Salvador Dalí

gigatos | november 10, 2021

Sammanfattning

Salvador Dalí, född i Figueras den 11 maj 1904 och död i samma stad den 23 januari 1989, var en katalansk målare, skulptör, gravör, manusförfattare och författare av spansk nationalitet. Han anses vara en av surrealismens främsta representanter och en av 1900-talets mest kända målare.

Han var tidigt påverkad av impressionismen och lämnade Figueras för att få en akademisk konstutbildning i Madrid, där han blev vän med Federico García Lorca och Luis Buñuel och sökte sin stil bland olika konstnärliga rörelser. På inrådan av Joan Miró flyttade han till Paris efter studierna och anslöt sig till den surrealistiska gruppen, där han träffade sin fru Gala. Han hittade sin egen stil från 1929, då han blev en fullfjädrad surrealist och uppfann den paranoid-kritiska metoden. Några år senare uteslöts han ur gruppen och levde under det spanska inbördeskriget i exil i Europa, innan han lämnade det krigshärjade Frankrike för New York, där han bodde i åtta år och gjorde sig en förmögenhet. När han återvände till Katalonien 1949 vände han sig till katolicismen, närmade sig renässansmåleriet och inspirerades av tidens vetenskapliga utveckling för att utveckla sin stil i riktning mot vad han kallade ”korpuskulär mysticism”.

Hans vanligaste teman var drömmar, sexualitet, mat, hans fru Gala och religion. Minnets fortlevnad är en av hans mest kända surrealistiska målningar, Kristus från Johannes av korset är en av hans viktigaste målningar med religiösa motiv. Han var en mycket fantasifull konstnär, men visade en anmärkningsvärd tendens till narcissism och storhetsvansinne, vilket gjorde det möjligt för honom att dra till sig allmän uppmärksamhet, men irriterade en del i konstvärlden, som såg detta beteende som en form av publicitet som ibland gick utöver hans arbete. Två museer tillägnades honom under hans livstid, Salvador Dalí-museet och Dalí Theatre-Museum. Dalí själv skapade den senare som ett fullfjädrad surrealistiskt verk.

Dalís sympati för Francisco Franco, hans excentricitet och hans sena verk gör analysen av hans verk och person svår och kontroversiell.

Läs också: biografier – Diego Rivera

Barndom

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech föddes på Monturiol Street 20. Detta område, Empordà, med hamnen i Cadaqués, fungerade som ”bakgrund, stöd och scenografi” för hans arbete. Hans far Salvador Dalí y Cusi (1872-1952) var notarie. Hans mor var Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Han föddes nio månader efter att hans bror, som också hette Salvador (1901-1903), hade dött av en smittsam gastroenterit. När han var fem år gammal tog hans föräldrar med honom till sin brors grav och berättade för honom – enligt vad han berättade – att han var hans brors reinkarnation. Denna scen sägs ha gett honom en önskan att bevisa sin unika karaktär i världen, en känsla av att vara en kopia av sin bror och en rädsla för sin brors grav.

”Jag föddes som en dubbelgångare. Min bror, det första försöket till mig själv, ett extremt och därför icke livskraftigt geni, hade fortfarande levt sju år innan hans accelererade hjärnkretsar fattade eld.”

Hans far beskrivs som auktoritär eller ganska liberal, beroende på källan. I vilket fall som helst accepterade han utan större svårigheter att hans son inledde en karriär inom konsten, uppmuntrad av den konstnärliga förnyelsen i Katalonien i början av århundradet. Hans mor kompenserade något för denna auktoritära karaktär genom att stödja sonens konstnärliga intresse, tolerera hans vredesutbrott, hans sängvätning, hans drömmar och hans lögner.

Dalí hade också en syster, Ana Maria, som var fyra år yngre än han själv. 1949 publicerade hon en bok om sin bror, Dalí sett av sin syster. Under sin barndom blev Dalí vän med framtida spelare från Barcelona F.C., som Emilio Sagi-Barba och Josep Samitier. Under semestern spelade trion fotboll i Cadaqués. År 1916 upptäckte han det samtida måleriet under ett familjebesök i Cadaqués, där han träffade familjen till den impressionistiske målaren Ramón Pichot, en lokal konstnär som regelbundet reste till Paris, dåtidens konsthuvudstad.

På Pichots inrådan skickade hans far honom till Juan Núñez för att ta målarundervisning vid den kommunala graveringsskolan. Följande år ordnade hans far en utställning med hans blyertsteckningar i familjens hem. Vid fjorton års ålder, 1919, deltog Dalí i en grupputställning med lokala konstnärer på stadsteatern i Figueras, där flera av hans målningar uppmärksammades av två berömda kritiker: Carlos Costa och Puig Pujades. Han deltog också i en andra grupputställning i Barcelona, sponsrad av universitetet, där han fick rektors pris. Det impressionistiska inflytandet syns tydligt i Dalís målningar fram till 1919. De flesta av dem är gjorda i Cadaqués, inspirerade av byn och dess vardagliga scener.

I slutet av första världskriget anslöt han sig till en grupp anarkister och inriktade sig på utvecklingen av den marxistiska revolutionen. Året därpå, 1919, när han gick sista året på Ramón Muntaner-institutet, gav han tillsammans med några vänner ut en månadstidning, Studium, med illustrationer, poetiska texter och en rad artiklar om målare som Goya, Velázquez och Leonardo da Vinci. 1921 grundade han tillsammans med vänner den socialistiska gruppen Renovació Social.

I februari 1921 dog hans mor i livmodercancer. Dalí var då 16 år gammal. Han sade senare att detta var ”det hårdaste slaget jag någonsin fått i mitt liv. Jag avgudade henne. Jag kunde inte finna mig i att förlora en person som jag hade för avsikt att göra de oundvikliga fläckarna på min själ osynliga tillsammans med”. Senare gifte Dalís far om sig med den avlidnes syster, vilket Dalí aldrig accepterade. Han tog sin kandidatexamen 1922.

Läs också: biografier – Jesse Owens

Ungdomar i Madrid

År 1922 flyttade Dalí till det berömda studentboendet i Madrid för att påbörja sina studier vid den kungliga konstakademin i San Fernando. Han drog genast till sig uppmärksamhet på grund av sin excentriska dandy-karaktär. Han bar långt, rufsigt hår, gabardin och tjocka strumpor i viktoriansk stil. Det var dock hans målningar, som Dalí färgade med kubism, som väckte störst uppmärksamhet bland hans medmänniskor, särskilt bland dem som blev kända för den spanska konsten: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel, Rafael Barradas och, mer allmänt, 27-talsgenerationen. Det är dock möjligt att Dalí vid den tiden inte helt och hållet förstod de kubistiska principerna. Hans enda källor var artiklar som publicerades i pressen – L”Esprit Nouveau – och en katalog som Pichot gav honom, eftersom det inte fanns några kubistiska målare i Madrid vid den tiden. Även om hans lärare var öppna för det nya, var de bakom eleven: de anpassade den franska impressionismen till latinamerikanska teman, ett tillvägagångssätt som Dalí hade överträffat året innan.

Dalí ägnade sig tillsammans med Lorca och Buñuel åt att studera Sigmund Freuds psykoanalytiska texter. Han ansåg att psykoanalysen var en av de viktigaste upptäckterna i hans liv. Han anklagades felaktigt för att ha lett en agitation i Katalonien och uteslöts från akademin 1923 och fängslades från den 21 maj till den 11 juni. Anledningen till att han greps tycks vara kopplad till det klagomål om valfusk som Dalís far hade lämnat in efter Primo de Riveras kupp. Dalí återvände till akademin året därpå.

År 1924 illustrerade Salvador Dalí för första gången en bok, men han var fortfarande okänd. Det var en publicering av den katalanska dikten Les Bruixes de Llers (Häxorna i Llers) av en av hans vänner på residenset, poeten Carles Fages de Climent. Dalí blev snart bekant med dadaismen, ett inflytande som präglade honom för resten av hans liv. På residenset avvisade han den unge Lorcas kärleksfulla närmanden, som tillägnade honom flera dikter:

”Han var homosexuell, det vet alla, och han var galet förälskad i mig. Han försökte närma sig mig några gånger… och jag blev väldigt generad, för jag var inte homosexuell och jag var inte villig att ge efter.

– Salvador Dalí; samtal med Alain Bosquet

De två konstnärerna blev vänner. Tillsammans med Maruja Mallo och Margarita Manso, som också studerade vid Konsthögskolan, deltog de i grundandet av den feministiska rörelsen Las Sinsombrero vid Puerta del Sol, uppkallad efter att ta av sig hatten offentligt, en handling som på 1920-talet i Madrid var förbehållen män. Det är troligt att var och en av de unga männen fann hos den andre en passion för estetiska upptäckter som motsvarade deras egna önskemål. Författarens önskemål kom vid en vändpunkt i Dalís arbete, som han såg som ett eko av sin forskning om det omedvetna. Med tanke på Dalís känslor kommer vi förmodligen aldrig att få veta hur deras relation såg ut, även om de två konstnärerna ”kärleksfullt” porträtterade varandra. Målningarna från den här perioden kännetecknas av målarens onanism, som hävdade att han var oskuld innan han träffade Gala. Dalí fick besök av Federico García Lorca i november 1925 i Cadaqués, och samma år hade Dalí sin första separatutställning i Barcelona på Dalmau-galleriet, där han presenterade Porträtt av konstnärens far och Ung flicka vid fönstret.

I slutet av 1926 ställde samma galleri ut andra verk av Dalí, bland annat Brödkorgen, som han målat under året. Detta var konstnärens första målning som visades utanför Spanien, 1928 på Carnegie-utställningen i Pittsburgh. Hans mästerliga bildkonstnärliga förmåga återspeglas på ett oklanderligt sätt i detta realistiska verk. De första recensionerna från Barcelona var varma. För en av dem är det så att om ”Figueras barn” vänder ansiktet mot Frankrike, ”så är det för att han kan göra det, för att hans gudagivna gåvor som målare måste jäsa”. Vad spelar det för roll om Dalí använder Ingres blyertspenna eller det tjocka träet i Picassos kubistiska verk för att blåsa upp lågorna? Dalí blev sedan avstängd från akademin i oktober 1926, strax före sina slutprov, för att han hade sagt att ingen var i stånd att undersöka honom.

Läs också: biografier – Constantius I Chlorus

Paris, bröllop med Gala

År 1927, troligen i början av året, besökte Dalí Paris för första gången, med två rekommendationsbrev till Max Jacob och André Breton. Enligt honom själv var denna resa ”präglad av tre viktiga besök: Versailles, Grévin-museet och Picasso”, som den unge Dalí beundrade djupt. Picasso hade redan tidigare fått berömda kommentarer om Dalí från Joan Miró.

Pablo Picasso var 23 år äldre än han själv. Dalí berättade att han under detta möte visade honom en av sina små målningar, Flickan från Figueres, som Picasso betraktade i en kvarts timme, och sedan gjorde Picasso samma sak med många av sina egna målningar, utan att säga ett ord. Han tillade att när det var dags att åka ”utbytte vi en blick på dörrtröskeln som sa: ”Förstått? – Uppfattat!”.

