Louise Bourgeois (skulptör)
gigatos | januari 27, 2022
Sammanfattning
Louise Joséphine Bourgeois (25 december 1911 – 31 maj 2010) var en fransk-amerikansk konstnär. Även om hon är mest känd för sina storskaliga skulpturer och installationer, var Bourgeois också en produktiv målare och grafiker. Hon utforskade en mängd olika teman under sin långa karriär, bland annat hemtrevnad och familj, sexualitet och kropp samt död och det omedvetna. Dessa teman har kopplingar till händelser från hennes barndom som hon betraktade som en terapeutisk process. Även om Bourgeois ställde ut tillsammans med de abstrakta expressionisterna och hennes verk har mycket gemensamt med surrealismen och den feministiska konsten, var hon inte formellt knuten till någon särskild konstnärlig rörelse.
Läs också: biografier – Karl I av England
Tidigt liv
Bourgeois föddes den 25 december 1911 i Paris, Frankrike. Hon var det mittersta av tre barn till föräldrarna Joséphine Fauriaux och Louis Bourgeois. Hennes föräldrar ägde ett galleri som främst handlade med antika gobelänger. Några år efter hennes födelse flyttade familjen från Paris och inrättade en verkstad för restaurering av gobelänger under deras lägenhet i Choisy-le-Roi, där Bourgeois fyllde i mönster där de hade blivit slitna. Den nedre delen av gobelängerna var alltid skadad, vilket oftast berodde på karaktärernas fötter och djurens tassar.
År 1930 började Bourgeois på Sorbonne för att studera matematik och geometri, ämnen som hon uppskattade för sin stabilitet: ”Jag fick sinnesfrid bara genom att studera regler som ingen kunde ändra”.
Hennes mor dog 1932, medan Bourgeois studerade matematik. Hennes mors död inspirerade henne att överge matematiken och börja studera konst. Hon fortsatte att studera konst genom att delta i klasser där översättare behövdes för engelsktalande studenter, särskilt eftersom översättare inte behövde betala någon avgift. I en sådan klass såg Fernand Léger hennes verk och sa till henne att hon var skulptör och inte målare. Bourgeois tog ett jobb som docent och ledde visningar på Musée du Louvre.
Bourgeois tog examen från Sorbonne 1935. Hon började studera konst i Paris, först vid École des Beaux-Arts och École du Louvre, och efter 1932 vid de oberoende akademierna i Montparnasse och Montmartre som Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière och med André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin och Cassandre. Bourgeois hade en önskan om att få förstahandserfarenhet och besökte ofta ateljéer i Paris, lärde sig tekniker av konstnärerna och hjälpte till vid utställningar.
År 1938 öppnade hon sitt eget galleri i en lokal bredvid sin fars tapetgalleri där hon visade verk av konstnärer som Eugène Delacroix, Henri Matisse och Suzanne Valadon och där hon träffade den amerikanska konstprofessorn Robert Goldwater som gäst. De gifte sig och flyttade till USA (där han undervisade vid New York University). De fick tre söner, varav en var adopterad. Äktenskapet varade till Goldwaters död 1973.
Bourgeois bosatte sig i New York med sin man 1938. Hon fortsatte sin utbildning vid Art Students League of New York och studerade måleri för Vaclav Vytlacil, och hon producerade även skulpturer och grafik. ”Den första målningen hade ett rutnät: rutnätet är en mycket fridfull sak eftersom ingenting kan gå fel … allt är komplett. Det finns inget utrymme för oro … allt har en plats, allt är välkommet.”
Bourgeois införlivade dessa självbiografiska referenser i sin skulptur Quarantania I, som visas i Cullen Sculpture Garden på Museum of Fine Arts i Houston.
