Robert Rauschenberg
gigatos | december 30, 2021
Sammanfattning
Milton Ernest ”Robert” Rauschenberg (22 oktober 1925 – 12 maj 2008) var en amerikansk målare och grafiker vars tidiga verk föregick popkonströrelsen. Rauschenberg är välkänd för sina Combines (1954-1964), en grupp konstverk där vardagsföremål införlivades som konstmaterial och som suddade ut skillnaderna mellan måleri och skulptur. Rauschenberg var både målare och skulptör, men han arbetade också med fotografi, tryckning, papperstillverkning och performance.
Rauschenberg fick många utmärkelser under sin nästan 60-åriga konstnärliga karriär. Bland de mest framstående var det internationella stora priset i måleri vid den 32:a Venedigbiennalen 1964 och den nationella konstmedaljen 1993.
Rauschenberg bodde och arbetade i New York och på Captiva Island i Florida fram till sin död den 12 maj 2008.
Rauschenberg föddes som Milton Ernest Rauschenberg i Port Arthur, Texas, som son till Dora Carolina (född Matson) och Ernest R. Rauschenberg. Hans far var av tysk och cherokeeisk härstamning och hans mor av holländsk härstamning. Hans far arbetade för Gulf States Utilities, ett ljus- och kraftbolag. Hans föräldrar var fundamentalistiska kristna. Han hade en yngre syster vid namn Janet Begneaud.
Vid 18 års ålder antogs Rauschenberg till University of Texas i Austin där han började studera farmakologi, men han hoppade av kort därefter på grund av svårigheten i kursarbetet – han insåg då inte att han var dyslektiker – och på grund av sin ovilja att dissekera en groda på biologilektionen. Han blev inkallad till den amerikanska flottan 1944. Han var stationerad i Kalifornien och tjänstgjorde som neuropsykiatrisk tekniker på ett sjukhus i flottan tills han blev avskedad 1945 eller 1946.
Rauschenberg studerade därefter vid Kansas City Art Institute och Académie Julian i Paris, Frankrike, där han träffade konststudenten Susan Weil. År 1948 gick Rauschenberg tillsammans med Weil till Black Mountain College i North Carolina.
I Black Mountain sökte Rauschenberg upp Josef Albers, grundare av Bauhaus i Tyskland, som han hade läst om i Time Magazine i augusti 1948. Han hoppades att Albers rigorösa undervisningsmetoder skulle kunna få bukt med hans vanliga slarvighet. Albers preliminära designkurser byggde på sträng disciplin som inte tillät några ”oinfluerade experiment”.
Rauschenberg blev, med sina egna ord, ”Albers” dumskalle, ett utmärkt exempel på vad han inte talade om”. Även om Rauschenberg ansåg att Albers var hans viktigaste lärare, fann han en mer kompatibel känslighet hos John Cage, en etablerad kompositör av avantgardemusik. Liksom Rauschenberg hade Cage avlägsnat sig från sin lärare Arnold Schönbergs disciplinära läror till förmån för ett mer experimentellt förhållningssätt till musiken. Cage gav Rauschenberg välbehövligt stöd och uppmuntran under de tidiga åren av hans karriär, och de två förblev vänner och konstnärliga samarbetspartners under flera decennier.
Mellan 1949 och 1952 studerade Rauschenberg för Vaclav Vytlacil och Morris Kantor vid Art Students League i New York, där han träffade konstnärskollegorna Knox Martin och Cy Twombly.
Rauschenberg gifte sig med Susan Weil sommaren 1950 i familjen Weils hem i Outer Island, Connecticut. Deras enda barn, Christopher, föddes den 16 juli 1951. De två separerade i juni 1952 och skilde sig 1953. Därefter hade Rauschenberg romantiska relationer med bland annat konstnärskollegorna Cy Twombly och Jasper Johns. Hans partner under de sista 25 åren av sitt liv var konstnären Darryl Pottorf,
På 1970-talet flyttade han till NoHo på Manhattan i New York.
Rauschenberg köpte Beach House, sin första fastighet på Captiva Island, den 26 juli 1968. Fastigheten blev dock inte hans permanenta bostad förrän hösten 1970.
