Sidney Lumet

Delice Bette | oktober 5, 2022

Sammanfattning

Sidney Arthur Lumet (25 juni 1924-9 april 2011) var en amerikansk filmregissör, producent och manusförfattare med över 50 filmer i bagaget. Han nominerades fem gånger till en Oscar: fyra gånger för bästa regi för 12 Angry Men (1957), Dog Day Afternoon (1975), Network (1976) och The Verdict (1982) och en gång för bästa anpassade manus för Prince of the City (1981). Han vann inte någon enskild Oscar, men fick en Academy Honorary Award, och 14 av hans filmer nominerades till Oscars.

Enligt The Encyclopedia of Hollywood var Lumet en av de mest produktiva filmskaparna i modern tid, och han regisserade i genomsnitt mer än en film per år sedan sin regidebut 1957. Turner Classic Movies noterar hans ”starka ledning av skådespelare”, ”kraftfulla berättande” och ”socialrealism” i hans bästa verk. Filmkritikern Roger Ebert beskrev honom som ”en av de finaste hantverkarna och varmaste humanisterna bland alla filmregissörer”. Lumet var också känd som en ”skådespelarregissör” och hade arbetat med de bästa av dem under sin karriär, förmodligen mer än ”någon annan regissör”. Sean Connery, som medverkade i fem av hans filmer, ansåg att han var en av sina favoritregissörer, och en som hade den där ”visionen”.

Lumet var medlem av den första klassen vid Actors Studio i New York och började sin karriär som regissör i Off-Broadway-produktioner, för att sedan bli en mycket effektiv TV-regissör. Hans första film, 12 Angry Men (1957), var ett rättegångsdrama med fokus på en spänd juryöverläggning. Lumet delade därefter upp sin energi mellan politiska och sociala dramafilmer, samt adaptioner av litterära pjäser och romaner, stora stilfulla berättelser, New York-baserade svarta komedier och realistiska kriminaldramer, bland annat Serpico och Prince of the City. Som ett resultat av regin av 12 Angry Men var han också ansvarig för att leda den första vågen av regissörer som gjorde en framgångsrik övergång från TV till film.

År 2005 fick Lumet en Oscar för sitt livsverk för sina ”briljanta insatser för manusförfattare, artister och filmkonsten”. Två år senare avslutade han sin karriär med det hyllade dramat Before the Devil Knows You”re Dead (2007). Några månader efter Lumets död i april 2011 hölls ett retrospektivt firande av hans arbete på Lincoln Center i New York med många talare och filmstjärnor. År 2015 regisserade Nancy Buirski By Sidney Lumet, en dokumentär om hans karriär, som sändes som en del av PBS:s serie American Masters i januari 2017 .

Läs också: historia-sv – Digerdöden

Tidiga år

Lumet föddes i Philadelphia och växte upp i stadsdelen Lower East Side på Manhattan. Han studerade skådespeleri vid Professional Children”s School of New York och Columbia University.

Lumets föräldrar, Baruch och Eugenia (född Wermus) Lumet, var veteraner från den jiddiska teatern och var polsk-judiska emigranter till USA. Hans far, som var skådespelare, regissör, producent och författare, föddes i Warszawa. Lumets mor, som var dansare, dog när han var liten. Han hade en äldre syster. Han gjorde sin professionella debut i radio vid fyra års ålder och scendebut på Yiddish Art Theatre vid fem års ålder. Som barn medverkade han också i många Broadwayproduktioner, bland annat i 1935 års Dead End och Kurt Weills The Eternal Road.

1935, när han var 11 år gammal, medverkade han i Henry Lynns kortfilm Papirossen (som betyder ”cigaretter” på jiddisch), som samproducerades av radiostjärnan Herman Yablokoff. Filmen visades i en teaterpjäs med samma titel, baserad på hitlåten ”Papirosn”. Pjäsen och kortfilmen visades på McKinley Square Theatre i Bronx. 1939 gjorde han sitt enda långfilmsframträdande, vid 15 års ålder, i …One Third of a Nation….