Läs också: biografier – Frans II (tysk-romersk kejsare)
Medelår
För Bourgeois representerade det tidiga 1940-talet svårigheterna med övergången till ett nytt land och kampen för att ta sig in i utställningsvärlden i New York. Hennes verk under denna tid byggdes upp av skräp och drivved som hon använde för att snida uppstående träskulpturer. Träets orenheter kamouflerades sedan med färg, varefter spikar användes för att hitta på hål och repor i en strävan att skildra någon känsla. Den sovande figuren är ett sådant exempel som skildrar en krigsfigur som inte kan möta den verkliga världen på grund av sin sårbarhet. Under hela sitt liv skapades Bourgeois verk genom att återvända till sitt eget oroliga förflutna då hon fann inspiration och tillfällig katarsis från sina barndomsår och de övergrepp hon utsattes för av sin far. Långsamt utvecklade hon ett större konstnärligt självförtroende, även om hennes mellanår är mer ogenomskinliga, vilket kan bero på att hon fick mycket lite uppmärksamhet från konstvärlden trots att hon hade sin första separatutställning 1945. År 1951 dog hennes far och hon blev amerikansk medborgare.
1954 gick Bourgeois med i American Abstract Artists Group tillsammans med flera samtida konstnärer, bland dem Barnett Newman och Ad Reinhardt. Vid denna tid blev hon också vän med konstnärerna Willem de Kooning, Mark Rothko och Jackson Pollock.Som en del av American Abstract Artists Group övergick Bourgeois från trä och stående strukturer till marmor, gips och brons när hon undersökte frågor som rädsla, sårbarhet och förlust av kontroll. Denna övergång var en vändpunkt. Hon refererade till sin konst som en serie eller sekvens som är nära relaterad till dagar och omständigheter och beskrev sitt tidiga arbete som rädslan för att falla som senare förvandlades till konsten att falla och den slutliga utvecklingen som konsten att hänga kvar. Hennes konflikter i det verkliga livet gav henne kraft att autentisera sina erfarenheter och strider genom en unik konstform. 1958 flyttade Bourgeois och hennes man till ett radhus på West 20th Street i Chelsea på Manhattan, där hon bodde och arbetade resten av sitt liv.
Trots att hon förkastade idén om att hennes konst var feministisk, var Bourgeois” ämne det feminina. Verk som Femme Maison (1946-1947), Torso självporträtt (1963-1964), Arch of Hysteria (1993), skildrar alla den kvinnliga kroppen. I slutet av 1960-talet blev hennes bildspråk mer explicit sexuellt när hon utforskade förhållandet mellan män och kvinnor och de känslomässiga konsekvenserna av sin oroliga barndom. Sexuellt explicita skulpturer som Janus Fleuri (1968) visar att hon inte var rädd för att använda den kvinnliga formen på nya sätt. Hon har citerats för att ha sagt: ”Mitt arbete behandlar problem som finns före könstillhörighet”, skrev hon. ”Svartsjuka är till exempel varken manligt eller kvinnligt.” I och med feminismens framväxt fick hennes verk en bredare publik. Trots detta påstående presenterades Femme Maison 1976 på omslaget till Lucy Lippards bok From the Center: Feminist Essays on Women”s Art och blev en ikon för den feministiska konströrelsen.
Läs också: historia-sv – Stora nordiska kriget
Senare liv
1973 började Bourgeois undervisa vid Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College och New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Från 1974 till 1977 arbetade Bourgeois vid School of Visual Arts i New York där hon undervisade i grafik och skulptur. Hon undervisade också i många år i de offentliga skolorna i Great Neck, Long Island.
I början av 1970-talet höll Bourgeois sammankomster som kallades ”Sunday, bloody sundays” i sitt hem i Chelsea. Dessa salonger fylldes av unga konstnärer och studenter vars verk kritiserades av Bourgeois. Bourgeois hänsynslösa kritik och hennes torra humor ledde till att dessa möten fick sitt namn. Bourgeois inspirerade många unga studenter att göra konst som var feministisk till sin natur. Louises mångåriga vän och assistent Jerry Gorovoy har dock uppgett att Louise betraktade sitt eget arbete som ”pre-gender”.
