Renässansen

gigatos | februari 10, 2022

Sammanfattning

Renässans, renässans eller renässansentism är termer som används för att beteckna den period i Europas historia som sträcker sig från mitten av 1300-talet till slutet av 1500-talet. Forskarna har dock inte nått samförstånd om denna kronologi, med betydande variationer i datum beroende på författaren. Även om omvandlingarna var ganska uppenbara inom kultur, samhälle, ekonomi, politik och religion, vilket kännetecknade övergången från feodalism till kapitalism och innebar en utveckling från de medeltida strukturerna, används begreppet oftare för att beskriva dess effekter på konst, filosofi och vetenskap.

Den kallades renässans på grund av den intensiva omvärderingen av referenserna från den klassiska antiken, som ledde till att den religiösa dogmatismens och mysticismens inflytande på kulturen och samhället successivt mildrades, med en samtidig och växande uppskattning av rationalitet, vetenskap och natur. I denna process fick människan en ny värdighet och ställdes i centrum för skapelsen, och därför fick den viktigaste tankeströmningen under denna period namnet humanism.

Rörelsen manifesterade sig först i den italienska regionen Toscana med städerna Florens och Siena som huvudcentra, varifrån den spred sig till resten av den italienska halvön och sedan till praktiskt taget alla länder i Västeuropa, drivet av pressens utveckling och cirkulationen av konstnärer och verk. Italien förblev alltid den plats där rörelsen fick sitt mest typiska uttryck, men renässansmanifestationer av stor betydelse förekom också i England, Frankrike, Tyskland, Holland och på den iberiska halvön. Den internationella spridningen av italienska referenser gav i allmänhet upphov till en konst som skiljde sig mycket från sina förebilder, påverkad av regionala traditioner, och som för många bäst definieras som en ny stil, manérismen. Begreppet renässans användes för första gången av Giorgio Vasari på 1500-talet, en historiker som strävade efter att placera Florens som huvudperson för alla de viktigaste innovationerna, och hans skrifter har haft ett avgörande inflytande på senare kritik.

Under lång tid betraktades perioden i USA och Europa som en homogen, sammanhängande och alltid progressiv rörelse, som den mest intressanta och fruktbara perioden sedan antiken, och en av dess faser, högrenässansen, helgades som apotheos för det tidigare långa sökandet efter det mest sublima uttrycket och den mest perfekta imitationen av klassikerna, och dess konstnärliga arv ansågs vara ett oöverträffat paradigm för kvalitet. De senaste årtiondenas studier har dock reviderat dessa traditionella åsikter, som anses vara osakliga eller stereotypa, och har visat att perioden är mycket mer komplex, mångfacetterad, motsägelsefull och oförutsägbar än vad som har antagits under generationer. Det nya samförstånd som nu har etablerat sig erkänner dock renässansen som en viktig milstolpe i Europas historia, som en fas av snabba och relevanta förändringar på många områden, som en konstellation av kulturella tecken och symboler som definierade mycket av vad Europa var fram till franska revolutionen och som fortfarande har stort inflytande i många delar av världen, både i akademiska kretsar och i populärkulturen.

Humanismen kan framhållas som det viktigaste värdet som odlades under renässansen, baserat på begrepp som hade ett avlägset ursprung i den klassiska antiken. Enligt Lorenzo Casini var ”en av renässansens grundstenar idén att den klassiska antikens exempel utgjorde en ovärderlig förebild som den moderna tiden, som var så dekadent och ovärdig, kunde ta fasta på för att reparera de skador som uppstått sedan romarrikets fall”. Man förstod också att Gud hade gett världen en enda sanning, den som hade gett upphov till kristendomen och som den ensam hade bevarat i sin helhet, men fragment av den hade givits till andra kulturer, bland dem den grekisk-romerska kulturen, och av den anledningen uppskattades det som fanns kvar av antiken i form av bibliografi och andra lämningar.

Flera faktorer bidrog till att humanismen i sin mest typiska form uppstod i Italien. Minnet av romarrikets storhet som bevarats i ruiner och monument och latinets överlevnad som levande språk är relevanta aspekter. Grammatiker, kommentatorer, läkare och andra forskare höll i sina arbeten hänvisningar till klassikerna i omlopp, och för att förbereda advokater, sekreterare, notarier och andra tjänstemän krävdes i allmänhet studier av latinsk retorik och lagstiftning. Det klassiska arvet hade aldrig helt försvunnit för italienarna, och Toscana var starkt förknippat med det. Men även om det hade funnits en sådan odling av klassikerna där, var den svag i jämförelse med det intresse för antika författare som väckts i Frankrike och andra nordiska länder åtminstone sedan 800-talet. Det var när det klassicistiska modet började minska i Frankrike i slutet av 1200-talet som det började hetta till i centrala Italien, och det verkar som om detta delvis berodde på det franska inflytandet. Petrarca (1304-1374) kallas traditionellt för humanismens grundare, men med tanke på att det fanns flera anmärkningsvärda föregångare, som Giovanni del Virgilio i Bologna eller Albertino Mussato i Padua, var han snarare den första stora företrädaren för rörelsen än en grundare.

Mer än en filosofi var humanismen också en litterär rörelse och en inlärningsmetod som hade ett brett spektrum av intressen, där filosofin inte var den enda och kanske inte ens den dominerande. Den lade större vikt vid användningen av det individuella förnuftet och analysen av empiriska bevis, till skillnad från den medeltida skolastiken, som i stort sett var begränsad till att konsultera tidigare auktoriteter, främst Aristoteles och de tidiga kyrkofäderna, och att diskutera skillnader mellan författare och kommentatorer. Humanismen förkastade inte dessa källor, och en inte obetydlig del av dess bildning härrör från medeltida grunder, men den började ompröva dem i ljuset av nya påståenden och en mängd andra antika texter som återupptäcktes. I Encyclopaedia Britannicas beskrivning,

Renässansens lysande kulturella och vetenskapliga blomstring placerade människan och hennes logiska resonemang och vetenskap som måttstock och skiljedomare för det uppenbara livet. Detta gav upphov till en optimistisk känsla som öppnade människan för det nya och uppmuntrade hennes forskningsanda. Utvecklingen av en ny attityd till livet lämnade gotikens överdrivna andlighet bakom sig och såg den materiella världen med dess naturliga och kulturella skönheter som en plats att njuta av, med betoning på den individuella erfarenheten och människans latenta möjligheter. Dessutom gav de italienska demokratiska experimenten, konstnärens ökande prestige som forskare och inte bara som hantverkare, och en ny uppfattning om utbildning som värderade varje människas individuella talanger och försökte utveckla människan till en fullständig och integrerad varelse, med fullt uttryck för sina andliga, moraliska och fysiska förmågor, näring åt nya känslor av social och individuell frihet.

Man diskuterade teorier om fullkomlighet och framsteg, och den förberedelse som humanisterna förespråkade för att forma den ideala människan, en människa med kropp och själ, samtidigt en filosof, en vetenskapsman och en konstnär, utvidgade den medeltida undervisningsstrukturen med tre- och fyrklövern, och skapade i denna process nya vetenskaper och discipliner, ett nytt koncept för undervisning och utbildning och en ny vetenskaplig metod. Under denna period uppfanns olika vetenskapliga instrument, olika naturlagar och tidigare okända fysiska objekt upptäcktes, och planetens ansikte förändrades för européerna efter upptäckterna av de stora sjöfarterna, vilket förde fysik, matematik, medicin, astronomi, filosofi, teknik, filologi och olika andra kunskapsgrenar till en aldrig tidigare skådad nivå av komplexitet, effektivitet och noggrannhet, var och en av dem bidrog till en exponentiell ökning av den totala kunskapen, vilket ledde till att mänsklighetens historia kunde uppfattas som en kontinuerlig expansion och alltid till det bättre. Denna anda av tillit till livet och människan knyter renässansen till den klassiska antiken och definierar en stor del av dess arv. Följande stycke ur François Rabelais Pantagruel (1532) citeras ofta för att illustrera renässansens anda:

Trots den idé som renässansen kunde göra sig själv, kunde rörelsen aldrig vara en bokstavlig imitation av den antika kulturen, eftersom allt skedde under katolicismens mantel, vars värderingar och kosmogoni var helt annorlunda än den antika hedendomens. Renässansen var alltså på sätt och vis ett originellt och eklektiskt försök att harmonisera hednisk neoplatonism med kristen religion, eros med charitas, tillsammans med österländska, judiska och arabiska influenser, och där studiet av magi, astrologi och det ockulta spelade en viktig roll i utarbetandet av system för disciplin, moralisk och andlig förbättring och ett nytt symboliskt språk.

Om kristendomen tidigare hade varit den enda vägen till Gud, som grundade hela förklaringen till livet och världen och som gav ett rättfärdigande av den rådande samhällsordningen, skulle humanisterna visa att det fanns många andra vägar och möjligheter, att de inte försökte förneka trosbekännelsens väsen – detta skulle ha varit omöjligt att upprätthålla under lång tid, alla radikala förnekanden på den tiden slutade med våldsamt förtryck – utan att de omvandlade tolkningen av dogmerna och deras förhållande till livet och de sociala dramerna. Detta gav religionen större flexibilitet och anpassningsförmåga, men innebar att dess prestige och inflytande på samhället minskade i takt med att människan frigjorde sig lite mer från dess förmyndarskap. Medeltidens tänkande tenderade att se människan som en avskyvärd varelse, en ”massa av röta, stoft och aska”, som Petrus Damian uttryckte det på 1000-talet. Men när Pico della Mirandola uppträdde på 1400-talet representerade människan redan universums centrum, en muterad, odödlig, autonom, fri, kreativ och mäktig varelse, som ett eko av Hermes Trismegistus (”Människan är ett stort mirakel”) och araben Abdala (”Det finns inget mer underbart än människan”).

Å ena sidan såg vissa av dessa män sig själva som arvtagare till en tradition som hade försvunnit i tusen år, och trodde att de faktiskt återupplivade en stor antik kultur och kände sig till och med lite som romarnas samtida. Men det fanns andra som såg sin egen tid som skild från både medeltiden och antiken, med ett livsstil som aldrig tidigare skådats och som ofta utropades som århundradenas fulländning. Andra strömningar förespråkade en uppfattning om att historien är cyklisk och har oundvikliga faser av uppgång, höjdpunkt och nedgång, och att människan är en varelse som är föremål för krafter som ligger utanför hennes makt och som inte har fullständig kontroll över sina tankar, förmågor och passioner, och inte heller över sitt eget livs längd. Det fanns också missnöjda personer som inte uppskattade den snabba sekulariseringen av samhället och de rikas prunkande och som förespråkade en återgång till medeltida mysticism och åtstramning. Ny forskning har visat att mångfalden av eklektiska verk, idiosynkratiska metoder, avvikande åsikter, ambitionen att få encyklopedisk kunskap och omdefinieringen av estetiska och filosofiska normer och etiska koder skapade så mycket debatt vid den tiden att det har blivit tydligt att renässansens tänkande var mycket mer heterogent än vad man tidigare trott, och att perioden var så dynamisk och kreativ, bland annat på grund av mängden kontroverser.

Renässansen har ofta beskrivits som en optimistisk tidsålder – och dokumentationen visar att den sågs på sin tid i inflytelserika kretsar – men när filosoferna konfronterades med livet utanför böckerna hade de alltid svårt att hantera konflikten mellan den edeniska idealism som de föreslog som människans naturliga arv, en varelse som skapats i Guds likhet, och den brutala hårdheten i politiskt tyranni, folkliga revolter och krig, epidemier, endemisk fattigdom och hunger, och de kroniska moraliska dramerna i den vanliga, verkliga människan.

I vilket fall som helst skulle den optimism som upprätthölls åtminstone bland eliterna gå förlorad igen på 1500-talet, när skepticism, pessimism, ironi och pragmatism återkom hos Erasmus, Machiavelli, Rabelais och Montaigne, som vördade skönheten i klassicismens ideal men tyvärr konstaterade att det var omöjligt att tillämpa dem i praktiken. Medan en del av kritiken betraktar denna atmosfärsförändring som renässansens slutfas, har en annan del definierat den som en av grunderna för en särskild kulturell rörelse, manérismen.

Renässansen brukar delas in i tre stora faser, Trecento, Quattrocento och Cinquecento, som motsvarar 1300-, 1400- och 1500-talen, med ett kort intermezzo mellan de två sista som kallas för högrenässansen.

Läs också: strider – Belägringen av Malta (1565)

Trecento

Trecento (1300-talet) är en förberedelse för renässansen och är ett i grunden italienskt fenomen, mer specifikt i Toscana, och även om det i flera centra fanns en begynnande process av humanisering av tänkandet och ett avsteg från det gotiska, som i Pisa, Siena, Padua, Venedig, Verona och Milano, så var de flesta av dessa platser alltför konservativa för att tillåta betydande kulturella förändringar. Florens fick ta på sig den intellektuella ledartröjan och leda omvandlingen från den medeltida till den moderna modellen. Denna centralisering i Florens skulle dock inte bli riktigt tydlig förrän i slutet av Trecento.

