brittiska allmänheten.
Efter att allianserna ändrades i slutet av andra världskriget förbjöds några av Why We Fight-filmerna. The Battle Of Russia, på grund av dess positiva inställning till Sovjetunionen, var i princip förbjuden fram till 1980-talet. Omvänt togs några av de andra filmerna, som talade negativt om tyskarna och japanerna, bort från tryckning, eftersom dessa länder nu var allierade. Know Your Enemy: Japan, som knappt fick någon premiär eftersom premiärdatumet inföll bara några dagar före den japanska kapitulationen, hölls också hemligstämplad efteråt: Capra noterade att USA ”plötsligt behövde vänskapliga förbindelser med japanerna och filmen, tillsammans med flera andra, låstes in”.
Serien Why We Fight anses allmänt vara ett mästerverk bland dokumentärer om krigsinformation. Prelude to War, den första filmen i serien, vann 1942 års Oscar för bästa dokumentärfilm. När hans karriär tog slut betraktade Capra dessa filmer som sina viktigaste verk. Han avskedades från tjänsten 1945 som överste och hade tilldelats Legion of Merit 1943, Distinguished Service Medal 1945, World War I Victory Medal (för sin tjänstgöring i första världskriget), American Defense Service Medal, American Campaign Medal och World War II Victory Medal.
Läs också: biografier – Thomas Edison
Det är ett underbart liv (1946)
Efter krigsslutet grundade Capra Liberty Films tillsammans med regissörerna William Wyler och George Stevens. Deras studio blev det första oberoende regissörsbolaget sedan United Artists 1919 vars mål var att göra filmer utan inblandning av studiobossar. De enda filmer som studion färdigställde var dock It”s a Wonderful Life (1946) och State of the Union (1948). Den förstnämnda filmen var en kassaförlust men nominerades till fem Oscars.
Även om filmen inte fick något gensvar hos publiken 1946 har dess popularitet ökat genom åren, delvis på grund av att den ofta visades under de år då den var allmänt känd som offentlig egendom. Genom juridisk manipulation lyckades Paramount, som är efterträdare till NTA
För State of the Union (1948) bytte Capra studio. Det skulle bli den enda gången han arbetade för Metro-Goldwyn-Mayer. Även om projektet hade en utmärkt stamtavla med stjärnorna Spencer Tracy och Katharine Hepburn blev filmen ingen succé, och Capras uttalande ”Jag tror att State of the Union var min mest perfekta film när det gäller att hantera människor och idéer” har få anhängare idag.
Läs också: historia-sv – Medeltida värmeperioden
Representanter för USA på internationell filmfestival
I januari 1952 bad USA:s ambassadör i Indien Capra att representera den amerikanska filmindustrin vid en internationell filmfestival som skulle hållas i Indien. En vän till Capra på utrikesdepartementet frågade honom och förklarade varför hans resa skulle vara viktig:
Bowles tror att festivalen är en kommunistisk bluff av något slag, men han vet inte vad … Bowles har frågat efter dig. ”Jag vill ha en frihjulig kille som tar hand om våra intressen på egen hand. Jag vill ha Capra. Hans namn är stort här, och jag har hört att han är snabb på fötterna i en grändmatch.
Efter två veckor i Indien upptäckte Capra att Bowles farhågor var befogade, eftersom många filmsessioner användes av ryska och kinesiska representanter för att hålla långa politiska tal. Vid en lunch med 15 indiska regissörer och producenter betonade han att ”de måste bevara sin frihet som konstnärer och att all statlig kontroll skulle hindra denna frihet”. Ett totalitärt system – och de skulle inte bli något annat än reklampelare för det styrande partiet”. Capra hade dock svårt att förmedla detta, vilket han noterade i sin dagbok:
De tror alla att någon superregering eller superkollektion av individer dikterar alla amerikanska bilder. Fri företagsamhet är ett mysterium för dem. Någon måste kontrollera, antingen synligt eller osynligt … Inte ens intellektuella har någon större förståelse för frihet och frihet … Demokrati är bara en teori för dem. De har ingen aning om att tjäna andra, att tjäna de fattiga. De fattiga är på sätt och vis föraktade.
När han återvände till Washington för att lämna sin rapport gav utrikesminister Dean Acheson Capra en eloge för att han ”praktiskt taget på egen hand förhindrade ett eventuellt kommunistiskt övertagande av indisk film”. Ambassadör Bowles uttryckte också sin tacksamhet till Capra för ”ett jäkla bra jobb”.
