Max Beckmann
gigatos | januari 3, 2022
Sammanfattning
Max Carl Friedrich Beckmann († 27 december 1950 i New York City) var en tysk målare, grafiker, skulptör, författare och universitetslärare. Beckmann tog upp det sena 1800-talets måleri och den konsthistoriska traditionen och skapade en stil med starka figurer, som han ställde mot den framväxande icke objektiviteten från 1911 och framåt.
Beckmann var under sina tidiga år medlem i Berlins sektion, men föredrog sedan att vara ensamstående. I synnerhet motsatte han sig Pablo Picasso och kubismen med en idiosynkratisk rumslighet. Han utvecklade också en berättande och mytbildande målarstil, särskilt i de tio triptyker som han skapade mellan 1933 och 1950. Beckmann är särskilt viktig som en koncis tecknare, porträttör (inklusive många självporträtt) och subtil illustratör. Han är en av de viktigaste bildkonstnärerna inom den klassiska modernismen på 1900-talet.
Läs också: biografier – Sonja Henie
Barndom och ungdom
Max Beckmann föddes som tredje barn till Antonie och Carl Beckmann. De två syskonen Margarethe och Richard var mycket äldre. Föräldrarna kom från Braunschweigområdet, där fadern var mjölnare. I Leipzig drev han en agentur för kvarnar. Max Beckmann gick i grundskolan i Falkenburg i Pommern, dagens Złocieniec, där han bodde i sin systers hus. Från påsken 1894 till november 1894 var han elev på Sexta vid den kungliga gymnasieskolan i Leipzig. Vid elva års ålder flyttade han med familjen till Braunschweig. Här dog hans far kort därefter. Max Beckmann fortsatte sin skolgång i Braunschweig och Königslutter. Hans första självporträtt som finns bevarat är daterat omkring 1898, liksom målningen av ett landskap vid Thunsjön. Från och med denna tid var Beckmann entusiastisk över främmande kulturer. Han var en dålig elev, men visade tidigt ett stort intresse för konsthistoria. År 1899 gick han på en privat internatskola i en prästgård i Ahlshausen nära Gandersheim. De första bevarade breven och teckningarna är från denna tid. Följande vinter rymde han därifrån. År 1900 klarade han inträdesprovet till den storhertig-sachsiska konstskolan i Weimar, efter att han utan framgång hade sökt sig till Dresdens konstakademi. Beckmanns tidiga blad visar på en anekdotisk teckningsteknik, en säker formkänsla och en tendens till det groteska.
År 1901 gick Beckmann på den moderna och liberala konstskolan i Weimar i den norska porträtt- och genremålaren Carl Frithjof Smiths klass, som han under hela sitt liv betraktade som sin enda lärare. Från honom tog han över den starka förritningen och behöll den under hela sitt liv. Det var också här som han träffade Frankfurts målare Ugi Battenberg 1902 och målaren Minna Tube 1903 och knöt livslånga vänskapsband med båda. Ett självporträtt med öppen mun från denna period anses vara den första bevarade etsningen. Tryckningen är uttrycksfull och avslöjar inflytande från Rembrandt van Rijn och Edvard Munch. Beckmann lämnade akademin 1903 utan examen och åkte till Paris i några månader, där han ibland besökte den privata Académie Colarossi. Här blev han särskilt imponerad av Paul Cézannes verk. Den unga konstnären läste och skrev mycket. I Paris gjorde han efter en kort utflykt till pointillismen de preliminära studierna till sitt första verk, oljemålningen Unga män vid havet. Han reste till Amsterdam, Haag och Scheveningen, såg främst verk av Rembrandt, Gerard ter Borch, Frans Hals och Jan Vermeer och föredrog att måla landskap. År 1904 reste han till Italien, men slutade i Genève. Han besökte Ferdinand Hodler i hans ateljé och såg på vägen dit den då föga kända Isenheim-altartavlan i Colmar. I sommarens landskap och havsbilder utforskade konstnären hur art nouveau och europeisk japonism kan överbryggas. En del av dessa verk har en självständig, utdragsliknande komposition. Efter att ha avbrutit sin vistelse i Paris och sin resa till Italien inrättade Beckmann en ateljé i Berlin-Schöneberg (då Schöneberg bei Berlin).
