William Shakespeare
gigatos | maj 26, 2022
Sammanfattning
William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, England, c. 23 april 1564jul. – Stratford-upon-Avon, Warwickshire, England, 23 april-juli.
Enligt Encyclopædia Britannica är ”Shakespeare allmänt erkänd som den största författaren genom tiderna, en unik figur i litteraturens historia. Andra poeter, som Homeros och Dante Alighieri, eller romanförfattare som Leo Tolstoj och Charles Dickens, har blivit berömda över nationsgränserna, men ingen av dem har nått upp till Shakespeares rykte, vars verk nu läses och spelas oftare och i fler länder än någonsin tidigare. En av hans stora samtidiga, Ben Jonsonsons, profetia har därför gått i uppfyllelse: ”Shakespeare tillhör inte en tidsålder utan en evighet”.
Den amerikanske kritikern Harold Bloom placerar Shakespeare tillsammans med Dante Alighieri på toppen av sin ”västerländska kanon”: ”Ingen annan författare har någonsin haft så många språkliga resurser som Shakespeare, som är så riklig i Love”s Labours Lost att vi får intrycket att många av språkets gränser har nåtts en gång för alla. Shakespeares största originalitet ligger dock i porträtten av karaktärerna: Bottom är en melankolisk triumf, Shylock är ett permanent tvetydigt problem för oss alla, men Sir John Falstaff är så originell och så medryckande att Shakespeare med honom vänder hundra åttio grader på vad det innebär att skapa en människa med ord”.
Jorge Luis Borges skrev om honom: ”Shakespeare är den minst engelska av Englands poeter. Jämfört med Robert Frost (från New England), William Wordsworth, Samuel Johnson, Chaucer och de okända som skrev eller sjöng elegierna är han nästan en främling. England är hemvist för understatement, för väl uppfostrad återhållsamhet; överdrifter, överdrifter och prakt är typiskt för Shakespeare”.
Shakespeare var en uppskattad poet och dramatiker på sin egen tid, men hans rykte nådde inte sina nuvarande höjder förrän på 1800-talet. Särskilt romantikerna hyllade hans genialitet, och viktorianerna dyrkade Shakespeare med en hängivenhet som George Bernard Shaw kallade ”bardolatry”.
Under 1900-talet har hans pjäser anpassats och återupptäckts vid många tillfällen av alla slags konstnärliga, intellektuella och dramatiska rörelser. Shakespeares komedier och tragedier har översatts till alla större språk och studeras och spelas ständigt i olika kulturella och politiska sammanhang runt om i världen. Dessutom har många av de citat och aforismer som finns i hans pjäser blivit en del av det vardagliga bruket, både på engelska och på andra språk. Och på ett personligt plan har det under årens lopp spekulerats mycket om hans liv, om hans sexualitet, hans religiösa tillhörighet och till och med om han är författare till sina verk.
Det finns mycket få dokumenterade fakta om Shakespeares liv, även om det är troligt att han föddes den 23 april 1564. Det man kan säga är att han döptes i Holy Trinity Church i Stratford-upon-Avon, Warwickshire, den 26 april samma år och dog där den 23 april 1616, enligt den julianska kalendern (3 maj i den gregorianska), den förmodade dagen för hans 52:a födelsedag.
Läs också: historia-sv – Inbördeskriget i Nigeria
Början
William Shakespeare (även stavat Shakspere, Shaksper och Shake-speare, eftersom stavningen på elisabetansk tid varken var fast eller absolut) föddes i Stratford-upon-Avon i april 1564. Han var det tredje av åtta barn till John Shakespeare, en välmående köpman som blev känd i stadsdelen, och Mary Arden, som härstammade från en anrik familj.
När han föddes bodde familjen på Henley Street i Stratford-upon-Avon. Den exakta dagen för hans födelse är inte känd, eftersom det vid den tiden endast gjordes ett dopintyg, i det här fallet den 26 april, så man kan anta att han föddes några dagar tidigare (2 eller 3 dagar) och inte mer än en vecka senare, vilket var vanligt. Traditionen har traditionellt fastställt hans födelsedatum till den 23 april, Sankt Georgs högtid, kanske i analogi med hans dödsdag, den 23 april 1616, enligt den julianska kalendern, men detta datum stöds inte av något dokument, även om det är det mest sannolika datumet.
Shakespeares far, som var på toppen av sitt välstånd när William föddes, föll i onåd kort därefter. Han anklagades för olaglig ullhandel och förlorade sin framstående ställning i stadsdelsförvaltningen. Det har också föreslagits att en eventuell samhörighet med den katolska tron på båda sidor av familjen kan ha spelat en roll i hans åtal.
William Shakespeare fick troligen sin första skolgång i den lokala gymnasieskolan Stratford Grammar School, som ligger i centrum av hans hemstad och som måste ha gett honom en intensiv utbildning i latinsk grammatik och litteratur. Även om kvaliteten på gymnasieskolorna under den elisabetanska perioden var ganska ojämn finns det tecken på att Stratford Grammar School var ganska bra. Att Shakespeare gick i denna skola är en ren gissning, som bygger på det faktum att han hade laglig rätt till gratis utbildning som son till en lokal tjänsteman. Det finns dock inga dokument som bevisar detta, eftersom församlingsböckerna har gått förlorade. Vid den tiden leddes skolan av John Cotton, en lärare med en bred humanistisk bakgrund och katolik; en gymnasieskola (motsvarande en gymnasieskola på det spanska 1500-talet eller dagens baccalaureate) undervisade från 8 till 15 års ålder och utbildningen var inriktad på att lära sig latin; på de högre nivåerna var det förbjudet att använda engelska för att uppmuntra till att behärska det latinska språket; studierna av verk av Esop, översatta till latin, Ovidius och Vergilius, författare som Shakespeare var bekant med, var vanligt förekommande.