Rauschenberg dog av hjärtsvikt den 12 maj 2008 på Captiva Island i Florida.
Rauschenbergs tillvägagångssätt kallades ibland för ”neodadaistiskt”, en etikett som han delade med målaren Jasper Johns. Rauschenberg har gjort ett berömt uttalande om att ”måleriet har med både konsten och livet att göra” och att han ville arbeta ”i gapet mellan de två”. Liksom många av sina dadaistiska föregångare ifrågasatte Rauschenberg skillnaden mellan konstföremål och vardagsföremål, och hans användning av readymade-material återupptog de intellektuella frågor som väcktes av Marcel Duchamps Fountain (1917). Duchamps dadaistiska inflytande kan också observeras i Jasper Johns målningar av måltavlor, siffror och flaggor, som var välkända kulturella symboler: ”saker som sinnet redan känner till”.
Vid Black Mountain College experimenterade Rauschenberg med en mängd olika konstnärliga medier, bland annat grafik, teckning, fotografi, måleri, skulptur och teater, och hans verk innehöll ofta någon kombination av dessa. Han skapade sina Night Blooming-målningar (1951) vid Black Mountain genom att pressa stenar och grus i svart pigment på duk.
Från hösten 1952 till våren 1953 reste Rauschenberg till Italien och Nordafrika tillsammans med sin konstnärskollega och partner Cy Twombly. Där skapade han collage och små skulpturer, bland annat Scatole Personali och Feticci Personali, av upphittade material. Han ställde ut dem på gallerier i Rom och Florens. Till Rauschenbergs förvåning såldes ett antal av verken, och många av dem som inte såldes kastade han i floden Arno, på förslag av en konstkritiker som recenserade utställningen.
När Rauschenberg återvände till New York 1953 började han skapa skulpturer med material som han hittade i sitt bostadsområde på Lower Manhattan, till exempel metallskrot, trä och garn. Under hela 1950-talet försörjde Rauschenberg sig själv genom att designa skyltfönster för Tiffany & Co. och Bonwit Teller, först tillsammans med Susan Weil och senare i samarbete med Jasper Johns under pseudonymen Matson Jones.
I en berömd incident 1953 begärde Rauschenberg en teckning av den abstrakta expressionisten Willem de Kooning med det uttalade syftet att radera den som ett konstnärligt ställningstagande. Detta konceptuella verk, med titeln Erased de Kooning Drawing, utfördes med den äldre konstnärens samtycke.
1961 utforskade Rauschenberg en liknande konceptuell strategi genom att presentera en idé som själva konstverket. Han inbjöds att delta i en utställning på Galerie Iris Clert i Paris, där konstnärer skulle presentera porträtt av galleriets ägare Clert. Rauschenbergs bidrag bestod av ett telegram där han förklarade: ”Detta är ett porträtt av Iris Clert om jag säger så”.
1962 började Rauschenbergs målningar innehålla inte bara upphittade föremål utan även upphittade bilder. Efter ett besök i Andy Warhols studio samma år började Rauschenberg använda sig av en silkscreenprocess, som vanligtvis är reserverad för kommersiella reproduktionsmedel, för att överföra fotografier till duk. De silkscreenmålningar som gjordes mellan 1962 och 1964 ledde till att kritiker identifierade Rauschenbergs arbete med popkonsten.
Rauschenberg hade experimenterat med teknik i sina konstverk sedan han gjorde sina tidiga Combines i mitten av 1950-talet, där han ibland använde fungerande radioapparater, klockor och elektriska fläktar som skulpturmaterial. Senare utforskade han sitt intresse för teknik när han arbetade med forskaren Billy Klüver från Bell Laboratories. Tillsammans förverkligade de några av Rauschenbergs mest ambitiösa teknikbaserade experiment, till exempel Soundings (1968), en ljusinstallation som reagerade på omgivande ljud. År 1966 startade Klüver och Rauschenberg officiellt Experiments in Art and Technology (E.A.T.), en ideell organisation som grundades för att främja samarbeten mellan konstnärer och ingenjörer.