Bourgeois anslöt sig till aktivister och blev medlem i Fight Censorship Group, ett feministiskt anti-censurkollektiv som grundades av konstnärskollegan Anita Steckel. På 1970-talet försvarade gruppen användningen av sexuella bilder i konstverk. Steckel hävdade: ”Om den erigerade penisen inte är tillräckligt hälsosam för att få plats på museer, bör den inte anses vara tillräckligt hälsosam för att få plats på kvinnor”.
1978 fick Bourgeois i uppdrag av General Services Administration att skapa Facets of the Sun, sin första offentliga skulptur. Verket installerades utanför en federal byggnad i Manchester, New Hampshire. 1982 fick Bourgeois sin första retrospektiva utställning på Museum of Modern Art i New York. Fram till dess hade hon varit en perifer figur inom konsten vars verk mer beundrades än hyllades. I en intervju med Artforum, som sammanföll med öppnandet av hennes retrospektiv, avslöjade hon att bilderna i hennes skulpturer var helt självbiografiska. Hon berättade för världen att hon genom sin konst tvångsmässigt återupplevde traumat när hon som barn upptäckte att hennes engelska guvernant också var hennes fars älskarinna.
År 1989 gjorde Bourgeois en torrnålsätning, Mud Lane, av sitt hem i Stapleton, Staten Island, som hon behandlade som en skulpturell miljö snarare än ett bostadsområde.
Bourgeois hade ytterligare en retrospektiv utställning 1989 på Documenta 9 i Kassel, Tyskland. När Royal Academy of Arts 1993 genomförde sin omfattande översikt över amerikansk konst under 1900-talet ansåg arrangörerna inte att Bourgeois verk var av betydelse för att ingå i översikten. Denna undersökning kritiserades dock för många utelämnanden, där en kritiker skrev att ”hela sektioner av den bästa amerikanska konsten har utplånats” och påpekade att mycket få kvinnor ingick. År 2000 valdes hennes verk ut för att visas vid invigningen av Tate Modern i London. 2001 ställde hon ut på Hermitage Museum.
2010, under sitt sista levnadsår, använde Bourgeois sin konst för att tala för jämlikhet för lesbiska, bögar, bisexuella och transsexuella (hbtq-personer). Hon skapade verket I Do, som föreställer två blommor som växer från en stjälk, till förmån för den ideella organisationen Freedom to Marry. Bourgeois har sagt: ”Alla borde ha rätt att gifta sig. Att göra ett åtagande att älska någon för alltid är en vacker sak.” Bourgeois har en historia av aktivism för HBT-jämlikhet och skapade konstverk för aidsaktivistorganisationen ACT UP 1993.
New York Times skrev att hennes verk ”har en rad återkommande teman som handlar om människokroppen och dess behov av omvårdnad och skydd i en skrämmande värld”.
Hennes make, Robert Goldwater, dog 1973. Hon efterlämnade två söner, Alain Bourgeois och Jean-Louis Bourgeois. Hennes första son, Michel, dog 1990.
Läs också: biografier – David Bowie
Femme Maison
Femme Maison (1946-47) är en serie målningar där Bourgeois utforskar förhållandet mellan kvinnan och hemmet. I verken har kvinnornas huvuden ersatts med hus, vilket isolerar deras kroppar från omvärlden och håller deras sinnen hemma. Detta tema går hand i hand med den moderna konstens avhumanisering.
Läs också: biografier – Michelangelo
Faderns förintelse
Destruction of the Father (1974) är en biografisk och psykologisk undersökning av faderns maktdominans och hans avkomma. Verket är en köttfärgad installation i ett mjukt och livmoderliknande rum. Destruction of the Father är gjord av gips, latex, trä, tyg och rött ljus och var det första verket där hon använde mjuka material i stor skala. När man går in i installationen står betraktaren i efterdyningarna av ett brott. I en stiliserad matsal (med dubbla effekter som ett sovrum) har de abstrakta klumpliknande barnen till en övermodig far gjort uppror, mördat och ätit upp honom.