Andra världskriget avbröt hans tidiga skådespelarkarriär och han tillbringade fyra år i den amerikanska armén. Efter att ha återvänt från sin tjänstgöring som radarreparatör stationerad i Indien och Burma (1942-1946) blev han engagerad i Actors Studio och bildade sedan sin egen teaterverkstad. Han organiserade en Off-Broadway-grupp och blev dess chef, och fortsatte att regissera sommarteater på sommarläger, samtidigt som han undervisade i skådespeleri vid High School of Performing Arts. Han var senior dramacoach vid den nya 46th St. byggnaden för ”Performing Arts”. Den 25-årige Lumet ledde dramaavdelningen i en uppsättning av The Young and Fair.

Läs också: biografier – Bette Davis

Tidig karriär

Lumet började sin karriär som regissör med Off-Broadway-produktioner och utvecklades sedan till en mycket respekterad TV-regissör. Efter att ha arbetat på Off-Broadway och i sommaruppsättningar började han regissera tv 1950, efter att ha arbetat som assistent åt vännen och dåvarande regissören Yul Brynner. Han utvecklade snart en ”blixtsnabb” metod för inspelning på grund av den höga omsättning som tv kräver. När han arbetade för CBS regisserade han därför hundratals avsnitt av Danger (1950-55), Mama (1949-57) och You Are There (1953-57), en veckoserie där Walter Cronkite medverkade i ett av sina tidiga tv-framträdanden. Lumet valde Cronkite för rollen som ankare ”för att förutsättningen för serien var så fånig, så upprörande att vi behövde någon med den mest amerikanska, hemtrevliga, varma lätthet över sig”, sade Lumet.

Han regisserade också originalpjäser för Playhouse 90, Kraft Television Theatre och Studio One och regisserade omkring 200 avsnitt, vilket gjorde honom till ”en av de mest produktiva och respekterade regissörerna i branschen”, enligt Turner Classic Movies. Hans förmåga att arbeta snabbt under inspelning överfördes till hans filmkarriär. Eftersom kvaliteten på många av tv-dramerna var så imponerande anpassades flera av dem senare till film.

Hans första film, 12 Angry Men (1957), baserad på en direktsänd pjäs från CBS, var en lovande början för Lumet. Den blev en kritisk framgång och etablerade honom som en regissör som var skicklig på att anpassa egenskaper från andra medier till film. Hela hälften av Lumets komplement av filmer har sitt ursprung i teatern.

En kontroversiell TV-show som han regisserade 1960 gjorde honom känd: The Sacco-Vanzetti Story på NBC. Enligt New York Times fick dramat kritik från delstaten Massachusetts (där Sacco och Vanzetti ställdes inför rätta och avrättades), eftersom man ansåg att den postulerade att de dömda mördarna i själva verket var helt oskyldiga. Den resulterande kontroversen gjorde dock Lumet mer nytta än skada och gav honom flera prestigefyllda filmuppdrag.

Han började anpassa klassiska pjäser för både film och tv och regisserade Marlon Brando, Joanne Woodward och Anna Magnani i långfilmen The Fugitive Kind (1959), baserad på Tennessee Williams pjäs Orpheus Descending. Senare regisserade han en direktsänd tv-version av Eugene O”Neills The Iceman Cometh, som följdes av hans film A View from the Bridge (1962), ett annat psykologiskt drama från pjäsen skriven av Arthur Miller. Denna följdes av en annan pjäs av Eugene O”Neill som gjordes till film, Long Day”s Journey into Night (även den 1962), där Katharine Hepburn fick en Oscarsnominering för sin roll som drogberoende hemmafru; de fyra huvudrollsinnehavarna vann skådespelarpriserna vid filmfestivalen i Cannes 1962. Den röstades också fram som en av årets ”tio bästa filmer” av New York Times.

Läs också: biografier – Ludvig XVI av Frankrike

Realism och energisk stil

Filmkritikern Owen Gleiberman har påpekat att Lumet var en ”hårdkokt skytt” som, eftersom han utbildades under televisionens guldålder på 1950-talet, blev känd för sin energiska regissörstil. Han tillägger att orden ”Sidney Lumet” och ”energi” blev synonyma: ”Energin fanns där i de tystaste ögonblicken. Det var en inre energi, ett surr av existens som Lumet observerade hos människor och tog fram hos dem … han gick ut på New Yorks gator … han gjorde dem elektriska:

