Sol LeWitt
gigatos | januari 11, 2022
Sammanfattning
Solomon ”Sol” LeWitt (9 september 1928-8 april 2007) var en amerikansk konstnär med anknytning till olika rörelser, bland annat konceptuell konst och minimalism.
LeWitt blev känd i slutet av 1960-talet för sina väggritningar och ”strukturer” (en term som han föredrog i stället för ”skulpturer”), men han var produktiv inom ett brett spektrum av medier, inklusive teckning, grafik, fotografi, måleri, installationer och konstnärsböcker. Han har varit föremål för hundratals separatutställningar på museer och gallerier runt om i världen sedan 1965. Den första biografin om konstnären, Sol LeWitt: A Life of Ideas, av Lary Bloom, publicerades av Wesleyan University Press våren 2019.
LeWitt föddes i Hartford, Connecticut, i en familj av judiska immigranter från Ryssland. Hans mor tog honom till konstklasser på Wadsworth Atheneum i Hartford. Efter att ha fått en BFA från Syracuse University 1949 reste LeWitt till Europa där han exponerades för gamla mästarmålningar. Kort därefter tjänstgjorde han i Koreakriget, först i Kalifornien, sedan i Japan och slutligen i Korea. LeWitt flyttade till New York 1953 och inrättade en studio på Lower East Side, i den gamla ashkenaziska judiska bosättningen på Hester Street. Under denna tid studerade han vid School of Visual Arts samtidigt som han fullföljde sitt intresse för design på tidningen Seventeen, där han gjorde klistringar, mekaniska bilder och fotostater. År 1955 var han grafisk formgivare på arkitekten I.M. Peis kontor under ett år. Vid den tiden upptäckte LeWitt också det sena 1800-talets fotograf Eadweard Muybridge, vars studier av sekvens och rörelse var ett tidigt inflytande. Dessa erfarenheter, i kombination med ett nybörjarjobb som nattreceptionist och kontorist som han tog 1960 vid Museum of Modern Art (MoMA) i New York, skulle påverka LeWitts senare arbete.
På MoMA arbetade LeWitt bland annat med Robert Ryman, Dan Flavin, Gene Beery och Robert Mangold, och den blivande konstkritikern och författaren Lucy Lippard som arbetade som page i biblioteket. Kurator Dorothy Canning Millers numera berömda utställning ”Sixteen Americans” från 1960 med verk av Jasper Johns, Robert Rauschenberg och Frank Stella skapade en våg av uppståndelse och diskussion bland de konstnärer som LeWitt var associerad med. LeWitt blev också vän med Hanne Darboven, Eva Hesse och Robert Smithson.
LeWitt undervisade vid flera skolor i New York, bland annat vid New York University och School of Visual Arts, i slutet av 1960-talet. 1980 lämnade LeWitt New York för Spoleto i Italien. Efter att ha återvänt till USA i slutet av 1980-talet gjorde LeWitt Chester, Connecticut, till sin huvudort. Han dog 78 år gammal i New York av cancerkomplikationer.
LeWitt anses vara en av grundarna av både minimalistisk och konceptuell konst. Hans produktiva två- och tredimensionella verk sträcker sig från väggritningar (över 1 200 av dem har utförts) till hundratals pappersarbeten som sträcker sig till strukturer i form av torn, pyramider, geometriska former och progressionsformer. Dessa verk varierar i storlek från böcker och installationer i galleristorlek till monumentala utomhusverk. LeWitts första seriella skulpturer skapades på 1960-talet med hjälp av den modulära formen av kvadraten i arrangemang av varierande visuell komplexitet. År 1979 deltog LeWitt i utformningen av Lucinda Childs Dance Companys verk Dance.
Läs också: biografier – Umberto Eco
Skulptur
I början av 1960-talet började LeWitt skapa sina ”strukturer”, en term som han använde för att beskriva sina tredimensionella verk. Hans frekventa användning av öppna, modulära strukturer har sitt ursprung i kuben, en form som påverkade konstnärens tänkande från den tid då han blev konstnär. Efter att ha skapat ett tidigt verk bestående av träföremål i sluten form, kraftigt lackerade för hand, ”beslutade han i mitten av 1960-talet att ta bort skalet helt och hållet och avslöja strukturen”. Denna skelettform, den radikalt förenklade öppna kuben, blev en grundläggande byggsten i konstnärens tredimensionella verk. I mitten av 1960-talet började LeWitt arbeta med den öppna kuben: tolv lika stora linjära element som är sammankopplade i åtta hörn för att bilda en skelettstruktur. Från 1969 tänkte han ut många av sina modulära strukturer i stor skala, som skulle byggas i aluminium eller stål av industriella tillverkare. Flera av LeWits kubstrukturer stod ungefär i ögonhöjd. I denna skala införde konstnären kroppsliga proportioner i sin grundläggande skulpturala enhet.