Identifieringen av de grundläggande elementen i den italienska renässansen innebär nödvändigtvis att man studerar Florens ekonomi och politik och deras sociala och kulturella effekter, men det finns många oklara aspekter och området är fyllt av kontroverser. Enligt Richard Lindholm finns det dock ett ganska brett samförstånd om att den ekonomiska dynamiken, samhällets flexibilitet inför utmaningar, dess förmåga att reagera snabbt i kristider, dess vilja att ta risker och en uppvärmd medborgaranda i stor skala var avgörande faktorer för den kulturella, arkitektoniska och konstnärliga blomstring som utvecklades och förstärktes.

Produktionssystemet utvecklade nya metoder, med en ny arbetsfördelning och en progressiv mekanisering. Den florentinska ekonomin drevs främst av produktion och handel med tyger. Det var en instabil men dynamisk ekonomi som kunde göra radikala anpassningar vid oförutsedda händelser som krig och epidemier. En gynnsam period inleddes runt 1330, och efter pesten 1348 kom den tillbaka med förnyad kraft och ännu mer livskraftig och erbjöd tyger och kläder av hög lyx och förfining.

Sedan det förra århundradet hade det i Toscana vuxit fram en medelklass som frigjorde sig ekonomiskt genom att organisera sig i gillen, som var yrkeskårer som monopoliserade tillhandahållandet av vissa tjänster och produktionen av vissa material och föremål. I Florens delades de in i två kategorier: de stora konstarterna (pälsmakare, läkare och apotekare) och de mindre konstarterna, som omfattade ett stort antal mindre prestigefyllda och lönsamma yrken, såsom fiskare, taverneurer, skomakare, bagare, vapendragare, smeder och så vidare. Art of Wool kontrollerade till exempel produktion, färgning och handel med vävda tyger, gardiner, kläder och ullgarn, inklusive import- och exportverksamhet, kontrollerade produkternas kvalitet, fastställde priser och avvärjde all konkurrens. De andra arbetade på samma sätt. Gillen var många saker: en blandning av fackförening, brödraskap, skola för lärlingar i hantverksyrkena, ett ömsesidigt hjälpsällskap för medlemmarna och en social klubb. Arts Major blev rika och mäktiga, upprätthöll överdådiga kapell och altare i de viktigaste kyrkorna och uppförde monument. De agerade alla i anmärkningsvärd harmoni, hade gemensamma mål och dominerade praktiskt taget de offentliga angelägenheterna genom sina delegater i medborgarråd och magistrater. De olika gillen i varje stad sysselsatte tillsammans nästan hela den ekonomiskt aktiva stadsbefolkningen, och att inte vara medlem i sitt yrke var ett nästan oöverstigligt hinder för yrkesmässig framgång, på grund av den strikta kontroll de hade över marknader och arbetskraftsutbud. Å andra sidan erbjöd tillhörigheten uppenbara fördelar för arbetstagaren, och framgången med denna modell innebar att befolkningen för första gången kunde skaffa sig en bostad i stor skala, vilket åtföljdes av ett större intresse för konst och arkitektur.

Deras ledare ägde i allmänhet stora privata företag, hade stor prestige och steg socialt genom att inta offentliga positioner, genom att stödja konst och kyrka och genom att bygga herrgårdar och palats för att bo i, vilket bildade ett nytt patriciat. De stora affärsmännen hade ofta parallella intressen i växlingskontor, bankernas föregångare, och flyttade förmögenheter genom att finansiera eller förvalta furstars, kejsares och påvars egendomar. Denna stärkta borgarklass blev en grundpelare i regeringen och en ny marknad för konst och kultur. Familjer av denna klass, som Mozzi, Strozzi, Peruzzi och Medici, skulle snart ansluta sig till adeln och vissa skulle till och med styra stater.

Under detta århundrade upplevde Florens intensiva klasstrider, en mer eller mindre kronisk socioekonomisk kris och en tydlig maktförlust under hela århundradet. Det var en tid då staterna lade mycket av sin energi på två huvudsakliga aktiviteter: antingen attackerade och plundrade de sina grannar och tog deras territorier, eller så stod de på andra sidan och försökte stå emot attackerna. Florens domäner hade länge varit hotade, staden var inblandad i flera krig och gick oftast förlorad, men ibland med lysande segrar, flera viktiga banker gick i konkurs och staden drabbades av pestepidemier; Det snabba maktskiftet mellan de motsatta fraktionerna av gälfer och ghibelliner, som var inblandade i blodiga strider, gjorde det inte möjligt att skapa socialt lugn eller att fastställa långsiktiga politiska och administrativa mål, vilket förvärrades av folkliga uppror och utarmning av landsbygden, men under processen skulle stadsbourgeoisin göra demokratiska försök att regera. Trots återkommande svårigheter och kriser skulle Florens nå mitten av århundradet som en mäktig stad på den italienska scenen; under det senaste århundradet hade den varit större, men den var fortfarande underordnad flera andra städer och upprätthöll en viktig handelsflotta samt ekonomiska och diplomatiska förbindelser med flera stater norr om Alperna och runt Medelhavet. Det bör noteras att den florentinska republikens demokrati skiljer sig från moderna tolkningar av begreppet. År 1426 sade Leonardo Bruni att lagen erkände alla medborgare som lika, men i praktiken var det bara eliten och medelklassen som hade tillgång till offentliga ämbeten och hade någon verklig röst i beslutsfattandet. Mycket av detta beror på renässansens nästan ständiga klasskamp.

Å andra sidan strukturerade uppkomsten av begreppet fri konkurrens och den starka betoningen på handel det ekonomiska systemet enligt kapitalistiska och materialistiska linjer, där traditioner, inklusive religiösa traditioner, offrades till förmån för rationalism, finansiell spekulation och utilitarism. Samtidigt utvecklade florentinarna aldrig, som det skedde i andra regioner, en moralisk fördom mot företagandet eller mot själva rikedomen, som ansågs vara ett sätt att hjälpa sin nästa och delta aktivt i samhället, och de var faktiskt medvetna om att intellektuella och konstnärliga framsteg i stor utsträckning berodde på materiell framgång, men eftersom girighet, stolthet, girighet och ocker betraktades som synder associerade sig kyrkan med näringslivets intressen genom att lindra samvetskonflikter och erbjuda en rad kompensationsmekanismer för snedsteg.

Föreställningen hade införlivats i doktrinen att syndernas förlåtelse och själens frälsning också kunde vinnas genom offentlig verksamhet och genom att försköna städer och kyrkor med konstverk, utöver andra dygdiga handlingar, som att beställa mässor och sponsra prästerskapet och brödraskap och deras initiativ, saker som var lika välgörande för själen som de var användbara för att öka donatorns prestige. Välgörenhet var ett viktigt socialt kitt och en garanti för den allmänna säkerheten. Förutom att stödja städernas utsmyckning gav den också stöd till de fattiga, sjukhus, asylboenden, skolor och finansiering av många administrativa krav, inklusive krig, vilket är anledningen till att staterna alltid hade ett starkt intresse av att systemet fungerade smidigt. En pragmatisk och sekulär kultur stärktes på olika sätt, tillsammans med humanisternas bidrag, varav många var rådgivare till furstar eller ansvariga för höga borgerliga ämbeten, vilket förändrade samhället och direkt påverkade konstmarknaden och dess produktions-, distributions- och värderingsformer.

Även om kristendomen aldrig hade ifrågasatts på allvar, inleddes i slutet av århundradet en period av progressiv nedgång i kyrkans prestige och i religionens förmåga att kontrollera människor och erbjuda en sammanhängande kultur- och samhällsmodell, inte bara på grund av det sekulariserande politiska, ekonomiska och sociala sammanhanget, men också för att vetenskapsmän och humanister började söka rationella och bevisbara förklaringar till naturfenomenen och ifrågasatte transcendentala, traditionella eller folkloristiska förklaringar, vilket både försvagade den religiösa kanon och förändrade förhållandet mellan Gud, människan och resten av skapelsen. Från denna sammandrabbning, som fortsatte och förnyades under renässansen, skulle människan återigen framstå som god, vacker, mäktig och förhöjd, och världen skulle komma att ses som en bra plats att leva på.

Den florentinska demokratin, hur ofullkomlig den än var, förlorades så småningom i en rad yttre krig och inre oroligheter, och på 1370-talet verkade Florens snabbt vara på väg mot ett nytt herrestyre. Mobiliseringen av den mäktiga familjen Albizzi avbröt denna process, men i stället för att bevara det kommunala systemet tog den över den politiska hegemonin och inrättade en oligarkisk republik med stöd av allierade från det övre borgerliga patriciatet. Samtidigt bildades en opposition med Medici i centrum, som började sin uppgång. Trots att dessa demokratiförsök var korta och många av deras idealiska mål inte uppnåddes, utgjorde de en milstolpe i utvecklingen av det europeiska politiska och institutionella tänkandet.

Läs också: biografier – Izcoatl

Quattrocento

Efter att Florens hade upplevt stunder av stor glans, var staden i slutet av Trecento omringad av hertigdömet Milanos framfart, hade förlorat flera territorier och alla tidigare allierade, och hade fått sin tillgång till havet avskuren. Quattrocento (1400-talet) inleddes med Milanos trupper vid Florens portar efter att ha ödelagt landsbygden under de föregående åren. Men plötsligt 1402 dödade en ny pestepidemi deras general Giangaleazzo Visconti och hindrade staden från att gå samma öde till mötes som stora delar av norra och nordvästra Italien, vilket utlöste en återupplivning av medborgarandan. Från och med då började lokala intellektuella och historiker, inspirerade även av Platons, Plutarkos och Aristoteles politiska tankar, organisera och förkunna att Florens hade visat ett ”hjältemodigt motstånd” och blivit den största symbolen för republikansk frihet, och dessutom var den italienska kulturens mästare, och de kallade Florens för det nya Aten.

Genom att kombinera självständigheten med den filosofiska humanism som började ta fart, kom några av de viktigaste faktorerna som gjorde att Florens förblev i den politiska, intellektuella och konstnärliga framkanten. På 1420-talet hade dock arbetarklassen berövats det mesta av den makt de hade fått och övergick till ett nytt politiskt landskap som under hela århundradet dominerades av Medici-regeringen, en regering som nominellt var republikansk men i själva verket aristokratisk och herreaktig. Detta var en besvikelse för de borgerliga i allmänhet, men det stärkte den bruk av beskydd som är grundläggande för klassicismens utveckling. Den sociala spänningen var aldrig helt kvävd eller löst, och den verkar alltid ha varit en annan viktig faktor för stadens kulturella dynamik.

Expansionen av den lokala produktionen av lyxtyger upphörde på 1420-talet, men marknaderna återhämtade sig och expanderade återigen vid mitten av århundradet inom handeln med spanska och orientaliska tyger och inom produktionen av mer populära alternativ, och trots de sedvanliga periodiska politiska omvälvningarna genomgick staden ytterligare en period av välstånd och intensifierade det konstnärliga beskyddarverksamheten, återerövrade territorier och köpte hamnstädernas domäner för att omstrukturera sin internationella handel. Det fick politiskt företräde i hela Toscana, även om Milano och Neapel förblev ständiga hot. Den florentinska borgerliga oligarkin monopoliserade sedan hela det europeiska banksystemet och fick aristokratisk glans och stor kultur, och fyllde sina palats och kapell med klassicistiska verk. Den överdådiga stilen skapade missnöje i medelklassen, vilket tog sig uttryck i en återgång till den gotiska stilens mystiska idealism. Dessa två motsatta tendenser präglade den första halvan av detta århundrade, tills småbourgeoisin övergav sitt motstånd och möjliggjorde en första stor estetisk syntes som skulle överspela sig från Florens till nästan hela Italien, definierad av rationalismens och de klassiska värdenas företräde.

Samtidigt mognade och spreds humanismen i Europa genom Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmus av Rotterdam, Mirandola och Thomas More. Leonardo Bruni inledde den moderna historieskrivningen och vetenskapen och filosofin utvecklades med Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa och Georg von Peuerbach, bland många andra. Samtidigt ledde intresset för antik historia till att humanister som Niccolò de” Niccoli och Poggio Bracciolini sökte i Europas bibliotek efter förlorade böcker av klassiska författare. Många viktiga dokument hittades faktiskt, till exempel Vitruvius De architectura, Ciceros tal, Quintilians Institutes of Oratory, Valerius Flaccos Argonautica och Lucretius De rerum natura. Återerövringen av den iberiska halvön från morerna gjorde också att europeiska forskare fick tillgång till en stor samling texter av Aristoteles, Euklides, Ptolemaios och Plotinus, som bevarats i arabiska översättningar och som var okända i Europa, och till muslimska verk av Avicenna, Geber och Averroës, vilket bidrog till en ny blomstring av filosofin, matematiken, medicinen och andra vetenskapliga specialiteter.

