Robert Delaunay
gigatos | maj 29, 2022
Sammanfattning
Robert Delaunay var en fransk målare som föddes den 12 april 1885 i Paris och dog den 25 oktober 1941 i Montpellier. Tillsammans med sin hustru Sonia Delaunay och några andra var han grundaren och huvudarkitekten av Orphism-rörelsen, en gren av kubismen och en viktig avantgardistisk rörelse i början av 1900-talet. Hans arbete om färg har sitt ursprung i flera teorier om lagen om samtidig färgkontrast som Michel-Eugène Chevreul formulerade. Genom att koncentrera sig på hur färgerna arrangeras på duken strävade han efter harmoni i bilden.
Delaunay tillhörde en avantgardistisk generation som var särskilt produktiv konstnärligt mellan 1912 och 1914. Han hade nära band (genom korrespondens, konst och till och med vänskap) med poeterna Guillaume Apollinaire och Blaise Cendrars, de ryska målarna Vasily Kandinsky och Michel Larionov, de tyska målarna August Macke och Franz Marc samt den slovakiske målaren Geza Szobel.
Efter kriget blev han vän med den surrealistiska rörelsens konstnärer, som han gjorde flera porträtt av, utan att ta till sig deras åsikter och konstnärliga visioner. Han hade en stark och långvarig vänskap med poeten Tristan Tzara.
Hans namn är också förknippat med Eiffeltornet, som han såg byggas när han var fyra år gammal, och som han målade många gånger under sin karriär, med olika metoder, först neoimpressionistiskt och sedan kubistiskt, och sedan med sin simultana metod.
Läs också: biografier – James Rosenquist
Ungdom
Robert Victor Félix Delaunays föräldrar, George och Berthe Delaunay, bodde i en välbärgad byggnad i rue Boissière i Paris 16:e arrondissement när han föddes den 12 april 1885. Robert Delaunay protesterade snabbt mot sin borgerliga uppfostran, eftersom hans mor övermammade honom, klädde honom i engelsk stil och tog med honom på promenader på Champs-Élysées. Trots detta avståndstagande från det borgerliga livet förblev han präglad av sitt ursprung. Han förblir likgiltig inför livets materiella aspekter och, likt Don Quijote, skapar han sig en ridderlig livsuppfattning. Denna karaktär får honom att förvandla varje ögonblick i livet till ett poetiskt ögonblick.
När han var fyra år gammal tog hans föräldrar med honom till världsutställningen i Paris 1889, för vilken Eiffeltornet byggdes, ett monument som fascinerade konstnären under hela hans liv. Han blev entusiastisk över moderna vetenskapliga tekniker, särskilt hastighet och elektricitet. Senare besökte han världsutställningen 1900, särskilt elpaviljongen. Detta besök stärkte hans anda som ”målare av det moderna livet”.
Robert Delaunays föräldrar skilde sig när han var nio år gammal, den 16 maj 1894. Han uppfostrades av sin mors syster Marie de Rose och hennes make Charles Damour.
Redan tidigt var han fascinerad av blommor. I slottet La Rongère i Saint-Eloy-de-Gy, där familjen semestrar, tillbringar han långa stunder ensam i trädgården och gör skisser av blommor, som är hans största naturliga passion, tillsammans med solen.
Han var ointresserad av skolan och utnyttjade sina studier till att teckna och måla med pastellkritor gömda i sin hydda. Han slutade skolan vid sjutton års ålder och anställdes som lärling i scenografi under två år (1902-1904) i teaterdekoratör Eugène Ronsons verkstad. Det var där han utvecklade sin smak för stora ytor och monumentalitet och blev medveten om ljusets roll och perspektivförvrängningen i scenrummet.
Han introducerades till måleriet av sin farbror Charles Damour, som var en traditionell målare, långt ifrån alla tidens teorier och rörelser. Robert Delaunay försvarade ofta sin egen konstnärliga ståndpunkt, som skilde sig mycket från sin farbrors, vilket ledde till burleska hushållsscener. ”Tallrikarna flög för att Robert försvarade sin åsikt”, säger Sonia Delaunay.