Det var en arbetarklass i en yttre stadsdel. Lumets gator var lika elaka som Scorseses gator, men Lumets gator verkade enkla snarare än poetiska. Han kanaliserade den där New York-livsstilen med en sådan naturlig kraft att det var lätt att förbise vad som verkligen var inblandat i prestationen. Han fångade den där New York-vibben som ingen annan eftersom han såg den, levde den, andades den – men sedan var han tvungen att gå ut och iscensätta den, eller återskapa den, nästan som om han iscensatte en dokumentärfilm, lät sina skådespelare slåss som slumpmässiga rovdjur, och insisterade på att få så naturligt ljus som möjligt, få kontoren att se så fula och byråkratiska ut som de var, eftersom han visste att de inte bara var kontor utan också lyor, och att det fanns en djupare intensitet, nästan en sorts skönhet, i att fånga verklighetens grovhet så som den verkligen såg ut.

Läs också: strider – Slaget vid Sedan (1870)

Samarbete

Lumet insisterade i allmänhet på filmens samarbetskaraktär och förlöjligade ibland den ”personliga” regissörens dominans, skriver filmhistorikern Frank P. Cunningham. Som ett resultat av detta blev Lumet känd bland både skådespelare och filmfotografer för sin öppenhet för att dela kreativa idéer med författaren, skådespelaren och andra konstnärer. Lumet ”har ingen motsvarighet när det gäller att leda framstående skådespelare”, tillägger Cunningham, och många av dem kommer från teatern. Han kunde locka fram starka prestationer från skådespelare som Ralph Richardson, Marlon Brando, Richard Burton, Katharine Hepburn, James Mason, Sophia Loren, Geraldine Fitzgerald, Blythe Danner, Rod Steiger, Vanessa Redgrave, Paul Newman, Sean Connery, Henry Fonda, Dustin Hoffman, Albert Finney, Simone Signoret och Anne Bancroft. ”Ge honom en bra skådespelare och han kanske hittar den stora skådespelaren som lurar inom sig”, skrev filmkritikern Mick LaSalle.

När det var nödvändigt valde Lumet outbildade skådespelare, men han förklarade: ”I mer än nittio procent av fallen vill jag ha de bästa verktygen jag kan få: skådespelare, manusförfattare, ljussättare, kameramän, rekvisitörer.” När han ändå använde mindre erfarna skådespelare kunde han ändå få fram överlägsna och minnesvärda skådespelarprestationer. Det gjorde han med Nick Nolte, Anthony Perkins, Armand Assante, Jane Fonda, Faye Dunaway, Timothy Hutton och Ali MacGraw, som själv kallade honom ”varje skådespelares dröm”. Enligt Fonda var han ”en mästare”. Han hade en sådan kontroll över sitt hantverk. Han hade starka, progressiva värderingar och förrådde dem aldrig.”

Lumet ansåg att film är en konst och att ”den uppmärksamhet som ägnas åt film är direkt relaterad till kvaliteten på bilderna”. Eftersom han började sin karriär som skådespelare blev han känd som ”skådespelarregissör” och arbetade med de bästa av dem genom åren, en lista som troligen saknar motstycke hos någon annan regissör. Skådespelarforskaren Frank P. Tomasulo håller med och påpekar att många regissörer som har förmågan att förstå skådespeleri ur en skådespelares perspektiv alla var ”fantastiska kommunikatörer”.

Enligt filmhistorikerna Gerald Mast och Bruce Kawin har Lumets ”känslighet för skådespelare och stadens rytmer gjort honom till USA:s längsta efterföljare till 1950-talets neorealistiska tradition och dess angelägna engagemang för etiskt ansvar”. De nämner hans tidiga film The Hill (1965) som ”en av 1960-talets mest politiskt och moraliskt radikala filmer”. De tillägger att bakom de sociala konflikterna i Lumets filmer ligger ”övertygelsen att kärlek och förnuft till slut kommer att segra i mänskliga angelägenheter” och att ”lag och rättvisa till slut kommer att tillämpas – eller inte”. Hans debutfilm, Twelve Angry Men, var en hyllad film på sin tid och representerade en modell för liberalt förnuft och gemenskap under 1950-talet. Filmen och Lumet nominerades till Oscars och han nominerades till Director”s Guild Award, och filmen fick mycket beröm av kritikerna.