Picasso förblev en ständig referens för Dalí, beundrad och rivaliserad. I sin Dalinian Analysis of the Comparative Values of the Great Painters gav han honom 2020 poäng i kategorin ”geni”, på samma nivå som Leonardo da Vinci, Velázquez, Rafael och Vermeer, medan han själv bara gav sig själv 1920 poäng. I slutet av sitt liv tillät han sig själv att vara mer kritisk till Picassos måleri: ”Picasso vägrar legitimitet, han bryr sig inte om att korrigera och hans målningar får allt fler ben, alla hans hastiga ångerbilder kommer fram med tiden, han litade på slumpen, slumpen hämnas”. De hade kontakt med varandra under hela livet.

Med tiden utvecklade Dalí sin egen stil och blev i sin tur en referenspunkt och en inflytelserik faktor i dessa målares måleri. Några av de kännetecken som Dalís måleri hade under denna period blev utmärkande för hans verk. Han tog emot influenser från olika konstnärliga strömningar, från akademism och klassicism till avantgarde. Bland hans klassiska influenser fanns Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer och naturligtvis Velázquez, vars krokiga mustasch han tog till sig och som blev emblematisk. Han växlade mellan traditionella tekniker och moderna metoder, ibland i samma verk. Utställningarna under denna period väckte stor uppmärksamhet, väckte debatt och splittrade kritikerna. Hans lillasyster Anna-Maria fungerade ofta som modell under den här perioden, och poserade ofta bakifrån framför ett fönster. År 1927, vid 23 års ålder, nådde Dalí sin konstnärliga mognad, vilket kan ses i hans verk Honey is Sweeter than Blood och Flesh of a Goose, det förstnämnda inspirerat av hans relation med Lorca och det sistnämnda av hans första intima möte med Gala.

Några månader senare åkte Luis Buñuel till Figueras där de två vännerna skrev manuset till den surrealistiska filmen Un chien andalou innan Dalí återvände till Paris 1928 tillsammans med Joan Miró, en annan katalan. För Robert Descharnes och Gilles Néret var filmen ”som en raket” för Dalí och Buñuel. För målaren var det ”en dolk i hjärtat av det spirituella, eleganta och kultiverade Paris”, och han tillade att filmen applåderades av en ”dum publik som applåderar allt som verkar nytt och konstigt”.

Efter René Magrittes och Paul Éluards besök i Cadaqués sommaren 1929 och på Joan Mirós inrådan anslöt sig Dalí till surrealismen. När han återvände till Paris började han umgås med den surrealistiska gruppen bestående av Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara och Paul Éluard och hans fru Helena, som alla kallade Gala. Hon föddes under namnet Elena Ivanovna Diakonova och var en rysk invandrare som Dalí blev förälskad i och som förfördes av en tio år yngre man än hon själv. Även om Dalí hävdade att han var helt impotent och oskuld, återspeglar hans verk hans sexuella besatthet. Han framställde särskilt begäret i form av lejonhuvuden.

Gala var hans musa. Hon tog hans familjs plats, organiserade hans utställningar och sålde hans målningar. I december blev Salvador Dalí på grund av sin affär med Gala – en gift kvinna – osams med sin far och sin syster Anna-Maria. Legenden om en misstolkad gravyr kompletterar bilden av en son som är oense med sin familj. Konstkritikern Eugenio d”Ors rapporterade i en tidning i Barcelona att Dalí hade visat den surrealistiska gruppen en kromo som föreställde det Heliga Hjärtat och på vilken det stod ”ibland spottar jag för nöjes skull på min mors porträtt”, vilket väckte pappans ilska och tvingade Dalí att lämna staden. Han och Gala tillbringade åren 1930-1932 i Paris. De första månaderna var dock svåra, eftersom hans målningar sålde dåligt och paret levde på mycket lite. Men målaren gjorde sig ett namn i Paris, där han besökte både de sociala middagarna och de surrealistiska kretsarna. 1930 köpte Dalí och Gala, som inte kunde bosätta sig i Cadaqués på grund av faderns fientlighet, en liten fiskarstuga några hundra meter från Cadaqués, vid havet, i den lilla viken Portlligat. Med hjälp av en förmögenhet förvandlade han under årens lopp sin egendom till en överdådig villa, som nu är ett museum. Landskapet vid den lilla viken blev en permanent bildreferens i målarens verk, som sade: ”Jag är bara hemma här, överallt annars är jag bara på genomresa. Gala och Dalí gifte sig civilt 1934 och sedan religiöst 1958.

1931 målade Dalí en av sina mest kända målningar, The Persistence of Memory, även känd som The Soft Watches, som enligt vissa teorier illustrerar hans förkastande av tiden som en stel eller deterministisk enhet. Dalí, ”i en patetisk längtan efter evighet, gör klockans tid, det vill säga civilisationens mekaniska tid, till ett mjukt, formbart material som också kan ätas som en rinnande camembert. Den här idén utvecklas av andra figurer i verket, till exempel det stora landskapet eller vissa fickur som äts upp av insekter. Å andra sidan är insekterna en del av Dalinians fantasi som ett naturligt destruktivt väsen och, som målaren förklarar i sina memoarer, påminner de honom om hans barndom.

Läs också: biografier – Isaac Newton

Dalí och den surrealistiska gruppen

Dalí fortsatte att ställa ut regelbundet och anslöt sig officiellt till den surrealistiska gruppen i Paris stadsdel Montparnasse. I oktober och november 1933 deltog han i den sjätte Salon des Surindépendants tillsammans med medlemmar av gruppen.

Under de följande två åren påverkade hans arbete starkt den surrealistiska kretsen, som hyllade honom som skaparen av den paranoid-kritiska metoden, som ansågs ge tillgång till det undermedvetna och frigöra kreativa konstnärliga energier. Enligt målaren är det en ”spontan metod för irrationell kunskap som bygger på en kritisk och systematisk objektifiering av vanföreställningar och tolkningar”. Breton hyllade denna upptäckt, som just hade gett

”Det är den paranoida kritiska metod som surrealismen har visat sig kunna tillämpa på måleri, poesi, film, konstruktionen av typiska surrealistiska objekt, mode, skulptur, konsthistoria och till och med, om nödvändigt, på alla typer av exegetik.

– André Breton

.

Vid den här tiden övergav Dalí tillfälligt sitt arbete med bilder med dubbla betydelser, som till exempel Den osynlige mannen, medan figurerna Wilhelm Tell, Lenin, landskap och antropomorfa figurer, Millets Angelus, Vermeer och Hitler dök upp systematiskt i hans målningar. En viktig aktivitet under denna period var skapandet av surrealistiska objekt tillsammans med skulptören Giacometti. Enligt Dalí är de utrustade med ett ”minimum av mekanisk funktion, baserad på fantasier och föreställningar som kan framkallas av omedvetna handlingar”. Han förblev oemottaglig för surrealisternas problem med politiken, en ”historisk anekdot” enligt honom. Han irriterade gruppen genom att systematiskt studera Hitler och ”hakkorset som är lika gammalt som den kinesiska solen”.

I slutet av 1933 ställde deras konsthandlare Julien Levy ut 25 verk av Dalí i New York. Dalí ville så gärna se USA. Picassos verk fanns redan utställda där, till skillnad från de franska museerna. Caresse Crosby, en förmögen amerikansk kvinna, övertalade honom lätt att göra resan. Dalí och Gala åkte till New York för första gången 1934; Picasso betalade biljetterna i förskott. Amerikanerna fängslades av karaktärens excentricitet och djärvheten i en surrealism som de då nästan inte kände till. Till Bretons stora förtvivlan ansågs Dalí vara den enda autentiska surrealisten, vilket målaren, triumferande och berusad av storhetsvansinne, snabbt bekräftade den 14 november i New York: ”Kritikerna skiljer redan mellan surrealismen före och efter Dalí. Utställningen på Julien Levy Gallery blev en stor framgång och Dalí förstod att hans framgång låg i USA. Hans måleri började uppskattas. Edward James – gud son till kung Edward VII – blev hans beskyddare och köpte alla hans verk mellan 1935 och 1936. Narcissus metamorfos och Höstens kannibalism hör till de mest kända målningarna från denna period.

Läs också: mytologi – Ra (gud)

Spanska inbördeskriget

Tillbaka i Katalonien lämnade Dalí och Gala Portlligat 1936 för att fly undan det spanska inbördeskriget och reste runt i Europa. De bodde en tid i det fascistiska Italien, där han hämtade inspiration från romerska och florentinska verk från renässansen, särskilt för att skapa dubbla bilder som Spanien. Hans målningar Soft Construction with Boiled Beans (även känd som Premonition of the Civil War) och The Giraffe on Fire är de mest representativa för den här perioden, då dessa monster uppfanns. Dessa återspeglar hans syn på krig, men inte hans politiska inställning. Han framställde inbördeskriget som ett historiskt naturfenomen, en naturkatastrof, och inte som en politisk händelse, vilket Picasso hade gjort med Guernica. Det var i London som han fick veta att hans vän Federico García Lorca mördades den 19 augusti 1936 i Granada av en Francoist, vilket gjorde att han hamnade i en djup depression.

Under hans andra resa till USA fick ”Mr Surrealism” ett triumfatoriskt välkomnande av pressen och publiken. Dalís porträtt av fotografen Man Ray hamnade på förstasidan av Time Magazine i december 1936. I februari 1937 träffade Dalí bröderna Marx i Hollywood och målade ett porträtt av Harpo Marx, komplett med skedar, harpor och taggtråd. Den film som de planerade att göra blev aldrig av. Genom Edward James och hans vän Stefan Zweig träffade Dalí 1938 Sigmund Freud i London, som han länge hade beundrat och vars verk hade inspirerat hans egen bildforskning om drömmar och det omedvetna.

Enligt Conroy Maddox berättelse berättade den äldre Freud vid detta tillfälle för Zweig om Dalí:

”Jag har aldrig sett ett mer perfekt exemplar av spanskan; vilken fanatiker!

– Conroy Maddox.

1939 publicerade Dalí en deklaration om fantasins oberoende och om människans rätt till sin egen galenskap. Hans europeiska vandringar tog honom i exil i fem månader, från september 1938, i Coco Chanels villa La Pausa, där han förberedde utställningen i New York på Julien Levys galleri. Vid detta tillfälle, 1939, förstörde han ett verk som han hade skapat och som hade ändrats utan hans samtycke i en butik på Fifth Avenue.

Läs också: historia-sv – Freden i Aix-la-Chapelle (1748)

New York

När Frankrike gick in i kriget 1939 befann sig Dalí och Gala i Paris, som de lämnade för Arcachon. Strax före den tyska invasionen reste de till Spanien och sedan till Portugal. Dalí, som hade gjort en omväg till Figueras för att träffa sin familj, anslöt sig till Gala i Lissabon, varifrån de reste till New York. De bodde där i åtta år, där många franska intellektuella i exil också bor. Dalí integrerade sig perfekt i New Yorks societet, målade många porträtt av rika amerikaner – Helena Rubinstein – deltog aktivt i teaterlivet med stora väggmålningar, tillverkade sina första smycken och intresserade sig för film, särskilt bröderna Marx, Walt Disney och Alfred Hitchcock. Efter denna flytt sökte han sig också till den katolska tron och försökte närma sitt måleri till klassicismen, vilket han inte gjorde förrän 1945.