1969 bjöd NASA in Rauschenberg att bevittna uppskjutningen av Apollo 11. Som svar på denna historiska händelse skapade Rauschenberg sin litografiserie Stoned Moon Series. Här kombinerade han diagram och andra bilder från NASA:s arkiv med sina egna teckningar och handskriven text.
Från och med 1970 arbetade Rauschenberg från sitt hem och sin studio i Captiva i Florida. De första verken han skapade i sin nya studio var Cardboards (1971-72) och Early Egyptians (1973-74), för vilka han använde sig av material från lokala källor som kartong och sand. Medan hans tidigare verk ofta hade lyft fram urbana bilder och material, föredrog Rauschenberg nu effekten av naturliga fibrer som finns i tyg och papper. Han tryckte på textilier med hjälp av sin teknik för lösningsmedelsöverföring för att göra Hoarfrost (den senare hade stora sträckor av kollagerat tyg på träpaneler. Rauschenberg skapade sin serie Jammer (1975-76) med hjälp av färgglada tyger som inspirerats av hans resa till Ahmedabad i Indien, en stad som är känd för sina textilier. Den bildlösa enkelheten i Jammer-serien är en slående kontrast till de bildfyllda Hoarfrosts och det gryniga i hans tidigaste verk som gjordes i New York.
Internationella resor blev en central del av Rauschenbergs konstnärliga process efter 1975. År 1984 meddelade Rauschenberg att han började sitt Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) vid Förenta nationerna. ROCI-projektet, som nästan helt finansierades av konstnären, bestod av en sjuårig turné till tio länder runt om i världen. Rauschenberg fotograferade på varje plats och gjorde konstverk inspirerade av de kulturer han besökte. De resulterande verken visades i en lokal utställning i varje land. Rauschenberg donerade ofta ett konstverk till en lokal kulturinstitution.
I mitten av 1980-talet började Rauschenberg fokusera på att screentrycka bilder på en mängd olika behandlade metaller, såsom stål och spegelblank aluminium. Han skapade många serier av så kallade ”metallmålningar”, bland annat: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) och Night Shades (1991). Under hela 1990-talet fortsatte Rauschenberg dessutom att använda nya material samtidigt som han fortfarande arbetade med mer rudimentära tekniker. Som en del av sitt engagemang i de senaste tekniska innovationerna överförde han i sin sena målningsserie digitala bläckstrålefotografiska bilder till en mängd olika målarunderlag. För Arcadian Retreats (1996) överförde han bilder till våt fresco. I enlighet med sitt engagemang för miljön använde Rauschenberg biologiskt nedbrytbara färgämnen och pigment samt vatten i stället för kemikalier i överföringsprocessen.
Läs också: biografier – Maria Teresia av Österrike
Vita tavlor, svarta tavlor och röda tavlor
1951 skapade Rauschenberg sin serie White Painting i den tradition av monokromatiskt måleri som Kazimir Malevitj etablerade, som reducerade måleriet till dess mest väsentliga egenskaper för att få en upplevelse av estetisk renhet och oändlighet. White Paintings visades på Eleanor Wards Stable Gallery i New York hösten 1953. Rauschenberg använde vardaglig vit husfärg och färgrullar för att skapa släta, oskönade ytor som till en början ser ut som en tom duk. Istället för att uppfatta dem som innehållslösa beskrev John Cage dock de vita målningarna som ”flygplatser för ljus, skuggor och partiklar”; ytor som reflekterade känsliga atmosfäriska förändringar i rummet. Rauschenberg sa själv att de påverkades av de omgivande förhållandena, ”så att man nästan kan säga hur många människor som befinner sig i rummet.” Liksom de vita målningarna utfördes de svarta målningarna 1951-1953 på flera paneler och var övervägande enfärgade verk. Rauschenberg applicerade matt och blank svart färg på texturerade underlag av tidningspapper på duk, och lät ibland tidningen förbli synlig.