Läs också: biografier – Paul I av Ryssland
Äktenskap och familjebildning
Beckmann träffade Minna Tube 1903 på konstakademin i Weimar, där hon gick som en av de första kvinnorna inom konstvärlden. År 1906 gifte sig paret och 1907 flyttade de till ett hus i Berlin-Hermsdorf som Minna själv hade ritat i nybyggnadsstil, inklusive inredningen. Deras son Peter föddes 1908. Beckmann lämnade Minna 1925 för att gifta sig med Mathilde (Quappi) Kaulbach, dotter till målaren Friedrich August von Kaulbach. Efter skilsmässan förblev Beckmann och Minna Beckmann-Tube i kontakt med varandra under hela livet, vilket framgår av den täta korrespondensen mellan de två.
Läs också: viktiga_handelser – Serbiska revolutionen
Tidiga arbeten
Sommaren 1905 arbetade Beckmann med sin målning Unga män vid havet (olja på duk, 148 × 235 cm) på danska Nordsjön. Målningen är stilistiskt influerad av Luca Signorelli och Hans von Marées, med en tendens till nyklassicism. 1906 fick Beckmann Villa Romana-priset för denna målning av Deutscher Künstlerbund, som hade grundats tre år tidigare. Samma år deltog han med två verk i Berlins sektions 11:e utställning.
Han bearbetade sin mors död 1906 i två dödsscener i Edvard Munchs tradition. Han reste till Paris med sin fru Minna och sedan till Florens i sex månader med ett stipendium från Villa Romana. Där målade han porträttet av min fru med rosa-lila botten, ett porträtt av Minna Tube, som idag hänger i Hamburgs Kunsthalle. Där kan man också se hans självporträtt Florens (1907). År 1907 blev Beckmann medlem i Berlins sektion.
Han avböjde inbjudan att gå med i Dresdens konstnärsgrupp Brücke, men anslöt sig till Berlins sektion. Den unge konstnärens vilja att bli berömd uttryckte sig framför allt i påtvingade katastrofscener; impressionism och nyklassicism förenades här till en brutal actionmåleri. Han förkastade expressionismen. I motsats till sina storskaliga målningar odlade Beckmann interiörer och porträtt, i synnerhet självporträtt, som ibland är skira och stämningsfullt subtila. Redan under dessa år gjorde han också handteckningar av gammaldags perfektion. Teckningen skulle alltid förbli ryggraden i Beckmanns konst.
År 1908 reste konstnären återigen till Paris och på hösten blev han far till en son, Peter Beckmann, som blev känd som kardiolog och gerontolog. Följande år ställde han ut utomlands för första gången och gjorde den betydelsefulla bekantskapen med konstskribenten Julius Meier-Graefe, som var Beckmanns publicist fram till hans död. Från 1909 och framåt konsoliderade konstnären alltmer sina ambitioner att bli gammal mästare i ett grafiskt verk. Med dubbelporträttet Max Beckmann och Minna Beckmann-Tube satte han samma år upp ett monument över sitt förhållande till sin kollega och hustru i traditionen av representativa parporträtt à la Gainsborough. Med veristiska masscenarier i kolportliknande komposition, som i scenen från Messinas förlisning, placerade han sig i Rubens efterföljd, även om upplägget och utförandet av sådana bilder fortfarande var något outvecklat hos den unge Beckmann.
Max Beckmann ville profilera sig som en neokonservativ motmodell till den radikala abstraktionen hos målare som Henri Matisse och Pablo Picasso och Wassily Kandinskys icke-objektivitet, som växte fram runt 1910. Liksom Max Liebermann och Lovis Corinth sökte han efter en modern form av figurativt måleri.
År 1910 valdes Beckmann in i styrelsen för Berlins sektion, där han vid 26 års ålder var den yngsta medlemmen, men han avgick snart. Två år tidigare hade han misslyckats med att grunda en utställningsorganisation som var oberoende av handlaren Paul Cassirer. Från och med då tog han avstånd från konstnärsföreningarna, men fortsatte att delta i de stora årliga DKB-utställningarna i Mannheim (där han var medlem i juryn för antagningen), Köln (1929), Stuttgart (1930), Essen (1931), Königsberg-Danzig (1932) och Hamburg (1936).