Läs också: historia-sv – Operation Overlord
De första arbetena
Under 1904 och 1905 skapade Robert Delaunay sina första målningar: landskap och blommor i nyimpressionistisk och fauvistisk stil. År 1907 gjorde han sin militärtjänst i Laon, i Aisne. Han var fascinerad av katedralen och gjorde många skisser av den. Han blev tilldelad hjälptjänsten i officersbiblioteket. Hans rumskamrat Robert Lotiron skrev att ”Delaunay vid den tiden var vansinnigt förälskad i Spinoza, Rimbaud, Baudelaire och Laforge. Den 20 oktober 1908 skrevs han ut på grund av ”funktionella hjärtproblem” och ”endokardit” och återvände till Paris.
År 1906 deltog han i den 21:a Salon des Indépendants, där han presenterade många av de målningar han hade gjort sommaren innan. År 1907 anslöt han sig till en grupp unga konstnärer som sökte en ny konst, däribland Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier och Fernand Léger. Samtidigt utförde han ett viktigt arbete med monument i Paris. Resultatet av hans forskning var en personlig färgteori som utgick från verket Paris – Saint-Séverin (1909).
Läs också: biografier – Johannes Argyropoulos
Möte med Sonia
I början av 1909 träffade han Sonia Stern när de båda umgicks med kända konstnärer. Tillsammans bevittnade de triumfen när Louis Blériot flög över Engelska kanalen och tillbringade tid tillsammans i Drôme. Hon är gift med Wilhelm Uhde, men det är ett skenäktenskap. Hon skilde sig omedelbart och gifte om sig den 15 november 1910 med Robert Delaunay, som hon var gravid med. Den 18 januari 1911 föds pojken Charles. Robert målar ett litet Eiffeltorn som han ger Sonia i förlovningspresent.
Läs också: historia-sv – Akbar den store
Mognad och abstraktion
Under 1910, influerad av kubismen, särskilt Cézannes, reducerade Robert Delaunay sin färgpalett till monokrom, men under Sonias inflytande återinförde han varma färger. Från och med 1912 vände han sig till orfism med serien Windows (som finns i Grenoble Museum och Philadelphia Museum of Art). Tillsammans med Sonia Delaunay skapade han simultaneismen, som bygger på lagen om samtidig färgkontrast. Han inledde en korrespondens med den abstrakta konstens pionjär Vassili Kandinsky, vars teoretiska text Om det andliga i konsten (som Sonia översatte för honom från tyskan) kom att påverka och vägleda honom i hög grad.
De två konstnärerna hjälpte också varandra att få plats på utställningar och i kritiken; de var verkligen vänner. Det var tack vare Kandinsky som Delaunay kunde ställas ut i Moskva, där han presenterade tre verk utan titel. År 1912 var ett händelserikt år för Robert Delaunay: han ställde ut i Moskva, München, Berlin, Paris och Zürich, blev vän med poeten Guillaume Apollinaire (som bodde i hans ateljé i november och december) och Blaise Cendrars, träffade Paul Klee (som han korresponderade med), Alberto Giacometti, Henri Matisse, Henri Le Fauconnier och målade serien Fönster, som markerade en viktig vändpunkt i hans arbete.
År 1913 åkte Delaunay till Berlin för att ställa ut tillsammans med Guillaume Apollinaire, och han tog tillfället i akt att träffa den tidens tyska konstnärer: Franz Marc, Max Ernst och August Macke. Till min stora glädje föredrog de mina senaste verk”, säger han. Paul Klee översätter Delaunays teoretiska text ”La Lumière” till tyska och den publiceras i tidskriften Der Sturm i januari under titeln ”Über das Licht”. Apollinaire skriver dikten Les Fenêtres (Fönstren), som fungerar som ett förord till målarens serie av homonyma målningar. I februari skriver Alexandra Exter till familjen Delaunay och ber dem att anmäla dem till Salon des Indépendants, liksom Michel Larionov och Nathalie Goncharoff. Robert Delaunay korresponderade med alla dessa konstnärer från det ryska avantgardet och det var han som presenterade dem för den franska publiken. Vid den tiden ansåg Apollinaire att han var den mest inflytelserika målaren, tillsammans med Picasso: ”Det finns nya tendenser i det moderna måleriet; de viktigaste tycks mig vara, å ena sidan, Picassos kubism och, å andra sidan, Delaunays orfism” (Guillaume Apollinaire Die Moderne Malerei i Der Sturm, februari 1913).
Under hela denna period målade han sina tavlor i den lilla staden Louveciennes, där han bodde tillsammans med Sonia, och reste till Paris eller utomlands först när arbetet var färdigt, för att presentera det eller för att träffa sina vänner målare och poeter.