År 1953 hade Rauschenberg gått från White Painting och Black Painting-serien till den ökade expressionismen i Red Painting-serien. Han betraktade rött som ”den svåraste färgen” att måla med och antog utmaningen genom att droppa, klistra och pressa lager av rött pigment direkt på dukunderlag som bestod av mönstrade tyger, tidningar, trä och spikar. De komplexa materiella ytorna i Red Paintings var föregångare till Rauschenbergs välkända Combine-serie (1954-1964).
Läs också: civilisationer – Qutb Shahi-dynastin
Kombinerar
Rauschenberg samlade in kasserade föremål på New Yorks gator och tog dem med sig till sin ateljé där han integrerade dem i sina verk. Han hävdade att han ”ville ha något annat än det jag kunde göra själv, och jag ville använda överraskningen, samlandet och generositeten i att hitta överraskningar”. Så själva objektet förändrades av sitt sammanhang och blev därför en ny sak”.
Rauschenbergs kommentar om klyftan mellan konst och liv är utgångspunkten för att förstå hans bidrag som konstnär. Han såg den potentiella skönheten i nästan allting; han sade en gång: ”Jag tycker verkligen synd om människor som tycker att saker som tvålfat, speglar eller colaflaskor är fula, för de är omgivna av sådana saker hela dagarna och det måste göra dem olyckliga”. Hans Combine-serie gav vardagsföremålen en ny betydelse genom att föra in dem i kontexten av fin konst tillsammans med traditionella målarmaterial. Combines eliminerade gränserna mellan konst och skulptur så att båda var närvarande i ett enda konstverk. Även om ”Combines” tekniskt sett hänvisar till Rauschenbergs verk från 1954 till 1964, fortsatte Rauschenberg att använda vardagsföremål som kläder, tidningar, stadsavfall och kartong under hela sin konstnärliga karriär.
Hans övergångsverk som ledde till Combines var Charlene (1954) och Collection (1954-1955), där han collagerade föremål som halsdukar, glödlampor, speglar och serietidningar. Även om Rauschenberg hade implementerat tidningar och mönstrade textilier i sina svarta målningar och Red Paintings, gav han i Combines vardagsföremålen en lika framträdande plats som de traditionella målarmaterialen. Bed (1955), som anses vara en av de första av Combines, skapades genom att smeta ut röd färg över ett slitet täcke, ett lakan och en kudde. Verket hängdes vertikalt på väggen som en traditionell målning. På grund av materialens intima kopplingar till konstnärens eget liv anses Bed ofta vara ett självporträtt och ett direkt avtryck av Rauschenbergs inre medvetande. En del kritiker menade att verket kunde tolkas som en symbol för våld och våldtäkt, men Rauschenberg beskrev Bed som ”en av de vänligaste bilderna jag någonsin målat”. Bland hans mest kända Combines finns de som innehåller taxidermiedjur, som Monogram (1955-1959) som innehåller en uppstoppad angoraget, och Canyon (1959), som innehåller en uppstoppad kungsörn. Även om örnen bärgades från soporna drog Canyon till sig regeringens vrede på grund av 1940 års lag om skydd av Bald and Golden Eagle Protection Act (lagen om skydd av Bald- och kungsörn).
Kritiker betraktade ursprungligen Combines utifrån deras formella egenskaper: färg, textur och komposition. 1960-talets formalistiska synsätt tillbakavisades senare av kritikern Leo Steinberg, som sade att varje Combines var ”en receptoryta på vilken föremål sprids ut, på vilken data skrivs in”. Enligt Steinberg hade horisontaliteten i vad han kallade Rauschenbergs ”flatbed picture plane” ersatt måleriets traditionella vertikalitet och möjliggjorde därmed de unikt materialbundna ytorna i Rauschenbergs verk.