I mars 1912 formulerade han följande: ”… eftersom det är det enda nya (i konsten) som finns. Konstens lagar är eviga och oföränderliga, precis som den moraliska lagen inom oss.” Meningen kommer från en kontrovers med Franz Marc i konsttidskriften Pan.
Konsthandlaren Israel Ber Neumann och förläggaren Reinhard Piper bidrog till Beckmanns berömmelse före kriget, som nådde sin höjdpunkt omkring 1913, det år då Hans Kaiser skrev den första monografin om honom. Nu lämnade den 29-årige målaren Secessionen helt och hållet och var med och grundade Free Secession 1914. Han fortsatte att hålla sig på avstånd från expressionismen, men i likhet med den senare fascinerades han av storstaden i sin grafik och sitt måleri. Hans program var nu fastställt: Max Beckmann skulle aldrig arbeta utan föremål. Han satte sig snarare som mål att utvidga arvet från den klassiska konsten (rum, färg, traditionella genrer, mytologi, symbolik).
Läs också: biografier – Xerxes I
Första världskriget
”Min konst får äta här”, sa Beckmann under första världskriget, som han ansåg vara en ”nationell olycka”. Konstnären avlossade inte ett enda skott under kriget. ”Jag skjuter inte på fransmännen, jag har lärt mig så mycket av dem. Inte heller på ryssarna, Dostojevskij är min vän.” År 1914 tjänstgjorde han som frivillig sjukvårdare på östfronten och året därpå i Flandern och vid det kejserliga hygieninstitutet i Strasbourg. Hans teckningar från den här perioden återspeglar krigets hårdhet i sin helhet. De etablerar Beckmanns nya, hårda stil. Den konstnärliga vändningen flankerades av krigsprosan i Letters in War, som utkom medan kriget fortfarande rasade.
År 1915 drabbades konstnären av ett nervöst sammanbrott, blev frigiven från aktiv krigstjänstgöring som sjukvårdare och bosatte sig kort därefter i Frankfurt-Sachsenhausen. Här bodde han i sin vän Ugi Battenbergs hus, i det som nu är Max Beckmann-huset på Schweizer Straße 3, i omedelbar närhet av Städel Museum, hans senare arbetsplats. Det blev nu uppenbart att hans personliga sammanbrott samtidigt skulle bli en ny början. Krigets hårda teckningsstil överfördes till grafisk konst (särskilt torrnål) och måleri. I självporträttet som sjuksköterska gör konstnären nu en skoningslös reflektion av sig själv och kämpar för största möjliga sanningshalt, precis som han i de grafiska portföljerna, till exempel litograficykeln Die Hölle (Helvetet), hårt och dygdigt sammanfogar krigets och efterkrigstidens verklighet och avslöjar dess substans. Den kristna ikonografin får nu i uppgift att skildra människans villkor; en målning som Kristus och syndaren från 1917 visar den fallna människan och den praktiska etikens Jesus.
Målningen Natten 1918-1919 markerar slutet på en grundläggande stilistisk förändring i hans arbete och hans inträde i det europeiska konstnärliga avantgardet. Skildringen av det brutala mordet på en familj uppfattas som ett eko av de hopplösa sociala förhållandena omedelbart efter första världskrigets slut.
Läs också: biografier – Babe Ruth
Weimarrepubliken
Under Weimarrepubliken växte Beckmanns politiska intresse, och samtidigt studerade han hemliga läror som teosofi, som hade sysselsatt många konstnärer sedan sekelskiftet 1900. Han tittade noga på sin tids fysiognomier, men sökte inte realism, utan vad han kallade transcendental objektivitet. Under den här perioden skapades berömda bilder av Frankfurt, till exempel av synagogan Börneplatz eller Eiserner Steg med isflak på Main. Beckmann var nära involverad i sin tids intellektuella liv genom sin vänskap med författaren Benno Reifenberg, med Heinrich Simon, chefredaktör för Frankfurter Zeitung, genom sina förbindelser med konsthandlaren Günther Franke, skådespelaren Heinrich George och konstnärskollegor som Alfred Kubin. Han skrev dramer och dikter som visade sig vara värda att framföras och läsas efter hans död. Utöver sitt omfattande grafiska arbete producerade han återigen självporträtt som gjorde den porträtterade till en krönikör inte bara av sig själv utan också av sin epok.