Robert, som först kallades till militärtjänst och sedan förklarades desertör, utnyttjade sina kontakter och fick sin avskrivning från det franska konsulatet i Vigo den 13 juni 1916. Han och Sonia Delaunay stannade i Spanien och Portugal under kriget fram till 1922. Han fortsatte att måla, framför allt en serie om portugisiska marknader, men också stilleben och naken på toaletten. Delaunay-paret passade på att tillbringa långa dagar på Pradomuseet, och Robert Delaunay blev fascinerad av Rubens och El Grecos verk. När de återvände till Frankrike var Dada-rörelsen på sin höjdpunkt.
Tillbaka i Paris umgicks familjen Delaunay med många poeter och musiker, men få målare, och umgicks med den surrealistiska miljön, vilket framgår av de många porträtt av vänner som gjordes under denna period, bland annat av Tristan Tzara, en trogen vän till André Breton och Philippe Soupault under 1920- och 1930-talen. De var också knutna till Louis Aragon, Jean Cocteau och Igor Stravinsky och tog emot den ryske poeten Vladimir Maïakovski. De vänskapliga mötena gjorde det möjligt för Robert Delaunay att presentera sina litterära teorier, som han senare skrev ner på papper.
Han målade om Eiffeltornet flera gånger, eftersom ”jätten” lämpade sig väl för hans forskning om samtidiga färgkontraster. Jämfört med de torn som han målade i sin ungdom är verket dock mycket annorlunda.
På 1920-talet diversifierade han sitt arbete, bland annat genom att samarbeta med Fernand Léger inom dekorativ konst. Han deltog i 1925 års utställning om dekorativ konst, som sammanfattade alla länders forskning på området tillämpad konst. Sonia Delaunay följde också denna väg och fick mer erkännande än han. Samma år komponerade han scenografin till flera filmer.
Delaunay återvände till den abstrakta orfismen med sin serie Rythme, som till största delen skapades 1934. Den här serien verkar vara kulmen på hans forskning om bildharmoni. Samtidigt började han forska i nya material. Hans arbete lyfts fram genom en utställning med en lång kommentar av Jean Cassou.
Uppdragen för 1937 års internationella utställning gjorde det möjligt för honom att skapa enorma fresker och monumentala målningar, bland annat för luft- och järnvägspaviljongen. Fresken i luftpalatset är en förstorad version av en målning från Rhythm-serien. Året därpå dekorerade han skulptursalen vid Tuileriesalongen, för vilken han utförde tre stora rytmer, hans sista viktiga verk.
1940 flydde han från nazisternas framfart och tog sin tillflykt till Montpellier i frizonen tillsammans med Joseph Delteil. Han fortsatte att delta i det konstnärliga livet. Han bosatte sig i Mougins och skapade ett veritabelt Delaunay-museum med sina vickande torn. Målaren Albert Aublet besökte honom ofta när han stödde den unge figurativa målaren Nicolas de Staël. Han fick återigen problem med lungorna och dog den 25 oktober 1941.
Robert Delaunays verk delas vanligtvis kronologiskt in i två delar: å ena sidan nyimpressionismen i hans ungdom och å andra sidan orfism, en gren av kubismen och abstraktionens avantgarde, som utgör hans mognad (från omkring 1912). Hans verk blev offentligt tillgängligt den 1 januari 2012.
Läs också: biografier – Herman Willem Daendels
Neoimpressionism
Delaunay var till en början influerad av impressionismen och syntetismen, men övergick till nyimpressionismen efter att ha träffat Jean Metzinger, som uppmanade honom att fördjupa sig i teoretiska skrifter om färg, som De la loi du contraste simultané des couleurs av Eugène Chevreul. Sådana uppsatser övertygade honom om att färgerna är beroende av varandra och att de interagerar med varandra beroende på hur de är fördelade i spektrumet. Denna upptäckt präglade honom under hela hans liv.
Mellan 1904 och 1906 skapade han en serie porträtt och självporträtt där han använde sig av divisionismens breda penseldrag. Samtidigt skapade han en serie landskap, återigen med hjälp av den divisionistiska metoden, bland annat det berömda Landskap med skiva, som han målade under de sista dagarna av 1906.