1941 skickade Dalí ett filmmanus till Jean Gabin, Moontide (The Love Boat). I slutet av samma år hölls den första retrospektiva Dalí-utställningen på Museum of Modern Art, och dessa 60 verk – 43 oljor och 17 teckningar – turnerade runt i USA under de följande två åren. De åtta största städerna tog emot utställningen, vilket gjorde att målaren blev känd, och snart mångdubblades de kommersiella förslagen, vilket gjorde att han samlade på sig en rejäl förmögenhet, vilket inspirerade Breton att använda det häftiga anagrammet ”Salvador Dalí – Avida Dollars”. Robert och Nicolas Descharnes förklarar att ”under denna period slutade Dalí aldrig att skriva”.

År 1942 publicerade han sin självbiografi The Secret Life of Salvador Dalí. Han skrev regelbundet för katalogerna till sina utställningar, till exempel den som Knoedler Gallery anordnade 1943. I den konstaterade han att ”Surrealismen kommer åtminstone att ha tjänat till att ge ett experimentellt bevis på den totala steriliteten hos försök att automatisera har gått för långt och skapat ett totalitärt system. Dagens lathet och brist på teknik har nått sin höjdpunkt i den psykologiska betydelsen av den nuvarande användningen av den akademiska institutionen. Han skrev också en roman, som publicerades 1944, om en modeshow för bilar, som inspirerade Erdwin Cox till en karikatyr i Miami Herald där Dalí bär en bil som festdräkt. Under dessa år gjorde Dalí illustrationer till engelskspråkiga utgåvor av klassiker som Don Quijote, Benvenuto Cellinis självbiografi och Michel de Montaignes essäer. Han ritade också kulisserna till Alfred Hitchcocks film Spellbound och tillsammans med Walt Disney producerade han den ofullbordade tecknade filmen Destin, som redigerades 2003, långt efter att författarna avlidit.

Detta var en av de mest produktiva perioderna i hans liv, men en period som ifrågasätts av vissa kritiker, som anser att Dalí suddade ut gränsen mellan konst och konsumtionsvaror genom att överge måleriet för att ägna sig åt design och kommersiella artiklar. Målningarna från den här perioden inspirerades av minnen från Katalonien i sina färger och rum, där målaren representerade motiv från Amerika. I det avseendet var den amerikanska målarpoesin visionär. Den sammanför i ett och samma verk den svarta segregationen, den amerikanska passionen för rugby och ett varumärkes uppbrott i ett konstverk: Coca-Cola. I slutet av andra världskriget återvände han inte omedelbart till Europa. Han vände sig till klassicismen 1945 utan att avskärma sig från resten av världen. Atombombningarna av Hiroshima och Nagasaki inspirerade honom till Atomic and Uranian Idyll och Three Sphinxes in a Bikini. Att han övergav ”psykoanalysens Dalí” för ”kärnfysikens Dalí” gjorde det inte möjligt för honom att omedelbart gå över till katolicismen. Den här periodens måleri lånade från klassikerna de geometriska förhållandena – det gyllene snittet eller de gudomliga proportionerna. Detta var särskilt fallet med Atomic Leda.

Läs också: biografier – Henrik VIII av England

Tillbaka till Katalonien

Från och med 1949 återvände familjen Dalis till Katalonien under Francos diktatur och tillbringade sina vintrar i Paris i en svit på Hotel Meurice. Han tiofaldigade sin tekniska virtuositet, ökade sitt intresse för optiska effekter och framför allt återvände han till den katolska tron. Han togs emot i privat audiens den 23 november 1949 av påven Pius XII. Hans forskning om klassiska proportioner ledde honom till att ”sublimera alla tonårens revolutionära upplevelser i Spaniens stora mystiska och realistiska tradition”. Denna omställning tog sig uttryck i två målningar, Madonnan i Port Lligat (1949) och Kristus från Johannes av korset (1951), som kompletterades med illustrationer till Den gudomliga komedin (1952, akvareller). Då hade han redan publicerat Manifeste mystique, där han förklarade hur hans kärnmysticism fungerar, och signerat sina första kroppskroppiga målningar, som målningen Galatea med sfärer är en representant för. Han kopplade samman katolicismen och partikelfysiken genom att förklara upphöjningarna – av Jungfrun, av Jesus – med ”änglakraften”, där protoner och neutroner skulle vara vektorer, änglaelement. Han kopplade noshörningshornet till kyskhet, till Jungfru Maria, i ett resonemang som kombinerade den logaritmiska spiralens ”gudomliga” geometri, hornet som djur och den kroppsliga konstruktionen ”av den mest våldsamma stränghet” i den holländske mästarens duk. Han målade många motiv med detta bihang.

Den 17 december 1955 redogjorde han för dessa idéer vid Sorbonne i sin föreläsning ”Fenomenologiska aspekter av den paranoid-kritiska metoden”. Han körde till universitetet i en gul och svart Rolls-Royce, fylld med blomkål som han delade ut som autografer. I sin presentation ställde han Frankrike och Spanien mot varandra, där det förstnämnda landet är det mest rationella landet i världen och det sistnämnda det mest irrationella, och han demonstrerade det unika med en solros på en sardinerhästs bakdel, och kopplade det hela till den berömda Dentellière och atomfysikens korpuskel.

1959 organiserade André Breton en utställning kallad ”Hommage till surrealismen” för att fira rörelsens fyrtioårsjubileum. Utställningen innehöll verk av Dalí, Joan Miró, Enrique Tábara och Eugenio Granell. Breton motsatte sig starkt att Dalís Sixtinska madonnan skulle visas på den internationella surrealistiska utställningen i New York året därpå. Enligt Robert Descharnes var Dalís beteende vid denna tid en reaktion på hans berömmelse för att skydda sin kreativitet. Om Picasso av samma skäl hade tagit sin tillflykt till slottet Vauvenargues, kommenterade Dalí, som inte kunde hålla tyst, sin tids fenomen, upptäckter och händelser, och den blandning som blev resultatet var inte alltid av god smak. Han förvirrade kritikerna och överlät det till de stora medierna att analysera hans mustascher och koncentrera sig på några av hans målningar, som Kristus och Johannes av korset. Denna attityd fick Sotheby”s surrealismeexpert Andrew Strauss att säga:

”Dalí arbetade för att bygga upp sin popularitet på global nivå. Han föregick Andy Warhol i denna strategi för kulten av stjärnkonstnären.”

Dalí var intresserad av sin tids nya vetenskapliga upptäckter. Han fascinerades av DNA och tesserakt, en fyrdimensionell hyperkubus. Hans målning Corpus hypercubus (1954) föreställer Jesus Kristus korsfäst på en sådan hyperfigur, där han försökte skapa en syntes av kristen ikonografi och bilder av sönderfall inspirerade av kärnfysiken. Dalí var en erfaren konstnär, men han begränsade sig inte till att måla. Han förblev mycket uppmärksam på all utveckling inom det postsurrealistiska måleriet, inklusive former som var helt fristående från det. Han experimenterade med många nya eller innovativa medier och processer, till exempel projektionsmålning och holografi, en teknik som han var pionjär inom. Många av hans verk innehåller optiska illusioner, visuella ordlekar och trompe-l”oeil. Han experimenterade också med pointillism, halftoning (ett nätverk av prickar som liknar dem som används vid tryckning) och stereoskopiska bilder. Han var en av de första som använde holografi i konsten. Unga konstnärer, som Andy Warhol, hävdade att Dalí hade ett viktigt inflytande på popkonsten. Stereoskopin upptäcktes på järnvägsstationen i Perpignan och fascinerade Dalí, som i slutet av sin karriär skapade bilder på två målningar (höger och vänster öga) som var svåra att reproducera. Många av dessa visas på Dalí-museet i Figueras (Aten brinner!).

Dalí hade ett glasgolv i ett rum nära sin ateljé. Han använde sig mycket av den för att studera förkortning, både underifrån och ovanifrån, för att få in mycket uttrycksfulla figurer och föremål i sina målningar. Han använde den också gärna för att underhålla sina vänner och gäster.

Dalís och Galas inkomster gjorde det möjligt för dem att leva ett lyxigt liv. Redan 1960 anställde de chefen John Peter Moore. Hans efterträdare, Enrique Sabater, förklarade att ”Dalí tjänade mer än USA:s president”. Vid den här tiden började Salvador Dalí och Gala separera. I Paris träffade Dalí Amanda Lear, som då presenterades som transsexuell. Amanda Lear tog lektioner i måleri av Dalí. En artikel av Julián Ruiz (es) i El Mundo illustreras av ett foto från 1963 av de två huvudpersonerna. Hon fungerade främst som hans modell och blev hans musa (till exempel Hypnos (1965) och Bateau Anthotropic), med vilken hon hade ett förhållande som varade i femton år, vilket hon berättade om i sin bok om målaren. Från och med 1965 följde modellen Dalí officiellt på hans utflykter. Salvador Dalí hjälpte henne också att flytta in i rum 9 på hotell La Louisiane i rue de Seine. År 1969 köpte Gala Dalí det gamla slottet i Púbol, nära Figueras, som hon restaurerade och där Gala-Salvador Dalí-stiftelsen finns.

Läs också: historia-sv – Spanska sjukan

Historiska och stereoskopiska verk

De tidigare årens småskaliga målningar gav från 1958 och framåt plats för monumentala verk med historiska motiv, som Slaget vid Tetouan (1962, 308 × 406 cm). Målningen skildrar den spanska erövringen av Tetouan i Marocko 1860. Dalí målade varje år en målning i stort format, till exempel The Discovery of the Americas by Christopher Columbus (1959). De sista mästerverken från denna period var Perpignan Station (1965), The Hallucinogenic Torero (1968-1970) och Tuna Fishing (1966-1967). Mellan 1966 och 1973 arbetade Dalí på ett uppdrag för en lyxutgåva av Alice i Underlandet.

Han var intresserad av att förbättra representationen av den tredje dimensionen utöver det klassiska perspektivet. Enligt målaren var den 17 november 1964 det mest lugnande ögonblicket i måleriets historia när han i Perpignan järnvägsstation upptäckte möjligheten att måla den ”sanna” tredje dimensionen i olja med hjälp av stereoskopi. Upptäckten av holografin gjorde det möjligt för honom att närma sig den fjärde dimensionen (tiden), en teknik som han använde från och med 1970-talet för att uppnå ”odödligheten hos de bilder som registreras holografiskt tack vare ljuset från den tillfälliga lasern”. År 1969 målade han sina första tak och från och med följande år koncentrerade han sig på stereoskopiska bilder. Hans mest kända holografiska målningar är från 1972. De första hologrammen visades på Knoedler Gallery i New York i april 1972.

Läs också: biografier – George H.W. Bush

Teater-museum

1960 började Dalí arbeta på sitt teatermuseum i sin stad Figueras. Detta var hans största projekt. Han ägnade sig mest åt den fram till 1974. Han fortsatte att utveckla den fram till mitten av 1980-talet. Med borgmästaren Ramon Guardiolas samtycke valde han ruinerna av teatern Figueras, som brunnit ner under det spanska inbördeskriget, där han hade haft sin första utställning 1914. Den spanska staten gav medel för renoveringen 1970. Den bysantinskt formade glaskupolen ritades av arkitekten Emilio Pérez Piñero på begäran av Dalí, som drömde om en glaskupol i stil med den amerikanske arkitekten Buckminster Fuller. Dalí har själv designat en stor del av museet, från de monumentala äggen på väggarna till höjden på toaletterna. Arkitekten Joaquim Ros de Ramis arbetade med renoveringen, alltid i enlighet med mästarens direktiv. Byggandet inleddes den 13 oktober 1970 och ett år senare började målaren arbeta med takmålningarna i teatermuseet. År 1971 tilldelades han guldmedaljen för förtjänstfulla konstverk av ministeriet för utbildning, kultur och idrott. Han invigde också det första och största konstgalleriet i Spanien på den tiden, Sala Gaudí Barcelona, tillsammans med andra kändisar som Gabriel García Márquez.