När Johannes Gutenberg i mitten av århundradet utvecklade tryckpressen underlättade och gjorde det billigare att sprida kunskap till en bredare allmänhet. Samma intresse för kultur och vetenskap ledde till att stora bibliotek grundades i Italien, och man försökte återställa latin, som hade blivit en mångformig dialekt, till sin klassiska renhet och göra det till Europas nya lingua franca. Återinförandet av latin berodde på det praktiska behovet av att intellektuellt förvalta detta nya renässansbibliotek. Samtidigt hade den effekten att den revolutionerade pedagogiken och tillhandahöll en omfattande ny korpus av syntaktiska strukturer och vokabulär för humanister och litterater, som på så sätt gav sina egna skrifter de gamlas auktoritet. Det var också viktigt att eliterna intresserade sig för att samla in antik konst, vilket stimulerade studier och utgrävningar som ledde till upptäckter av olika konstverk och därmed främjade utvecklingen av arkeologin och påverkade bildkonsten.

Den grekiska läraren Manuel Crisoloras, som mellan 1397 och 1415 återinförde studiet av det grekiska språket i Italien, och många andra intellektuella, som Demetrius Calcondilas, som tog slut i och med det bysantinska imperiets undergång 1453, satte ytterligare fart på denna process, George av Trebizonda, John Argirópulo, Theodore Gaza och Barlaon av Seminara emigrerade till den italienska halvön och andra delar av Europa och spred klassiska filosofiska texter och undervisade humanister i exegetikens konst. En stor del av den grekisk-romerska litteratur och lagstiftning som vi idag känner till bevarades av det bysantinska riket, och denna nya kunskap om de klassiska originaltexterna och deras översättningar var enligt Luiz Marques ”en av de största tillägnelserna av en kultur till en annan, i viss mån jämförbar med Greklands tillägnelse av skytternas Rom under det andra århundradet f.Kr.” Den återspeglar dessutom den för kvattrocentoförsamlingens historia avgörande övergången från Aristoteles intellektuella hegemoni till Platons och Platons hegemoni. I detta stora inflöde av idéer återinfördes i Italien hela strukturen i den antika Paideia, en samling etiska, sociala, kulturella och pedagogiska principer som grekerna hade utarbetat för att forma en mönstermedborgare. Den nya informationen och kunskapen och den därmed sammanhängande omvandlingen på alla kulturområden fick de intellektuella att känna att de befann sig mitt i en förnyelsefas som kunde jämföras med de antika civilisationernas lysande faser, till skillnad från den tidigare medeltiden, som kom att betraktas som en tid av oklarhet och okunnighet.

Lorenzo de Medicis död 1492, som hade styrt Florens i nästan trettio år och blivit berömd som en av århundradets största mecenater, samt det aristokratiska styrets sammanbrott 1494, innebar slutet på stadens gyllene fas. Under hela Quattrocento var Florens den viktigaste – men aldrig den enda – knutpunkten för spridningen av klassicism och humanism till norra och mellersta Italien, och här odlades den kultur som kom att bli känd som det mest perfekta uttrycket för renässansen och den modell som alla andra uttryck jämfördes med. Denna berömda tradition växte sig starkare efter att Vasari på 1500-talet lanserade sin bok Konstnärernas liv, den första milstolpen i den moderna konsthistorieskrivningen, som tillskrev florentinarna en tydlig huvudroll och överlägsen kvalitet. Detta arbete fick stora återverkningar och påverkade historieskrivningen i århundraden.

Läs också: biografier – Johannes Vermeer

Hög renässans

Högrenässansen omfattar kronologiskt sett de sista åren av Quattrocento och de första decennierna av Cinquecento, och avgränsas grovt sett av Leonardo da Vincis mogna verk (från ca 1480) och Roms plundring 1527. Under denna period tog Rom över det konstnärliga och intellektuella försprånget och lämnade Florens i bakgrunden. Detta berodde främst på påvens beskydd och ett program för renovering och försköning av städerna, som syftade till att återuppliva den tidigare kejserliga huvudstaden, just för att inspirera den till Caesars ära, som påvarna ansåg sig vara de rättmätiga arvtagarna till. Samtidigt bekräftades påvens säte och plattformen för dess imperialistiska ambitioner och dess ställning som ”världens överhuvud”.

Detta återspeglades också i återskapandet av sociala och symboliska metoder som efterliknade antikens, t.ex. de stora triumfprocessionerna, de överdådiga offentliga festligheterna, prägling av medaljer och storslagna teaterföreställningar med historiska, mytologiska och allegoriska figurer. Rom hade hittills inte producerat några stora renässanskonstnärer, och klassicismen hade planterats genom tillfällig närvaro av konstnärer från andra länder. Men när mästare av Rafael, Michelangelo och Bramante bosatte sig i staden bildades en dynamisk lokal skola som gjorde staden till den rikaste förvaringsorten för högrenässansens konst.

Vid den här tiden var klassicismen den dominerande estetiska strömningen i Italien, med många viktiga centra för odling och spridning. För första gången uppfattades antiken som en definierad civilisation, med sin egen anda, och inte som en följd av isolerade händelser. Samtidigt identifierades denna anda som mycket nära renässansens, vilket gjorde att konstnärer och intellektuella på ett visst sätt kände att de kunde föra en dialog på lika villkor med de mästare från det förflutna som de beundrade. De hade äntligen ”behärskat” det språk de fått och kunde nu använda det med större frihet och förståelse.

Under århundradena har det bildats ett brett samförstånd om att högrenässansen representerade mognaden av de mest omhuldade idealen hos hela den föregående renässansgenerationen, humanismen, idén om konstens autonomi, konstnärens omvandling till vetenskapsman och forskare, strävan efter naturtrohet och begreppet geni. Den fick namnet ”High” på grund av denna påstådda exemplariska karaktär, som en höjdpunkt i en kontinuerlig uppstigning. Inte få historiker har skrivit passionerade vittnesmål om beundran för arvet från periodens konstnärer och kallat den för en ”mirakulös”, ”sublim”, ”ojämförbar”, ”heroisk”, ”transcendent” epok, som av kritikerna kommer att vara omgärdad av en aura av nostalgi och vördnad under lång tid framöver. Precis som med alla gamla konsensuser och myter har den senaste kritiken tagit på sig att dekonstruera och omtolka mer av denna tradition och betraktar den som en något eskapistisk, estetisk och ytlig vision av ett socialt sammanhang som alltid har präglats av enorma sociala ojämlikheter, tyranni, korruption, fåfänga krig och andra problem, ”en vacker men i slutändan tragisk fantasi”, som Brian Curran har konstaterat.

Denna övervärdering har också kritiserats för att den i alltför hög grad bygger på begreppet geni, att den tillskriver en handfull konstnärer alla relevanta bidrag och att den endast identifierar en viss estetisk strömning som ”klassisk” och ”den bästa”, medan granskningen av bevisen har visat att både antiken och högrenässansen var mycket mer varierade än vad som hävdades i den hegemoniska synen.

Man har dock erkänt den historiska betydelsen av högrenässansen som ett historiskt begrepp som var mer, men fortfarande är mycket inflytelserikt, och man har erkänt att de estetiska normer som framför allt Leonardo, Rafael och Michelangelo införde, etablerade en kanon som skilde sig från deras föregångare och som var mycket framgångsrik i sitt accepterande, och som också blev referens för en lång period. Trots den senaste tidens revisionism och den därav följande relativiseringen av värderingar anses dessa tre mästare fortfarande allmänt vara det högsta uttrycket för perioden och det mest fullständiga förkroppsligandet av begreppet renässansgeni. Deras stil i denna fas kännetecknas av en starkt idealiserad och överdådig klassicism, som syntetiserade utvalda element från särskilt prestigefyllda klassiska källor, och som avstod från den realism som vissa strömningar i Quattrocento fortfarande praktiserade. Enligt Hauser,

Under påvarnas exil i Avignon hade staden Rom gått ner i värde, men sedan de återvände till Rom förra århundradet hade påvarna försökt att omorganisera och återuppliva staden genom att anställa en armé av arkeologer, humanister, antikvarier, arkitekter och konstnärer för att studera och bevara ruiner och monument och för att försköna staden så att den återigen skulle vara värdig sitt berömda förflutna. Om det enligt Jill Burke hade blivit en vana för många renässansmänniskor att hävda att de levde i en ny guldålder, hade detta aldrig tidigare bekräftats med sådan kraft och engagemang som påvarna Julius II och Leo X, de huvudansvariga för att göra Rom till ett av de största och mest kosmopolitiska europeiska konstnärliga centra under deras tid och de främsta förkunnarna av idén att århundradena hade nått sin fulländning under deras generation.

Följden av mentalitetsförändringen mellan Quattrocento och Cinquecento är att medan formen i det förra fallet är ett slut, är den i det senare fallet en början; medan naturen i det förra fallet tillhandahöll de mönster som konsten imiterade, kommer samhället i det senare fallet att behöva konsten för att bevisa att sådana mönster existerar. Den mest prestigefyllda konsten blev starkt självrefererande och avlägsnad från den vardagliga verkligheten, även om den påtvingades folket på de viktigaste offentliga platserna och i den officiella diskursen. Rafael sammanfattade motsättningarna i sin berömda freska Atens skola, en av högrenässansens viktigaste målningar, som återupplivade den filosofiska dialogen mellan Platon och Aristoteles, dvs. mellan idealism och empirism.

Även om klassicismen i denna fas var mogen och rik, och lyckades skapa verk av stor kraft, hade den en stark formalistisk och retrospektiv prägel, och därför har den av vissa nyare kritiker betraktats som en konservativ snarare än progressiv tendens. Humanismen själv, i sin romerska version, förlorade sin medborgerliga och antiklerikala glöd och censurerades och domesticerades av påvarna, som omvandlade den till ett filosofiskt rättfärdigande av sitt imperialistiska program. Den etiska kodex som infördes i de illustrerade kretsarna, en abstrakt konstruktion och en social teater i ordets mest konkreta bemärkelse, föreskrev måttfullhet, självkontroll, värdighet och artighet i allt. Baldassare Castigliones ”Courtier” är dess teoretiska syntes.

Trots den etiska kodex som cirkulerade bland eliterna är motsägelserna och bristerna i den dominerande ideologin idag uppenbara för forskarna. Roms försköningsprogram har kritiserats för att vara ett destruktivt snarare än konstruktivt initiativ som lämnade ett antal arbeten oavslutade och raserade eller i onödan modifierade autentiska monument och byggnader från antiken. Detta samhälle förblev auktoritärt, ojämlikt och korrumperat, och enligt vissa bevis verkar det ha varit ovanligt korrumperat, så till den grad att dess samtida kritiker betraktade plundringen av staden 1527 som ett gudomligt straff för dess brott, synder och skandaler. I denna mening är den andra viktiga ”läroboken” från perioden Machiavellis Fursten, en handledning i hur man tar sig till makten och stannar där, där han förklarar att ”det finns inga bra lagar utan bra vapen”, utan att skilja på makt och auktoritet, och där han legitimerar användandet av våld för att kontrollera medborgarna. Boken var en viktig referens för renässansens politiska tänkande i dess slutfas och en viktig inspirationskälla för modern statsfilosofi. Även om Machiavelli ibland anklagas för kyla, cynism, beräkning och grymhet, så till den grad att uttrycket ”machiavellisk” härstammar från honom, är verket ett värdefullt historiskt dokument som en omfattande analys av tidens politiska praxis och dominerande värderingar.

Händelser som upptäckten av Amerika och den protestantiska reformationen, och tekniker som tryckpressen med rörliga trycktyper, förändrade européernas kultur och världsåskådning, samtidigt som hela Europa riktade sin uppmärksamhet mot Italien och dess framsteg, och stormakterna Frankrike, Spanien och Tyskland ville dela med sig av landet och gjorde det till ett slagfält för strider och plundring. Med de invasioner som följde spred den italienska konsten sitt inflytande över en stor del av kontinenten.

Läs också: biografier – Alfred den store

Cinquecento och italiensk manierism

Cinquecento (1500-talet) är renässansens sista fas, då rörelsen omvandlas och utvidgas till andra delar av Europa. Efter Roms plundring 1527 och protestanternas utmaning av den påvliga auktoriteten förändrades den politiska balansen på kontinenten och dess sociokulturella struktur rubbades. Italien drabbades av de värsta konsekvenserna: förutom att invaderas och plundras upphörde Italien att vara Europas handelscentrum när nya handelsvägar öppnades genom de stora sjöfarterna. Hela panoramat förändrades när det katolska inflytandet minskade och känslor av pessimism, osäkerhet och främlingskap uppstod, vilket kännetecknade manérismens atmosfär.