Efter tidiga experiment bestämde sig LeWitt för en standardversion för sina modulära kuber, cirka 1965: det negativa utrymmet mellan balkarna skulle stå i förhållande till det positiva utrymmet i själva skulpturmaterialet i ett förhållande av 8,5:1, eller 172{displaystyle {frac {17}{2}}}}. Materialet skulle också målas vitt i stället för svart, för att undvika den ”expressiva” svarta färgen i tidigare liknande verk. Både förhållandet och färgen var godtyckliga estetiska val, men när de väl hade tagits användes de konsekvent i flera verk som är typiska för LeWitts ”modulära kub”-verk. Museer som innehar exemplar av LeWitts modulära kubiska verk har publicerat lektionsförslag för grundskoleundervisning, avsedda att uppmuntra barn att undersöka konstverkens matematiska egenskaper.
I mitten av 1980-talet komponerade LeWitt en del av sina skulpturer av staplade block, och skapade fortfarande variationer inom ramen för de självpåtagna begränsningarna. Vid den här tiden började han arbeta med betongblock. År 1985 byggdes den första cementkuben i en park i Basel. Från 1990 och framåt tänkte LeWitt ut flera varianter på ett torn som skulle byggas med hjälp av betongblock. I ett skifte bort från hans välkända geometriska formvokabulär visar de verk som LeWitt förverkligade i slutet av 1990-talet på ett levande sätt konstnärens växande intresse för något slumpmässiga kurvlinjära former och starkt mättade färger.
År 2007 skapade LeWitt 9 Towers, en kub av mer än 1 000 ljusa tegelstenar som är fem meter lång på varje sida. Den installerades på Kivik Art Centre i Lilla Stenshuvud i Sverige 2014.
Läs också: biografier – Theodore Roosevelt
Ritningar av väggar
1968 började LeWitt tänka ut riktlinjer eller enkla diagram för sina tvådimensionella verk som ritades direkt på väggen, först med grafit, sedan med krita, senare med färgpenna och slutligen med kromatiskt rika tvättar av bläck, ljus akrylfärg och andra material. Sedan han skapade ett konstverk för Paula Cooper Gallerys invigningsutställning 1968, en utställning till förmån för Student Mobilization Committee to End the War in Vietnam, har tusentals av LeWitts teckningar installerats direkt på väggarnas ytor. Mellan 1969 och 1970 skapade han fyra ”Drawings Series”, som presenterade olika kombinationer av det grundelement som styrde många av hans tidiga väggteckningar. I varje serie tillämpade han ett annat förändringssystem på var och en av tjugofyra möjliga kombinationer av en kvadrat indelad i fyra lika stora delar, som var och en innehöll en av de fyra grundläggande linjetyper som LeWitt använde (vertikal, horisontell, diagonal vänster och diagonal höger). Resultatet är fyra möjliga permutationer för var och en av de tjugofyra ursprungliga enheterna. Det system som används i ritningar serie I är vad LeWitt kallade ”Rotation”, ritningar serie II använder ett system som kallas ”Mirror”, ritningar serie III använder ”Cross & Reverse Mirror” och ritningar serie IV använder ”Cross Reverse”.
Teckning i väggen
LeWitt, som hade flyttat till Spoleto i Italien i slutet av 1970-talet, tillskrev sin övergång från grafitpennor eller kritor till levande bläcktvättar sitt möte med Giottos, Masaccios och andra tidiga florentinska målares fresker. I slutet av 1990-talet och början av 2000-talet skapade han mycket mättade, färgstarka väggteckningar i akryl. Även om deras former är kurvlinjiga, lekfulla och verkar nästan slumpmässiga, är de också ritade enligt en exakt uppsättning riktlinjer. Banden har till exempel en standardbredd och ingen färgad sektion får röra en annan sektion i samma färg.