Läs också: historia-sv – Andra franska kejsardömet

Senaste åren

1979 höll Centre Georges Pompidou en stor retrospektiv utställning av Dalís verk, med 169 målningar och 219 teckningar, tryck och föremål av konstnären. Ett av utställningens speciella inslag fanns i källaren. En Citroën hängde från taket med en botifarra (katalansk korv), en 32 meter lång sked och vatten som rann genom bilens kylare.

Följande år försämrades Dalís hälsa avsevärt. Vid 76 års ålder visade Dalí symptom på Parkinsons sjukdom och förlorade definitivt sin konstnärliga förmåga. 1982 tilldelades han titeln Marqués de Dalí de Púbol av Spaniens kung Juan Carlos. Dalí gjorde sin sista teckning för kungen med titeln Europas huvud.

Gala dog den 10 juni 1982, 87 år gammal. Dalí flyttade från Figueras till slottet Púbol, där det 1984 utbröt en brand i hans sovrum, vars orsak aldrig klargjordes. Dalí räddades och återvände till Figueras, till sitt teatermuseum. I november 1988 lades Dalí in på sjukhus efter en hjärtattack. Han fick ett sista besök av Spaniens kung den 5 december 1988. Målaren dog den 23 januari 1989 i Figueras, 84 år gammal. Han begravdes i kryptan i sitt teatermuseum.

Hans turbulenta karaktär har ibland fått oss att glömma målarens konstnärliga engagemang. Dalí var dock en noggrann och obeveklig målare, som tänkte ut sina målningar under lång tid och skapade dem med en omsorg som han ville ligga nära sina klassiska mästare, Rafael och Vermeer. Michel Déon anser att ”Dalí är medveten om sitt geni till den grad att han får svindel. Det verkar som om det är en mycket tröstande intim känsla”. De första målningarna som finns bevarade visar på en riktigt tidig talang, från 6 års ålder. Redan hans första porträtt av familjen i Cadaqués hade en häpnadsväckande bildkraft, särskilt impressionistisk. Han lekte med materialet och blandade grus med färg ett tag (Vieillard crépusculaire, 1918).

Han beklagade bristen på teoretisk utbildning vid konsthögskolan i Madrid. I slutet av dessa Madridår inleddes en period av olika influenser. Den unge Dalí fördjupade sig i olika tekniker, från pointillismen (Mannequin barcelonais, 1927) och Picasso (Venus och en sjöman, 1925).

Läs också: biografier – Sully Prudhomme

Bildarbete

Vid tio års ålder sa Dalí att han inte ville ha någon teckningslärare eftersom han var en impressionistisk målare. Även om detta bestämda påstående framkallade skratt, var det faktiskt så att målaren påverkades av impressionisterna i mycket unga år genom närheten till familjen Pichot och i synnerhet Ramón Pichot. Den senare var en av de första katalanska impressionisterna som ingick i Picassos följe 1900 och hans stil påminde om Toulouse-Lautrec. Dalí beundrade Renoir och Meissonier (”en sann näktergal i penseln”), vars brist på genialitet han hånade men vars otroligt noggranna teknik imponerade på honom. Till dessa influenser kom runt 1918 ett intresse för ”eldsjälar” som Marià Fortuny, från vilken han hämtade inspiration till Slaget vid Tetouan (1962). Picasso var en slags storebror som välkomnade honom när han kom till Paris. Dalí försökte hela sitt liv konfrontera honom, den enda samtida konstnären som han erkände ett geni minst lika stort som han själv.

Mer än någon annan var den italienska renässansen för Dalí en permanent och oumbärlig referens. Även om han ansåg sig vara sin tids bästa tecknare, erkände han att hans teckningar var ”nästan värdelösa” jämfört med renässansens stora mästare. Han var en beundrare av Leonardo da Vinci – som han fann rötterna till sin paranoida metod – men han hade länge stor respekt för Rafael och hävdade att han var den enda samtida som kunde förstå honom. Mot slutet av sitt liv blev Michelangelos figurer en viktig del av hans bildproduktion. Han beundrade också Diego Velázquez hela livet, och Vermeer var en annan ledstjärna, vars teknik han länge försökte efterlikna – och ibland lyckades han.

Dalí använde sig av en mycket klassisk teknik, till och med hyperrealistisk under vissa perioder, och under hela sin karriär försökte han visa upp en alltmer verklig virtuositet, samtidigt som han förblev trogen oljemåleriet i nästan alla sina målade verk. Arbetet är nästan alltid mycket noggrant, vilket ger det ett lugnande utseende av akademism, med mycket noggranna förberedande ritningar och noggrant utförande, ofta med hjälp av ett förstoringsglas. Några av de små verken visar en verklig talang för miniatyrism (första porträttet av Gala, porträtt av Gala med två lammkotletter balanserade på axeln). Han sa att ultraakademisk utbildning enligt honom var en utbildning som varje målare borde ha, ”det är bara genom denna virtuositet som något annat, dvs. konst, är möjligt”. Han hatade Cézanne, som enligt honom var ”den värsta franska målaren”. Han motsatte sig de moderna målarna som helhet, rationalisering, skepticism och abstraktion. Matisse var ”en av de sista moderna målarna”, som representerade de sista konsekvenserna av revolutionen och bourgeoisins triumf. I motsats till sin omvändelse till katolicismen hävdade han att de unga moderna målarna inte trodde på någonting och att han därför var en ”modernist”,

”Det är helt normalt att när man inte tror på någonting så slutar man med att måla nästan ingenting, vilket är fallet med allt modernt måleri.

– Salvador Dalí

Innan han mötte surrealismen, fortfarande i Cadaqués, började Dalí med ”djävulsk lätthet i alla tekniker” att skapa ”trompe-l”oeil-fotografier”, som han kallade dem, och han föregrep de amerikanska hyperrealisterna med mer än 25 år. I slutet av 1920-talet förverkligade han sina drömmar. Hans första dubbelbild var Den osynlige mannen (1929) och han behöll detta tillvägagångssätt under större delen av sin karriär.

Begreppet ”dubbelgångare” var centralt för Dalí, både i hans måleri och i hans liv. Den tog sin början i hans äldre bror Salvadors död, fortsatte med Veermer och den logaritmiska spiralen, fortsatte med hans alter ego Gala och blev en motsättning mellan Dentelière och Rhinoceros, i en karaktär som samtidigt var agnostiker och katolik. Han förfinade och diversifierade sin teknik med bilder i bilder och bilder som bygger på ramar och nätverk av punkter (Sixtinska madonnan).

Hans forskning om den tredje och fjärde dimensionen ledde till att han började arbeta med stereografi och holografi. År 1973 förklarade han att han gjorde ”handkolorerade fotografier av extrapictoriella superfina bilder av konkret irrationalitet”. Fram till slutet lekte han med betraktarens öga, särskilt i sina sista verk, femtio abstrakta bilder som på två meters avstånd förvandlas till tre Lenins klädda som kineser och på sex meters avstånd till huvudet på en kunglig bengalisk tiger, The Hallucinogenic Torero eller Naked Gala Looking at the Sea, som på ett avstånd av arton meter avslöjar president Lincoln.

Från och med då var hans verk fullt av personliga, ofta kryptiska och drömlika anspelningar, som han återanvände när han ville, till exempel den spöklika figuren Den stora onanisten, som han använde flera gånger 1929 (Porträtt av Paul Éluard och Den stora onanisten). Han insåg att Mirós måleri var ”gjort av samma blod” som hans eget och influerades av René Magritte, men fick snart sin egen stil med målningarna Honung är sötare än blod (1927) och Cenicitas (1928) och sedan med uppfinnandet av den paranoid-kritiska metoden.

Patrice Schmitt, som talade om ett möte mellan Dalí och Lacan, noterade att ”paranoia enligt Dalí är motsatsen till hallucination i sin aktiva karaktär. Den är både metodisk och kritisk. Det har en exakt innebörd och en fenomenologisk dimension och står i motsats till det automatiska, vars mest kända exempel är det utsökta liket. Han drar en parallell till Lacans teorier och drar slutsatsen att det paranoida fenomenet är av en pseudohallucinatorisk typ. Nu kommer tekniken med dubbla bilder, som Dalí hade arbetat med sedan Cadaqués, Den osynlige mannen (en förening som fick Robert Descharnes och Gilles Néret att säga att Dalí var ”den enda sanna målaren som var helt surrealistisk, på samma sätt som vi kan säga att Monet är den enda sanna målaren som är helt impressionistisk, från början av sitt arbete till näckrosorna på slutet”.

Atombombsexplosionerna i Hiroshima och Nagasaki skakade om målaren ”seismiskt” och gav honom en ny inspirationskälla: kärnfysik. Han förklarade sig själv som ”ex-surrealist”, även om han enligt Robert Decharnes och Gilles Néret fortfarande var det mer än någonsin. Atomteorin utgår från en grundläggande diskontinuitet i materien: kärnfysiken säger, genom att förenkla saker och ting, att elementarpartiklar som är åtskilda av ett vakuum upprätthåller jämvikt, samtidigt som de bildar en sammanhängande helhet på en makroskopisk skala. I Heisenberg fann han sin nya fader och med en logik som alltid var ovedersäglig bekräftade han att det som fysikerna producerar kan målare, som redan är specialister på änglar, måla. Under den här perioden befann sig de kroppar och föremål som Dalí representerade i ett tillstånd av levitation, ett nytt tillvägagångssätt som var kopplat ”både till det gyllene snittet och till spekulationerna inom den moderna fysiken”. De återspeglar målarens andliga utveckling, i en ständig strävan efter en dubbel tillhörighet, agnostiker och katolik.

År 1946 återvände han till renässansmåleriet för att hämta inspiration, vilket gjorde det möjligt för målaren att uppnå en syntes av tre osannolika tillvägagångssätt: kroppsmåleri, romersk-katolsk måleri och renässans.

Läs också: biografier – James Clerk Maxwell

Bildteman

Portlligats vik, men också fiskehamnen eller fasaden till målarens hus, finns med i många av hans målningar från den tid då paret flyttade dit 1930. Området runt Cap de Creus var för Dalí ”det mest konkreta landskapet i världen”. De skarpslipade och märkligt formade klipporna är välkända för vandrare i Cadaqués. Dalí använde dem ofta i sina målningar (Napoleons näsa förvandlad till en gravid kvinna som går med sin skugga bland de ursprungliga ruinerna, 1945). Den sammansatta och gåtfulla bilden av den store onanisten dök upp 1929 i porträttet av Paul Éluard. Den består av flera element, ibland varierande: ögonlock, ögonfransar, som alla vilar på en näsa i profil. En gräshoppa är ofta föreställd upp och ner, nära munnen. Detta element var mycket närvarande mellan 1929 och 1931 (La Persistance de la mémoire, 1931). Bortsett från författarens egen symbolik är det allmänna utseendet de klippor som Dalí kände till.