Roms fall innebar att det inte längre fanns ”ett” centrum som dikterade estetik och kultur. Markant differentierade regionala skolor uppstod i Florens, Ferrara, Neapel, Milano, Venedig och många andra, och renässansen spred sig sedan definitivt över Europa och förändrades och diversifierades djupt när den införlivade en mängd olika regionala influenser. Konst av långväga konstnärer som Michelangelo och Tizian har på ett stilistiskt sätt registrerat övergången från en tid av säkerhet och klarhet till en tid av tvivel och dramatik. Högrenässansens intellektuella och konstnärliga landvinningar var fortfarande färska och kunde inte lätt glömmas bort, även om deras filosofiska substrat inte längre var giltigt med tanke på nya politiska, religiösa och sociala fakta. Den nya konst och arkitektur som skapades, där namn som Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, även om de var inspirerade av antiken, omorganiserade och översatte dess proportioner, rumsliga representationer och symboliska värden i oroliga, förvrängda, ambivalenta och värdefulla verk.

Denna förändring har varit på gång under en längre tid. På 1520-talet hade påvedömet blivit indraget i så många internationella konflikter och trycket runtomkring det var så stort att få människor tvivlade på att Rom var dömt och att dess fall bara var en tidsfråga. Redan långt före katastrofen 1527 hade Rafael själv, som traditionellt setts som en av de renaste representanterna för den måttfullhet och balans som ansågs typisk för högrenässansen, i flera viktiga verk skapat scener med så starka kontraster, grupper med så mycket rörelse och figurer med så passionerade uttryck, och i så onaturliga och retoriska positioner att han enligt Frederick Hartt kan placeras inte bara som en föregångare till manérismen utan också till barocken, och om han hade levt längre skulle han utan tvekan ha följt Michelangelo och andra i den fullständiga övergången till en stil som konsekvent skilde sig från stilen från den tidiga delen av århundradet.

Vasari, en av Cinquecentos ledande forskare, såg inte någon radikal lösning på kontinuiteten mellan högrenässansen och den följande perioden som han själv levde i. Han ansåg sig fortfarande vara en renässansmänniska och när han förklarade de uppenbara skillnaderna mellan konsten under de två perioderna sa han att Leonardos, Michelangelos och Rafaels efterföljare arbetade i en ”modern stil”, ett ”nytt sätt” som försökte efterlikna några av de viktigaste antika verken de kände till. Han syftade främst på Laokoongruppen, som återupptäcktes 1506 och som orsakade en enorm sensation i romerska konstnärskretsar, och Belvedere Torso, som vid samma tid började bli berömd och mycket studerad. Dessa verk utövade ett stort inflytande på de tidiga manieristerna, inklusive Michelangelo, men de tillhör inte den klassiska perioden utan den hellenistiska, som på många sätt var en antiklassisk skola. Renaissancerna förstod inte heller begreppet ”klassisk” så som det förstås från 1700-talet och framåt, dvs. som ett uttryck för ett ideal av renhet, majestät, perfektion, balans, harmoni och känslomässig måttfullhet, en syntes av allt som var bra, användbart och vackert, som de identifierade som existerande i det antika Grekland mellan det femte och fjärde århundradet före Kristus. Det är svårt att avgöra hur renässansen uppfattade skillnaderna mellan de kontrasterande estetiska strömningarna i den grekisk-romerska kulturen som helhet (”antiken”), eftersom nästan alla antika verk som de hade tillgång till vid den här tiden var hellenistiska och romerska omläsningar av förlorade grekiska förebilder, en mycket eklektisk formell repertoar som innehöll flera referenser från nästan tusen år av grekisk-romersk historia, en period då det skedde olika och dramatiska förändringar i smak och stil. De tycks ha betraktat antiken mer som en monolitisk kulturell period, eller åtminstone som en period från vars ikonografiska samling de kunde hämta element som de valde efter eget gottfinnande för att skapa en ”användbar antiken”, anpassad till tidens krav. Kritikern Ascanio Condivi ger ett exempel på denna inställning hos Michelangelo och säger att när mästaren ville skapa en idealisk form nöjde han sig inte med att observera en enda modell, utan sökte upp många och hämtade de bästa egenskaperna från var och en av dem. Rafael, Bramante och andra lär ha använt sig av samma metod.

Efter 1600-talet och under lång tid efteråt ansågs dock manérismen vara en degenerering av autentiska klassiska ideal, utvecklad av konstnärer som var störda eller mer intresserade av en morbid och meningslös virtuositet. Många senare kritiker tillskrev dramatiken och asymmetrin i periodens verk till en överdriven imitation av Michelangelos och Giulio Romanos stil, men dessa drag tolkades också som en återspegling av en orolig och desillusionerad tid. Hartt påpekade att de kyrkliga reformrörelserna påverkade mentalitetsförändringen. Nyare kritik förstår att kulturella rörelser alltid är resultatet av flera faktorer, och den italienska manérismen är inget undantag, men man anser att den i huvudsak var en produkt av konservativa hovmiljöer, komplex ceremoniell verksamhet och eklektisk, ultrasofistikerad kultur, snarare än en avsiktligt anti-klassisk rörelse.

I vilket fall som helst hade polemiken till följd att de manéristiska forskarna delades upp i två huvudströmningar. För vissa skapade det italienska inflytandet i Europa under Cinquecento plastiska uttryck som var så polymorfa och så olika från Quattrocento och högrenässansen att det blev ett problem att beskriva dem som en del av det ursprungliga fenomenet, och de tycktes på många sätt utgöra en antites till de klassiska principer som de tidigare faserna uppskattade så mycket och som skulle definiera den ”sanna” renässansen. På så sätt etablerade de manérismen som en självständig rörelse och erkände den som en utsökt, fantasifull och kraftfull uttrycksform, en betydelse som förstärktes av att den var den första skolan inom den moderna konsten. Den andra kritiska riktningen analyserar den däremot som en fördjupning och berikning av de klassiska förutsättningarna och som en legitim avslutning på renässanscykeln; inte så mycket som en förnekelse eller förvrängning av dessa principer, utan en reflektion över deras praktiska tillämpbarhet vid denna historiska tidpunkt och en anpassning – ibland smärtsam men i allmänhet kreativ och framgångsrik – till tidens omständigheter. För att göra bilden ännu mer komplicerad har själva identifieringen av manérismens karakteristiska drag, liksom dess kronologi och dess tillämplighet på andra områden än bildkonsten, varit centrum för en annan monumental kontrovers som många anser vara olöslig.

Förutom de kulturella förändringar som den politiska omläggningen av kontinenten medförde, präglades 1500-talet av en annan stor kris, nämligen den protestantiska reformationen, som för alltid störtade romerska kyrkans gamla universella auktoritet. En av reformationens viktigaste konsekvenser för renässansens konst var fördömandet av heliga bilder, vilket ledde till att de nordliga templen blev tömda på bild- och skulpturala representationer av helgon och gudomliga personer, och många konstverk förstördes i en våg av ikonoklastisk vrede. I och med detta vände sig den representativa konsten under reformistiskt inflytande till profana karaktärer och naturen. Påvedömet insåg dock snart att konsten kunde vara ett effektivt vapen mot protestanterna och bidra till en bredare evangelisering som var mer förförisk för de stora folkmassorna. Under motreformationen systematiserades nya föreskrifter som i detalj fastställde hur konstnären skulle skapa verk med religiösa teman, där man försökte betona känslor och rörelser, som ansågs vara de mest begripliga och attraktiva resurserna för att vinna folkets enkla hängivenhet och på så sätt säkra en seger mot protestanterna. Men om å ena sidan motreformationen gav upphov till fler beställningar av helig konst, försvann den tidigare friheten att uttrycka sig konstnärligt som man hade sett i tidigare faser, en frihet som hade gjort det möjligt för Michelangelo att dekorera sin enorma tavla av den sista domen, målad i hjärtat av Vatikanen, med en mängd nakna kroppar av stor sensualitet, även om det profana området förblev föga påverkat av censur.

Cinquecento var också den tid då de första konstakademierna grundades, som akademin för designkonst i Florens och akademin för S:t Lukas i Rom, en utveckling av konstnärsgillena som etablerade akademismen som ett system för högre utbildning och en kulturell rörelse, som standardiserade lärandet, stimulerade teoretisk debatt och fungerade som ett instrument för regeringar för att sprida och avskeda inte bara estetiska, utan också politiska och sociala ideologier. De manieristiska konstteoretikerna fördjupade de debatter som den föregående generationen hade fört, betonade det mänskliga intellektets kopplingar till den gudomliga kreativiteten och gav prestige åt mångfalden. För Pierre Bourdieu innebar skapandet av det akademiska systemet att man formulerade en teori där konsten var ett förkroppsligande av principerna om skönhet, sanning och godhet, en naturlig förlängning av högrenässansens ideologi, men manéristerna var öppna för att det fanns olika giltiga normer, vilket gav skaparna stor frihet i olika avseenden, särskilt i den profana konsten, som var fri från kyrkans kontroll. Akademiernas betoning på teknisk förbättring och den ständiga hänvisningen till etablerade antika modeller bidrog också till att förflytta en del av huvudintresset från att säga något till att visa hur bra något hade sagts, vilket presenterade konstnären som en lärd person. Akademiernas inflytande tog ett tag att slå igenom, men under barocken och neoklassicismen kom de att dominera hela det europeiska konstsystemet.

Renässansen har historiskt sett ofta hyllats som inledningen på en ny era, en era som upplystes av förnuftet och där människorna, skapade till gudomlighetens avbild, skulle uppfylla profetian om att regera över världen med vishet, och vars underbara verk skulle placera dem i sällskap med hjältar, patriarker, helgon och änglar. I dag förstår man att den sociala verkligheten inte återspeglade de höga ideal som konsten gav uttryck för, och att denna upphöjda ufanism som omgav rörelsen till stor del var ett verk av renässansen själv, vars intellektuella produktion, som presenterade dem som grundare av en ny gyllene tidsålder, och som satte Florens i centrum för allting, bestämde i stor utsträckning riktningen för den senare kritiken. Även senare antiklassiska rörelser, som barocken, erkände klassikerna och deras arvtagare från renässansen värdefulla värden.

I mitten av 1800-talet hade perioden blivit ett av de viktigaste områdena för vetenskaplig forskning, och publiceringen 1860 av Jacob Burckhardts klassiker The History of the Renaissance in Italy var kronan på verket i fem sekel av historiografisk tradition som placerade renässansen som den första milstolpen för moderniteten och jämförde den med att en slöja avlägsnades från mänsklighetens ögon så att den kunde se klart. Men Burckhardts arbete kom till när en revisionistisk tendens i denna tradition redan var märkbar, och den reaktion som det orsakade förstärkte bara polemiken. Sedan dess har en mängd nya studier revolutionerat sättet att studera och förstå den antika konsten.

Traditioner och auktoriteter har lagts åt sidan till förmån för studier av primära källor och mer kritiska, nyanserade, kontextualiserade och inkluderande analyser. Man har insett att det fanns en mycket större åsiktsdiversitet bland renässansen själv än vad man hade trott, och att det är till stor del denna mångfald som är orsaken till periodens dynamik och originalitet; De snabba framstegen inom den vetenskapliga tekniken för datering och restaurering och för fysikalisk-kemisk analys av material gjorde det möjligt att befästa många traditionella tillskrivningar av författarskap och definitivt överge många andra, vilket innebar en betydande omorganisering av kartan över den konstnärliga produktionen; nya kronologier fastställdes och konstnärliga individualiteter och deras bidrag omdefinierades; nya vägar för spridning och inflytande identifierades, och många viktiga verk återupptäcktes. I den här processen omkullkastades ett antal historiografiska principer, och själva traditionen att dela in historien i definierade perioder (”renässans”, ”barock”, ”nyklassicism”) började ses som en artificiell konstruktion som förvränger förståelsen av en pågående social process och skapar inkonsekventa begreppsliga stereotyper. Dessutom har studiet av hela det historiska, politiska och sociala sammanhanget fördjupats och fördjupas fortfarande, vilket gör att de kulturella uttrycken placeras mot en värdefull bakgrund på ett sätt som ständigt uppdateras och blir mer mångfacetterat.

