Jasper Johns
gigatos | april 10, 2022
Sammanfattning
Jasper Johns (Augusta, 15 maj 1930) är en amerikansk målare och skulptör som tillsammans med konstnären Robert Rauschenberg anses vara en av de främsta företrädarna för New Dada.
Läs också: civilisationer – Österrike-Ungern
Tidiga år
Johns föddes 1930 i Augusta, Georgia, men växte upp i Allendale, South Carolina, med sina morföräldrar och farbröder efter föräldrarnas skilsmässa. Om denna period av sitt liv skulle han senare säga: ”Där jag växte upp fanns det inga konstnärer och ingen konst, så jag visste inte riktigt vad det betydde. Jag trodde att det betydde att jag skulle vara i en annan situation än den jag var. I en intervju i början av 1960-talet berättar han att han började rita redan som treåring och aldrig slutade, och att han vid fem års ålder bestämde sig för att bli konstnär. Han studerade i Columbia (South Carolina) fram till det fjärde året i grundskolan och flyttade sedan mellan staterna med sin mor, styvfar och styvbröder och avslutade sin högre utbildning i Sumter (South Carolina). Mellan 1947 och 1948 studerade han vid University of South Carolina i sammanlagt tre terminer och flyttade sedan på inbjudan av sina egna konstlärare till New York där han studerade vid Parsons School of Design under en termin 1949. Därefter arbetade han som kurir och försäljare.
Läs också: biografier – Charles Maturin
1950s
I början av 1950-talet tjänstgjorde Johns i armén och skickades också till Sendai i Japan för att delta i Koreakriget. 1953 återvände han till New York. Han återvände till New York 1953. Med ett stipendium för veteraner skrev han in sig på Hunter College, men efter en olycka första dagen hoppade han av. Mellan 1953 och 1954 arbetade han på Marboro Books. Tack vare författaren Suzi Gablick träffade han konstnären Robert Rauschenberg, med vilken han utvecklade en långvarig vänskap och konstnärligt inflytande. 1954 träffade Johns även kompositörerna Morton Feldman och John Cage (med vilka han återvände till Japan några år senare) och dansaren och koreografen Merce Cunningham.
Mot mitten av decenniet beslutade konstnären att förstöra alla sina tidigare verk (han köpte till och med tillbaka de verk han sålt för att bli av med dem) och endast fyra av dem lyckades överleva: denna åtgärd motsvarade början på en ny period för konstnären, på en radikal förändring och en pånyttfödelse. Han utvecklade på så sätt en originell och personlig konstnärlig stil, i motsats till den s.k. abstrakta expressionismens gestikulära och energiska stil, som skulle bidra till att rörelser som Pop Art, minimalism och konceptuell konst föddes. Han producerade således det första Target with Four Faces, den första serien av Numbers 1, 2, 5 och 7 och den första White Flag, som under åren följdes av många andra versioner som dekomponeras, inverteras, multipliceras eller avmattas i form av målningar, grafik och teckningar. Han använder ikoner och ämnen som är tydliga och opersonliga för att koncentrera sig på tekniken för att göra och handarbeta verket.
År 1955 grundade han och Rauschenberg företaget Matson Jones – Custom Display där de arbetade som skyltfönsterdesigners, till exempel för Tiffany&Co och Bonwit Teller året därpå. White Flag ställdes ut som en del av en av dessa utställningar.
I maj 1957 deltog Johns i en grupputställning på Leo Castelli Gallery och 1958 ställde han ut sina verk på nytt i en separatutställning på samma galleri. Alfred Barr, den förste direktören för MoMA – Museum of Modern Art i New York, var imponerad av Target with Plaster Casts (1955), även om den blev föremål för debatt och kritik innan den ställdes ut eftersom den ansågs vara för provocerande för att visas på ett museum. New York-museet köpte tre av konstnärens verk. Target with Four Faces dök upp på omslaget till den välkända tidskriften Artnews. År 1958 ställdes Johns verk ut för första gången i Europa i samband med den 29:e Venedigbiennalen. Konstnären började göra avtryck på den amerikanska och europeiska konstscenen; 1959 ställde han ut i Paris och Milano. 1958 skapade han också sina första metallskulpturer, Flashlight I och Lightclub I.
Efter framgången med sin separatutställning på Castelli”s 1958 beslöt Johns att slå in på en ny väg, vilket började med False Start (1959), där konstnären bytte från enkaustik till oljemålning till förmån för ett mer ostadigt penseldrag i flera lager. Barr blev förbryllad av detta nya verk eftersom färgfördelningen var mycket lik abstrakt expressionistisk konst, som Johns alltid hade varit fientligt inställd till.