År 2005 påbörjade LeWitt en serie väggritningar som kallas ”scribble”, eftersom tecknarna måste fylla ut områden på väggen genom att klottra med grafit. Klotterandet sker vid sex olika tätheter, som anges på konstnärens diagram och sedan kartläggs i strängar på väggens yta. Graderna av klotterdensitet ger ett kontinuum av toner som antyder tre dimensioner. Den största väggritningen med klotter, Wall Drawing
Enligt principen för LeWitts arbete utförs hans väggteckningar vanligtvis av andra personer än konstnären själv. Även efter hans död gör människor fortfarande dessa teckningar. Han skulle därför så småningom använda team av assistenter för att skapa sådana verk. När LeWitt själv skrev om att göra väggteckningar konstaterade han 1971 att ”varje person drar en linje på olika sätt och varje person förstår ord på olika sätt”. Mellan 1968 och sin död 2007 skapade LeWitt mer än 1 270 väggteckningar. Väggritningarna, som utförs på plats, existerar i allmänhet under en utställning och förstörs sedan, vilket ger verket i sin fysiska form en flyktig kvalitet. De kan installeras, avlägsnas och sedan återinstalleras på en annan plats, så många gånger som krävs för utställningen. När de flyttas till en annan plats kan antalet väggar ändras endast genom att se till att proportionerna i det ursprungliga diagrammet bibehålls.
Permanenta väggmålningar av LeWitt finns bland annat i AXA Center, New York (Swiss Re huvudkontor Americas i Armonk, New York), Atlanta City Hall, Atlanta (Walter E. Washington Convention Center, Washington DC), Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (Columbus Circle Subway Station, New York), The Jewish Museum (Green Center for Physics at MIT, Cambridge), Wadsworth Atheneum och John Pearson”s House, Oberlin, Ohio. Konstnärens sista offentliga väggritning, Wall Drawing
Läs också: biografier – Första barbareskkriget
Gouacher
På 1980-talet, särskilt efter en resa till Italien, började LeWitt använda gouache, en ogenomskinlig vattenbaserad färg, för att skapa fritt flytande abstrakta verk i kontrasterande färger. Dessa utgjorde ett betydande avsteg från resten av hans praktik, eftersom han skapade dessa verk med sina egna händer. LeWitts gouacher skapas ofta i serier utifrån ett specifikt motiv. Tidigare serier har omfattat oregelbundna former, parallella kurvor, snirkliga penseldrag och nätliknande rutnät.
Även om denna löst återgivna komposition visuellt sett kan ha avvikit från hans tidigare, mer geometriskt strukturerade verk, var den ändå i linje med hans ursprungliga konstnärliga avsikt. LeWitt gjorde omsorgsfullt sina egna tryck från sina gouache-kompositioner. År 2012 var konstrådgivaren Heidi Lee Komaromi kurator för ”Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003”, en utställning som avslöjar de olika tekniker som LeWitt använde sig av på papper under de sista decennierna av sitt liv.
Läs också: biografier – Edgar Degas
Konstnärsböcker
Från 1966 ledde LeWitts intresse för serialitet till att han under sin karriär producerade mer än 50 konstnärsböcker; han donerade senare många exemplar till Wadsworth Athenaeums bibliotek. År 1976 var LeWitt med och grundade Printed Matter, Inc, ett vinstdrivande konstutrymme i Tribeca i New York City tillsammans med konstnärskollegorna och kritikerna Lucy Lippard, Carol Androcchio, Amy Baker (Sandback), Edit DeAk, Mike Glier, Nancy Linn, Walter Robinson, Ingrid Sischy, Pat Steir, Mimi Wheeler, Robin White och Irena von Zahn. LeWitt var en viktig innovatör av genren ”konstnärsbok”, en term som myntades för en utställning 1973 som Dianne Perry Vanderlip kuraterade vid Moore College of Art and Design i Philadelphia.
Printed Matter var en av de första organisationerna som ägnade sig åt att skapa och distribuera konstnärsböcker, och som omfattade självutgivning, utgivning av småtryck samt konstnärsnätverk och konstnärskollektiv. För LeWitt och andra fungerade Printed Matter också som ett stödsystem för avantgardekonstnärer och balanserade sin roll som förlag, utställningslokal, butikslokal och gemenskapscentrum för konstscenen i centrum, och efterliknade på så sätt det nätverk av blivande konstnärer som LeWitt kände till och hade glädje av som anställd vid Museum of Modern Art.