Många historiker började därför dra slutsatsen att renässansen hade belastats med en alltför positiv värdering och att detta automatiskt och utan hållbara skäl nedvärderade medeltiden och andra perioder. En stor del av den moderna debatten har syftat till att avgöra om den verkligen var en förbättring jämfört med den tidigare perioden. Det har påpekats att många av de negativa sociala faktorer som vanligtvis förknippas med medeltiden – fattigdom, korruption, religiös och politisk förföljelse – verkar ha förvärrats. Många människor som levde under renässansen såg den inte som en ”guldålder”, utan var medvetna om allvarliga sociala och moraliska problem, till exempel Savonarola, som i slutet av 1400-talet utlöste en dramatisk religiös väckelse som ledde till att många konstverk förstördes och till slut ledde till hans död på bålet. Johan Huizinga hävdade att renässansen i vissa avseenden var en period av nedgång från medeltiden och att många viktiga saker förstördes. Latin hade till exempel lyckats utvecklas och hålla sig ganska levande vid det laget, men besattheten av klassisk renhet avbröt denna naturliga process och fick det att återgå till sin klassiska form. För Jacques Le Goff och andra i hans skola var renässansen en period där kontinuiteterna från medeltiden var viktigare än brytningarna – inklusive den permanenta uppfattningen om kungarnas gudomliga rätt och ritualerna i den heliga monarkin, de tekniska grunderna för den materiella produktionen och historieuppfattningen, och påpekade att idén om en renässans och önskan om en återgång till en idealiserad guldålder i antiken genomsyrade den europeiska kulturen fram till efter den franska revolutionen; Flera ”renässanser” blomstrade före och efter den italienska, särskilt den karolingiska, den otoniska och den neoklassiska. Många forskare har påpekat att under denna fas dominerade ekonomisk recession över blomstrande perioder, men andra menar att detta verkar ha varit ett europeiskt fenomen och inte specifikt italienskt eller florentinskt, medan Eugenio Garin, Lynn Thorndike och flera andra anser att de vetenskapliga framstegen kanske inte var så originella som man tror.

Marxistiska historiker har föredragit att beskriva renässansen i materialistiska termer och hävdat att förändringarna inom konst, litteratur och filosofi bara var en del av den allmänna trenden från feodalsamhället till kapitalismen, vilket resulterade i uppkomsten av en borgerlig klass som hade tid och pengar att ägna sig åt konst. Det hävdas också att hänvisningar till klassiska referenser vid denna tid ofta var en förevändning för att legitimera elitens syften, och att inspirationen från det republikanska Rom och framför allt från det kejserliga Rom skulle ha gett upphov till en anda av tävlingsanda och legosoldater som arrivisten använde sig av för en ofta skrupelfri social uppstigning.

Med början i det moderna avantgardets framväxt i början av 1900-talet, och sedan i flera på varandra följande vågor av uppfräschning, har den senaste kritiken utvidgat den kulturella renässansens relationer till att omfatta praktiskt taget alla aspekter av livet under den perioden, och har tolkat dess arv på så olika sätt att de gamla samförstånden har rasat samman i många särskilda frågor. Det är dock ett tydligt intryck att perioden på många områden var fruktbar när det gäller mästerliga och innovativa prestationer och att den lämnade ett djupt avtryck på västvärldens kultur och samhälle för lång tid framöver.

Även om den senaste tidens kritik kraftigt har rubbat renässansens traditionella prestige, där alla perioder värderas lika och uppskattas för sina särdrag, har detta samtidigt möjliggjort en extraordinär berikning och breddning av den förståelse vi har av den i dag, men denna prestige har aldrig varit allvarligt hotad, främst på grund av att renässansen, på ett obestridligt sätt, var en av grunderna för och en väsentlig del av den moderna västerländska civilisationen, och är en referens som fortfarande är levande i dag. Några av de viktigaste verken har också blivit ikoner i populärkulturen, till exempel Michelangelos David och Skapelsen och Da Vincis Mona Lisa. Antalet studier i ämnet, som ökar för varje dag, och den fortsatta kontroversen om många aspekter visar att renässansen är tillräckligt rik för att fortsätta att locka till sig kritikernas och allmänhetens uppmärksamhet.

Även om det finns vitt skilda åsikter om vissa aspekter verkar det idag råda konsensus om att renässansen var en period då många djupt rotade trosuppfattningar som ansågs vara sanna diskuterades och testades med hjälp av vetenskapliga undersökningsmetoder, vilket inledde en fas där religionens och dess dogmers dominans upphörde att vara absolut och banade väg för utvecklingen av vetenskap och teknik som vi känner till dem idag. Det senare politiska tänkandet skulle inte ha kunnat utformas utan de humanistiska grunder som befästes under renässansen, då filosoferna sökte efter prejudikat i antiken för att försvara den republikanska regimen och den mänskliga friheten, och uppdaterade idéer som hade en avgörande inverkan på rättspraxis, konstitutionell teori och bildandet av moderna stater.

Inom bildkonsten utvecklades resurser som gjorde det möjligt att ta ett enormt steg framåt i förhållande till medeltiden när det gäller förmågan att representera rum, natur och människokropp, genom att återuppliva tekniker som hade gått förlorade sedan antiken och skapa nya tekniker från och med nu. Det arkitektoniska språket för palats, kyrkor och stora monument som skapades genom det klassiska arvet är fortfarande giltigt och används när man vill ge värdighet och betydelse åt modernt byggande. Inom litteraturen blev de folkspråkliga språken värda att förmedla kultur och kunskap, och genom studiet av de grekisk-romerska filosofernas texter spreds maximer som fortfarande finns kvar i folkmunnen i dag och som uppmuntrar höga värden som hjältemod, samhällsanda och altruism, vilka är grundläggande byggstenar för att bygga ett rättvisare och friare samhälle för alla. Respekt för det klassiska förflutna och dess bästa värderingar skapade en ny syn på historia och grundade den moderna historieskrivningen, och lade grunden för bildandet av ett utbildningssystem som vid den tiden sträckte sig bortom eliterna och som än i dag strukturerar läroplanen i stora delar av västvärlden och ligger till grund för samhällsordningen och regeringssystemen. Slutligen fortsätter den omfattande konstnärliga produktion som finns kvar i så många länder i Europa att locka till sig folk från alla delar av världen och utgör en betydande del av själva definitionen av västerländsk kultur.

Med så många associationer, oavsett hur hårt forskare försöker belysa ämnet, är det fortfarande fyllt av legender, stereotyper och passion, särskilt i den allmänna opinionen. John Jeffries Martin, chef för historieavdelningen vid Duke University och redaktör för en stor volym med kritiska essäer som publicerades 2003, där han sammanfattade historieskrivningens utveckling och tendenserna i den senaste kritiken,

Läs också: biografier – Jean Arp

Bildkonst

Inom konsten kännetecknades renässansen i mycket allmänna termer av inspiration från de gamla grekerna och romarna och av en uppfattning om konsten som en imitation av naturen, där människan har en privilegierad plats i detta panorama. Men mer än en imitation måste naturen, för att kunna representeras på ett bra sätt, genomgå en översättning som organiserar den under en rationell och matematisk optik, som en spegel av en gudomlig ordning som det var upp till konsten att avslöja och uttrycka, under en period som präglades av en stor intellektuell nyfikenhet, en analytisk och organiserande anda och en matematisering och vetenskaplighet av alla naturfenomen. Det var en tid av storslagna ambitioner, konstnären närmade sig vetenskapsmannen och filosofen och humanisterna strävade efter encyklopedisk kunskap. Viktiga standardiserande avhandlingar och olika essäer om konst och arkitektur dök upp och lade grunden för en ny historieskrivning och ett nytt sätt att se på skapandeprocessen. Alla konstarter gynnades av de vetenskapliga framstegen, som innebar förbättringar av tekniker och material på olika områden. Bland höjdpunkterna finns till exempel återvinningen av tekniken för gjutning av förlorat vax, som gjorde det möjligt att skapa monument i en aldrig tidigare skådad skala jämfört med medeltida bronser, och populariseringen av optiska och mekaniska mekanismer som hjälpmedel för måleri och skulptur. Å andra sidan drog vetenskapen nytta av konsten genom att höja precisionen och realismen i illustrationerna i vetenskapliga avhandlingar och i ikonografin av historiska personer, och genom att dra nytta av konstnärernas idéer om geometri och rymd och av impulsen att utforska och observera naturen.

Den grekisk-romerska proportionsordningen bestämde återigen hur den mänskliga figuren skulle konstrueras, och man återvände också till att odla den typiska klassiska skönheten. Studiet av den mänskliga anatomin, den grekisk-romerska mytologins växande assimilering i den visuella diskursen och återkomsten av naken, befriad från de tabun som ämnet hade varit omgärdat av under medeltiden, förnyade i stor utsträckning ikonografin i periodens måleri och skulptur och öppnade upp stora nya områden för formell och symbolisk forskning, gynnade utforskandet av olika känslor och stämningar, påverkade mode och seder, stimulerade kollektivism, antikvariat och arkeologi och skapade en ny visuell tradition med bestående inflytande, samtidigt som civil och privat beskydd gav medel för en extraordinär blomstring av profan konst. Intresset för att avbilda det naturliga återupplivade också porträtttraditionen, som efter Romarrikets fall till stor del hade övergivits.

Läs också: historia-sv – Berlinmuren

Produktionssystemet

Konstnären under renässansen var en professionell konstnär. Fram till 1500-talet är dokumenterade exempel på verk som skapats utanför beställningssystemet ytterst sällsynta, och de allra flesta konstnärer var anslutna till ett gille. Florentinska målare tillhörde en av de stora konstarterna, intressant nog läkarna och apotekarna. Bronsskulptörer var också en framstående klass, som tillhörde silkeskonsten. De andra tillhörde däremot de mindre konstarterna, såsom sten- och träkonstnärer. De ansågs alla vara yrkesverksamma inom de mekaniska konsterna, som på tidens prestige-skala låg under de fria konsterna, de enda som adeln kunde ägna sig åt yrkesmässigt utan att bli vanärad. Gillen organiserade produktions- och handelssystemet och deltog i fördelningen av beställningar mellan de olika privata verkstäderna som drevs av mästare, där många medhjälpare var anställda och där lärjungar togs in och förbereddes för yrket. Postulantens familj betalade det mesta av deras utbildning, men de fick viss hjälp av mästaren när de blev kapabla att utföra sina uppgifter väl och samarbeta effektivt i verkstadens affärsverksamhet. Kvinnor fick inte komma in. Lärlingstiden var uttömmande, strängt disciplinerad och varade i många år, eleverna studerade inte bara hantverksteknikerna utan var också anställda för uppgifter som städning och organisering av ateljén och andra uppgifter som mästaren bestämde, de samarbetade i utbildningen av yngre elever och innan de hade avslutat utbildningen och antagits i gillet kunde ingen elev få order i sitt namn. Det fanns konstnärer som inte hade någon fast verkstad utan reste runt i olika städer för tillfälliga arbeten, och som anslöt sig till redan organiserade grupper eller rekryterade hjälpare i den stad där arbetet skulle utföras, men de utgjorde en minoritet. Att ha en fast bas hindrade däremot inte verkstäderna från att ta emot uppdrag från andra platser, särskilt om deras mästare var kända.

Renässansens konstnärer är mest kända för sina stora altare, monument, skulpturer och målningar, men konstverkstäderna var företag med en mycket varierad marknad. Förutom stora verk för kyrkor, palats och offentliga byggnader svarade de även på mindre och mer populära beställningar och dekorerade privata, civila och religiösa festivaler och evenemang, skapade teaterkulisser och kostymer, lyxkläder, smycken och målade vapensköldar och emblem, De tillverkade rustningar, vapen, beslag och dekorerade hushållsredskap och en mängd andra föremål, och många hade butiker som var öppna för allmänheten hela tiden, där de visade upp husets specialiteter.

Konstnärerna i allmänhet var dåligt betalda, det finns många rapporter om fattigdom, och endast mästarna och deras främsta medhjälpare hade en bekväm situation, vissa mästare blev till och med rika, men deras inkomster var alltid föremål för en mycket fluktuerande marknad. Under hela renässansen bedrev humanisterna och de ledande konstnärerna ett systematiskt arbete för att frigöra den konstnärliga klassen från de mekaniska konsterna och placera den bland liberalerna, och de lyckades med detta i hög grad, men inte fullständigt. Bruket att erkänna en konstnärs överlägsna talang fanns redan tidigare; Giotto, Verrocchio, Donatello och många andra hyllades entusiastiskt och brett av sin samtid, men innan Michelangelo, Rafael och Leonardo dök upp hade ingen konstnär varit föremål för de mäktigas smicker i så hög grad, vilket nästan vände upp och ner på auktoritetsförhållandet mellan anställd och arbetsgivare, och mellan eliten och plebejerna, och detta berodde i lika hög grad på förändringen i förståelsen av konstens roll som på att dessa konstnärer var medvetna om sitt värde och sin beslutsamhet att få det erkänt.