Läs också: strider – Första slaget vid Panipat
Föreställningar och dans
Rauschenberg började utforska sitt intresse för dans när han flyttade till New York i början av 1950-talet. Han kom först i kontakt med avantgardistisk dans och performancekonst vid Black Mountain College, där han deltog i John Cages Theatre Piece No. 1 (1952), som ofta anses vara den första Happening. Han började designa scenografi, belysning och kostymer för Merce Cunningham och Paul Taylor. I början av 1960-talet deltog han i de radikala dans-teaterexperimenten vid Judson Memorial Church i Greenwich Village, och han koreograferade sin första föreställning, Pelican (1963), för Judson Dance Theater i maj 1963. Rauschenberg var nära vän med Cunningham-anslutna dansare som Carolyn Brown, Viola Farber och Steve Paxton, som alla var med i hans koreograferade verk. Rauschenbergs heltidsanknytning till Merce Cunningham Dance Company upphörde efter dess världsturné 1964. År 1966 skapade Rauschenberg föreställningen Open Score för en del av 9 Evenings: Theatre and Engineering på 69th Regiment Armory i New York. Serien var avgörande för bildandet av Experiments in Art and Technology (E.A.T.).
År 1977 återfanns Rauschenberg, Cunningham och Cage för första gången på tretton år för att skapa Travelogue (1977), till vilken Rauschenberg bidrog med kostym- och scenografi. Rauschenberg koreograferade inga egna verk efter 1967, men han fortsatte att samarbeta med andra koreografer, bland annat Trisha Brown, under resten av sin konstnärliga karriär.
Läs också: civilisationer – Tudortiden
Provisioner
Under hela sin karriär skapade Rauschenberg många affischer till stöd för de frågor som var viktiga för honom. När tidningen Life Magazine 1965 gav honom i uppdrag att visualisera ett modernt Inferno tvekade han inte att ge utlopp för sin ilska mot Vietnamkriget och andra samtida sociopolitiska frågor, däribland rasistiskt våld, nynazism, politiska mord och ekologiska katastrofer.
Den 30 december 1979 tryckte Miami Herald 650 000 exemplar av sin söndagstidning Tropic med ett omslag som Rauschenberg hade designat. 1983 vann han en Grammy Award för sin albumdesign av Talking Heads album Speaking in Tongues. År 1986 fick Rauschenberg i uppdrag av BMW att måla en fullstor BMW 635 CSi för den sjätte delen av det berömda BMW Art Car Project. Rauschenbergs bil var den första i projektet som innehöll reproduktioner av verk från Metropolitan Museum of Art i New York samt hans egna fotografier.
År 1998 beställde Vatikanen ett verk av Rauschenberg för att hedra jubileumsåret 2000 och det skulle visas i Padre Pio Liturgical Hall i San Giovanni Rotondo, Italien. Rauschenberg arbetade med temat den sista domen och skapade The Happy Apocalypse (1999), en sex meter lång maquette. Den avvisades slutligen av Vatikanen med motiveringen att Rauschenbergs avbildning av Gud som en parabolantenn var en olämplig teologisk referens.
Rauschenberg hade sin första separatutställning på Betty Parsons Gallery våren 1951. När han var i Italien 1953 uppmärksammades han av Irene Brin och Gaspero del Corso, som organiserade hans första europeiska utställning i deras berömda galleri i Rom. År 1953 bjöd Eleanor Ward in Rauschenberg att delta i en gemensam utställning med Cy Twombly på Stable Gallery. I sin andra separatutställning i New York på Charles Egan Gallery 1954 presenterade Rauschenberg sina Red Paintings (1953-1953) och Combines (1954-1964). Leo Castelli ordnade en separatutställning av Rauschenbergs Combines 1958. Den enda försäljningen var ett förvärv av Castelli själv av Bed (1955), som nu ingår i samlingen av Museum of Modern Art i New York.
Rauschenbergs första retrospektiva utställning organiserades av Jewish Museum i New York 1963. År 1964 blev han en av de första amerikanska konstnärerna att vinna det internationella stora priset i måleri vid Venedigbiennalen (Mark Tobey och James Whistler hade tidigare vunnit måleripriset 1895 respektive 1958). En retrospektiv mitt i karriären organiserades av National Collection of Fine Arts (numera Smithsonian American Art Museum) i Washington, D.C., och turnerade runt i USA mellan 1976 och 1978.