Läs också: historia-sv – Mesolitikum
Desillusioneringsperioden och senare år
Efter It”s a Wonderful Life och State of the Union, som gjordes strax efter krigsslutet, började Capras teman att gå i otakt med förändringarna inom filmindustrin och allmänhetens stämning. Friedman konstaterar att även om Capras idéer var populära hos publiken under depressionstiden och före kriget, blev de mindre relevanta för ett blomstrande efterkrigstidens Amerika. Capra hade blivit ”bortkopplad från en amerikansk kultur som hade förändrats” under det föregående decenniet. Biografen Joseph McBride hävdar att Capras desillusionering snarare hängde samman med den negativa effekt som House Un-American Activities Committee (HUAC) hade på filmindustrin i allmänhet. HUAC-förhören i början av 1950-talet avslutade många karriärer i Hollywood. Capra själv kallades inte till vittnesmål, trots att han var en prioriterad måltavla för kommittén på grund av sitt tidigare umgänge med många av Hollywoods svartlistade manusförfattare.
Capra skyllde sin tidiga pensionering från filmen på stjärnornas växande makt, som tvingade honom att ständigt kompromissa med sin konstnärliga vision. Han hävdade också att de ökande kraven på budget och schemaläggning hade begränsat hans kreativa förmåga. Filmhistorikern Michael Medved höll med Capra och konstaterade att han lämnade filmbranschen eftersom ”han vägrade att anpassa sig till den nya ordningens cynism”. I sin självbiografi, som skrevs 1971, uttryckte Capra sina känslor för den föränderliga filmindustrin:
Förändringens vindar blåste genom fantasifabrikerna och slet i dess krinolinfragment … Hedonisterna, de homosexuella, de blödande blödande hjärtan, gudshatarna, de snabba artisterna som bytte ut chock mot talang, alla grät: ”Skaka dem! Rattle ”em! Gud är död. Länge leve njutningen! Nakenhet? Ja! Frubyte? Ja! Befria världen från prydlighet. Befria våra filmer från moralen!” … Döda för spänning och chock! Chock! Åt helvete med det goda i människan, gräv upp hennes ondska – chock! Chock!
Capra tillade att han ansåg att ”praktiskt taget all Hollywood-filmproduktion i dag är en billig, snaskig pornografi i en vansinnig förvanskning av en stor konst för att konkurrera om de avvikande och onanisternas ”beskydd””.
Capra förblev anställningsbar i Hollywood under och efter HUAC-förhören, men valde ändå att visa sin lojalitet genom att försöka ta värvning i armén när Koreakriget bröt ut 1950. Han fick avslag på grund av sin ålder. Han inbjöds senare att delta i försvarsdepartementets nybildade tankesmedjeprojekt VISTA, men nekades den nödvändiga behörigheten. Enligt Friedman ”var dessa två avslag förödande för den man som hade gjort karriär genom att visa upp amerikanska ideal i film”, samtidigt som han regisserade prisbelönta dokumentärfilmer för armén.
Läs också: biografier – Sonja Henie
Senare filmer (1950-1961)
Capra regisserade två filmer för Paramount Pictures med Bing Crosby i huvudrollen, Riding High (1950) och Here Comes the Groom (1950) och började arbeta med California Institute of Technology, hans alma mater, för att producera utbildningsfilmer om vetenskapliga ämnen.
Mellan 1952 och 1956 producerade Capra fyra vetenskapsrelaterade tv-program i färg för Bell System Science Series: Our Mr. Sun (1956), Hemo the Magnificent (1957), The Strange Case of the Cosmic Rays (1957) och Meteora: The Unchained Goddess (1958). Dessa pedagogiska vetenskapliga dokumentärer var populära favoriter i skolornas naturvetenskapliga klassrum i cirka 30 år. Det dröjde åtta år innan han regisserade ännu en biograffilm, A Hole in the Head (1959) med Frank Sinatra och Edward G. Robinson, hans första långfilm i färg. Hans sista teaterfilm var med Glenn Ford och Bette Davis och hette Pocketful of Miracles (1961), en nyinspelning av hans film Lady for a Day från 1933. I mitten av 1960-talet arbetade han med förproduktionen till en adaption av Martin Caidins roman Marooned, men han kände att han inte kunde göra filmen med den budget på 3 miljoner dollar som han fick och övergav projektet. (En filmatisering gjordes slutligen 1969, regisserad av John Sturges med en budget på 8 miljoner dollar).