I Encyclopedia of World Biography står det att hans filmer ofta innehöll skådespelare som studerade ”Method acting” och som var kända för att ha en jordnära, introspektiv stil. Ett ledande exempel på sådana ”metodskådespelare” är Al Pacino, som tidigt i sin karriär studerade för metodskådespelargurun Lee Strasberg. Lumet föredrog också att få en spontanitet hos både sina skådespelare och miljöer, vilket gav hans filmer ett improvisatoriskt utseende genom att han spelade in mycket av sitt arbete på plats.

Läs också: biografier – Chris Burden

Repetition och förberedelser

Lumet trodde starkt på repetition och ansåg att om man repeterar på rätt sätt kommer skådespelaren inte att förlora sin spontanitet. Enligt skådespelarförfattaren Ian Bernard ansåg han att det ger skådespelare ”hela rollens båge”, vilket ger dem friheten att hitta den ”magiska olyckan”. Regissören Peter Bogdanovich frågade honom om han repeterade mycket före inspelningen, och Lumet svarade att han gillade att repetera minst två veckor före inspelningen. Under dessa veckor, påminner Faye Dunaway, som spelade huvudrollen i Network (1976), blockerade han också scenerna tillsammans med sin kameraman. Som ett resultat av detta, tillägger hon, ”slösas inte en minut bort när han filmar, och det syns inte bara på studiobudgeten, utan också på prestationen”. Hon berömmer hans regissörsstil i Network, för vilken hon vann sin enda Oscar:

Sidney är en av, om inte den mest begåvade och professionella mannen i världen… och att spela i Network var en av de lyckligaste upplevelser jag någonsin haft… Han är en riktigt begåvad man som bidrog en hel del till min prestation.

Delvis på grund av att hans skådespelare var väl inövade kunde han genomföra en föreställning i snabb ordning, vilket gjorde att hans produktioner höll sig inom den blygsamma budgeten. När han till exempel spelade in Prince of the City (1981) kunde han samordna hela inspelningen på 52 dagar, trots att det fanns över 130 talande roller och 135 olika platser. Som ett resultat av detta, skriver historikerna Charles Harpole och Thomas Schatz, var skådespelarna ivriga att arbeta med honom eftersom de ansåg att han var en ”enastående skådespelarregissör”. Filmens stjärna, Treat Williams, sade att Lumet var känd för att vara ”energisk”:

Han var bara en eldboll. Han hade passion för det han gjorde och han ”kom till jobbet” med alla tunnor brinnande. Han är förmodligen den mest förberedda regissör jag någonsin har arbetat med känslomässigt. Hans filmer kom alltid in under tidtabellen och budgeten. Och alla kom hem till middag.

Harpole tillägger att ”medan många regissörer ogillade repetitioner eller att ge råd till skådespelare om hur de skulle bygga upp sina karaktärer, var Lumet utmärkt på båda dessa områden”. Han kunde därmed lättare ge sina skådespelare ett filmiskt skyltfönster för sina förmågor och hjälpa dem att fördjupa sina skådespelarinsatser. Skådespelaren Christopher Reeve, som medverkade i Deathtrap (1982), påpekade också att Lumet visste hur man talar tekniskt språk: ”Om du vill arbeta på det sättet – han vet hur man pratar metodik, han vet hur man improviserar och han gör allt lika bra.”

Joanna Rapf, som skriver om inspelningen av The Verdict (1982), konstaterar att Lumet gav mycket personlig uppmärksamhet åt sina skådespelare, vare sig han lyssnade på dem eller rörde vid dem. Hon beskriver hur Lumet och stjärnan Paul Newman satt på en bänk avskild från huvudscenen, där Newman hade tagit av sig skorna, för att privat diskutera en viktig scen som skulle spelas in … skådespelarna går igenom sina scener innan kameran rullar. Denna förberedelse gjordes eftersom Lumet gillar att filma en scen i en enda tagning, högst två. Newman gillade att kalla honom ”Speedy Gonzales” och tillade att Lumet inte filmade mer än han var tvungen att göra. ”Han ger sig själv inget skydd. Jag vet att jag skulle göra det”, sade Newman.

Filmkritikern Betsey Sharkey håller med och tillägger att ”han var en mästare på en eller två tagningar flera år innan Clint Eastwood gjorde det till en respekterad specialitet”. Sharkey minns: ”Dunaway berättade en gång för mig att Lumet arbetade så snabbt att det var som om han gick på rullskridskor. En snabb puls som genererades av ett stort hjärta.”