… berättar för den fängslade publiken hur stor han är, alla fantastiska saker han har gjort, alla de onda människor han har dödat i dag. Men detta fortsätter dag efter dag. Det finns tragedi i luften. En gång för mycket har han sagt sitt. Han är outhärdligt dominerande även om han förmodligen inte inser det själv. Ett slags förbittring växer fram och en dag bestämde min bror och jag att ”tiden är inne!”. Vi tog tag i honom, lade honom på bordet och dissekerade honom med våra knivar. Vi tog isär honom och styckade honom, vi skar av hans penis. Och han blev mat. Vi åt upp honom … han likviderades på samma sätt som han likviderade barnen.
Läs också: biografier – Johns Hopkins
Exorcism i konsten
År 1982 visade Museum of Modern Art i New York City den okända konstnären Louise Bourgeois verk. Hon var 70 år gammal och var en konstnär med blandade medier som arbetade på papper, med metall, marmor och skelettben från djur. Barndomens familjetrauma ”framkallade en exorcism i konsten” och hon försökte desperat rensa ut sin oro genom sitt arbete. Hon kände att hon kunde komma i kontakt med frågor om kvinnlig identitet, kroppen och den splittrade familjen, långt innan konstvärlden och samhället ansåg att de var uttryckliga ämnen i konsten. Detta var Bourgeous sätt att hitta sitt centrum och stabilisera sin känslomässiga oro. New York Times skrev vid den tiden att ”hennes verk är laddat med ömhet och våld, acceptans och trots, ambivalens och övertygelse”.
Läs också: biografier – Biruni
Celler
När Bourgeois var i 80-årsåldern producerade hon två serier av slutna installationer som hon kallade Cells. Många av dem är små inneslutningar där betraktaren uppmanas att titta inåt på arrangemang av symboliska föremål, medan andra är små rum som betraktaren bjuds in i. I cellverken använder Bourgeois tidigare skulpturala former, upphittade föremål samt personliga föremål som har en stark personlig känslomässig laddning för konstnären.
Cellerna omsluter psykologiska och intellektuella tillstånd, främst känslor av rädsla och smärta. Bourgeois förklarade att cellerna representerar ”olika typer av smärta; fysisk, känslomässig och psykologisk, mental och intellektuell … Varje cell behandlar en rädsla. Rädsla är smärta … Varje cell handlar om voyeurens njutning, spänningen i att titta och bli betraktad”.
Läs också: biografier – Vergilius
Maman
I slutet av 1990-talet började Bourgeois använda spindeln som en central bild i sin konst. Maman, som är mer än nio meter hög, är en skulptur i stål och marmor som sedan gjöts i en upplaga på sex bronser. Den syntes för första gången som en del av Bourgeois uppdrag för The Unilever Series för Tate Moderns Turbine Hall år 2000, och nyligen installerades skulpturen på Qatar National Convention Centre i Doha, Qatar. Hennes största spindelskulptur med titeln Maman är över 9,1 meter lång och har installerats på många platser runt om i världen.Det är den största spindelskulptur som Bourgeois någonsin gjort.Maman anspelar dessutom på moderns styrka, med metaforer av spinnande, vävande, fostran och skydd. Det vanliga spindelmotivet i hennes verk har gett henne smeknamnet Spiderwoman.
Spindeln är en hyllning till min mamma. Hon var min bästa vän. Liksom en spindel var min mamma en vävare. Min familj sysslade med restaurering av gobelänger, och min mor var ansvarig för verkstaden. Liksom spindlar var min mor mycket smart. Spindlar är vänliga förekomster som äter myggor. Vi vet att myggor sprider sjukdomar och därför är oönskade. Så spindlar är hjälpsamma och skyddande, precis som min mamma.