Capras sista film, Rendezvous i rymden (1964), var en industrifilm som gjordes för Martin Marietta Company och visades på världsutställningen i New York 1964. Den visades i New York Hall of Science efter att mässan avslutats.
Capras regissörstil byggde i stor utsträckning på improvisation. Han var känd för att gå in på inspelningsplatsen utan att ha skrivit mer än de viktigaste scenerna. Han förklarade sitt resonemang:
Du behöver veta vad scenen handlar om, vem som gör vad mot vem och vem som bryr sig om vem … Allt jag vill ha är en mästerlig scen och jag tar hand om resten – hur man filmar den, hur man håller maskinerna ur vägen och hur man fokuserar uppmärksamheten på skådespelarna hela tiden.
Enligt vissa experter använde Capra sig av ett stort, diskret hantverk när han regisserade, och ansåg att det var dålig regi att distrahera publiken med avancerade tekniska knep. Filmhistorikern och författaren William S. Pechter beskrev Capras stil som ”av nästan klassisk renhet”. Han tillägger att hans stil byggde på redigering för att hjälpa hans filmer att upprätthålla en ”sekvens av rytmisk rörelse”. Pechter beskriver dess effekt:
Capras film har den effekten att bilder som ständigt är i rörelse får ordning, att kaoset får ordning. Slutresultatet av allt detta är verkligen en sorts skönhet, en skönhet av kontrollerad rörelse, mer lik dans än målning … Hans filmer rör sig i ett hisnande tempo: dynamiska, drivande, spända, i sina yttersta fall till och med hysteriska; den obevekliga, frenetiska accelerationen av tempot verkar vara sprungen ur en enorm ackumulering av tryck.
Filmkritikern John Raeburn diskuterar en tidig Capra-film, American Madness (1932), som ett exempel på hur han behärskade filmmediet och uttryckte en unik stil:
Filmens tempo är till exempel perfekt synkroniserat med handlingen … när paniken ökar i intensitet minskar Capra längden på varje tagning och använder sig mer och mer av tvärsnitt och hoppbilder för att understryka det ”galna” i det som händer … Capra bidrog till dialogens naturalistiska kvalitet genom att låta talarna överlappa varandra, vilket de ofta gör i det vanliga livet; detta var en innovation som bidrog till att föra talfilmen bort från exemplet med den legitima scenen.
När det gäller Capras ämnen försöker filmförfattaren Richard Griffith sammanfatta Capras gemensamma tema:
messiansk oskyldig … ställer sig själv mot den förankrade girighetens krafter. Hans oerfarenhet gör att han förlorar strategiskt, men hans galanta integritet inför frestelsen väcker ”de små människornas” välvilja, och genom deras gemensamma protester segrar han.
Capras personlighet när han regisserade gav honom ett rykte om att han var ”våldsamt oberoende” när han hade att göra med studiobossar. På inspelningsplatsen sades han vara mild och omtänksam, ”en regissör som inte visar någon som helst exhibitionism”. Eftersom Capras filmer ofta har ett budskap om grundläggande godhet i den mänskliga naturen och visar värdet av osjälviskhet och hårt arbete, har hans hälsosamma, välmående teman fått vissa cyniker att kalla hans stil för ”Capra-corn”. De som har större respekt för hans vision föredrar dock termen ”Capraesque”.
Capras grundläggande teman om att försvara den vanliga människan, liksom hans användning av spontan, snabb dialog och fåniga, minnesvärda huvud- och bifigurer, gjorde honom till en av 1900-talets mest populära och respekterade filmskapare. Hans inflytande kan spåras i många regissörers verk, däribland Robert Altman, Akira Kurosawa, John Milius, Steven Spielberg och François Truffaut.
Capra gifte sig med skådespelerskan Helen Howell 1923. De skilde sig 1928. Han gifte sig 1932 med Lucille Warner, med vilken han fick en dotter och tre söner, varav en, Johnny, dog vid tre års ålder efter en tonsilloperation.
Capra var fyra gånger ordförande för Academy of Motion Picture Arts and Sciences och tre gånger ordförande för Directors Guild of America, som han var med och grundade. Under sitt ordförandeskap arbetade han för att ge regissörerna mer konstnärlig kontroll över sina filmer. Under sin karriär som regissör behöll han en tidig ambition att undervisa i naturvetenskap, och efter att hans karriär avtog på 1950-talet gjorde han pedagogiska tv-filmer med anknytning till naturvetenskapliga ämnen.