Läs också: historia-sv – Transatlantiska slavhandeln

Karaktärsutveckling

Biografen Joanna Rapf konstaterar att Lumet alltid varit en oberoende regissör och att han gillade att göra filmer om ”män som har mod att utmana systemet, om den lilla killen mot systemet”:  Intro Detta inkluderar även kvinnliga karaktärer som i Garbo Talks (1984). Stjärnan Anne Bancroft förkroppsligade den typ av karaktärsskildring som lockade honom: ”en engagerad aktivist för alla slags frågor, som står upp för de förtrycktas rättigheter, som är livlig, frispråkig, modig, som vägrar att anpassa sig för bekvämlighetens skull, och vars livsuppfattning gör att hon kan dö med värdighet … Garbo Talks är på många sätt ett valentin till New York.”

I en intervju 2006 sade han att han alltid varit ”fascinerad av de mänskliga kostnaderna för att följa passioner och åtaganden, och de kostnader som dessa passioner och åtaganden medför för andra”. Detta tema är kärnan i de flesta av hans filmer, konstaterar Rapf, t.ex. i hans verkliga filmer om korruption inom New York Citys polismyndighet eller i familjedramer som Daniel (1983).

Läs också: biografier – Vladimir Tatlin

Psykodramer

Filmhistorikern Stephen Bowles anser att Lumet var mest bekväm och effektiv som regissör av allvarliga psykodramer, i motsats till lätta underhållningar. Hans Oscarsnomineringar gällde till exempel alla karaktärsstudier av män i kris, från hans första film, Twelve Angry Men, till The Verdict. Lumet utmärkte sig för att sätta drama på filmduken. De flesta av hans karaktärer drivs av besatthet eller passioner, såsom strävan efter rättvisa, ärlighet och sanning, eller svartsjuka, minnen eller skuld. Lumet var fascinerad av tvångstillstånd, skriver Bowles.

Lumets huvudpersoner tenderar att vara antihjältar, isolerade och oansenliga män som gör uppror mot en grupp eller institution. Det viktigaste kriteriet för Lumet var inte bara huruvida människornas handlingar var rätt eller fel, utan om de var genuina och motiverade av individens samvete. Visselblåsaren Frank Serpico är till exempel den typiska Lumet-hjälten, som han beskrev som en ”rebell med en sak”.

Ett tidigare exempel på psykodrama var The Pawnbroker (1964) med Rod Steiger i huvudrollen. I den spelade Steiger en överlevare från Förintelsen vars själ hade brutits och som lever dagligen som pantbankschef i Harlem. Lumet använde filmen för att med hjälp av återblickar undersöka de psykologiska och andliga ärren som Steigers karaktär lever med, inklusive hans förlorade förmåga att känna glädje. Steiger, som gjorde nästan 80 filmer, sade under en TV-intervju att filmen var hans favoritfilm som skådespelare.

Läs också: biografier – Willem Barents

Frågor om social rättvisa

Serpico (1973) var den första av fyra ”banbrytande” filmer som Lumet gjorde under 1970-talet och som gjorde honom till ”en av de största filmskaparna i sin generation”. Det var en berättelse om makt och förräderi inom New York Citys polisstyrka, med en idealistisk polis som kämpar mot omöjliga odds.

Lumet var barn under depressionen och växte upp i fattigdom i New York City och bevittnade fattigdomen och korruptionen runt omkring sig. Det ingav honom tidigt vikten av rättvisa för en demokrati, ett ämne som han försökte få med i sina filmer. Han medgav dock att han inte trodde att filmbranschen i sig har makten att förändra något. ”Det finns, som han säger, mycket ”skit” att ta itu med i underhållningsbranschen, men hemligheten med ett bra arbete är att behålla sin ärlighet och sin passion.” Filmhistorikern David Thomson skriver om hans filmer:

Han har fasta teman: rättvisans bräcklighet och polisen och dess korruption. Lumet blev snabbt uppskattad … fick en vana vid stora frågor – Fail Safe, The Pawnbroker, The Hill – och verkade sliten mellan tråkighet och patos. …    Han var 1970-talets sällsynthet, en regissör som gärna serverar sitt material – men som inte tycks ha berörts eller förändrats av det. …  Hans känslighet för skådespelare och för stadens rytmer har gjort honom till ”Amerikas längst levande ättling till 1950-talets neorealistiska tradition och dess angelägna engagemang för etiskt ansvar”.