Renässansmåleriets största bidrag var dess nya sätt att avbilda naturen, genom en sådan behärskning av bildtekniken och centrumperspektivet att den kunde skapa en effektiv illusion av tredimensionellt utrymme på en plan yta. En sådan prestation innebar ett radikalt avsteg från det medeltida representationssystemet, med dess statiska karaktär, dess djuplösa rum, dess figurativa schematism och dess symboliska proportionssystem, där de viktigaste karaktärerna var större. Den nya parametern hade en matematisk och fysikalisk grund, resultatet var ”realistiskt” (i betydelsen att det skapade en illusion av effektivt utrymme) och dess organisation var inriktad på observatörens synvinkel. I detta kan vi se en återspegling av populariseringen av rationalismens, antropocentrismens och humanismens principer. Det visuella språk som renässansmålarna formulerade var så framgångsrikt att det är giltigt än idag och anses av många människor vara det mest naturliga sättet att representera rummet.

Renässansens måleri är i huvudsak linjärt; teckning ansågs nu vara grunden för all bildkonst och att behärska den var en förutsättning för varje konstnär. För detta ändamål var studiet av antikens skulpturer och reliefer till stor nytta, vilket utgjorde grunden för utvecklingen av en stor repertoar av teman, kroppsrörelser och kroppsställningar, men en annan viktig faktor var den direkta observationen av naturen. I måleriets uppbyggnad var linjen traditionellt det demonstrativa och logiska elementet, medan färgen angav affektiva tillstånd eller specifika kvaliteter. En annan skillnad i förhållande till medeltidens konst var att scener och gester blev mer dynamiska och att man upptäckte skuggningen, eller chiaroscuro, som en plastisk och mimetisk resurs.

Giotto, som verkade mellan 1200- och 1300-talen, var den största målaren i den tidiga italienska renässansen och den främsta pionjären för naturalismen i måleriet. Hans revolutionära verk, som stod i kontrast till de sena gotiska mästarna som Cimabue och Duccio, gjorde ett starkt intryck på hans samtida och kom att dominera allt italienskt måleri under Trecento på grund av sin logik, enkelhet, precision och naturtrogenhet. Ambrogio Lorenzetti och Taddeo Gaddi fortsatte Giottos linje utan att förnya den, även om andra progressiva egenskaper blandades med element från den fortfarande starka gotiken, som i Simone Martinis och Orcagnas verk. Giottos naturalistiska och expressiva stil representerade dock den främsta föreställningen i denna fas och spreds till Siena, som för en tid gick före Florens i konstnärliga framsteg. Därifrån spreds den till norra Italien.

Under Quattrocento fick framställningarna av den mänskliga figuren soliditet, majestät och kraft, vilket återspeglade självförtroendet i ett samhälle som blev mycket rikt och komplext och som bildade en mångfacetterad panel av trender och influenser. Men under större delen av århundradet skulle konsten avslöja konflikten mellan de sista ekona av den andliga och abstrakta gotiken, som exemplifieras av Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli och Lorenzo Monaco, och klassicismens nya organiserande, naturalistiska och rationella krafter, som representeras av Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca och Ghirlandaio.

Efter Giotto var nästa evolutionära milstolpe Masaccio, vars verk ger människan en klart förädlad aspekt och vars visuella närvaro är tydligt konkret, med effektiv användning av volymens och det tredimensionella rummets effekter. Han bidrog i hög grad till att formulera västvärldens moderna bildspråk; alla de stora florentinska målarna i den följande generationen påverkades av honom, och när hans verk ”återupptäcktes” av Leonardo da Vinci, Michelangelo och Rafael fick det ännu större uppskattning och förblev populärt i sex århundraden. För många kritiker är han den verkliga grundaren av renässansen inom måleriet, och det har sagts om honom att han var ”den förste som visste hur man målar människor som verkligen rörde vid jorden med fötterna”.

I Venedig, ett annat viktigt centrum och kanske Florens främsta rival under detta århundrade, fanns en grupp berömda konstnärer som Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi och Antonello da Messina. Siena, som tidigare hade varit en del av avantgardet, tvekade nu mellan gotikens andliga dragningskraft och klassicismens profana lockelse, och tappade i styrka. Samtidigt började klassicismen att växa fram även i andra regioner i norra Italien, genom Perugino i Perugia, Cosimo Tura i Ferrara, Pinturicchio, Melozzo da Forli och Mantegna i Padua och Mantua. Pisanello var verksam i ett stort antal städer.

Man bör också komma ihåg det förnyade inflytandet på de italienska målarna från oljemålningstekniken, som under Quattrocento utvecklades i Nederländerna och hade nått en hög grad av förfining, vilket gjorde det möjligt att skapa mycket mer exakta och skarpa bilder och med en mycket mer subtil skuggning än vad som uppnås med fresker, enkaustik och tempera, en nyhet som hade en viktig inverkan på porträtt- och landskapsmåleri. Flamländska målningar var mycket uppskattade i Italien just för dessa egenskaper, och ett stort antal av dem importerades, kopierades eller efterliknades av italienarna.

Senare, under högrenässansen, trängde Leonardo da Vinci in i terrängen av tvetydiga och mystiska atmosfärer med en sofistikerad oljeteknik, samtidigt som han kombinerade konst och vetenskap på ett kraftfullt sätt. Med Rafael nådde det klassicistiska representationssystemet en grandios skala och skapade imponerande illusionistisk arkitektur och landskap, men han översatte också en tidigare okänd sötma i sina madonnor som snart blev mycket populär. I Venedig utmärker sig Titian framför allt genom att utforska nya kromatiska relationer och en friare, mer gestuell målningsteknik. Michelangelo, som krönte människans upphöjningsprocess, tog den i Sixtinska kapellet till ett uppblåst uttryck för det mytiska, sublima, heroiska och patetiska. Många andra lämnade viktiga bidrag, som Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione och Pontormo.

Men denna fas, med stor formell balans, varade inte länge och skulle snart förändras i grunden för att ge plats åt manérismen. Med manieristerna förändrades hela uppfattningen om rummet, perspektivet splittrades upp i flera synvinklar och människofigurens proportioner förvrängdes i expressiva eller estetiska syften, vilket gav upphov till ett mer dynamiskt, livfullt, subjektivt, dramatiskt, dyrbart, intellektuellt och sofistikerat bildspråk.

Inom skulpturen är tecknen på en omvärdering av den klassicistiska estetiken gamla. Nicola Pisano tillverkade runt 1260 en predikstol för baptisteriet i Pisa, som anses vara den första manifestationen av renässansen inom skulptur, där han satte in en stor manlig naken som representerar dygden styrka, och det verkar klart att hans huvudsakliga inspiration kom från att observera de romerska sarkofager dekorerade med reliefer som fanns på kyrkogården i Pisa. Även om hans bidrag är begränsat till ett fåtal verk anses det vara lika viktigt för skulpturens historia som Giottos bidrag för måleriet. I själva verket är Giottos konst till stor del beroende av Nicola Pisanos forskning.

Hans son Giovanni Pisano och andra viktiga efterföljare, som Arnolfo di Cambio och Lapo di Ricevuto, skulle dra värdefulla lärdomar av sin kontakt med klassicismen, men deras stil utvecklas ojämnt i detta avseende. Giovanni skulle senare dominera scenen i Florens, Pisa och Siena i början av 1300-talet, han skapade andra viktiga nakenbilder, bland annat ett kvinnligt som återger den klassiska modellen av Venus pudica, och han skulle vara en av de som introducerade en ny genre, de smärtsamma kruxifixen, med stor dramatik och stort inflytande, som fram till dess var ovanliga i Toscana. Hans mångsidiga talang skulle ge upphov till verk med rena, rena linjer, som porträttet av Enrico Scrovegni. Hans madonnor, reliefer och predikstolen i Pisa katedral är däremot mycket mer gripande och dramatiska.

Vid mitten av århundradet blev Andrea Pisano känd som upphovsmannen till relieferna på den södra dörren till baptisteriet i Florens och som arkitekt för katedralen i Orvieto. Han var mästare till Orcagna, vars tabernakel i Orsanmichele är ett av periodens mästerverk, och till Giovanni di Balduccio, författare till ett utsökt och komplext gravmonument i Portinari-kapellet i Milano. Hans generation dominerades av Giottos måleri. Trots de framsteg som ett antal aktiva mästare har gjort, återspeglar deras verk fortfarande en korsning av strömningar som skulle vara typiska för hela Trecento, och gotiska element är fortfarande dominerande eller viktiga i alla dessa verk.

Mot slutet av Trecento dök Lorenzo Ghiberti upp i Florens som författare till reliefer i Johannes dopkapellet, där klassiska modeller var fast etablerade. Donatello ledde sedan framstegen på olika fronter och utövade ett stort inflytande. Hans främsta verk är statyer av profeter från Gamla testamentet, varav Habakuk och Jeremia är bland de mest imponerande. Han var också innovativ när det gäller ryttarstatyer och skapade Gattamelata-monumentet, det viktigaste i sitt slag sedan Marcus Aurelius på andra århundradet. Slutligen är hans avskalade, botfärdiga Magdalena av trä från 1453 en bild av smärta, stränghet och förvandling som inte hade någon motsvarighet på sin tid, och som införde en gripande känsla av dramatik och verklighet i statyn som endast hade förekommit i hellenismen.

I nästa generation utmärker sig Verrocchio för sina teatrala och dynamiska kompositioner. Han var målare, skulptör, scenograf och inredare och en av Medici-folkens främsta favoriter. Hans Christ and St Thomas är mycket realistisk och poetisk. Han komponerade ett barn med en delfin för Neptunusfontänen i Florens, som är prototypen för den serpentinformade figuren, som skulle bli den mest prestigefyllda formella modellen inom manierismen och barocken, och med sin dam med en bukett blommor presenterade han en ny bystmodell, som innefattar armarna och halva kroppen och som blev populär. Hans största verk, ryttarmonumentet för Bartolomeo Colleoni i Venedig, är ett uttryck för kraft och styrka som är mer intensivt än Gattamelata. Verrocchio påverkade många av 1400-talets målare och skulptörer, däribland Leonardo, Perugino och Rafael, och anses vara en av århundradets största konstnärer.

Andra kända namn är Luca della Robbia och hans familj, en dynasti av krukmakare som skapade en ny teknik för glasering och förglasning av keramik. En liknande teknik, majolika, hade varit känd i århundraden, men Luca utvecklade en variant och tillämpade den framgångsrikt på storskaliga skulpturer och dekorativa uppsättningar. Hans uppfinning ökade bitarnas hållbarhet och styrka, bevarade levande färger och möjliggjorde installation utomhus. Luca var också en berömd marmorskulptör och Leon Battista Alberti placerade honom bland ledarna för det florentinska avantgardet, tillsammans med Masaccio och Donatello. De stora populariserarna av den keramiska tekniken var dock hans brorson Andrea della Robbia och hans son Giovanni della Robbia, som förstorade dimensionerna på assemblerna, berikade färgpaletten och förfinade finishen. Tekniken hölls länge hemlig.

Florens förblev centrum för avantgardet fram till Michelangelo, som arbetade för Medici och i Rom för påvarna, och som var det mest inflytelserika namnet inom skulpturen från högrenässansen till mitten av femtiotalet. Hans verk gick från den rena klassicismen i David och Bacchus till manérismen, som tog sig uttryck i häftiga och dramatiska verk som Slavarna, Moses och nakenbilderna i Medici-kapellet i Florens. Konstnärer som Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio och Tullio Lombardo lämnade också verk av stor mästarklass och betydelse, som Lombardos Adam, den första naken i naturlig storlek som är känd sedan antiken.

Renässanscykeln avslutas med Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino och Benvenuto Cellini, med en stil som präglas av stor dynamik och uttrycksfullhet, vilket exemplifieras av Giambolognas Bortförande från Sabinerna. Framstående konstnärer från andra europeiska länder hade redan börjat arbeta enligt klart italienska linjer, till exempel Adriaen de Vries och Germain Pilon, vilket spred den italienska smaken över ett stort geografiskt område och gav upphov till olika synkretistiska formuleringar med regionala skolor.

Skulptur fanns överallt, på gatorna som monument och utsmyckning av byggnader, i adelns salar, i kyrkorna och i det enklaste hemmet fanns det alltid en andaktsbild. Vaser, möbler och vardagliga redskap för eliten hade ofta snidade eller graverade detaljer, och miniatyrer som minnesmedaljer kan räknas till detta område. Under denna period utvecklades tekniska resurser som möjliggjorde ett enormt språng framåt jämfört med medeltiden när det gäller förmågan att skapa fria former i rummet och att representera naturen och människokroppen, och genom publiceringen av olika avhandlingar och kommentarer om denna konst introducerades metoder och teorier som breddade förståelsen av området och förankrade det i en mer vetenskaplig konceptualisering, vilket grundade en inflytelserik kritisk tradition. Förbättringen av skulpturtekniken gjorde det möjligt att skapa verk i en skala som endast är känd från antiken, och florentinarnas medborgaranda stimulerade uppfinningen av nya modeller för offentliga monument, en typologi som är förknippad med en annan förståelse av människans representationsförmåga som en social och pedagogisk praktik.