Redan 1906, i Le Portrait de Henri Carlier, bekräftade Robert Delaunay sin egenart i valet av färgschema: de dominerande gröna och lila färgerna möter områden med lysande rött. Den violetta färg han använde var ovanlig för tiden och var utan tvekan lånad från den divisionistiska målaren Cross, och hans arbete påverkades av långa diskussioner med Jean Metzinger.
Läs också: biografier – Nikos Kazantzakis
Orfism
Robert Delaunay övergick till abstraktion med serien Les Fenêtres, som han presenterade mellan 1912 och 1913. Den inleder en lång rad undersökningar av möjligheten att översätta ”representativ harmoni” genom att bara arrangera färger. Färgerna ersätter föremålen, som inte längre har någon substans och ger plats åt ljuset. Övergången till abstraktion skedde efter att ha läst Vasilij Kandinskys teorier i hans manifestbok Om det andliga i konsten, och medan Guillaume Apollinaire 1912 diagnostiserade födelsen av en ny bildkonst: ”De nya målarna målar bilder där det inte längre finns något verkligt ämne”. Men till skillnad från Vasilij Kandinsky, som gav sina verk ett psykologiskt och mystiskt innehåll, utnyttjade Robert Delaunay endast den ”rent fysiska effekten”. Han förklarar sig själv genom att låta sig inspireras av en text av Leonardo da Vinci: ”Ögat är vårt högsta sinne, det som kommunicerar närmast med vår hjärna, vårt samvete. Idén om en vital rörelse i världen och dess rörelse är samtidig. Vår förståelse är beroende av vår uppfattning. Vid den här tiden forskade Delaunay också mycket om färger och närmare bestämt om lagen om samtidig färgkontrast. Tillsammans med Sonia Delaunay skapade han simultaneismen, en teknik som syftar till att finna bildmässig harmoni genom att ordna färgerna samtidigt, och som i huvudsak fokuserar på ljusets roll, som uppfattas som den ursprungliga kreativa principen.
Efter serien Les Fenêtres producerade Robert Delaunay 1913 en serie med titeln L”Équipe de Cardiff, som handlade om sport, särskilt fotbollsrugby, en sport som var i full utveckling vid den tiden. Han valde alltså ett ämne som hittills inte hade behandlats särskilt mycket och som stämde väl överens med Blaise Cendrars och Guillaume Apollinaires ”modernolatri”. Han instämde med tidningarna som lovordade den nya generationens ”vitala anda”. Målningen presenterar en stridbar vision av det moderna livet, där handlingskulten inbjuder till att överträffa sig själv.
Den här serien är inte abstrakt: rugbyspelare avbildas framför ett pariserhjul och Eiffeltornet, i en samling av affischer och färger. Miljön är helt och hållet urban: det är reklamskylten som tar störst plats i målningen. Han organiserar sitt måleri som en juxtaposition av element som arrangeras samtidigt. Bilden av spelarna tycks ha kommit från en engelsk tidskrift som han ägde, och motiven av pariserhjulet, reklamtavlan och Eiffeltornet från ett vykort som hittades i hans tillhörigheter. De fyra elementen grupperas med hjälp av medianlinjen, en sinusformad axel som skär målningen i två delar och samtidigt skapar dess enhet. Denna axel ger möjlighet till en arkitektur utan grund, som verkar flyga i luften.
Vid nästa salong, 1914, presenterade Robert Delaunay målningen Hommage à Blériot, ett verkligt manifest för sin simultana metod. Tygets rörelser styrs av former som lånats från flygtekniken: biplan, propeller. Flygplanet, symbol för människans frigörelse från jorden, gav Robert Delaunay en förevändning för att frigöra sig från det traditionella måleriets koder och för att närma sig det ”osakliga” och ”rena måleriet”. Han valde flygplanet eftersom det avskaffade begreppet avstånd och gjorde det möjligt för målaren att gå mot en panoramisk allmängiltighet. Han ställer en harmonisk flödesrikedom mot det förflutnas beskrivande försök. På samma sätt kan han med detta motiv, liksom med Eiffeltornet, hävda att han är en modern målare. Det är märkbart att målaren föredrar kurvor (till skillnad från de abstrakta målarna Kasimir Malevitj och Piet Mondrian), något som redan bekräftades i serien Blommor (1909) och som kommer att fortsätta i cirkulära former.