Läs också: civilisationer – Majapahitriket

Inställningar i New York City

Lumet föredrog alltid att arbeta i New York City och undvek Hollywoods dominans. Som regissör blev han starkt identifierad med New York City. ”Jag gillar alltid att befinna mig i Woody Allens värld”, säger han. Han hävdade att ”stadens mångfald, dess många etniska kvarter, dess konst och brottslighet, dess sofistikering och korruption, dess skönhet och fulhet, allt detta bidrar till det som inspirerar honom”. Han ansåg att det är viktigt att konfrontera verkligheten dagligen för att kunna skapa. För Lumet ”är New York fyllt av verklighet, Hollywood är ett fantasiland”.

Enligt filmhistorikerna Scott och Barbara Siegel använde han New York City gång på gång som bakgrund – om inte symbol – för sin ”oro för Amerikas nedgång”. Lumet attraherades av brottsrelaterade berättelser med New York Citys stadsmiljöer där brottslingarna fastnar i en virvel av händelser som de varken kan förstå eller kontrollera, men som de tvingas lösa.

Läs också: civilisationer – Jōmon

Användning av samtida judiska teman

I likhet med andra judiska regissörer från New York, som Woody Allen, Mel Brooks och Paul Mazursky, talade Lumets karaktärer ofta öppet om tidens kontroversiella frågor. De kände sig obegränsade som filmskapare och deras konst blev ”filtrerad genom deras judiska medvetande”, skriver filmhistorikern David Desser. Lumet, liksom de andra, vände sig ibland till judiska teman för att utveckla etniska känslor som var karakteristiska för den samtida amerikanska kulturen:  3 genom att dynamiskt lyfta fram dess ”unika spänningar och kulturella mångfald”. Detta återspeglades delvis i Lumets upptagenhet med stadslivet. 6 Hans film A Stranger Among Us (1992), till exempel, är berättelsen om en kvinnlig undercover-polis och hennes upplevelser i ett chassidiskt samhälle i New York City.

Ämnet ”skuld”, förklarar Desser, dominerar många av Lumets filmer. Från hans första långfilm, 12 Angry Men (1957), där en jury måste avgöra om en ung man är skyldig eller oskyldig, till Q&A (1990), där en advokat måste avgöra frågan om skuld och ansvar hos en avvikande polisman, är skuld en röd tråd som löper genom många av hans filmer. I en film som Mord på Orientexpressen (1974) är alla misstänkta skyldiga..:  172

Hans filmer kännetecknades också av en stark betoning på familjelivet och visade ofta på spänningar inom familjen.172 Denna betoning på familjen innefattade ”surrogatfamiljer”, som i polistrilogin Serpico (1973), Prince of the City (1981) och Q & A. En ”otraditionell familj” skildras också i Dog Day Afternoon (1975):  172

Läs också: biografier – Louise Bourgeois (skulptör)

Regiteknik

Lumet hade alltid föredragit naturalism eller realism, enligt Joanna Rapf. Han gillade inte ”dekoratörslooken”, där kameran kunde dra uppmärksamhet till sig själv. Han redigerade sina filmer så att kameran var diskret. Hans filmfotograf Ron Fortunato sa att ”Sidney flippar ut om han ser en look som är för konstfull”.

Delvis på grund av att han var villig och kapabel att ta sig an så många viktiga sociala frågor och problem, fick han starka prestationer från huvudrollsinnehavare med fina insatser från karaktärsskådespelare. Han är ”en av de mest trogna personerna inom New York-filmen”. Han håller sig till bra manus när han får dem”, sade kritikern David Thomson. Även om kritikerna har varierande åsikter om hans filmer har Lumets verk i allmänhet hög uppskattning. De flesta kritiker har beskrivit honom som en känslig och intelligent regissör, med god smak, mod att experimentera med sin stil och en ”talang för att hantera skådespelare”.