Fysiskt var Capra kort, kraftig och kraftig och gillade utomhusaktiviteter som jakt, fiske och bergsklättring. Under sina senare år ägnade han tid åt att skriva noveller och sånger samt att spela gitarr. Han samlade på fina och sällsynta böcker under 1930- och 1940-talen. Sexhundrafyrtio föremål från hans ”utmärkta bibliotek” såldes av Parke-Bernet Galleries på en auktion i New York i april 1949 och inbringade 68 000 dollar (774 400 dollar i dag).
Hans son Frank Capra Jr. var ordförande för EUE Screen Gems Studios i Wilmington, North Carolina, fram till sin död den 19 december 2007. Hans sonsöner, bröderna Frank Capra III och Jonathan Capra, har båda arbetat som regiassistenter; Frank III arbetade med filmen The American President från 1995, som hänvisade till Frank Capra i filmens dialog.
Läs också: biografier – Algernon Swinburne
Politiska åsikter
Capras politiska åsikter kom till uttryck i hans filmer, som främjade och hyllade den amerikanska individualismens anda. Capra var en konservativ republikan, men han var emot Franklin D. Roosevelt under hans tid som guvernör i New York och motsatte sig hans presidentskap under depressionsåren. Capra var emot statliga ingripanden under den nationella ekonomiska krisen.
Under sina senare år blev Capra en självskriven pacifist och var mycket kritisk till Vietnamkriget.
Läs också: biografier – Arnold Palmer
Religiösa åsikter
Capra skrev i sin tidiga vuxen ålder att han var en ”julkatolik”.
Under sina senare år återvände Capra till den katolska kyrkan och beskrev sig själv som ”en katolik i själen; en som är fast övertygad om att de anti-moraliska, de intellektuella bigotterna och maffian med dålig vilja kan förstöra religionen, men de kommer aldrig att erövra korset”.
1985, vid 88 års ålder, drabbades Capra av den första av en rad slaganfall. Den 3 september 1991 dog han av en hjärtattack i sömnen i sitt hem i La Quinta, Kalifornien, 94 år gammal. Han begravdes på Coachella Valley Public Cemetery i Coachella, Kalifornien.
Han testamenterade en del av sin 445 hektar stora ranch i Fallbrook i Kalifornien till California Institute of Technology för att användas som ett retreatcenter. Capras personliga papper och en del filmrelaterat material finns i Wesleyan University Cinema Archives, som ger forskare och medieexperter full tillgång.
Under Hollywoods guldålder gjorde Capras ”fantasier av god vilja” honom till en av de två eller tre mest kända och framgångsrika regissörerna i världen. Filmhistorikern Ian Freer konstaterar att hans arv förblev intakt när han dog 1991:
Han hade skapat feelgood-underhållning innan uttrycket uppfanns, och hans inflytande på kulturen – från Steven Spielberg till David Lynch och från tv-såpor till känslor på gratulationskort – är helt enkelt för stort för att kunna beräknas.
Direktör
Liksom sin samtida regissör John Ford definierade och förhöjde Capra troperna för ett mytiskt Amerika där det individuella modet alltid segrar över den kollektiva ondskan. Filmhistorikern Richard Griffith talar om Capras ”… förlitande på sentimentala samtal och den ultimata välviljan hos det vanliga Amerika för att lösa alla djupa konflikter”. ”Det vanliga Amerika” visualiseras som ”… en trädkantad gata, oansenliga ramhus omgivna av blygsamma gräsytor, ett fåtal bilar. För vissa syften antogs det att alla riktiga amerikaner bor i städer som denna, och så stor är mytens makt att även den födde stadsbon troligen vagt tror att även han bor på denna skuggiga gata, eller kommer från den, eller kommer att göra det.”
Leonard Quart, professor vid NYU, skriver:
Det skulle inte finnas några bestående konflikter – harmonin, hur konstruerad och skenbar den än är, skulle till slut triumfera i sista bildrutan … I sann Hollywoodstil skulle ingen Capra-film någonsin antyda att social förändring är en komplex och smärtsam handling. För Capra skulle det finnas smärta och förlust, men ingen bestående känsla av tragedi skulle tillåtas tränga in i hans sagovärld.
Även om Capras status som regissör hade sjunkit under 1950-talet, upplevde hans filmer ett uppsving under 1960-talet:
Tio år senare stod det klart att trenden hade vänt. Postauteuristiska kritiker hyllade återigen Capra som en filmisk mästare, och kanske ännu mer överraskande var att unga människor fyllde Capra-festivaler och återupplivningar över hela USA.