Läs också: biografier – Edward Hopper

Musik

I allmänhet erbjuder renässansens musik inte något panorama av abrupta kontinuitetsbrott, och hela den långa perioden kan betraktas som en terräng för den långsamma omvandlingen från modal till tonal universum, och från horisontell polyfoni till vertikal harmoni. Renässansen var också en period av stor förnyelse när det gäller röstbehandling och orkestrering, instrumentalmusik och konsolidering av rent instrumentala genrer och former med danssviterna för baler, eftersom det fanns en stor efterfrågan på musikalisk underhållning vid varje fest eller ceremoni, offentlig eller privat.

I kompositionstekniken överges organonernas melismatiska polyfoni, som härstammar direkt från den gregorianska sången, till förmån för ett smalare skrivande, där rösterna behandlas på ett alltmer balanserat sätt. I början av perioden används den parallella rörelsen sparsamt, ackord är sällsynt men hårda dissonanser är vanliga. I det fortsatta skrivandet för tre röster börjar triader förekomma, vilket ger ett intryck av tonalitet. För första gången försöker man sig på beskrivande eller programmatisk musik, strikta rytmiska modus ger vika för isorytmicitet och friare, mer dynamiska former som ballad, chanson och madrigal. Inom den sakrala musiken blev mässformen den mest prestigefyllda. Noteringarna utvecklas till att anta toner med lägre värde, och mot slutet av perioden accepteras tertialintervallet som konsonans, när det tidigare bara var kvint, oktav och unisono.

Föregångarna till denna omvandling var inte italienska utan franska, som Guillaume de Machaut, författare till Trecentos största musikaliska bedrift i hela Europa, mässan i Notre Dame, och Philippe de Vitry, som Petrarca berömde mycket. Av den italienska musiken från denna tidiga fas har mycket lite kommit till oss, även om det är känt att aktiviteten var intensiv och nästan helt och hållet inom den profana sfären, och de viktigaste källorna till partitur är Codex Rossi, Codex Squarcialupi och Codex Panciatichi. Bland deras företrädare fanns Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia och framför allt Francesco Landini. Det var först under Cinquecento som den italienska musiken började utveckla sina egna särdrag, eftersom den fram till dess var mycket beroende av den fransk-flamländska skolan.

Att de nordliga influenserna dominerar betyder inte att det italienska musikintresset var litet. I avsaknad av musikaliska exempel från antiken att efterlikna vände sig italienska filosofer som Ficino till klassiska texter av Platon och Aristoteles för att hitta referenser så att man kunde skapa en musik värdig de gamlas musik. I denna process spelade Lorenzo de” Medici i Florens, som grundade en musikakademi och lockade till sig flera europeiska musiker, och Isabella d”Este, vars lilla men lysande hov i Mantua lockade till sig poeter som skrev enkla dikter på italienska som skulle tonsättas, och där, liksom i andra italienska centra, åtföljdes diktsamtalen vanligtvis av musik. Den föredragna genren var frottola, som redan hade en väldefinierad tonal-harmonisk struktur och som skulle bidra till att förnya madrigalen, med dess typiska trohet mot text och känslor. Andra polyfona genrer, som mässan och motetten, utnyttjar nu fullt ut imitationen mellan rösterna och alla behandlas på ett liknande sätt.

Viktiga flamländska kompositörer arbetar i Italien, som Adriaen Willaert och Jacob Arcadelt, men de mest kända personerna under århundradet är Giovanni da Palestrina, italienare, och Orlando de Lasso, flamländare, som satte en standard för körmusik som skulle följas över hela kontinenten, med ett melodiskt och rikt skrivande, med stor formell balans och ädel uttrycksfullhet, som bevarar textens begriplighet, en aspekt som under den tidigare perioden ofta var sekundär och gick förlorad i kontrapunktens invecklade komplexitet. Intrycket av hans musik motsvarar högrenässansens idealistiska storslagenhet, som blomstrade i en fas då manérismen redan var starkt manifesterad i andra konstarter, t.ex. måleri och skulptur. I slutet av århundradet uppträdde tre stora personer, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli och Claudio Monteverdi, som skulle införa framsteg i harmonin och en känsla för färg och klangfärg som skulle berika musiken genom att ge den en manéristisk uttrycksfullhet och dramatik och förbereda den för barocken. Monteverdi är särskilt viktig som historiens första stora operaspelare, och hans operor L”Orfeo (1607) och L”Arianna (1608, försvunnen, endast en berömd aria finns kvar, Klagovisan) representerar renässansmusikens ädla solnedgång och de första stora milstolparna i den musikaliska barocken.

Läs också: viktiga_handelser – Kubanska revolutionen

Arkitektur

De många spåren av det antika Rom som finns kvar i den italienska marken har aldrig upphört att påverka den lokala byggplasten, vare sig genom att använda strukturella element eller material som användes av romarna eller genom att hålla minnet av klassiska former vid liv. Trots detta förblev gotiken den dominerande stilen under Trecento, och klassicismen kom att växa fram starkt först under det följande århundradet, i ett nytt intresse för det förflutnas stora landvinningar. Detta intresse stimulerades av återupptäckten av klassisk bibliografi som ansågs försvunnen, som Vitruvius De Architectura, som hittades i biblioteket i Monte Cassino-klostret 1414 eller 1415. Författaren framhöll cirkeln som den perfekta formen och diskuterade de ideala proportionerna hos byggnaden och den mänskliga figuren, symmetri och arkitekturens förhållande till människan. Hans idéer skulle sedan utvecklas av andra arkitekter, till exempel Filippo Brunelleschi, den första stora företrädaren för den arkitektoniska klassicismen, som också hämtade sin inspiration från de ruiner som han hade studerat i Rom. Han var den förste som använde moderna arkitektoniska ordningar på ett sammanhängande sätt och som etablerade ett nytt system av proportioner baserat på den mänskliga skalan. Han var också ansvarig för den första användningen av perspektivet för illusionistisk representation av tredimensionella rum på ett tvådimensionellt plan, en teknik som skulle utvecklas kraftigt under de kommande århundradena och som skulle definiera hela den framtida konstens stil och inleda ett fruktbart samarbete mellan konst och vetenskap. Leon Battista Alberti är en annan arkitekt av stor betydelse som anses vara ett perfekt exempel på renässansens ”universalman”, mångsidig inom olika specialiteter. Han var författare till avhandlingen De re aedificatoria, som skulle bli kanonisk. Andra arkitekter, konstnärer och filosofer bidrog till diskussionen, till exempel Luca Pacioli med sin De Divina Proportione, Leonardo med sina ritningar av centrerade kyrkor och Francesco di Giorgio med Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Bland de mest anmärkningsvärda dragen i renässansarkitekturen är återkomsten till den centraliserade tempelmodellen, utformad efter ett grekiskt kors och krönt av en kupol, vilket speglar populariseringen av begrepp från den neoplatonska kosmologin och den samtidiga inspirationen från relikbyggnader som Pantheon i Rom. Den första av sitt slag som byggdes under renässansen var kanske San Sebastiano i Mantua, Albertis verk från 1460, men som inte blev färdigställt. Modellen byggde på en mer mänsklig skala, där man övergav de gotiska kyrkornas intensiva vertikalism och hade kupolen som kronan på en komposition som utmärkte sig genom sin begriplighet. Särskilt när det gäller kupolens struktur och konstruktionsteknik gjordes stora framsteg under renässansen, men den var ett sent tillägg till systemet, eftersom man föredrog trätak. Bland de viktigaste är den åttkantiga kupolen i Florens katedral av Brunelleschi, som inte använde några byggnadsställningar eller betong för att bygga den, och den åttkantiga kupolen i Peterskyrkan i Rom av Michelangelo, redan från 1500-talet.

Före Cinquecento fanns det inget ord för att beteckna arkitekter i den bemärkelse som de har idag, och de kallades byggmästare. Arkitekturen var renässansens mest prestigefyllda konst, men de flesta av periodens ledande mästare var redan kända konstnärer när de började arbeta med byggnadskonst, men de hade ingen utbildning inom området, utan kom från skulptur eller måleri. De anlitades för de stora projekten med offentliga byggnader, palats och kyrkor, medan den folkliga arkitekturen anförtroddes åt små byggare. Till skillnad från den medeltida praktiken, som kännetecknades av funktionalitet och oregelbundenhet, uppfattade mästarna byggnaderna som konstverk, var fulla av idéer om gudomliga geometrier, symmetrier och perfekta proportioner, var angelägna om att imitera romerska byggnader och skapade detaljerade ritningar och en trämodell i liten skala av byggnaden, som tjänade som ritning för byggarna. Dessa konstruktioner var strukturellt och plastiskt nyskapande, men de tog liten hänsyn till den praktiska genomförbarheten och behoven vid daglig användning, särskilt när det gäller fördelningen av utrymmena. Det var byggherrarna som var tvungna att lösa de tekniska problem som uppstod under arbetets gång, och de försökte behålla den ursprungliga konstruktionen, men gjorde ofta viktiga anpassningar och förändringar på vägen om konstruktionen eller någon del av den visade sig vara opraktiskt. Enligt Hartt var byggarna sällan säkra på att de skulle klara sig till slutet när de påbörjade stora och komplexa byggnadsverk som kyrkor. Vissa mästare arbetade dock med det under långa år och blev stora kännare av ämnet och introducerade viktiga tekniska, strukturella och funktionella nyheter. De utformade även befästningar, broar, kanaler och andra konstruktioner samt storskalig stadsplanering. De flesta av renässansens många stadsplaner förverkligades aldrig, och av dem som påbörjades gick ingen särskilt långt, men sedan dess har de varit en inspirationskälla för stadsplanerare i alla generationer.

På den världsliga sidan säkerställde aristokrater som Medici, Strozzi och Pazzi sin ställning genom att låta bygga palats med stor storslagenhet och originalitet, t.ex. Palazzo Pitti (Brunelleschi), Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), Palazzo Rucellai (Alberti) och Palazzo Strozzi (Maiano), Alla bygger på samma modell som de italienska medeltidspalatsen, med en mer eller mindre kubisk kropp, våningar med högt i tak, strukturerade kring en innergård, med en rustik fasad och krönt av en stor gesims, vilket ger dem en känsla av soliditet och oövervinnlighet. Mer rent klassiska former finns i Giuliano da Sangallos Villa Medici. Intressanta varianter av denna modell finns i Venedig, med tanke på terrängens översvämmade egenskaper.

Efter Donato Bramante, som var den ledande personen i högrenässansen och som flyttade det arkitektoniska intresset från Florens till Rom, och som var upphovsmannen till en av de mest föredömliga heliga byggnaderna i sin generation, Tempietto, finner vi Michelangelo själv, som anses vara uppfinnaren av kolossalordningen och som under en tid var arkitekten för Peterskyrkan. Michelangelo var enligt hans egen samtid den förste som utmanade de hittills etablerade reglerna för den klassicistiska arkitekturen och utvecklade en personlig stil, eftersom han enligt Vasari var den förste som öppnade sig för verklig kreativ frihet. Han representerar alltså slutet på den ”kollektiva klassicismen”, med ganska homogena lösningar, och början på en fas av individualisering och mångfald av arkitektoniska språk. Genom den enorma prestige som han åtnjöt bland sina egna, öppnade han vägen för den nya generationens skapare att genomföra otaliga experiment med utgångspunkt i den klassiska arkitekturens kanon, vilket gjorde denna konst oberoende av de gamla – även om den till stor del stod i skuld till dem. Några av de mest kända namnen från den här tiden var Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi och Vignola. Bland de ändringar som denna grupp införde fanns en uppluckring av frontispicens struktur och upphävandet av de gamla ordningarnas hierarkier, med stor frihet att använda oortodoxa lösningar och utveckling av en smak för en rent plastisk lek med formerna, vilket gav mycket mer dynamik åt inre utrymmen och fasader. Palladio var den mest inflytelserika av alla sena renässansarkitekter och är än idag den mest studerade arkitekten i världen. Han var skaparen av en fruktbar skola, kallad palladianismen, som med upp- och nedgångar varade ända fram till 1900-talet.

I och med den ökande rörelsen av konstnärer, humanister och lärare mellan städerna norr om Alperna och den italienska halvön, och med den stora spridningen av tryckta texter och konstverk genom reproduktioner i graveringar, inledde den italienska klassicismen i mitten av 1400-talet ett skede av spridning över kontinenten. Franciskus I av Frankrike och Karl V, den heliga romerska kejsaren, insåg snart att den italienska konstens prestige kunde användas för att främja deras kungliga bilder, och de var avgörande aktörer för att den skulle få en intensiv spridning bortom Alperna. Men detta skedde i början av 1500-talet, när renässanscykeln redan hade mognat i Italien i minst tvåhundra år och redan befann sig i sin manéristiska fas.