Läs också: historia-sv – Abstrakt expressionism
Sextiotalet
I början av 1960-talet började konstnären intressera sig för motivet med kartan över USA (som senare också har använts i olika versioner, t.ex. flaggan) och för mänskliga kroppsavtryck, och han började också arbeta med brons som skulptur. 1961 reste han för första gången till Europa när hans verk ställdes ut på Galerie Rive Droite i Paris och senare deltog han i utställningen Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York som hölls på samma galleri. Till skillnad från den tidigare perioden blev hans konst mer självbiografisk, mer komplex och mer förvirrande. I många målningar använde han färgen grått i stor utsträckning (även som en hyllning till konstnären René Magritte), till exempel i Canvas (1956) och Gray Alphabets (1956) där en melankolisk uttrycksnivå dominerar.
I verken under detta årtionde inkluderade han oftare linjer, färgskalor eller termometrar som förmedlade idén om mätning, vilket kan ses i Periscope (1963). Under dessa år samarbetade han med författaren och konstkuratorn Frank O”Hara, med vilken han organiserade en samling bilder och dikter och citerade en av hans dikter i In Memory of My Feelings – Frank O”Hara (1961). 1963 deltog han i utställningen Pop Art USA på Oakland Art Museum i Kalifornien och blev en av grundarna av Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. 1964 skapade han sitt största verk hittills, som enligt Kirk Varnedoe är ett kompendium av alla hans konstverk.
Samma år höll han en retrospektiv utställning med över 170 av sina verk på Jewish Museum i New York, som sedan upprepades i England och Kalifornien, och han deltog i den XXXII Venedigbiennalen och Documenta III i Kassel. Slutligen, 1964, på Flaggdagen, beslöt konsthandlaren Leo Castelli att ge president John Kennedy en bronsversion av Flagga (1960), ett val som Johns tyckte var hemskt eftersom han såg det som en instrumentalisering av hans konst. År 1969 publicerade konstnären Thoughts on Duchamp i Art in America och fick senare en hedersdoktorsexamen i klassiska ämnen från University of South Carolina. I slutet av decenniet publicerade konsthistorikern Max Kozloff en monografi om honom med titeln Jasper Johns.
Läs också: biografier – Claudius
1970s
Mellan 1974 och 1982 blev de s.k. korsskrapningarna det huvudsakliga mönstret i hans målningar. Den dyker upp för första gången i Untitled (1972), men representeras bäst av Scent (1973-1974), där konstnärens växande intresse för grafiska tekniker manifesteras, vilket i detta verk kombineras med teman som sexualitet och död. Samma teman återfinns i hans nästa verk, Between the Clock and the Bed (1981), som inspirerades av Edvard Munchs målning med samma namn. 1973 träffade han dramatikern Samuel Beckett i Paris för att diskutera ett eventuellt samarbete kring produktionen av konstboken Foirades.
Under andra halvan av decenniet hade han en stor retrospektiv utställning på Whitney Museum i New York, som sedan följdes upp i Köln, Paris, London, Tokyo och San Francisco. Därefter köpte New York-museet Three Flags för en miljon dollar, vilket var det högsta belopp som hittills betalats för en levande amerikansk konstnär, och under 1980-talet nådde Johns verk ständigt mycket höga priser. År 1978 blev han hedersakademiker vid Accademia delle arti del disegno i Florens (och senare emeritusakademiker 1987 och 1993). Mellan 1979 och 1981 återgick han till att använda föremål som knivar, gafflar och skedar i sina verk och började också intressera sig för nya former av objektiv representation, t.ex. tantriska motiv.
Läs också: biografier – Thomas Carlyle
1980s
Från och med 1980-talet började hans verk präglas av ett starkt psykologiskt och privat förhållningssätt, vilket till exempel syns i In the Studio (1982), Perilous Night (1982) och Racing Thoughts (1983), där konstnären hänvisar till en psykisk störning som drabbade honom under denna period. Hans målarstil förändrades också genom införandet av dubbla bilder, citat från andra konstnärer och trompe l”œil-effekter. Mellan 1980 och 1982 blev han medlem av Académie Royale des Beaux-Arts i Stockholm och American Academy of Arts and Sciences i Boston. Mellan 1985 och 1986 målade han Fyra årstider, som traditionellt anses vara livets åldrar, som han först ställde ut på Leo Castellis galleri på West Broadway och som senare vann det stora priset på Venedigbiennalen 1988. År 1989 utsågs han till den 38:e medlemmen i South Carolina Hall of Fame, en utmärkelse som är reserverad för landets mest berömda personer, och han blev invald i American Academy of Arts and Letters. Han är också föremål för dokumentärfilmen Jasper Johns: Ideas in Paint av Rick Tejada-Flores (1989).