Flera djur får en morbid karaktär för honom. Detta är till exempel fallet med myror, som har varit mycket närvarande sedan Porträtt av Paul Éluard (1929). Enligt honom är de relaterade till en barndomsscen där den unge Salvador, efter att ha tagit hand om en skadad liten fladdermus, nästa morgon fann djuret döende: ”Fladdermusen, täckt av frenetiska myror, stönar, med öppen mun som avslöjar tänderna hos en liten gammal dam. Den ruttna åsnan är också en del av dessa framställningar. Den fanns med i filmen Un chien andalou (1929) och i flera målningar från samma period – Honung är sötare än blod (1927), Cenicitas (1928), Den ruttna åsnan (1928) – liksom flera ruttnande djurkroppar. Enligt målaren påminde dessa bilder honom om den traumatiska scenen med liket av hans tama igelkott som invaderats av en armé av maskar: ”Dess spetsiga rygg var överväldigad av en ohörd svärm av frenetiska maskar”.

Gräshopporna hänvisar också till scener från hans barndom och hans rädsla för gräshoppor, som klasskamraterna ibland skickade till honom under lektionerna. Gräshoppor var mycket närvarande i hans verk på 1920- och 1930-talen, och de förknippades ofta med den stora onanisten.

Noshörningen – och särskilt dess horn – var å andra sidan ett gudomligt instrument i förhållande till hans kärnmysticism, liksom ett uppenbart falliskt tillbehör (Jungfru Maria som självbedöms av hornen från sin egen kyskhet). Dalí använde den redan 1951 (Tête raphaélesque éclatée) och framför allt runt 1955 (Étude paranoïacritique de La Dentellière de Vermeer). Han förklarade att ”The Lacemaker uppnår en maximal biologisk dynamik tack vare noshörningshornens logaritmiska kurvor”.

Flugor å andra sidan sägs vara förknippade med en positiv känsla. Dalí sa att han älskade dessa insekter och att han i Portlligat brukade låta dem täcka hans kropp. Han betraktade dem som ”Medelhavets älvor”. Michel Déon berättar att han brukade läsa L”Éloge de la mouche av Lucien de Samosate med glädje.

Liksom sin far, som gömde sig för att äta dem, älskade Dalí att äta de sjöborrar som han fick med sig från det närliggande havet. Han använde dem i sina målningar (Madonnan i Port Lligat 1950), i fotografering och till och med som konstnär genom att stoppa ett sugrör i deras munnar, vars rörelser ritade upp former på en skärm. Detta var troligen den första användningen av en tagghuding som bildkonstnär.

1954 signerade han sex keramikföremål ”Havets röda stjärna” inspirerade av den spanske ministern Maurice Duchin.

Mat och ätandet har en central plats i Dalís arbete och tankar, för honom var ”skönheten ätbar eller inte, brödet var mycket närvarande från 1926” (Brödkorgen). Den mycket klassiska Brödkorgen, hellre död än smuts (1945) ställdes ut på en hedersplats av Dalí i Figueras-museet, vilket visar hur viktig denna målning är. Det var med en 2 meter lång baguette som han kom till USA för första gången, och med en 12 meter lång baguette som bars av flera bagare som han presenterade sig vid en konferens i Paris 1959. Dess symbolik verkade mycket viktig för Dalí: ”Bröd har varit ett av de tidigaste fetischteman och besattheterna i mitt arbete, det första, det som jag har varit mest trogen mot.”

Det stekta ägget utan maträtt återkommer regelbundet i hans verk. Det skulle ha påmint målaren om de fosfenes som uppträder när ögongloberna kläms ihop och som han förknippar med ett intrauterint minne. Dalís kanske mest kända bildskapelse är Montres Molles. De flyter som en camembert: ”Mjuka klockor är som ost, och särskilt som camembert när den är helt mogen, det vill säga när den har en tendens att börja droppa. Så vad har ost med mystik att göra? Kvinnors ryggar och skinkor var mycket tidigt närvarande i hans verk, särskilt i porträtten av hans syster Anna-Maria i Cadaqués (Personage at a Window, 1925, Young Girl with her Back (Anna Maria), 1926). Senare, i en mer explicit målning, Young Virgin Self-Sodomised by the Horns of Her Own Chastity (1954), belyses den erotiska betydelsen av dessa poser. De var närvarande under hela målarens arbete.

Gala dök upp 1931 i ett litet verk (Första porträttet av Gala), en riktig miniatyrkonstnärsverk, som ställdes ut på Teatre-Museu Gala Salvador Dalí; ett förstoringsglas finns tillgängligt för att bättre kunna se detaljerna. Hennes porträtt blev därefter mycket många, och hennes ansikte och karakteristiska frisyr gjorde henne lätt igenkännlig. Hon framträdde framifrån (Gala”s Angelus, 1935) eller bakifrån (My wife, naked, looking at her own body becoming, three vertebrae of a column, sky and architecture, 1945), naken (Leda Atomica, 1949), som Jungfru Maria (Madonna i Port Lligat, 1950), med ett naket bröst (Galarina, 1945).

Upptäckten av ett par kryckor övergivna på vinden i hans fars hus blev en uppenbarelse. Han definierar det som ”ett trästöd som härstammar från den cartesianska filosofin”. Används i allmänhet för att stödja ömhet i mjuka strukturer”. Den blev genast ett fetischobjekt som förekommer i hans verk, ofta som stöd för ett mjukt bihang. I den kan vi se den ångest av impotens som Dalí hade inför sitt sexuella möte med Gala. År 1929 orsakade en man med fläckiga byxor i målningen Jeu lugubre en skandal i den surrealistiska kretsen. Gala skickades med en delegation för att försäkra sig om att den unga katalanen inte hade några koprofagiska tendenser, vilket förskräckte surrealisterna. Gala kunde lugna dem, samtidigt som han varnade Dalí för det mycket ”småborgerliga” sinnelaget hos en grupp konstnärer som hävdade att de var helt uppriktiga.

Millets Angelus blev en verklig besatthet för Dalí. Dess figurer finns representerade i ett stort antal av hans målningar, från Monument imperial à la femme-enfant, Gala – Fantaisie utopique (1929) till La Gare de Perpignan 1965. Dalí förklarade ofta målningens erotik och att han trodde att paret bad runt sitt döda barns kista. Överraskande nog avslöjar en röntgenundersökning på Louvren ett mörkt, rektangulärt område under marken mellan de två figurerna.

Venus de Milo var en tillfällig referens. Hon dök först upp i en kapad skulptur tillsammans med hans vän Marcel Duchamp och sedan som en bild som förvandlas till en tjurfäktare i Le Torero hallucinogène.

Döden är närvarande i alla verk från de tidigaste surrealistiska målningarna, till och med de första porträtten av gamla män. Döden visar sig först i sin mest motbjudande fysiska aspekt, nämligen ruttnande lik. Senare blev den mer diskret, men var alltid närvarande, även i kristna målningar – främst korsfästelser. Det är särskilt tydligt i Portrait of My Dead Brother (1963), Tuna Fishing (1967), The Hallucinogenic Torero (1970).

Kärleksalfabetet föddes ur Dalís passion för grafisk konst och för sin musa Gala. Från deras initialer ”S”, ”D” och ”G” och en krona uppfann han åtta abstrakta tecken som en symbol för deras kärlek. Alfabetet blev offentligt på 1970-talet när han beställde en handväska från Lancel som gåva till Gala.

Den här väskan är en liten modell med vikta och ett cykelkedjehandtag. Lädret är dekorerat med ett Toile Dalígram-tryck med tecken från kärlekens alfabet.

Läs också: viktiga_handelser – Koreakriget

Skulptur

Länge förblev skulpturen anekdotisk i Dalís verk, med sällsynta undantag som det skatologiska objektet med symbolisk funktion (1931) eller Vermeers noshörningsbuste av en spetsmakare (1955). Han återvände till tredimensionellt skapande på 1960-talet, och särskilt 1970, med skapandet av Teatre-Museu Gala Salvador Dalí: Dantes byst (1964), Stol med gamvingar (1960), Lilith. Hommage à Raymond Roussel (1966), Napoleons begravningsmask som kan användas som lock för en noshörning (1970).

Salvador Dalí berättade att han som barn modellerade Venus de Milo eftersom den fanns på hans pennskrin: det var hans första försök till skulptur. Från 1930-talet och framåt försökte sig Dalí på den tredje dimensionen med surrealistiska objekt. Tillsammans med Giacometti skapade han föremål med symbolisk funktion, Retrospective Woman”s Bust. Bust: Bread and Inkwell, genom att sätta ihop en målad porslinsmarotter med olika andra återvunna föremål (1933). 1936 skapade Marcel Duchamp och Salvador Dalí tillsammans Venus de Milo med lådor.

Under denna period skapade han bronsskulpturer baserade på sina mest kända målningar, såsom La Persistance de la mémoire, Le Profil du temps, La Noblesse du temps, Venus à la girafe, Le Toréador hallucinogène, La Vénus spatiale, Alice au pays des Merveilles, L”Éléphant spatial, som visar den uttrycksfulla kraften hos hans surrealistiska ikonografiska bilder på ett mycket kraftfullt sätt.

Dalí gjorde sina första smycken efter andra världskriget i New York: The Eye of Time (1949), Ruby Lips (1950), The Royal Heart (1953).

Mellan 1969 och 1979 gjorde Salvador Dalí en samling av 44 bronsstatyer, av vilka endast fyra tillverkades: Collection Clot de Dalí.

Läs också: viktiga_handelser – Karl Marx

Arkitektur

1939 skapade han paviljongen Dream of Venus för New York International Fair. Det var en surrealistisk tivoliattraktion med bland annat en Venus som drabbats av kärleksfeber på en säng av röd satin, sjöjungfrur och giraffer. Allt som återstår av detta hus är minnen, ett fyrtiotal fotografier av Eric Schaal, en åttaminuters film och den överdådiga fyrdubbelbild med mjuka klockor, som bevarats i Japan. Målaren hade gjort surrealismen till en livskonst.

I Portlligat inredde han sitt hus på sitt eget sätt, ”som en prins av kitsch, ironi och hån”. Hans bibliotek var medvetet otillgängligt, med rader av böcker högt upp på väggen så att ingen kunde nå dem. I den falliska bassängens axel fanns ett tempel med ett stort altarbord, där han skyddade sig från solen och tog emot sina vänner. Botten av hans bassäng var täckt av sjöborrar; detta var ett uppdrag från mästaren till skulptören César, som hade gjort en polyestergjutning för att ”gå på sjöborrarna som Kristus gick på vattnet”. Uteplatsen var formad som en kvinnosiluett från Millets Angelus. Soffan gjordes av en avgjutning av Mae Wests läppar. Den bakre väggen, som kallas ”Pirelliväggen”, var dekorerad med stora däckreklamer.

I början av 1970-talet tog projektet för teatermuseet i Figueras äntligen form. Dalí tog till sig utformningen av detta museum som byggdes till hans ära: ”Jag vill att mitt museum ska vara ett enda block, en labyrint, ett stort surrealistiskt objekt. Det kommer att bli ett teatermuseum. Besökarna kommer att gå därifrån med en känsla av att ha haft en teaterdröm.

Läs också: biografier – El Greco

Litteratur

Dalís skrifter utgör en viktig samling som endast publicerats i sin helhet på spanska. Han har åtminstone sedan tonåren (Studium) skrivit dikter, några litterära texter och en dagbok som publicerades 2006. Han publicerade många texter där han redogör för sina idéer och sin syn på måleri och ger oss biografiska uppgifter som gör det möjligt att förstå uppkomsten av vissa av hans målningar. Oui presenterar sina teoretiska uppfattningar i två stora texter: ”Den paranoid-kritiska revolutionen” och ”Vetenskaplig arkeangelism”.