Efter att ha presenterat sin serie L”Équipe de Cardiff på Salon des Indépendants i början av 1913 drog han sig tillbaka till Louveciennes och påbörjade en större serie med titeln Formes Circulaires. Med detta verk ville Robert Delaunay återge solljusets kraft, ett tema som han redan hade skissat upp i sin målning Paysage au disque från 1906, och månens bestrålning. Om ett av verken i denna serie förklarade han senare att det var ”den första cirkulära målningen, den första icke-figurativa målningen”. Den här målningen visar hans intresse för 1800-talets (delvis felaktiga) vetenskapliga teorier om färger. I Circular Forms, Sun No. 2 befinner sig de tre primärfärgerna blå, röd och gul i ändarna av en deformerad triangel, vilket ger en känsla av rotation åt helheten. För Delaunay beror denna effekt på att färgmönstren virvlar, blått nedåt och rött uppåt. Mellan dessa primära färger finns sekundära färger som erhålls genom att blanda de första färgerna: orange, grönt och violett. Allting virvlar runt centrum, den ursprungliga och slutgiltiga färgen, vit. Det är inte solen som representeras, utan ögats uppfattningsförfarande.
I augusti 1913, fortfarande i Louveciennes, skapade han ett ensamt verk kallat Disque (Le Premier Disque), som består av sju koncentriska cirklar uppdelade i fyra lika stora segment. Medan det fanns många färgade cirklar i hans serie Formes Circulaires koncentrerar sig Robert Delaunay i denna målning på den plana ytans renhet, men det är inte bara en detalj av ett tidigare verk, det är ett verk i sig självt, en del av Delaunays forskning om bildharmoni. Detta obestridligt icke objektiva verk är av stor betydelse för konsthistorien.
När han befann sig i Spanien och Portugal under kriget förnyade han sina teman och flyttade från staden till det folkliga livet på marknaderna eller hemma, men hans konstnärliga teknik förblev densamma. Karaktärerna tecknas figurativt, men omges av abstrakta objekt; på samma dukar sprutar färgerna ut och används helt fritt. Ljuset på den iberiska halvön är mycket starkare än ljuset på Île-de-France, som Robert Delaunay knappt hade lämnat, vilket gör det möjligt för honom att observera och återge en ny typ av färgvibrationer i sina målningar.
På 1920-talet arbetade Robert Delaunay återigen med Eiffeltornet, men på ett helt annat sätt. Tornet rasar inte längre, utan reser sig upp, sett från en låg vinkel, på ett sådant sätt att det verkar växa i oändlighet. Vid andra tillfällen ses tornet från himlen och förknippas med Champ de Mars kurvor; för dessa vyer använde han flygfoton. I sin komposition hämtar han rytmens dynamik och arrangemanget av orealistiska färger.
År 1925 deltog han i Exposition des Arts Décoratifs, där han tillsammans med Fernand Léger dekorerade en ambassadhall. Han valde temat Kvinnan i tornet, som han återgav på en över fyra meter lång tavla och som orsakade en våldsam skandal.
De många porträtt av vänner och bekanta som han målade under dessa år var visserligen figurativa, men Robert Delaunay använde alltid ljusa, kraftfulla färger. I Porträtt av Tristan Tzara är det viktigaste elementet till exempel inte poetens ansikte utan den orange-gröna halsduken som han bär runt halsen.
Runt 1930 inträffade en ganska svårförklarlig vändning som fick Delaunay att återvända till orfism och påbörja en serie med titeln Rythmes, som tar upp de cirkulära formerna från 1910-talet på ett nytt och mer moget sätt, med inspiration från Piet Mondrian och de konstnärer som samlades under namnet abstraktionsgeometri (de flesta av dem erkände att de stod i konstnärlig skuld till honom). Han visade sitt mästerskap i färgarrangemang och uppnådde det mål som han hade eftersträvat under de tidiga orfiska åren: bildmässig harmoni.