I ett citat från sin bok betonar Lumet logistiken i att regissera:

Någon frågade mig en gång hur det var att göra en film. Jag svarade att det var som att göra en mosaik. Varje uppställning är som en liten bricka (en uppställning, den grundläggande komponenten i en filmproduktion, består av en kameraposition och tillhörande ljussättning). Man färgar den, formar den och polerar den så gott man kan. Du gör sex- eller sjuhundra av dessa, kanske tusen. (Det kan lätt finnas så många inställningar i en film.) Sedan klistrar du bokstavligen ihop dem och hoppas att det blir det du tänkt dig.

Kritikern Justin Chang tillägger att Lumets skicklighet som regissör och i att utveckla starka berättelser fortsatte fram till hans sista film 2007 och skriver om hans ”smidiga kontakt med skådespelarna, hans förmåga att med ena handen locka fram stor värme och skarp humor och med den andra handen locka fram dem till allt mörkare, mer ångestfyllda känslomässiga ytterligheter”, och att detta var en glädjande uppvisning i hans sista film med den ironiska titeln ”Before the Devil Knows You”re Dead”.

Läs också: civilisationer – Yuandynastin

Vision av framtida filmer

I en intervju med New York Magazine sa han att han förväntar sig att se fler regissörer med olika etnisk bakgrund och samhällen berätta sina historier. ”Du vet, jag började med att göra filmer om judar, italienare och irländare eftersom jag inte visste något annat.”

Lumet har fått erkännande av Academy of Motion Picture Arts and Sciences för följande filmer:

Lumet har också fått Berlin International Film Festival”s Golden Bear för 12 Angry Men. Han fick fyra nomineringar till filmfestivalen i Cannes för filmerna Long Day”s Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) och A Stranger Among Us (1992). Han blev också nominerad till Guldlejonet vid filmfestivalen i Venedig för Prince of the City (1981).

Enligt filmhistorikern Bowles lyckades Lumet bli en ledande dramafilmare delvis på grund av att ”hans viktigaste kriterium är inte om hans huvudpersoners handlingar är rätt eller fel, utan om deras handlingar är äkta”. Och när dessa handlingar ”rättfärdigas av individens samvete ger detta hans hjältar en ovanlig styrka och mod att uthärda andras påtryckningar, övergrepp och orättvisor”. Hans filmer har därmed hela tiden gett oss ”den typiska hjälten som agerar i strid med kamratgruppens auktoritet och hävdar sin egen kod av moraliska värderingar”.

Lumets publicerade memoarer om sitt filmliv, Making Movies (1996), är ”extremt lättsamma och smittande i sin entusiasm för själva filmskapandet”, skriver Bowles, ”och står i tydlig kontrast till tonen och stilen i de flesta av hans filmer”. Kanske är Lumets signum som regissör hans arbete med skådespelare – och hans exceptionella förmåga att locka fram högkvalitativa, ibland extraordinära prestationer även från de mest oväntade håll.” Jake Coyle, skribent för Associated Press, håller med: ”Lumet har i åratal varit relativt underskattad, men skådespelarna har konsekvent gjort några av sina mest minnesvärda prestationer under hans ledning. Från Katharine Hepburn till Faye Dunaway, Henry Fonda till Paul Newman, Lumet är känd som en skådespelares regissör”, och för vissa, som Ali MacGraw, anses han vara ”varje skådespelares dröm”.

Regissören och producenten Steven Spielberg ansåg att Lumets ”fängslande berättelser och oförglömliga skådespelare var hans starka sida” och beskrev Lumet som ”en av de största regissörerna i filmens långa historia”. Al Pacino, när han fick höra om Lumets död, förklarade att han med sina filmer ”lämnar ett stort arv, men mer än så, för de människor som står honom nära kommer han att förbli den mest civiliserade av människor och den snällaste man jag någonsin känt”. Boston Herald-skribenten James Verniere påpekar att ”i en tid då den amerikanska filmindustrin försöker se hur lågt den kan sjunka, förblir Sidney Lumet en mästare på det moraliskt komplexa amerikanska dramat”. Efter hans död hyllade New York-regissörskollegerna Woody Allen och Martin Scorsese Lumet. Allen kallade honom för ”den typiska New York-filmaren”, medan Scorsese sa att ”vår syn på staden har förbättrats och fördjupats av klassiker som Serpico, Dog Day Afternoon och framför allt den anmärkningsvärda Prince of the City”. Lumet fick också beröm av New Yorks borgmästare Michael Bloomberg, som kallade honom ”en av de stora krönikörerna av vår stad”.