Dalís två mest kända självbiografiska texter, som är skrivna i en mycket personlig stil, är Salvador Dalís hemliga liv, som ger biografiska detaljer om hans barndom, hans problematiska förhållande till sin far och den övertygelse han fick från barndomen att han var ett geni, och Ett genis dagbok, som handlar om åren 1952-1963. Dalí skrev en enda roman under kriget, Dolda ansikten. I den skildrade han den franska aristokratin under kriget, och i synnerhet kärleksaffären mellan två personer, hertigen av Grandsailles och Solange de Cléda. Den senare är en illustration av vad han själv kallade clédalisme, vars syfte var att fullborda ”den passionstrilogi som inleddes av markis de Sade”, vars två första delar är sadism och masochism.

1938 skrev han också en paranoid-kritisk tolkning av ett av sina referensverk, i Millet”s Tragic Myth of the Angelus, som publicerades 1963. Han illustrerade Fantastiska minnen (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) och La Limite (1951) av Maurice Sandoz, som han träffade i New York i början av 1940-talet.

Läs också: historia-sv – Moskvariket

Biograf

Dalís ungdom sammanföll med stumfilmens guldålder. Han träffade Luis Buñuel på studentbostaden i Madrid – han gjorde honom till föremål för en av sina första målningar. Denna vänskap ledde till ett samarbete som utvecklades inom ramen för surrealismen. Tillsammans med honom deltog han i skrivandet av två symboliska filmer för den surrealistiska filmen. Den första, Un chien andalou (1929), är en sexton minuter lång kortfilm. Den finansierades av viscount och viscountess of Noailles efter en utställning i Paris. Efter en brutal inledningsbild som syftar till att bättre markera uppdelningen mellan den verkliga världen och den surrealistiska världen, följer olika drömlika scener på varandra, som bara har drömmarnas logik. Filmen orsakade en skandal i Paris intellektuella kretsar. Men enligt Robert Descharnes ville Dalí och Buñuel göra något som var ”annorlunda än allt som hade gjorts tidigare”. Det var med detta i åtanke som den andra filmen, L”Âge d”or (Den gyllene åldern), gjordes 1930. Trots ett gemensamt program stod de två författarna i motsättning till varandra; Dalí ville föreställa kärlek, skapelse och katolska myter i Cap de Creus. Det som för Dalí borde ha varit ett subtilt, raffinerat och djupt helgerån förvandlades av Buñuel till en primär antiklerikalism. Den en timme långa filmen orsakade oro bland royalister och surrealister. Den ansågs då oförskämd och var förbjuden fram till 1981.

Dalí deltog i produktionen av flera filmer som inte blev färdiga. År 1941 skrev han den första drömscenen till Fritz Langs film Moontide, som inte spelades in på grund av USA:s inträde i kriget. 1945 började Dalí regissera tecknad film Destino tillsammans med Walt Disney, men den avbröts efter några månader på grund av ekonomiska problem i samband med kriget. Dalí och Disney var mycket förtjusta i varandra, och Dalí ansåg att filmskaparen var en ”stor amerikansk surrealist” på samma nivå som bröderna Marx och Cecil B. DeMille.

Han skrev ett manus för bröderna Marx med titeln Giraffes on Horseback Salad, men det blev bara ett utkast. 1945 ritade han kulissen för den förtrollade scenen i Alfred Hitchcocks film The House of Dr Edwardes. I denna scen ser Gregory Peck, som analyseras av Ingrid Bergman, en ridå av vidöppna ögon – en idé från filmen Un chien andalou – och enorma saxar som klipper ut ögonlock och näthinnor.

Dalí själv producerade ett antal experimentella surrealistiska kortfilmer där han satte sig själv på scen. På 1950-talet producerade han L”Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros, i regi av Robert Descharnes, där bilder och föremål associeras med hjälp av den logaritmiska kurvan och det gyllene snittet. År 1975 var det Impressions de la Haute Mongolie (hyllning till Raymond Roussel). I den här filmen, som ser ut som en falsk dokumentärfilm, berättar Salvador Dalí om ett försvunnet folk vars spår han hittade under en resa till ”övre Mongoliet”. Historien är helt påhittad. Dalí hade urinerat på pennans ring och väntat på att korrosionen skulle verka och filmade effekterna på makro- och mikroskopiskt avstånd, med en ”historisk” kommentar.

Tillsammans med Jean-Christophe Averty och Robert Descharnes regisserade han L”Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), en reklamfilm för Lanvin-choklad 1968. Alejandro Jodorowsky hade i sitt misslyckade filmprojekt för romanen Dune bett Dalí att spela rollen som kejsaren Shaddam IV. Dalí krävde bland annat att få den astronomiska summan av 100 000 dollar i timmen och föreslog en tron av scatologisk inspiration.

Läs också: civilisationer – Mogulriket

Teater

Dalí deltog i flera projekt med anknytning till teatern. 1927 samarbetade han med Federico García Lorca i pjäsen Marina Pineda och skrev librettot till Bacchanal, inspirerad av Richard Wagners Tannhäuser. Under sin vistelse i New York skapade Dalí flera bakgrunder, kulisser och kostymer för baletter, Labyrint (1941), Helena (1942), Romeo och Julia (1942), Café de Cinitas (1943) och Tristan Fou (1944).

Läs också: biografier – Babe Ruth

Modevärlden

Under hela sitt liv och verk var Dalí i symbios med den mångsidiga modevärlden. I sin omättliga önskan att förverkliga den gränslösa kreativitet som utmärker honom utforskade han de mest heterogena kreativa registren inom modebranschen. Hans modeller var företrädesvis kvinnor med framträdande höfter – coccyxkvinnor – och hårlösa armhålor, som Greta Garbo. Bland hans mest anmärkningsvärda insatser kan nämnas att han skapade många tygmönster och dekorativa mönster för kläder. Han samarbetade med Coco Chanel för att utforma kostymer och scenografi för pjäsen Bacchanal, ”paranoid-kinetisk”, deltog i skapandet av några hattmodeller, bland annat den berömda skoformade hatten, och tillsammans med couturier Elsa Schiaparelli skapade han klänningen ”hummer” (1930-talet), som Edward James beställde för sin vän, skådespelerskan Ruth Ford. 1950 designade han tillsammans med Christian Dior ”1945-kostymen” med lådor. Salvador Dalí skapade Dalígram Canvas i slutet av 1960-talet, baserat på ett Louis Vuitton-fodral. År 1970 dekorerades en Lancel-handväska med hans kärleksalfabet och handtaget utgjordes av en cykelkedja. Han skapade badkläder för kvinnor som tryckte ihop brösten och därmed gav ett änglaliknande utseende, en afrodisiakum smoking täckt med shotsglas fyllda med pepparmynta, slipsar, hårdesignen för hans metamorfa mustasch, antenner, parfymflaskor.

Många av hans konstruktioner förblev modeller utan att någonsin förverkligas. Bland annat klänningar med falska skiljeväggar och fyllda med falsk anatomi, ihåliga kinder för att eliminera skuggor under ögonen, kalejdoskopiska glasögon för bilresor, falska naglar som består av små speglar för att betrakta sig själv.

Läs också: biografier – Antonio Vivaldi

Fotografi

Dalí visade ett stort intresse för fotografi, som han gav en viktig plats i sitt arbete. Han harmoniserade miljöerna och fotografierna på samma sätt som en målare bearbetar sin duk med sina penslar. Fotografen Dalí var ett avslöjande av en viktig och föga känd del av Dalís skapande. Han arbetade med fotografer som Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton och Philippe Halsman. Med den senare skapade han den berömda Dalí Atomicus-serien. Det var utan tvekan Robert Descharnes, hans vän och medarbetare-fotograf i 40 år, som tog flest fotografier av Dalí, mannen och hans verk.

Fotografen och journalisten Enrique Sabater träffade Dalí sommaren 1968 när han på uppdrag av den amerikanska byrån Radical Press intervjuade målaren i hans hus i Portlligat. En vänskap utvecklades mellan dem och fotografen tillbringade tolv år med Dalí som hans sekreterare, högra hand och förtrogne. Enrique tog tusentals foton av Dalí och Gala. När Elvis Presley besökte honom 1972 blev Dalí så imponerad av hans lantskjorta med broderade motiv och pärlemorknappar att sångaren gav honom den i present. Han bar den sedan för att göra Dalí med Elvis skjorta. Mästaren berättade för Marc Lacroix, som tog fotot: ”När Elvis Presley kom för att träffa mig i min studio märkte han genast att jag var fascinerad av hans countryskjorta. När han gick sa han till mig: ”Gillar du min skjorta? Ja. Mycket riktigt. Utan ett ord knäppte han upp knapparna och gick ut skjortlös. Sedan dess har jag aldrig lämnat den för att måla.

Tillsammans med modefotografen Marc Lacroix poserade Dalí 1970 för en serie porträtt där han satte sig själv på scenen i deliriska bilder: Dalí med en spindelblåsa krona, Dalí med ett blommigt öra, Avida Dollars. Det sista fotot togs ovanför en skylt från Banque de France, omgiven av sedlar i hans avbild. Fortfarande med Marc Lacroix försökte han sig på ett experiment som han hade tänkt på länge. Han gjorde en tredimensionell målning, Eight Pupils, där han använde en stereoskopisk prototypkamera för att återge djup.

Dalí hade en vänskaplig relation med Vincent Furnier, sångaren i hårdrocksbandet Alice Cooper. De två konstnärerna beundrade varandra och Alice Cooper använde en målning av Dalí för att illustrera sitt album DaDa 1983, efter att Dalí tio år tidigare hade tillägnat honom ett hologram med titeln First Cylinder. Porträtt av Alice Coopers hjärna. Ett av de mest slående fotografierna är det där målaren bär en hög hatt, på vars sidor han hade placerat Mona Lisa-masker. Enligt Thérèse Lacroix skapade han den för att delta i en bal som gavs av baronessan Rothschild. Endast halva Dalís ansikte syns bland gåtfulla, frusna leenden.

Läs också: civilisationer – Mykenska kulturen

Brödkorgen

Brödkorgen (31,5 × 31,5 cm), (Salvador Dali Museum), är en olja på trä från 1926. Det var det första av Dalís verk som ställdes ut utanför Spanien, vid den internationella utställningen på Carnegie Institute i Pittsburgh 1928. Detta tidiga verk skapades kort efter att han avslutat sina konststudier i Madrid, då han studerade de holländska mästarna. I den visade Dalí, vid 22 års ålder, att han hade sin fulla bildförmåga.

På ett mycket realistiskt sätt och i en mycket klassisk ljuskaraktär visas en korg med fyra brödskivor, varav en är smörad, i en korg. Det hela placeras på en vit duk med många volter. I mitten visas baksidan av duken, vilket avslöjar detaljerna i tyget på ett mycket tydligt sätt. Bakgrunden är mörk, till och med svart. Det hårda vita ljuset tycks glasera scenen.

Läs också: historia-sv – Stora nordiska kriget

Narcissus metamorfos

Narcissus metamorfos (Tate Gallery, 50,8 × 78,3 cm) målades 1936-37, då målaren befann sig mitt i sin surrealistiska period. Det är en mytologisk scen vars mest detaljerade berättelse finns i Ovids Metamorfoser.