Från 1922 sponsrades Beckmann av Lilly von Mallinckrodt-Schnitzler, som samlade in hans målningar och gjorde honom mer känd i samhället. 1924 träffade Beckmann i Wien den unga Mathilde Kaulbach, dotter till Friedrich August von Kaulbach. Han skilde sig från Minna Tube och från och med då gjorde han sin nya fru, som fick det wieneriska smeknamnet Quappi, till en av konsthistoriens mest målade och tecknade kvinnor. Resor till Italien, Nice och Paris, djupgående studier av gnostiska, fornindiska och teosofiska läror luckrade upp och utvidgade hans konstnärliga stil. Samtidigt blev hans målningar allt mer färgstarka. Från och med 1925 ledde han en mästarateljé vid konstskolan vid Städel-museet i Frankfurt. Bland hans elever fanns Theo Garve, Léo Maillet och Marie-Louise von Motesiczky. Målningar som Dubbelporträtt karneval eller Italiensk fantasi återspeglar den lugnande politiska situationen och de onda föraningarna om att guldåldern snart skulle ta slut. I den spektakulära målningen Galleria Umberto förutspår konstnären Mussolinis död redan 1925. Beckmanns biograf Stephan Reimertz talar om konstnärens ”förutseende”. På Weimarrepublikens höjdpunkt presenterade sig Beckmann återigen som Stresemann-tysk på ett sätt som passade staten. År 1927 målade han ett självporträtt i smoking och skrev en essä med titeln Der Künstler im Staat (Konstnären i staten). Beckmanns uttalade självförtroende var allmänt känt.
År 1928 nådde hans berömmelse i Tyskland sin höjdpunkt med Reichsehrenpreis Deutscher Kunst och den första omfattande Beckmann-utställningen på Kunsthalle Mannheim. Hans konst uppvisar nu en grandios formfulländning, men den avslöjar också den sofistikerade erotiker som Beckmann alltid velat vara. Denna roll är en av de många masker som den ängsliga och känsliga konstnären gömde sig bakom. Vid DKB:s jubileumsutställning (Deutscher Künstlerbund 25 år) 1929 i Köln Staatenhaus am Rheinpark visades fem oljemålningar av Max Beckmann. År 1930 visade Venedigbiennalen sex målningar av Beckmann, som också var representerad på Prags sektionsutställning det året. Samtidigt blev konstnären hårt angripen av den nationalsocialistiska pressen. I Paris väckte han för en kort tid uppmärksamhet bland intellektuella som försökte bryta med surrealismen och med Henri Matisse och Pablo Picassos dominans. År 1932 inrättade Nationalgalleriet i Berlin ett Beckmannrum, den så kallade nya avdelningen i Nationalgalleriet i Berlin, i Kronprinzenpalais. Konstnären påbörjade den första av tio triptyker samma år. Han påbörjade den under namnet Departure och avslutade den flera år senare som Departure.
Läs också: biografier – Lizzie Borden
Nationalsocialismen och emigrationen
I april 1933 avskedades Beckmann från sin professur vid Frankfurts Städelschule. Hans elever, men även andra unga konstnärer som påverkats av Beckmann, till exempel målaren Joseph Mader, hade inte längre några möjligheter att vara konstnärligt aktiva; senare talade man om en förlorad generation. En del av deras verk brändes av nazisterna på Römerberg. Beckmann-salen i Kronprinzenpalais användes för andra ändamål. Max Beckmann var en av nazisternas mest hatade konstnärer. Han var mycket representerad i utställningarna av ”Degenerate Art” som turnerade i hela Tyskland.
Beckmann lämnade Frankfurt och bodde i Berlin fram till sin emigration. Han träffade författaren Stephan Lackner, som förblev en trogen vän, samlare och tolk. Under den här tiden målade Beckmann också många anekdotiska bilder som Ochsenstall och Reise auf dem Fisch, självporträtt som det med den svarta mössan eller glaskulan, som speglade och försökte dölja osäkerheten i hans situation. Nu började han också skulpturera och skapade bronsen Man in the Dark 1934, som visar hans ställning som oönskad konstnär, och Adam och Eva 1936, där Adam håller en liten Eva i sin högra hand. Originalversionen i gips finns i Hamburg Kunsthalle. Han skapade totalt åtta skulpturer.