Läs också: biografier – Xenofon
Friska hus
Bourgeois” Maisons fragiles
Läs också: biografier – Jacobus van ’t Hoff
Tryckning
Bourgeois tryckkonst blomstrade i början och slutet av sin karriär: på 1930- och 1940-talen, när hon först kom till New York från Paris, och sedan på 1980-talet, när hennes verk började få ett brett erkännande. Tidigt gjorde hon tryck hemma på en liten tryckpress eller i den berömda verkstaden Atelier 17. Den perioden följdes av ett långt uppehåll, då Bourgeois vände sig helt och hållet till skulpturen. Det var inte förrän hon var i sjuttioårsåldern som hon började göra grafik igen, först uppmuntrad av tryckeriföretag. Hon satte upp sin gamla tryckpress och lade till en andra, samtidigt som hon arbetade nära med tryckerier som kom till hennes hus för att samarbeta. Därefter följde en mycket aktiv period av grafisk produktion som varade fram till konstnärens död. Under sitt liv skapade Bourgeois cirka 1 500 tryckta kompositioner.
År 1990 beslöt Bourgeois att donera hela sitt arkiv av trycksaker till Museum of Modern Art. År 2013 lanserade museet online-katalogen ”Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books. Webbplatsen fokuserar på konstnärens kreativa process och placerar Bourgeois tryck och illustrerade böcker inom ramen för hennes totala produktion genom att inkludera relaterade verk i andra medier som behandlar samma teman och bilder.
Läs också: biografier – Alfred Tennyson
Teman
Ett tema i Bourgeois verk är barndomstrauman och dolda känslor. Efter att Louises mamma blivit sjuk i influensa började Louises pappa ha affärer med andra kvinnor, framför allt med Sadie, Louises engelsklärare. Han tog med sig älskarinnor hem och var otrogen inför hela familjen. Louise var extremt vaksam och medveten om situationen. Detta var början på konstnärens engagemang för dubbelmoral i samband med kön och sexualitet, vilket kom till uttryck i en stor del av hennes verk. Hon minns hur hennes far upprepade gånger sa ”jag älskar dig” till hennes mor, trots otrohet. ”Han var vargen och hon var den rationella haren, som förlät och accepterade honom som han var”. Hennes verk Cell: You Better Grow Up från 1993, som ingår i hennes Cell-serie, talar direkt om Louises barndomstrauma och den osäkerhet som omgav henne. Give or Take från 2002 definieras av dolda känslor och representerar det intensiva dilemma som människor ställs inför under hela livet när de försöker balansera handlingarna att ge och ta. Detta dilemma representeras inte bara av skulpturens form, utan även av tyngden i det material som verket är tillverkat av.
Moderskapet är ett annat återkommande tema i Bourgeois verk. Det var hennes mor som uppmuntrade Bourgeois att teckna och som involverade henne i tapetserarbranschen. Bourgeois ansåg att hennes mor var intellektuell och metodisk, och det fortsatta motivet med spindeln i hennes verk representerar ofta hennes mor. Föreställningen om en spindel som spinner och väver sitt nät är en direkt hänvisning till hennes föräldrars gobelängsverksamhet och kan också ses som en metafor för hennes mor, som reparerar saker.
Bourgeois har utforskat begreppet kvinnlighet genom att utmana de patriarkala normerna och skapa konstverk om moderskap snarare än att visa kvinnor som muser eller ideal. Hon har beskrivits som den feministiska konstens ”motvilliga hjälte”. Louise Bourgeois hade ett feministiskt förhållningssätt till sitt arbete som liknade konstnärskollegor som Agnes Martin och Eva Hesse, som var mindre politiskt drivna utan snarare gjorde verk som utgick från deras erfarenheter av kön och sexualitet, och som på ett naturligt sätt engagerade sig i kvinnofrågor.