Läs också: biografier – Nikos Kazantzakis
Arkitektur och landskapsarkitektur
LeWitt samarbetade med arkitekten Stephen Lloyd för att utforma en synagoga för hans församling Beth Shalom Rodfe Zedek; han utformade den ”luftiga” synagogbyggnaden, med dess grunda kupol som stöds av ”sprudlande takbjälkar i trä”, en hyllning till de östeuropeiska träsynagogorna.
1981 bjöds LeWitt in av Fairmount Park Art Association (numera Association for Public Art) att föreslå ett offentligt konstverk för en plats i Fairmount Park. Han valde den långa, rektangulära tomt som kallas Reilly Memorial och lämnade in en ritning med instruktioner. Lines in Four Directions in Flowers, som installerades 2011, består av mer än 7 000 planteringar som är arrangerade i strategiskt utformade rader. I sitt ursprungliga förslag planerade konstnären en installation av blomsterplanteringar i fyra olika färger (vitt, gult, rött och blått) i fyra lika stora rektangulära områden, i rader i fyra riktningar (vertikalt, horisontellt, diagonalt till höger och vänster) inramade av vintergröna häckar som är ungefär två fot höga, där varje färgblock består av fyra till fem arter som blommar i följd.
År 2004 installerades skulpturen Six Curved Walls på sluttningen av Crouse College på Syracuse Universitys campus. Betongblockskulpturen består av sex böljande väggar, var och en 12 fot hög, och sträcker sig 140 fot. Skulpturen utformades och byggdes för att markera att Nancy Cantor invigdes som den elfte kanslern vid Syracuse University.
Sedan början av 1960-talet har han och hans fru Carol Androccio samlat in nästan 9 000 konstverk genom inköp, handel med andra konstnärer och återförsäljare eller som gåvor. På detta sätt förvärvade han verk av cirka 750 konstnärer, däribland Flavin, Ryman, Hanne Darboven, Eva Hesse, Donald Judd, On Kawara, Carl Andre, Dan Graham, Hans Haacke, Gerhard Richter och andra. År 2007 samlade utställningen ”Selections from The LeWitt Collection” på Weatherspoon Art Museum cirka 100 målningar, skulpturer, teckningar, tryck och fotografier, bland annat verk av Andre, Alice Aycock, Bernd och Hilla Becher, Jan Dibbets, Jackie Ferrara, Gilbert och George, Alex Katz, Robert Mangold, Brice Marden, Mario Merz, Shirin Neshat, Pat Steir och många andra konstnärer.
LeWitts verk visades för första gången offentligt 1964 i en grupputställning som Dan Flavin arrangerade på Kaymar Gallery i New York. 1965 gav Dan Grahams John Daniels Gallery honom sin första separatutställning. År 1966 deltog han i utställningen ”Primary Structures” på Jewish Museum i New York (en banbrytande utställning som bidrog till att definiera den minimalistiska rörelsen) och lade fram en öppen, modulär kub med nio enheter utan titel. Samma år deltog han i utställningen ”10” på Dwan Gallery i New York. Harald Szeemann bjöd senare in honom att delta i ”When Attitude Becomes Form” på Kunsthalle Bern i Schweiz 1969. När LeWitt intervjuades 1993 om dessa år sa han: ”Jag bestämde mig för att låta färg eller form träda tillbaka och fortsätta på ett tredimensionellt sätt.”
Gemeentemuseum i Haag presenterade hans första retrospektiva utställning 1970, och hans verk visades senare i en stor retrospektiv mitt i karriären på Museum of Modern Art i New York 1978. Under 19721973 hade LeWitts första museiutställningar i Europa på Kunsthalle Bern och Museum of Modern Art i Oxford. 1975 skapade Lewitt ”The Location of a Rectangle for the Hartford Atheneum” för den tredje MATRIX-utställningen på Wadsworth Atheneum Museum of Art. Senare samma år deltog han i Wadsworth Atheneums sjätte MATRIX-utställning och gav instruktioner för en andra väggritning. MoMA gav LeWitt sin första retrospektiva utställning 1978-79. Utställningen reste till olika amerikanska platser. För Skulptur Projekte Münster i Tyskland 1987 förverkligade han Black Form: Memorial to the Missing Jews, en rektangulär vägg av svarta betongblock i mitten av ett torg framför en elegant, vit neoklassisk regeringsbyggnad; den är nu installerad i Altona Town Hall i Hamburg. Andra stora utställningar sedan dess är Sol LeWitt Drawings 1958-1992, som organiserades av Gemeentemuseum i Haag, Nederländerna 1992 och som under de följande tre åren reste till museer i Storbritannien, Tyskland, Schweiz, Frankrike, Spanien och USA. 1996 anordnade Museum of Modern Art i New York en vandrande översiktsutställning: ”Sol LeWitt Prints”: 1970-1995″. År 2000 anordnade San Francisco Museum of Modern Art en stor LeWitt-retrospektivutställning. Utställningen reste till Museum of Contemporary Art i Chicago och Whitney Museum of American Art i New York.