Läs också: biografier – Diego Rivera
Senaste åren
Under 1990-talet fick han flera utmärkelser, bland annat National Medal of Arts, som överlämnades till honom i Vita huset av USA:s president George Bush 1990. Han har haft flera utställningar: en retrospektiv utställning på MoMA i New York med efterföljande besök i Köln och Tokyo (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper på San Francisco Museum of Modern Art följt av utställningar på Yale University Art Gallery och Museum of Art i Dallas (1999), en utställning på Walker Art Center som fortsatte på andra centra i USA, Spanien, Skottland och Irland (2003), och slutligen Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio på Galleria di Castelli (2004).
I slutet av århundradet inleddes en ny fas i hans måleri, som tenderar att ”tömma” bildytan, vilket till exempel syns i hans serie Catenary (1999), där titeln catenary anger den kurva som skapas av tyngdkraften hos en tråd som är fäst i ändarna, så att i de olika verken korsar trådarna, verkliga eller målade, ytan och är det enda motivet på duken. På senare år har Johns dragit sig tillbaka till Sharon (Connecticut) och ön Saint Martin i Franska Västindien, där han äger en studio som arkitekten Philip Johnson byggt åt honom.
Det finns flera olika sätt att sätta in konstnären i en ram. För det första anses Johns vara en av de främsta företrädarna för New Dada, en amerikansk konströrelse som bygger på dadakonsten från början av seklet och som i likhet med denna tar in så kallade duchampiska ready-mades (dvs. föremål som tagits från verkligheten) i konstverket. Denna strömning ligger också mycket nära den samtida franska Nouveau Réalisme, där man använder föremål från det mest banala vardagslivet. Att inkludera det färdiga i verket är därför också en lösning på problemet med att representera det verkliga och vanliga. Konstnären säger själv att hans verk innehåller objekt som man kan se men inte riktigt kan se.
Användningen av dåligt manipulerade föremål som helt enkelt sätts in i verket är också kopplad till det faktum att Johns förkastar den abstrakta expressionismens konst och därför vill minska den gestuella komponenten i sitt ingripande till ett minimum, för att gynna de formella och konstitutiva aspekterna av själva bilden. Denna fientliga inställning manifesteras redan i verket Target with Plaster Casts där förekomsten av avgjutningar av delar av den mänskliga kroppen kan anspela på den förmodade motsättningen mellan ”abstrakt” och ”figurativ” konst. Painting with Two Balls är också ett angrepp på myten om det amerikanska måleriet som är kopplad till generationen av konstnärer som Jackson Pollock och Willem de Kooning: de två målade bollarna anspelar i själva verket på en ironisk beskrivning av honom själv, mot den typiska virilitet som andra amerikanska konstnärer visar upp på ett teatraliskt sätt.
Slutligen anses han vara den konstnär som inledde Pop Art, utan att vara medveten om det.
Ett annat kännetecken för hans konst är att den håller frågan om skillnaden eller sambandet mellan verklighet och representation, verklig bild och målad bild öppen; många av hans verk, med början i Flaggor, kännetecknas nämligen av en lösryckt och tautologisk presentation av ett gemensamt objekt vars gränser sammanfaller med dukens gränser. Det som är viktigt för konstnären är den intensitet med vilken det som redan är känt om föremålet påverkar vad vi ser i det; han behöver ingen modell för att måla en flagga eller en måltavla, eftersom det räcker med den idé han har om föremålet i sitt huvud. Hans verk med flaggor, bokstäver och måltavlor i synnerhet spelar på ambivalensen mellan själva objektet och dess representation. När han talar om sina flaggor ställer han ofta den retoriska frågan: ”Är det en flagga eller en målning?”.
Läs också: biografier – Mahmud av Ghazni
Encaustic
Encaustic är en teknik som konstnären ofta använder i sina verk. Det går tillbaka till det gamla Egypten och består av en blandning av pigment och smält vax i en så kallad enkausticering, till vilken Johns vanligtvis lägger tygstycken eller tidningsurklipp. Slutresultatet gränsar till det figurativa, men har ändå synliga spår av konstnärens manipulation, vävningen av tygerna eller de texter som skrivs ut på pappret, vilket gör att verket kan öppna sig för flera tolkningsnivåer mellan presentation och representation av en bild. Verken har en förförisk och fascinerande yta, men de är också nya, originella och aktuella i den amerikanska konsten under de år då Johns använde dem.
Det så kallade puniska vaxet som används för enkaustisk målning framställs traditionellt genom att koka hett vax i havsvatten, till vilket man sedan tillsätter vatten, släckt kalk och lim. Blandningen, som är löst i vatten och fortfarande varm, hälls över färgen och blandas omedelbart, sprids ut över verket, får torka och värms slutligen upp igen för att låta pigmenten återkomma på ytan. Denna teknik gör det möjligt att tillsätta alla typer av pigment och kräver inte en mycket snabb omloppstid; den är också mycket hållbar eftersom vaxet inte utsätts för oxidation.
Läs också: biografier – Johannes Argyropoulos
Verk
Källor