Enligt Ovidius tvingades Narcissus, son till nymfen Liriope och floden Cephis, av hämndgudinnan Nemesis att dricka klart vatten efter ett möte med nymfen Echo, som inte kunde förföra honom. Men ”förälskad i sin avbild som han ser i vattnet, ger han en kropp åt den fåfänga skuggan som fängslar honom: i extas inför sig själv förblir han orörlig, med ansiktet stilla som en marmorstaty från Paros”. Narcissus blev förälskad i sin spegelbild men kunde inte skilja sig från sin kropp och började gråta. Hans tårar störde bilden, som försvann. Narcissus slog ut i förtvivlan och när vattnet åter var lugnt betraktade han sin misshandlade spegelbild. Han lät sig själv dö och klagade med ett ”Aja”, som Eko upprepade outtröttligt tills han slutligen sa ”Farväl”, som nymfen också svarade. Vid hans begravning ”finns endast en gul blomma, krönt med vita blad mitt på stjälken, på dess plats”.

Dalí presenterade tillsammans med sin målning en ”paranoid dikt” med samma namn och ämne som föregicks av en metatext, en bruksanvisning. Enligt målaren var detta det första verket, både målning och dikt, som helt och hållet utformades enligt den kritiska paranoida metoden. Även om dikten säger att snöguden är närvarande i bergen i bakgrunden, utspelar sig scenen på våren, påskliljornas säsong. Målaren utnyttjar en dubbelbild, som härrör från hans kritiska paranoida metod, genom att skildra tillståndet före Narcissus” förvandling till vänster och hans förvandling till höger, med hjälp av den latinska läsriktningen. Till vänster speglar sig figuren med sina oklara konturer i vattnet. Han är böjd och huvudet vilar på knäna i väntan på döden. Till höger visas en dubbelbild av bilden efter omvandlingen. Figuren blir till en tunn, stenig hand som kommer upp ur jorden. På sina tre sammanfogade fingrar bär den ett stort ägg ur vilket en narcissus växer fram. Både spiken och ägget är sönderslagna och gruppen är avbildad i ett stenigt, kadaverliknande grått, där myror, symboler för förruttnelse, stiger upp.

I bakgrunden och i mitten finns det som Dalí i dikten definierar som en ”heterosexuell grupp i väntande tillstånd”. Det är en grupp av åtta nakna män och kvinnor som förkastas av Narcissus och som enligt Dalí består av en hindu, en katalan, en tysk, en ryss, en amerikan, en svensk kvinna och en engelsk kvinna. En annan tolkning görs av Shnyder som anser att det är fråga om en motsatt omvandling. Handen till höger är det ursprungliga tillståndet; till vänster, förskjuten genom översättning, är målaren Dalí, i en dubbel av denna bild. Denna grupp förvandlas till en sittande, böjd figur som speglar sig i fruset vatten, en figur som liknar Narcissus i Ovidius” myt. Färgerna är varma, gyllene och mjuka. Dalí säger om Narcissus i sitt ursprungliga tillstånd att ”när man tittar på honom med envishet smälter han också in i de röda och gyllene stenarna”.

Läs också: historia-sv – Gestapo

Förvarning om inbördeskrig

Liksom många av Dalís målningar har den här målningen en dubbel titel: Soft Constructions with Boiled Beans. En föraning om inbördeskriget. Det är en olja på duk med måtten 100 × 99 cm och förvaras i Philadelphia Museum of Art. Den påbörjades i Paris 1936, när den ökande väpnade oron i Spanien lämnade få tvivel om landets närmaste framtid, om ”närmandet av vår historias stora väpnade kannibalism, det kommande inbördeskriget”. I Secret Life of Salvador Dalí berättar målaren hur han och Gala 1934, när den katalanska republiken utropades, flydde från Barcelona till Paris, mellan anarkistiska blockader och förklaringen av Kataloniens självständighet. Deras chaufför mördades på vägen tillbaka.

I bakgrunden är det mesta av duken upptagen av himlen. På den jordiga, soliga marken står en enorm varelse med ett grimaserande ansikte och en absurd anatomi. Hela bilden ses från en låg vinkel. I denna målning uppnår Dalí en form av nedbrytning, dissektion och återskapande av en jätte till ett monster. Enligt Jean-Louis Ferrier är det en duk där ”en gigantisk människokropp sliter sig själv i stycken, delar sig själv, stryper sig själv, grimaserar av smärta och galenskap”. Den ena handen ligger på marken i dammet medan den andra är upphöjd mot himlen och håller fast vid ett bröst. De är båda sammandragna och av en dödlig grå färg. Armarna bildar en vinkel och sträcker sig till ett slags ben som är kopplat till ett bäcken. På bäckenet bildar en sönderfallande fot och dess upprättstående ben tillsammans med de ovannämnda delarna ett enormt trapezium, vars långsida överstås av ett grimaserande huvud som är upphöjt mot himlen. Hela helheten stöds av en morbidt skuren fot och ett litet nattduksbord, som båda ligger mellan kokta bönor som ligger utspridda på golvet. På bassängen, till höger om foten, finns en bajs.

Dalí själv kommenterade närvaron av dessa bönor, vilket motiverar verkets första titel: ”Den mjuka strukturen hos denna enorma köttmassa i inbördeskriget har jag garnerat med kokta bönor, eftersom man inte kan tänka sig att svälja allt detta okänsliga kött utan ett ackompanjemang, även om det är banalt, av någon melankolisk och mjäkig grönsak.

Kombinationen av krig, mat och kärlek är det centrala temat i en annan av hans målningar på samma tema: Cannibalism in Autumn.

Läs också: biografier – John Lennon

Den helige Antonius frestelse

Antonius frestelse målades 1946. Det är en surrealistisk olja på duk som mäter 90 × 119,5 cm och förvaras i Bryssel på Royal Museum of Fine Arts. Målningen gjordes 1946 i New York och är representativ för den period då surrealismen gradvis gav plats åt religionen. Dalí hade vid det laget blivit involverad i filmkonsten och producerade detta verk under en tävling som anordnades för en filmatisering av Guy de Maupassants roman Bel-Ami. Tävlingen vanns av Max Ernst och Dalís målning godkändes inte. För Gilles Néret spelar målningen på den religiösa-erotiska motsättningen.

”Alchemy of fears and desires, The Temptation of Saint Anthony är en subtil syntes av klassiskt måleri och författarens skarpa känsla för andlighet.

– Gilles Néret

Målningen visar den helige Antonius i öknen, knäböjande och bärande på ett kors för att skydda sig mot de frestelser som attackerar honom i en gest av exorcism. Dessa frestelser tar formen av en gigantisk häst och en rad elefanter med enorma och groteska ”spindelben”. Sankt Antonius avbildas som en tiggare, medan varje djur har en frestelse på ryggen, bland de vanligaste bland män. Triumfen representeras av en häst med smutsiga och slitna hovar; till höger om honom står en naken kvinna som täcker brösten och visar upp sin vällustiga kropp. Hon representerar sexualitet. Därefter kommer rikedomarna. Detta är en gyllene obelisk på nästa elefant, inspirerad av Berninis obelisk i Rom. Därefter följer en naken kvinna som är instängd i ett gyllene hus. Detta toppas av berömmelsens trumpeter. I bakgrunden bär en sista elefant en enorm fallisk monolit och sticker ut från ett moln där ett slott är avbildat. Mitt i det öde landskapet, under elefanterna, diskuterar två män. En av dem är klädd i en röd kappa och bär ett kors. Den andra är grå och lutar sig framåt. En vit ängel flyger över öknen.

Läs också: biografier – Augustus

Kristus av Sankt Johannes av Korset

Johannes korsets Kristus är en av målarens mest kända målningar. Det är en olja på duk från 1951 med måtten 205 × 116 cm som förvaras på Kelvingrove Museum i Glasgow. Det originella perspektivet och den tekniska skickligheten gjorde målningen mycket berömd, så mycket att en fanatiker 1961 försökte vandalisera den utan framgång. Under 1950-talet framställde konstnären korsfästelsescenen flera gånger, till exempel i Corpus hypercubus från 1945. I denna målning utgick Dalí från teorierna i ”Discourse on the Cubic Form” av Juan de Herrera, som var ansvarig för klostret San Lorenzo de El Escorial på 1500-talet.

Dalí inspirerades av en mystisk teckning av den helige Johannes av korset som förvarades i inkarnationsklostret i Ávila, och av en bild som han sade sig ha drömt om en cirkel i en triangel. Denna figur, som enligt honom liknade en atomkärna, liknade den som fanns i klostret och han beslöt sig för att använda den i sin målning. Målningen visar den korsfäste Jesus i ett fågelperspektiv och ovanför huvudet. Huvudet tittar neråt och är målningens fokuspunkt. Den nedre delen av målningen visar ett obearbetat landskap som utgörs av Port Lligat-bukten. I det nedre högra hörnet är två fiskare sysselsatta med en båt. De är inspirerade av en teckning av Velázquez för Bredas kapitulation och en målning av Le Nain. Mellan den korsfäste och bukten finns mystiska och mystiska moln, upplysta av ljuset från Jesu kropp. Den kraftfulla ljuskärlek som används för att framhäva Jesusfigurerna skapar en dramatisk effekt.

Kristus skildras på ett mänskligt och enkelt sätt. Han har kort hår – i motsats till klassiska föreställningar – och är avslappnad. Tecknet ovanpå korset är ett pappersark med initialerna INRI på. I motsats till de klassiska framställningarna är Kristus inte skadad, han är inte fastspikad på korset, har inga sår, mycket lite blod och har inga av de klassiska attributen för korsfästelsen – spikar, törnekrona etc. Han verkar sväva bredvid korset. Den verkar sväva bredvid korset. Dalí rättfärdigade detta genom att förklara att han i en dröm ändrade sin ursprungliga plan att lägga blommor, nejlikor och jasminer, i Kristi sår, ”kanske på grund av ett spanskt ordspråk som säger A mal Cristo, demasiada sangre”. Vissa kommentatorer hävdar att detta är det mest mänskliga och ödmjuka verket om korsfästelsen.

Läs också: biografier – Maria Montessori

Viktigaste bildkonstverk

Salvador Dalí målade 1 640 tavlor, huvudsakligen oljor på duk. Titlar och datum är hämtade från Gilles Nérets och Robert Descharnes bok.

Ett stort antal av Salvador Dalís verk finns utställda på Fondacion Gala-Salvador Dalí i Figueras, i Dalí Theatre-Museum, som han själv beskrev som ”det största surrealistiska objektet i världen”.

Läs också: biografier – Frédéric Passy

De viktigaste museerna

Tillsammans med Pablo Picasso var Salvador Dalí en av de två konstnärer som under sin livstid fick två museer som enbart ägnades åt hans verk. Den första som öppnade grundades av samlarna A. Reynolds Morse och Eleanor Morse, som genom åren hade samlat ihop en stor samling. 1971 öppnades det första museet i Beachwood (Cleveland) av Salvador Dalí själv. På 1980-talet testamenterade paret verken till staden St. Petersburg i Florida, som öppnade ett nytt Salvador Dalí-museum 1982. Där finns 96 av Dalís målningar, mer än 100 akvareller och teckningar, mer än 1 300 fotografier, skulpturer, smycken och ett stort antal arkiv. En ny orkanbeständig byggnad öppnades 2011. Det andra museet som öppnades var Dalí Theatre-Museum. Den ligger i hans hemstad Figueras i Katalonien och byggdes i ruinerna av en gammal teater som förstördes av en brand under det spanska inbördeskriget. På 1970-talet förvandlades det till ett museum av målaren och gav staden en ny turistattraktion. Den öppnades 1974.