Samtidigt började han, trots att han nästan alltid hade nöjt sig med att hålla sig till den klassiska målartekniken (utom när det gällde dekorativ konst), att forska i nya bildtekniker, som Jean Cassou beskrev i detalj i en artikel som publicerades 1935 i tidskriften Art et décoration: ”Dessa beläggningar, där kasein dominerar i sammansättningen, kan appliceras på kartong eller duk. Det är möjligt att måla dem som fresker, med olja eller med ägg. Delaunay blandade sitt kasein med pastor av korkpulver och uppnådde på så sätt tjocklekar med sågspån. Fördelen med dessa material är att när de har härdats kan de användas för exteriörer och motstå atmosfäriska ämnen. Delaunay använde också en rad olika färgglada sandarter, särskilt Coloradosand, som han sprutar på sina kaseinputser med en luftpistol. De färger som erhålls på detta sätt är ljusäkta och vattenfasta. Ett annat material som Delaunays uppfinningsrikedom har bidragit till är lackerad sten, som kan användas för att skapa väggar med varierande och attraktiva färger. Det är ett lätt, icke brännbart material som är idealiskt för användning i flottan. Den kan uppnå marmors densitet och cementens beständighet, men detta är dess överlägsenhet i förhållande till cement, den har sin egen färg. Den kan också tillverkas i vita ytor, där färgen fäster perfekt. Det är onödigt att påpeka att kaseinpastor kan arrangeras i dekorativa reliefer som är så komplexa och fria som man vill. Robert Delaunay övergick alltså från staffliet till konstnärligt arbete på väggar. Han förklarade detta i tidningen Commune: ”Jag, konstnären, den manuella konstnären, gör en revolution i väggarna. Just nu har jag hittat nya material som förvandlar väggen, inte bara utvändigt utan även i själva substansen. Skilja människan från konsten? Aldrig. Jag kan inte skilja människan från konsten eftersom jag bygger hus åt henne! Medan det var på modet för stafflibilder, tänkte jag redan då endast på stora väggverk.
Dessa väggverk fick sin höjdpunkt i den internationella utställningen 1937, för vilken han skapade enorma dekorationer. Redan 1935 fick han en förfrågan om att delta i denna gigantiska utställning, men till skillnad från många andra konstnärer ansökte han inte om att få delta, utan blev uppmärksammad tack vare en utställning som tidskriften Art et décoration anordnade 1935 med titeln Revêtements muraux en relief et en couleurs de Robert Delaunay. Han dekorerade Palais du Chemin de Fer et de l”Air. För den senare återgav han sin målning Rythme sans fin i stor skala. Målet var också att få ut avantgardet ur sin lilla krets av initierade och göra det tillgängligt för alla.
Robert Delaunay målade abstrakta verk under två perioder i sitt liv: först omkring 1912 och 1913, med serien Cities, Circular Forms och målningen Simultaneous Disc, som gjorde honom till en av abstraktionens pionjärer, och sedan omkring 1933 och 1934, då han målade serierna Rhythms och Endless Rhythms. Men han definierade aldrig sin konst som abstrakt. Detta beror på att han kände sig själv som kubist, att kritiker och allmänheten såg honom som en kubistisk målare och att hans verk tolkades som sådana. För att distansera sig från de andra ”-ismerna” som florerade vid den tiden skapade han sin egen rörelse, simultanismen, på grund av sin kromatiska forskning om färger. Han betraktade sig själv som en ”kubismens heresiark”. I ett brev till August Macke 1913 sade han också att ”En sak som är oumbärlig för mig är den direkta observationen av ljusets väsen i naturen”, vilket skiljer honom från abstrakta konstteoretiker som Piet Mondrian, som vill se en konst som är helt avskärmad från naturen. Vissa av hans verk är dock utan tvekan abstrakta, bland annat den serie som nämns ovan. För att återge ljuset, som verkar vara ett naturligt element, var han tvungen att använda sig av icke-figurativa former utan någon direkt koppling till verkligheten. För att fånga ljusets essens valde han att använda färgskalor utan att föreställa ett objekt. Sonia Delaunay för sin del noterar i sin dagbok (utgiven 1978 av Robert Laffont, s. 137): ”Jag har avslutat Dorivals bok. I slutet av sin bok sammanfattar han den första volymen genom att visa att allt måleri från den här perioden förkunnar ett måleri som rör sig bort från realismen, ett osakligt måleri, alla de målningar vi känner till är bara i sin linda. Han är otroligt förstående och så nära han är oss! Det är första gången jag har sett någon så långt borta och så nära. Det är synd att Delaunay inte kände honom.”
Läs också: biografier – Jasper Tudor, 1:e hertig av Bedford
Bibliografi
Dokument som använts som källa för denna artikel.
Läs också: historia-sv – Inbördeskriget i Nigeria
Externa länkar
Källor