Det bör därför noteras att det inte fanns någon Quattrocento eller högrenässans i resten av Europa. Under Cinquecento, den period då den europeiska italienseringen nådde sin höjdpunkt, var de regionala traditionerna, även om de i viss mån var medvetna om klassicismen, fortfarande starkt präglade av stilar som redan var föråldrade i Italien, såsom romansk och gotisk stil. Resultatet var mycket heterogent och rikt hybridiskt, det öppnade flera vägar, och analysen har varit fylld av kontroverser, där den enda större konsensus som har bildats betonar rörelsens mångfald, dess breda utbredning och svårigheten att ge en sammanhängande generalistisk beskrivning av dess manifestationer, i perspektivet av att det finns regionala och nationella skolor med stark individualitet, var och en med en specifik historia och värderingar.

Arkitekturen var en av de mest originella franska renässanskonsterna, och inga byggnader som kan jämföras med de stora franska palatsen i Fontainebleau, Tuilerierna, Chambord, Louvren och Anet uppstod i hela Europa utanför Italien, de flesta med stora formella trädgårdar. Arkitekterna Pierre Lescot och Philibert de l”Orme utmärkte sig. De var starkt påverkade av Vignola och Palladio, som var förespråkare för en renare klassicism och förespråkare av symmetriska fasader och planer. I vilket fall som helst var deras klassicism inte renodlad: de omorganiserade de klassiska ordningarna på olika sätt, skapade varianter, dynamiserade planlösningar och volymer och lade stor vikt vid en frodig och nyckfull dekoration, vilket strider mot den mer typiska klassicismens principer om rationalitet, enkelhet och formell sparsamhet, samtidigt som de bevarade de lokala traditioner som är karakteristiska för gotiken.

Inom musiken skedde en enorm blomstring genom den burgundiska skolan, som dominerade den europeiska musikscenen under 1400-talet och som skulle ge upphov till den fransk-flamländska skolan, som skulle ge upphov till mästare som Josquin des Prez, Clément Janequin och Claude Le Jeune. Den franska chanson från 1500-talet skulle spela en roll för bildandet av den italienska canzonan, och dess Musique mesurée skulle etablera ett mönster av deklamatoriska vokaltexter i ett försök att återskapa den grekiska teaterns musik, och skulle gynna utvecklingen mot fullständig tonalitet. En genre av sakral musik som skiljer sig från sina italienska förebilder uppstod också, den s.k. chanson spirituelle. Inom litteraturen utmärker sig Rabelais, föregångare till den fantastiska genren, Montaigne, popularisatör av essägenren där han än i dag är en av de största namnen, och gruppen Plejaderna med Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay och Jean-Antoine de Baïf, som strävade efter att uppdatera den grekisk-romerska litteraturen på folklig nivå, efterlikna vissa former och skapa nyspråk med utgångspunkt i latin och grekiska.

Läs också: strider – Giorgio de Chirico

Nederländerna och Tyskland

Flamländarna hade varit i kontakt med Italien sedan 1400-talet, men det var först på 1500-talet som sammanhanget förändrades och karaktäriserades som renässans, med en relativt kort livslängd. Under denna fas blir regionen rikare, den protestantiska reformationen blir en avgörande kraft som motsätter sig Karl V:s katolska dominans, vilket leder till allvarliga konflikter som kommer att dela området. Handelsstäderna Bryssel, Gent och Brygge utvecklade närmare kontakter med Norditalien och beställde verk eller lockade till sig italienska konstnärer, t.ex. arkitekterna Tommaso Vincidor och Alessandro Pasqualini, som tillbringade större delen av sina liv där. Kärleken till gravyr gav regionen många reproduktioner av italienska verk, Dürer lämnade ett outplånligt märke när han passerade genom Bryssel, Erasmus höll humanismen vid liv och Rafael lät utföra gobelänger i Bryssel. Vesalius gjorde viktiga framsteg inom anatomin, Mercator inom kartografin och den nya pressen skapade förutsättningar i Antwerpen och Leuven för grundandet av inflytelserika förlag.

Inom musiken blir Nederländerna tillsammans med nordvästra Frankrike det viktigaste centret för hela Europa genom den fransk-flamländska skolan. Inom måleriet utvecklades en originell skola som populariserade oljemåleriet och som ägnade enorm uppmärksamhet åt detaljer och linjer, var mycket trogen mot de heliga ämnena och införlivade sin gotiska tradition med italienska manéristiska innovationer. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden och Hieronymus Bosch var dess föregångare på 1400-talet, och snart skulle regionen ge sitt eget bidrag till den europeiska konsten och befästa landskapsmåleriet med Joachim Patinir och genremåleriet med Pieter Brueghel den äldre och Pieter Aertsen. Andra kända namn är Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt och Joos van Cleve.

Tyskland stärkte sin renässans genom att smälta sitt rika gotiska förflutna med italienska och flamländska element. En av de första mästarna var Konrad Witz, följt av Albrecht Altdorfer och Albrecht Dürer, som var i Venedig två gånger och blev djupt påverkad där och beklagade att han var tvungen att återvända norrut. Tillsammans med den lärde Johann Reuchlin var Dürer en av de viktigaste influenserna för att sprida renässansen i Centraleuropa och även i Nederländerna, där hans berömda gravyrer hyllades av Erasmus, som kallade honom ”de svarta linjernas Apeles”. Den romerska skolan var en viktig del av stilbildningen hos Hans Burgkmair och Hans Holbein, båda från Augsburg, som besöktes av Tizian. När det gäller musik räcker det med att nämna Orlando de Lasso, en medlem av den fransk-flamländska skolan som bosatte sig i München och som skulle bli den mest berömda kompositören i Europa i sin generation, till den grad att han blev utnämnd till riddare av kejsar Maximilian II och adlad av påven Gregorius XIII, något som är ytterst sällsynt för en musiker.

Läs också: strider – Slaget vid Tannenberg (1410)

Portugal

Renässansens inflytande i Portugal sträcker sig från mitten av 1400-talet till slutet av 1500-talet. Även om den italienska renässansen hade en blygsam inverkan på konsten, var portugiserna inflytelserika när det gällde att vidga européernas världsbild och stimulera humanistisk nyfikenhet.

Portugal var en pionjär inom europeisk utforskning och blomstrade i slutet av 1400-talet med sina seglingar till öst, vilket gav enorma vinster som gynnade den kommersiella bourgeoisin och berikade adeln, och som möjliggjorde lyx och odling av andevärlden. Kontakten med renässansen kom genom inflytande från rika italienska och flamländska köpmän som investerade i sjöhandel. Handelskontakterna med Frankrike, Spanien och England var flitiga och kulturutbytet intensifierades.

Som en stor sjömakt lockade det till sig specialister inom matematik, astronomi och sjöfartsteknik, som Pedro Nunes och Abraão Zacuto, samt kartograferna Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes och Diogo Ribeiro, som gjorde avgörande framsteg i kartläggningen av världen. Sändebud till öst, som apotekaren Tomé Pires och läkaren Garcia de Orta, samlade in och publicerade verk om de nya lokala växterna och medicinerna.

Inom arkitekturen finansierade vinsterna från kryddhandeln under 1500-talets första decennier en överdådig övergångsstil, som blandar marina element med gotiska och manuella stilar. Klostret Jerónimos, tornet i Belém och fönstret i kapitlet i Kristusklostret i Tomar är de mest kända. Arkitekterna var Diogo Boitaca och Francisco de Arruda. Inom måleriet utmärker sig Nuno Gonçalves, Gregório Lopes och Vasco Fernandes. På musikområdet har Pedro de Escobar och Duarte Lobo samt fyra sångböcker, bland annat Cancioneiro de Elvas och Cancioneiro de Paris.

Inom litteraturen införde Sá de Miranda italienska versformer, Garcia de Resende sammanställde Cancioneiro Geral 1516 och Bernardim Ribeiro var pionjär inom bucolicismen. Gil Vicente smälte samman dem med populärkulturen och berättade om de föränderliga tiderna, och Luís de Camões skrev in portugisernas prestationer i den episka dikten Os Lusíadas. Särskilt reselitteraturen blomstrade: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto, bland andra, beskrev nya länder och översattes och spreds av den nya pressen. Efter att ha deltagit i den portugisiska utforskningen av Brasilien år 1500 myntade Amerigo Vespucci, ombud för Medici, begreppet Nya världen.

Det intensiva internationella utbytet gav upphov till flera humanistiska och kosmopolitiska forskare: Francisco de Holanda, André de Resende och Damião de Góis, vän till Erasmus, som skrev sällsynt självständigt under Manuel I:s regeringstid, Diogo och André de Gouveia, som via Frankrike genomförde viktiga utbildningsreformer. Exotiska rapporter och produkter från den portugisiska handelsposten i Antwerpen väckte Thomas Mores och Durers intresse för den stora världen. I Antwerpen bidrog portugisiska vinster och kunskaper till den holländska renässansen och Nederländernas guldålder, särskilt efter ankomsten av den kulturella och rika judiska gemenskapen som utvisats från Portugal.

Läs också: mytologi – Romersk religion

Spanien

I Spanien var omständigheterna på flera punkter likartade. Återerövringen av det spanska territoriet från araberna och det fantastiska inflödet av rikedomar från de amerikanska kolonierna, med tillhörande intensivt kommersiellt och kulturellt utbyte, understödde en fas av aldrig tidigare skådad expansion och berikning av den lokala konsten. Konstnärer som Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes och många andra har lämnat anmärkningsvärda verk i klassisk eller manieristisk stil, mer dramatiska än sina italienska förebilder, eftersom motreformationens anda hade ett fäste där och i heliga författare som Teresa av Avila, Ignatius av Loyola och Johannes av Korset hade stora representanter. Särskilt inom arkitekturen blev den frodiga ornamenteringen typisk för den stil som kallas plateresque, en unik syntes av gotiska, moriska och renässansinfluenser. Universitetet i Salamanca, vars undervisning hade humanistiska förtecken, och italienska personer som Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni och Pompeo Leoni gav ytterligare kraft åt processen.

Den senare renässansen korsade till och med havet och slog rot i Amerika och öst, där många kloster och kyrkor som grundades av de spanska kolonisatörerna i Mexiko och Peru och av portugiserna i Brasilien, Macao och Goa, varav en del nu är världsarv, fortfarande finns kvar.

Läs också: biografier – Grandma Moses

England

I England sammanföll renässansen med den s.k. elisabetanska eran, som kännetecknades av stor maritim expansion och relativ stabilitet i hemlandet efter det långa Rosornas krigs förödelse, då det blev möjligt att tänka på kultur och konst. Liksom i de flesta andra länder i Europa blandades det fortfarande levande gotiska arvet med referenser från den sena renässansen, men dess utmärkande drag är att litteraturen och musiken dominerade över de andra konstarterna och att den var giltig fram till omkring 1620. Poeter som John Donne och John Milton söker nya sätt att förstå den kristna tron, och dramatiker som Shakespeare och Marlowe rör sig smidigt mellan centrala teman i det mänskliga livet – svek, transcendens, heder, kärlek… döden – i berömda tragedier som Romeo och Julia, Macbeth, Othello, Moren i Venedig (Shakespeare) och Doktor Faustus (Marlowe), men också i mer prosaiska och lättsamma aspekter i charmiga fabler som En midsommarnattsdröm (Shakespeare). Filosofer som Francis Bacon visade nya gränser för abstrakt tänkande och reflekterade över det ideala samhället, och inom musiken tog Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons och många andra till sig den italienska madrigaleska skolan, som fick en omisskännlig lokal prägel och skapade en tradition som lever kvar än idag, tillsammans med stora heliga polyfonister som John Taverner, William Byrd och Thomas Tallis, den senare lämnade den berömda motetten Spem in alium för fyrtio röster fördelade på åtta körer, en komposition som saknar motstycke på sin tid för sin mästerliga förmåga att hantera enorma vokalmassor. Inom arkitekturen utmärkte sig Robert Smythson och palladianisterna Richard Boyle, Edward Lovett Pearce och Inigo Jones, vars arbete fick återverkningar även i Nordamerika och som fick lärjungar i form av George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison och Thomas Jefferson. Inom måleriet mottogs renässansen främst genom Tyskland och Nederländerna, med Hans Holbein som huvudperson, som senare blomstrade med William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard och flera andra mästare från Tudorskolan.

Läs också: historia-sv – Bonnie och Clyde

Konst och vetenskap

Källor

1. Renascimento
2. Renässansen