Han har inte vunnit någon enskild Oscar, även om han fick en hedersutmärkelse 2005 och 14 av hans filmer har nominerats till olika Oscars, till exempel Network, som nominerades till 10 Oscars och vann 4. År 2005 fick Lumet en Oscar för sitt livsverk för sina ”lysande tjänster för manusförfattare, artister och filmkonsten”.

Några månader efter Lumets död i april 2011 sände TV-kommentatorn Lawrence O”Donnell en hyllning till Lumet, och en retrospektiv hyllning av hans arbete hölls på Lincoln Center i New York med många talare och filmstjärnor. I oktober 2011 instiftade organisationen Human Rights First sitt ”Sidney Lumet Award for Integrity in Entertainment” för tv-serien The Good Wife, samtidigt som den delade ut priser till två aktivister i Mellanöstern som hade arbetat för frihet och demokrati. Lumet hade samarbetat med Human Rights First i ett medieprojekt om skildring av tortyr och förhör i tv.

Lumet var gift fyra gånger; de tre första äktenskapen slutade i skilsmässa. Han var gift med skådespelerskan Rita Gam 1949-1955, med konstnären och arvtagerskan Gloria Vanderbilt 1956-1963, med Gail Jones och med Mary Bailey Gimbel (före detta fru till Peter Gimbel) från 1980 till sin död. Han hade två döttrar med Jones: Amy, som var gift med P.J. O”Rourke från 1990 till 1993, och skådespelerskan

Lumet avled 86 år gammal den 9 april 2011 i sin bostad på Manhattan i lymfkörtelcancer. När Lumet i en intervju 1997 fick frågan om hur han ville ”gå ut” svarade han: ”Jag tänker inte på det. Jag är inte religiös. Jag vet att jag inte vill ta upp någon plats. Bränn upp mig och sprid ut min aska över Katz”s Delicatessen”.

Källor

1. Sidney Lumet
2. Sidney Lumet
3. ^ ”Say How: L”. National Library Service for the Blind and Print Disabled. Retrieved June 20, 2022.
4. ^ ”Director Sidney Lumet wins honorary Oscar”. Entertainment Weekly. Retrieved May 29, 2021.
5. ^ a b Siegel, Scott and Barbara. The Encyclopedia of Hollywood (2004) Checkmark Books, 256
6. ^ Ebert, Roger. ”Sidney Lumet: In memory” Chicago Sun Times, April 9, 2011
7. ^ a b c d e f g h i j k l m Rapf, Joanna E. Sidney Lumet: Interviews, Univ. Press of Mississippi (2006)
8. vgl. Pflaum, H. G.: Im Zweifel gegen den Ankläger. In: Süddeutsche Zeitung, 18. Juni 1997, S. 14.
9. a b c d vgl. Sidney Lumet. In: Internationales Biographisches Archiv 23/2009 vom 2. Juni 2009 (aufgerufen am 10. April 2011 via Munzinger Online).
10. a b c d vgl. Coyle, Jake: US filmmaking great Sidney Lumet dies in NY at 86. The Associated Press State & Local Wire, 10. April 2011, 3:07 AM GMT (aufgerufen via LexisNexis Wirtschaft).
11. a b c vgl. Vallance, Tom: Sidney Lumet. In: Independent Extra, 11. April 2011, S. 8.
12. vgl. Messias, Hans: Tödliche Entscheidung – Before the Devil knows you”re dead. In: film-dienst, 8/2008 (aufgerufen via Munzinger Online).
13. «Obituary: Sidney Lumet». BBC News. 9 de abril de 2011. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
14. «Film Obituaries; Sidney Lumet». The Daily Telegraph (London). 9 de abril de 2011. Archivado desde el original el January 11, 2022. Consultado el 19 de septiembre de 2022.  Parámetro desconocido |url-status= ignorado (ayuda)
15. a b French, Philip (10 de abril de 2011). «Sidney Lumet, giant of American cinema, dies at 86 | Film | The Observer». The Observer (London: Guardian Media Group). Consultado el 19 de septiembre de 2022.
16. Ανακτήθηκε στις 10  Ιουλίου 2019.