År 2006 visades LeWitts Drawing Series… på Dia:Beacon, som ägnades åt konceptkonstnärens teckningar från 1970-talet. Tecknare och assistenter ritade direkt på väggarna med hjälp av grafit, färgpenna, krita och krita. Verken baserades på LeWitts komplexa principer, som eliminerade canvasens begränsningar för mer omfattande konstruktioner.
”Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective”, ett samarbete mellan Yale University Art Gallery (YUAG), MASS MoCA (Massachusetts Museum of Contemporary Art) och Williams College Museum of Art (WCMA), öppnade för allmänheten 2008 på MASS MoCA i North Adams, Massachusetts. Utställningen kommer att visas i 25 år och är inrymd i en historisk kvarnbyggnad i tre våningar på 2 500 m2 i hjärtat av MASS MoCA:s campus, helt restaurerad av arkitekterna BrunerCott and Associates (och utrustad med en sekvens av nya innerväggar som byggts enligt LeWitts specifikationer). Utställningen består av 105 teckningar – som omfattar nästan en hektar väggyta – som LeWitt skapade under 40 år, från 1968 till 2007, och innehåller flera teckningar som aldrig tidigare visats, varav några som LeWitt skapade för projektet strax före sin död.
Dessutom har konstnären varit föremål för utställningar på P.S. 1 Contemporary Center, Long Island City (Addison Gallery of American Art, Andover) och Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford (Incomplete Cubes), som har rest till tre konstmuseer i USA. Vid sin död hade LeWitt just anordnat en retrospektiv utställning av sina verk på Allen Memorial Art Museum i Oberlin, Ohio. L”artista e i suoi artisti öppnade på Museo Madre den 15 december 2012 och pågår till den 1 april 2013.
LeWitts verk finns i de viktigaste museisamlingarna, bland annat: Tate Modern i London, Van Abbemuseum i Eindhoven, Serbiens nationalmuseum i Belgrad, Centre Georges Pompidou i Paris, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen i Schweiz, Australian National Gallery i Canberra i Australien, Guggenheim Museum, Museum of Modern Art i New York, Dia:Beacon, The Jewish Museum på Manhattan, MASS MoCA i North Adams, National Gallery of Art i Washington D.C. och Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Uppförandet av Double Negative Pyramid av Sol LeWitt i Europos Parkas i Vilnius, Litauen, var en viktig händelse i konsthistorien efter Berlinmuren.
Sol LeWitt var en av sin tids främsta personer; han förändrade konstskapandet genom att ifrågasätta det grundläggande förhållandet mellan en idé, konstnärens subjektivitet och det konstverk som en viss idé kan ge upphov till. Medan många konstnärer utmanade moderna uppfattningar om originalitet, författarskap och konstnärligt geni på 1960-talet förnekade LeWitt att tillvägagångssätt som minimalism, konceptualism och processkonst endast var tekniska eller illustrerade filosofi. I sina Paragraphs on Conceptual Art hävdade LeWitt att konceptkonsten varken var matematisk eller intellektuell utan intuitiv, eftersom den komplexitet som är inneboende i att omvandla en idé till ett konstverk var fylld av tillfälligheter. LeWitts konst handlar inte om konstnärens unika hand, utan det är idén bakom varje verk som överträffar själva verket. I början av 2000-talet har LeWitts verk, särskilt väggteckningarna, kritikerrosats för sin ekonomiska skarpsynthet. Även om de är blygsamma – de flesta finns som enkla instruktioner på ett pappersark – kan teckningarna göras om och om igen och om igen, var som helst i världen, utan att konstnären behöver vara involverad i produktionen.
Hans auktionsrekord på 749 000 dollar sattes 2014 på Sotheby”s i New York för verket Wavy Brushstroke (1995) med gouache på kartong.
Källor