Fram till slutet av DKB:s sista årsutställning 1936 i Hamburg Kunstverein – hans utställningsbidrag Die Kaimauer (1936, olja på duk, 41 × 80,5 cm) ägs nu av Städel Museum i Frankfurt – var Beckmann medlem i Deutscher Künstlerbund, som han hade gått med i redan 1906. 21 av Beckmanns verk visades i 1937 års utställning ”Degenererad konst” i Hofarkaden i München och mer än 650 ”degenererade” Beckmann-verk konfiskerades från tyska museer, däribland den försvunna målningen Der Strand (Am Lido) från 1927.
Efter radiosändningen av Hitlers tal vid öppnandet av den samtidiga stora tyska konstutställningen i München lämnade Max Beckmann Tyskland för gott. I självvald exil i Amsterdam målade han självporträtt som The Liberated, där han bryter kedjor. Hans exilarbete kännetecknas av djupt gåtfulla målningar och ytterligare triptyker med delvis mytologiska teman.
Den 21 juni 1938 uttryckte sig Beckmann i ett programmatiskt tal med titeln ”On My Painting” på New Burlington Galleries i London:
Sedan 1939 ansökte Beckmann om visum för USA. Hans försök att lämna landet misslyckades dock och han var tvungen att stanna kvar i Amsterdam under hela kriget. I maj 1940 ockuperade den tyska Wehrmacht Nederländerna. Därför brände han sina dagböcker från 1925 och framåt. 1942 måste Beckmann genomgå en läkarundersökning av den tyska Wehrmacht, men han förklarades olämplig, vilket ledde till hans kollaps. Han upprätthöll kontakter med tyska motståndskretsar, bland annat med Gisèle van Waterschoot van der Gracht och Wolfgang Frommel i Amsterdam.
Läs också: mytologi – Ra (gud)
Senaste åren
Det var först sommaren 1947 som Max och Mathilde Beckmann fick visum till USA. Från slutet av september undervisade konstnären vid konstskolan vid Washington University i St. Louis. Bland hans amerikanska elever fanns Walter Barker och Jack Bice. I maj 1948 visade Saint Louis Art Museum en stor Beckmann-retrospektiv, där han själv var närvarande vid öppningen. Samlaren Morton D. May (1914-1983) började bygga upp sin Beckmann-samling samma år, som nu är den mest omfattande i världen, efter att ha besökt en utställning på Curt Valentins Buchholz Gallery. Han testamenterade samlingen till Saint Louis Art Museum.
Förutom att resa runt i USA och undervisa i Boulder (Colorado) och Carmel (Kalifornien) accepterade Max Beckmann i slutet av 1949 en professur i måleri och teckning vid Art School of the Brooklyn Museum i New York. Det blev allt svårare för honom att hävda sin konst mot det icke objektiva måleriet, som hade blivit populärt under tiden. Den 27 december 1950 dog Max Beckmann av en hjärtattack mitt på gatan på Manhattan (Central Park West, 61st St.). Den nionde triptyken Argonauterna hade han avslutat några timmar före sin död, men den tionde triptyken Ballet Rehearsal var fortfarande oavslutad.
Under fem decennier skapade Max Beckmann cirka 850 (843 enligt den katalog som Hamburger Kunsthalle publicerade 2021) oljemålningar, hundratals teckningar, illustrationer, skisser och utkast. Sedan första världskriget producerade han nästan 400 litografier, etsningar och träsnitt och från mitten av 1930-talet till sitt sista levnadsår åtta bronsskulpturer.
Läs också: historia-sv – Jakob I av England
Max Beckmann på konstmarknaden
Max Beckmanns verk kostar mycket mycket pengar. År 2001 auktionerades hans självporträtt med horn från Stephan Lackners privata samling ut i New York för 45 miljoner mark. Ronald Lauder köpte den för sitt New Gallery i New York.Hans målning View of Suburbs by the Sea near Marseille från 1937 auktionerades ut i november 2009 för 2,6 miljoner euro och var därmed den dyraste tyska målningen under det ekonomiskt svåra auktionsåret 2009.2017 auktionerades hans målning Hell of the Birds ut för 40,8 miljoner euro. Aldrig tidigare har man betalat så mycket för ett verk av tysk expressionistisk konst. Beckmanns Kvinnohuvud i blått och grått (detta är den högsta summan som någonsin erbjudits för ett konstverk på auktion i Tyskland.