I mitten av 1990-talet öppnades två andra museer i Spanien. Det första är slottet Púbol, som hans hustru Gala bodde i. Efter hennes död 1982 var slottet Salvador Dalís bostad i två år, tills en brand bröt ut i rummet 1984. På samma sätt har hans hus i Portlligat i hamnen i Cadaqués omvandlats till ett offentligt museum. I Frankrike presenterar Dalí Paris en samling av mer än femton originalskulpturer, vilket gör utställningen till den viktigaste samlingen i Frankrike. I Tyskland samlar Dalí-museet på Leipzig-torget i Berlin mer än 400 verk av den katalanske konstnären.

Läs också: historia-sv – Bröderna Wright

Film om Dalí

Dalís förhållande till filmen var föremål för en dokumentärfilm med titeln Cinema Dalí 2004 och en retrospektiv utställning på Tate Modern i London 2007. År 2009 kom filmen Little Ashes, regisserad av Paul Morrison, som skildrar Dalís ungdom i Madrid. Robert Pattinson spelar rollen som Salvador Dalí.

2011 kom komedin Midnight in Paris, regisserad av Woody Allen, som berättar historien om två unga amerikaner i konstnärsmiljön i 1920-talets Paris. De träffar Salvador Dalí, spelad av Adrien Brody. Filmen vann en Oscar för bästa originalmanus 2012.

Läs också: biografier – Maximilian I av Mexiko

Karaktären

Figuren är fortfarande kontroversiell bland konstkritiker och historiker. På hundraårsdagen av Dalís födelse påpekade litteraturkritikern Peter Bürger i Die Zeit att de klassificeringar av moderna konstnärer som upprättats från 1955 och framåt i allmänhet inte inkluderar Dalí, till skillnad från andra surrealistiska målare som André Masson, Joan Miró och Max Ernst. Från och med 1940-talet och framåt i USA kritiserades Dalí för sitt arbete med haute couture, smycken och mer allmänt design. Han anklagades för att sudda ut gränsen mellan konst och konsumtion. Denna inställning hos kritikerna upphörde först i och med popkonsten, som helt och hållet tog över denna förvirring. Hans besatthet av Hitler var också kontroversiell.

Konsthistorikern Michael Peppiatt skrev i detta sammanhang att ”Dalí gick från sin ungdoms subversiva briljans till en växande tomhet och lönsam exhibitionism”, vilket motsäger Jean Dutourd från den franska akademin:

”Salvador Dalí, som var mycket intelligent, förstod flera saker som konstnärer i allmänhet inte förstår, och den första är att talang (eller geni) är ett tivoli. För att locka till sig kunderna måste man vara bra på att prata, ha en vass tunga, göra upptåg och upptåg på en scen. Det var detta som Dalí var bäst på från början. Han ansåg sig själv vara 1900-talets största målare, det vill säga en klassisk konstnär som hade oturen att hamna i en lågkonstnärlig period. Trissotinerna i den västerländska intelligentian och den bourgeoisi som följde dem skapade lagen, det vill säga åsikten.

”Det finns två sätt att försonas med dessa människor, vars rykte är beroende av. Det första är att vara lika allvarlig som de är, lika full av värdighet. De känner genast igen en medlem av stammen och vet hur de ska visa det. Den enda andra utvägen var provokation, det vill säga extravagans och det oväntade i tanke och ord, brutal uppriktighet, smak för fastighet, ikonoklasm i förhållande till allt som är modernt och därför oantastligt.

Dalí använde dock akademismen och 1800-talets salongsmåleri på ett helt oväntat sätt, vilket har tvingat en del kritiker att på senare tid ompröva sin bedömning av hans konst. Detta var särskilt fallet efter retrospektiven om Dalins surrealism i Paris och Düsseldorf. Enligt Peter Bürger ”har Dalí, som dog 1989, ännu inte hittat sin plats i 1900-talskonsten”.

I sitt förord till Geniets dagbok sammanfattar Michel Déon målarens originalitet: ”Det mest älskvärda med Dalí är hans rötter och antenner. Rötterna är djupt ner i jorden, där de söker efter allt som människan har lyckats producera av det saftiga (enligt ett av hans tre favoritord) i fyrtio sekel av måleri, arkitektur och skulptur. Antennerna är riktade mot framtiden, som de känner, förutser och förstår blixtsnabbt. Det kan inte nog sägas att Dalí är en anda av omättlig nyfikenhet”. Thérèse Lacroix, Marc Lacroix hustru och medarbetare, som besökte Salvador och Gala vid ett flertal tillfällen under en tioårsperiod, konstaterar att Dalí ”var imponerande i sitt utseende och i sitt sätt att bära huvudet”. Han var högmodig men rolig och tog inte sig själv på allvar”.

Läs också: strider – Slaget vid Cannae

Politiska åsikter

Dalís förhållande till politiken var ofta tvetydigt och missförstått. De spelade dock en viktig roll i hans konstnärliga karriär. Som tonåring ”lutade Dalí åt radikal anarkosyndikalism”, följde passionerat den ryska revolutionen och Trotskijs Röda armés framfart och definierade sig själv som socialist på den tiden. Han arresterades och fängslades i flera veckor i Girona för revolutionär agitation. Men hans politiska vision utvecklades gradvis till en ”våldsamt antisocial anarkism” och sedan till en provocerande apolitism. Hans inälvliga individualism skulle förmodligen inte klara av en folkrörelse i längden. År 1934 väckte han surrealisternas ilska genom att avbilda William Tell i Lenins gestalt, vilket André Breton betraktade som en ”antirevolutionär handling”. Brytningen var fullständig när Dalí koncentrerade sitt arbete på Hitler, mot vilken han gjorde tvetydiga uttalanden i slutet av 1930-talet, tills Breton definitivt uteslöt målaren. Dalí flydde från Spanien precis i tid innan inbördeskriget bröt ut.

För Robert Descharnes och Gilles Néret upplevde Dalí det spanska kriget med oförståelse. De noterar målarens ord: ”Jag hade inte själen eller den historiska fibern. Ju mer händelserna utvecklades, desto mer kände jag mig opolitisk och en fiende till historien”. Han var förbluffad av den ”skändlighet” som mordet på hans vän Lorca innebar, ”den mest opolitiska målaren på jorden”. När han tvingades välja mellan Hitler och Stalin ”av den allmänna opinionens hyena” valde han att förbli sig själv. Han hade samma attityd under andra världskriget, då han flydde från det krigshärjade Frankrike, och kritiserades mycket för detta, till exempel av George Orwell: ”När kriget i Europa närmade sig hade han bara en sak att tänka på: att hitta en plats med god mat och från vilken han snabbt kunde fly i händelse av fara”, och han tillade i sin biografi att Dalí var en exceptionell tecknare och en äcklig kille.

Efter att ha återvänt till Cadaqués 1948 uppvisade Dalí en nästan mystisk monarkism. Jean-Louis Gaillemin noterar målarens ord:

”Absolut monarki, perfekt estetisk själslig kupol, homogenitet, enhet, högsta ärftliga biologiska kontinuitet, allt detta på toppen, upphöjt nära himmelens kupol. Nedanför, svärmande och supergelatinös anarki, viskös heterogenitet, dekorativ mångfald av skamliga mjuka strukturer, som komprimeras och ger upp den sista saften av sina ultimata reaktionsformer.”

Denna attityd tolkades antingen som ett närmande till franquismen – särskilt av André Breton – eller som ett sätt att inte direkt stödja regimen, som dock använde sig av några av målarens uttalanden och tilldelade honom stormkorset av Isabell den katolska ordern 1964. Hans attityd förblev tvetydig. Förutom surrealistiska överväganden, även om Dalí å ena sidan inte förlåter Lorcas död i händerna på Francos milis och fördömer censuren av sin poetvän till slut, träffar han Franco personligen 1953 och målar ett porträtt av hans barnbarn 1974.

För Robert Descharnes stod Dalí framför allt nära den spanska monarkistiska traditionen, vilket kompletterade andra aspekter av hans traditionalistiska inställning till katolicismen och renässansmåleriet. Dalí hävdade att han stödde monarkin, som han framhöll som ett förräderi mot bourgeoisin, hans ursprungliga samhällsklass. Hans politiska karriär började på den yttersta vänsterkanten, men skiftade sedan till höger. I Frankrike fick Dalí under 1950- och 1960-talen främst stöd av högerintellektuella som Louis Pauwels, men när han 1970 förklarade sig vara ”anarkomonarkisk” öppnade han dörren för spekulationer om denna politiska inriktning, som förvisso var en minoritet.

Enligt Vicente Navarro gratulerade Dalí 1975, strax före sin död, den gamle generalen Franco till hans insatser för att ”rensa Spanien från destruktiva krafter”, efter att ha undertecknat order om att avrätta fyra ETA-fångar. Medan många såg Dalí som Francos ”hovnarr”, påpekade andra, som arkitekten Óscar Tusquets i sin bok Dalí y otros amigos, att den extrema överdriften av dessa gratulationer till en diktator på dödsdomstolen borde tolkas ironiskt, eftersom målarens ständiga provokationer syftade till att skapa en surrealistisk offentlig person.

Salvador Dalís målningar är mycket eftertraktade av konstsamlare. Oljan på trä My Naked Woman Looking at Her Own Body Becoming Steps, Three Vertebrae of a Column, 1945, såldes på Sotheby”s i London den 4 december 2000 för 2 600 000 pund eller 4 274 140 euro. Oljan på duk, Nostalgic Echo, som mäter 96,5 × 96,5 cm, såldes på Sotheby”s i London den 2 november 2005 för 2 368 000 dollar (2 028 665 euro).

Det ryktas att Dalí tvingades av sin omgivning att signera tomma dukar för att de skulle kunna målas av andra och säljas som original efter hans död, vilket skulle ge upphov till misstankar och därmed till en devalvering av mästarens sena verk. När det gäller litografierna med fjärilar klippte Salvador Dalí ut fotografier av dessa insekter ur tidningar, klistrade in dem på ett pappersark och lät litografen Jean Vuillermoz kopiera dem. Dessa litografier trycktes på ark som redan var signerade av Dali.

År 2017 hävdade en spåkvinna, Pilar Abel, att hon var hans dotter. För att avgöra om målaren verkligen var den biologiska fadern beordrade domstolen i Madrid att hans kropp skulle grävas upp den 26 juni ”för att få prover från hans kvarlevor”. Uppgrävningen ägde rum den 20 juli i Dalí-museet i Figueras, där målaren var begravd i en krypta. Den 6 september 2017 avslöjade Dalí Foundation att DNA-resultaten visar att den spanske konstnären inte är far till Pilar Abel.

Salvador Dalí är en sekundär karaktär i den animerade filmen Buñuel after the Golden Age (2018): han nämns flera gånger och hans röst (spelad av Salvador Simó, regissören) hörs i en scen där Luis Buñuel ringer honom.

Läs också: biografier – Domitianus

Externa länkar

Källor

1. Salvador Dalí
2. Salvador Dalí