På 1990-talet hölls en retrospektiv utställning på Solomon R. Guggenheim-museet i New York (1997), som sedan vandrade vidare till museer i Houston, Köln och Bilbao fram till 1999. En utställning med Combines presenterades på Metropolitan Museum of Art, New York (som reste till Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Paris, och Moderna Museet, Stockholm, fram till 2007). Rauschenbergs första postuma retrospektiv visades på Tate Modern (visades till Museum of Modern Art, New York, och San Francisco Museum of Modern Art fram till 2017).
Andra utställningar inkluderar: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, London (A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (och Rauschenberg: The 14 Mile på Los Angeles County Museum of Art (2018-2019).
Rauschenberg trodde starkt på konstens kraft som en katalysator för social förändring. Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) startade 1984 som ett försök att väcka internationell dialog och öka den kulturella förståelsen genom konstnärliga uttryck. En ROCI-utställning visades på National Gallery of Art i Washington D.C. 1991 och avslutade en turné i tio länder: Mexiko, Chile, Venezuela, Kina, Tibet, Japan, Kuba, Sovjetunionen, Tyskland och Malaysia.
År 1970 skapade Rauschenberg ett program kallat Change, Inc. för att dela ut engångsstipendier på upp till 1 000 dollar till bildkonstnärer utifrån ekonomiska behov. År 1990 skapade Rauschenberg Robert Rauschenberg Foundation (RRF) för att främja medvetenheten om de frågor som han brydde sig om, såsom världsfred, miljö och humanitära frågor. År 1986 fick Rauschenberg Golden Plate Award av American Academy of Achievement. Han tilldelades den nationella konstmedaljen av president Bill Clinton 1993. År 2000 hedrades Rauschenberg med amfAR:s Award of Excellence for Artistic Contributions to the Fight Against AIDS.
RRF äger idag många verk av Rauschenberg från alla perioder av hans karriär. År 2011 presenterade stiftelsen The Private Collection of Robert Rauschenberg i samarbete med Gagosian Gallery, med ett urval av Rauschenbergs personliga konstsamling. Intäkterna från utställningen bidrog till att finansiera stiftelsens filantropiska verksamhet. Under 2011 lanserade stiftelsen också sitt projekt ”Artist as Activist” och bjöd in konstnären Shepard Fairey att fokusera på en valfri fråga. Det upplagor av hans verk såldes för att samla in pengar till Coalition for the Homeless (koalitionen för hemlösa). RRF fortsätter att stödja framväxande konstnärer och konstorganisationer med bidrag och filantropiska samarbeten varje år. RRF har flera residensprogram som äger rum på stiftelsens huvudkontor i New York och på den avlidne konstnärens fastighet på Captiva Island i Florida.
År 2013 rankade Dale Eisinger från Complex Open Score (1966) på sjunde plats på sin lista över de största performancekonstverken genom tiderna.
2010 köptes Studio Painting (1960-61), en av Rauschenbergs Combines som ursprungligen uppskattades till 6-9 miljoner dollar, från Michael Crichtons samling för 11 miljoner dollar på Christie”s i New York. År 2019 sålde Christie”s silkscreenmålningen Buffalo II (1964) för 88,8 miljoner dollar, vilket krossade konstnärens tidigare rekord.
Läs också: biografier – Frans II (tysk-romersk kejsare)
Lobbying för konstnärers ersättning vid återförsäljning
I början av 1970-talet lobbade Rauschenberg den amerikanska kongressen för att få igenom ett lagförslag som skulle kompensera konstnärer när deras verk säljs vidare på andrahandsmarknaden. Rauschenberg tog upp sin kamp för konstnärers ersättning vid återförsäljning efter att taxibaronen Robert Scull sålt en del av sin samling av abstrakta expressionistiska och popkonstverk för 2,2 miljoner dollar. Scull hade ursprungligen köpt Rauschenbergs målningar Thaw (ungefär ett decennium senare sålde Scull verken för 85 000 och 90 000 dollar på en auktion 1973 hos Sotheby Parke Bernet i New York.
Rauschenbergs lobbyarbete belönades 1976 när Kaliforniens guvernör Jerry Brown undertecknade lagen California Resale Royalty Act of 1976. Efter segern i Kalifornien fortsatte konstnären att arbeta för en lagstiftning om återförsäljningsavgifter i hela landet.
Källor