Arkitektur och minne är viktiga komponenter i Bourgeois arbete. Bourgeois verk har en mycket organisk, biologisk och reproduktiv känsla; de drar uppmärksamheten till själva verket. Louise beskriver arkitektur som ett visuellt uttryck för minnet, eller minnet som en typ av arkitektur. Det minne som förekommer i många av hennes verk är ett påhittat minne – om hennes fars död eller exorcism. Det påhittade minnet är sammanvävt med hennes verkliga minnen, bland annat att hon bodde mittemot ett slakteri och att hennes far var otrogen. För Louise representerade hennes far skada och krig, att han förhöjde sig själv och förminskade andra och framför allt en man som representerade svek. Hennes verk Cell (Three White Marble Spheres) från 1993 handlar om rädsla och fångenskap. Speglarna i den presenterar en förändrad och förvrängd verklighet.
Sexualiteten är utan tvekan ett av de viktigaste ämnena i Louise Bourgeois verk. Kopplingen mellan sexualitet och bräcklighet eller osäkerhet är också stark. Det har hävdats att detta beror på hennes barndomsminnen och hennes fars affärer. I Spiral Woman från 1952 kombineras Louises fokus på kvinnlig sexualitet och tortyr. De böjda ben- och armmusklerna visar att Spiral Woman fortfarande befinner sig ovanför trots att hon kvävs och hängs upp. I In and Out från 1995 används kalla metallmaterial för att koppla ihop sexualitet med ilska och kanske till och med fångenskap.
Spiralen i hennes verk visar det farliga sökandet efter osäker jämvikt, olycksfri permanent förändring, förvirring, svindel, virvelvind. Där finns det samtidigt positiva och negativa, både framtiden och det förflutna, uppbrott och återkomst, hopp och fåfänga, plan och minne.
Louise Bourgeois arbete drivs av bekännelser, självporträtt, minnen och fantasier från en rastlös varelse som genom sin skulptur söker en frid och en ordning som saknades under hela sin barndom.
Läs också: civilisationer – Visigoter
Samarbete
Samarbetet skedde under två år med den brittiska konstnären Tracey Emin. Verket ställdes ut i London flera månader efter Bourgeois död 2010. Motivet består av manliga och kvinnliga bilder. Även om de verkar sexuella, porträtterar det en liten kvinnlig figur som hyllar en gigantisk manlig figur, som en gud. Louise Bourgeois gjorde akvarellerna och Tracey Emin gjorde teckningen ovanpå. Det tog Emin två år att bestämma sig för hur hon skulle komma fram till vad hon skulle bidra med i samarbetet. När hon visste vad hon skulle göra blev hon klar med alla teckningar på en dag och menar att varenda en av dem fungerade perfekt. I Lost You handlar om att förlora barn, att förlora livet. Bourgeois var tvungen att begrava sin son som förälder. Övergivenhet handlar för henne inte bara om att förlora sin mor utan även sin son. Trots åldersskillnaden mellan de två konstnärerna och skillnaderna i deras arbete fungerade samarbetet mjukt och lätt.
Läs också: biografier – Juan Gris
Utställningar
Bland hennes verk finns bland annat National Gallery of Art i Washington, D.C., Museum of Modern Art i New York och Nasher Sculpture Center, San Francisco Museum of Modern Art, National Gallery of Canada, Tate i London och Centre Pompidou i Paris. Under hela sin karriär kände Bourgeois många av sina viktigaste samlare, såsom Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles och Ursula Hauser. Andra privata samlingar med anmärkningsvärda verk av Bourgeois är bland annat Goetz Collection i München.
Bourgeois började arbeta med galleristen Paule Anglim i San Francisco 1987, Karsten Greve i Paris 1990 och Hauser & Wirth 1997. Hauser & Wirth har varit huvudgalleri för hennes dödsbo. Andra, som Kukje Gallery i Seoul och Xavier Hufkens i Bryssel, fortsätter att handla med hennes verk.
År 2011 såldes ett av Bourgeois verk med titeln Spider för 10,7 miljoner dollar, vilket var ett nytt rekordpris för konstnären på auktion och det högsta pris som då betalades för ett verk av en kvinna. I slutet av 2015 såldes verket på en annan auktion hos Christie”s för 28,2 miljoner dollar.
Louise Bourgeois i Museum of Fine Arts, Houston: https:
Källor