Läs också: mytologi – Odysseus
Vittnesmål från samtida konstnärer
I Weltkunst nr 179 från januari 2021 beskrivs åsikter om Beckmanns verk av bland andra Elvira Bach, Cecily Brown, Markus Lüpertz och Neo Rauch. Anledningen till detta var publiceringen av Hamburger Kunsthalls digitala katalog raisonné. Elvira Bach förklarade att endast ett fåtal konstnärer hade inspirerat henne, men att Max Beckmann hade varit en av dem. ”Framför allt påverkade hans starka konturer min konst på åttiotalet.” Cecily Brown sade att Beckmann alltid har varit viktig för henne. ”Hans djärva vision och dess förverkligande är nästan oöverträffad i 1900-talets konst. Jag har tittat noga på allt i hans verk och jag påverkas lika mycket av hans teckningar och grafik som av hans målningar.” Markus Lüpertz citerade en dikt ur sin bok Two Candles Shine. För Max Beckmann från 2006 formulerade Neo Rauch: ”Hans verk har en så överväldigande effekt eftersom han lät den mänskliga existensens nattsida, drömmarnas sfär, tränga djupt in i vardagen.”
Läs också: historia-sv – Freden i Aix-la-Chapelle (1748)
Digital katalog raisonné över Hamburger Kunsthalle
I december 2020, 70 år efter Beckmanns död, förvärvade Kunsthalle Hamburg hans självporträtt Florence (1907), som redan varit utlånad sedan 1991, för 4 miljoner euro från dödsboet. Det sades vara den dyraste målning som Kunsthalle någonsin hade förvärvat. Museet har en av de viktigaste Max Beckmann-samlingarna i världen, med cirka 25 målningar och skulpturer samt 250 pappersarbeten. Anledningen var museets utställning Max Beckmann. male-female, som var stängd på grund av Corona-pandemin, men som förlängdes till den 14 mars. I januari 2021 gjorde konsthallen hans fullständiga katalog raisonné tillgänglig på nätet, kostnadsfritt, för alla intresserade att läsa. På uppdrag av Kaldewei Kulturstiftung har Anja Tiedemann utökat, uppdaterat och kompletterat Erhard och Barbara Göpels katalog raisonné från 1976.
Läs också: biografier – Bruce Lee
Max Beckmann i Städelmuseet
Städelsches Kunstinstitut i Frankfurt am Main har också en omfattande Beckmann-samling. I oktober 2020 kunde man förvärva självporträttet med champagneglas (1919), som man redan hade lånat ut, för ett okänt pris. Den är en del av utställningen Städels Beckmann. Beckmanns Städel, som fokuserar på museets Beckmann-samling. I denna specialpresentation ägnar Städel utvalda målningar, pappersarbeten och dokumentationsmaterial åt sitt Beckmann-bestånd och konstnärens Frankfurt-år. Fokus ligger på självporträttet med champagneglas. På grund av Corona-pandemin har utställningen förlängts till den 29 augusti 2021. Eftersom Beckmanns verk inte längre är upphovsrättsligt skyddade från och med början av 2021, gör museet verk i sin samling tillgängliga för fri kopiering, även kommersiell användning är tillåten. Enligt ett pressmeddelande av den 20 augusti 2020 gäller den fria användningen för alla museets verk som är offentliga, och det är en del av den offentliga domänen.
Läs också: historia-sv – Hindenburglinjen
Schwabing Art Find
Beckmanns gouache Löwenbändiger från 1930 blev känd i samband med Schwabing Art Find 2012. På sensommaren 2011 lät Cornelius Gurlitt auktionera ut den på auktionshuset Lempertz i Köln som arvtagare till sin far, konsthandlaren Hildebrand Gurlitt, och den såldes för 871 200 euro. Före auktionen fastställdes det att målningen kom från den judiske konsthandlaren och samlaren Alfred Flechtheims dödsbo. Cornelius Gurlitt hade tidigare nått en uppgörelse med Flechtheims arvingar för att undvika krav på återbetalning. Det antas att han lämnade hälften av försäljningspriset till arvingarna.
Läs också: biografier – Johan Cruijff
Monografier över de kompletta verken
ordnade efter publiceringsår
Läs också: biografier – Caligula
Monografier om enskilda verk, cykler och grupper av verk
Läs också: biografier – Domitianus
Utställningskataloger
Källor