Den franske filmhistorikern John Raeburn, redaktör för Cahiers du cinéma, påpekade att Capras filmer var okända i Frankrike, men att hans filmer också där upptäcktes på nytt av allmänheten. Han tror att anledningen till hans förnyade popularitet hade att göra med hans teman, som han gjorde trovärdiga ”en idealisk uppfattning om en amerikansk national karaktär”:
Det finns en stark libertariansk dragning i Capras filmer, en misstro mot makten, oavsett var den uppstår och vem som har den. Ungdomar vinns över av att hans hjältar är ointresserade av rikedomar och kännetecknas av en kraftfull … individualism, en lust att uppleva och en stark känsla för politisk och social rättvisa. … Capras hjältar är kort sagt idealtyper som skapats till bilden av en stark nationell myt.
1982 hedrade American Film Institute Capra genom att ge honom AFI Life Achievement Award. Evenemanget användes för att skapa tv-filmen The American Film Institute Salute to Frank Capra, med James Stewart som värd. År 1986 fick Capra den nationella konstmedaljen. Under sitt tacktal för AFI-priset betonade Capra sina viktigaste värderingar:
Frank Capras konst är mycket, mycket enkel: Det är kärleken till människor. Lägg till två enkla ideal till denna kärlek till människor: varje individs frihet och varje individs lika stora betydelse, och du har den princip som jag baserade alla mina filmer på.
Capra berättade mer om sina visioner i sin självbiografi The Name Above the Title från 1971:
Glömda bland de som skrek och ropade var de hårt arbetande arbetarna som kom hem och var för trötta för att skrika eller demonstrera på gatorna … och bad att de skulle ha tillräckligt mycket över för att hålla sina barn på college, trots att de visste att vissa var haschrökande, parasiterande föräldrahatare.Vem skulle göra filmer om och för dessa klaglösa, obevekliga hjul som smörjde de gnisslande? Inte jag. Mitt ”en man, en film”-Hollywood hade upphört att existera. Skådespelarna hade skurit upp det till kapitalvinster. Ändå behövde mänskligheten dramatiseringar av sanningen att människan i grunden är god, en levande atom av gudomlighet; att medkänsla för andra, vänner eller fiender, är den ädlaste av alla dygder. Filmer måste göras för att säga dessa saker, för att motverka våldet och elakheten, för att vinna tid för att avmobilisera hatet.
Serien Why We Fight gav Capra förtjänstlegionen 1943 och Distinguished Service Medal 1945.
1957 tilldelades Capra George Eastman Award, som delas ut av George Eastman House för framstående bidrag till filmkonsten.
Los Angeles borgmästare Sam Yorty förklarade den 12 maj 1962 genom en omröstning i stadsfullmäktige som ”Frank Capra-dagen”. George Sidney, ordförande för Directors Guild, förklarade att ”detta är första gången i Hollywoods historia som staden Los Angeles officiellt erkänner en kreativ talang”. Vid evenemangets ceremoni meddelade regissören John Ford att Capra också hade fått en hedersorder av det brittiska imperiet (OBE) på rekommendation av Winston Churchill. Ford föreslog offentligt till Capra:
Gör sådana mänskliga komedier och dramer som bara ni kan göra – den typ av filmer som Amerika är stolt över att visa här, bakom järnridån, bamburidån och bakom spetsridån.
År 1966 fick Capra utmärkelsen Distinguished Alumni Award från sin alma mater Caltech. (se avsnittet ”Tidigt liv”, ovan)
1972 fick Capra Golden Plate Award av American Academy of Achievement.
1974 tilldelades Capra Inkpot-priset.
1975 tilldelades Capra Golden Anchor Award av U.S. Naval Reserve”s Combat Camera Group för sitt bidrag till andra världskrigets marinfotografering och produktionen av serien ”Why We Fight”. Prisceremonin innefattade en videohälsning av president Ford. Många av Capras favoritskådespelare deltog, bland annat Jimmy Stewart, Donna Reed, Pat O”Brien, Jean Arthur och andra.
En årlig ”It”s a Wonderful Life”-fest som Capra deltog i 1981, under vilken han sa: ”Detta är en av de stoltaste stunderna i mitt liv”, berättades i The New Yorker.
Han nominerades sex gånger för bästa regissör och sju gånger för bästa produktion.
Academy Film Archive har bevarat två av Capras filmer, The Matinee Idol (1928) och Two Down and One to Go (1945).
Läs också: historia-sv – Elisabetansk tid
Bibliografi
Källor