Den 28 november 1582, när Shakespeare var 18 år gammal, gifte han sig med Anne Hathaway, 26 år, från Temple Grafton, nära Stratford. Två av Annes grannar, Fulk Sandalls och John Richardson, vittnade om att det inte fanns några hinder för ceremonin. Det verkar ha varit bråttom att ordna bröllopet, kanske för att Anne var gravid i tredje månaden. Efter giftermålet finns det knappt några spår av William Shakespeare i de historiska dokumenten, tills han dyker upp på teaterscenen i London. Den 26 maj 1583 döptes parets förstfödda dotter Susanna i Stratford. En son, Hamnet, och en dotter, Judith, som var tvillingar, döptes också kort därefter. Att döma av dramatikerns testamente, som är något föraktfullt mot Anne Hathaway, var äktenskapet inte på goda villkor.
Det sena 1580-talet är känt som dramatikerns ”förlorade år”, eftersom det inte finns några bevis för var han befann sig eller av vilken anledning han bestämde sig för att flytta från Stratford till London. Enligt en legend, som numera är föga trovärdig, blev han påkommen på rådjursjakt i Sir Thomas Lucys, den lokala magistratens, park och tvingades fly. Enligt en annan hypotes kan han ha anslutit sig till teatersällskapet Lord Chamberlain”s Men när han var på genomresa i Stratford. En av 1600-talets biografer, John Aubrey, berättar att sonen till en av författarens kompanjoner vittnar om att Shakespeare kan ha tillbringat en tid som skolmästare på landsbygden.
Läs också: biografier – E.E. Cummings
London och dess väg genom teatern
Redan 1592 var Shakespeare i London och arbetade som dramatiker, och han var tillräckligt känd för att förtjäna en hånfull beskrivning av Robert Greene, som beskriver honom som ”en karriäristisk kråkfågel, förskönad med våra fjädrar”, som med sitt tigerhjärta insvept i ett komikerhölje tror sig kunna imponera med vita verser som de bästa av er”, och säger också att han ”tror sig vara den enda shake-scene i landet” (i originalet använder Greene ordet shake-scene, vilket anspelar på både författarens rykte och hans efternamn, i en lek med paronomasier).
Hamnet, författarens enda son, dog 1596, när han bara var elva år gammal, och begravdes i Stratford den 11 augusti samma år. Vissa kritiker har hävdat att hans sons död kan ha inspirerat Shakespeare att skriva Hamlet (cirka 1601), en omskrivning av en tidigare pjäs som tyvärr inte har överlevt.
År 1598 hade Shakespeare flyttat sin bostad till församlingen St Helen”s i Bishopsgate. Hans namn står i början av listan över skådespelare i Ben Jonsonsons Every Man in His Humour.
Han blev snart skådespelare, författare och slutligen delägare i det teatersällskap som kallades Lord Chamberlain”s Men, som i likhet med andra teatersällskap på den tiden var uppkallat efter sin aristokratiska beskyddare, lord Chamberlain. Företaget blev så populärt att den nya monarken, efter Elizabeth I:s död och Jakob I:s trontillträde, tog det under sitt beskydd och döpte om det till King”s Men.
År 1604 agerade Shakespeare som äktenskapsförmedlare för sin hyresvärds dotter. Juridisk dokumentation från 1612, då fallet togs upp i rätten, visar att Shakespeare 1604 var hyresgäst hos Christopher Mountjoy, en hugenotisk hantverkare från nordvästra London. Mountjoys lärling Stephen Belott hade för avsikt att gifta sig med sin mästares dotter, så dramatikern valdes som mellanhand för att hjälpa till att förhandla om detaljerna kring hemgiften. Tack vare Shakespeares tjänster kunde bröllopet arrangeras, men åtta år senare stämde Belott sin svärfar för att han inte hade betalat hela den överenskomna hemgiften. Författaren kallades till vittnesmål, men kunde inte komma ihåg vilket belopp han hade föreslagit.
Det finns flera dokument om juridiska frågor och affärstransaktioner som visar att Shakespeare under sin tid i London blev tillräckligt förmögen för att köpa en fastighet i Blackfriars och bli ägare till det näst största huset i Stratford.
Läs också: biografier – Martha Graham
Senaste åren
Shakespeare drog sig tillbaka till sin hembygd 1611, men blev indragen i olika rättegångar, till exempel en tvist om inhägnaden av allmän mark som å ena sidan uppmuntrade till bete för får, men å andra sidan fördömde de fattiga genom att beröva dem deras enda försörjningskälla. Eftersom författaren hade ett visst ekonomiskt intresse av sådana fastigheter intog han till vissa personers missnöje en neutral ståndpunkt som bara var till hans egen fördel. I mars 1613 gjorde han sitt sista köp, inte i sin hemstad utan i London, och köpte för 140 pund ett hus och en gård nära Blackfriars Theatre, varav han bara betalade 60 pund på plats, eftersom han nästa dag pantsatte huset för resten till säljaren. Shakespeare registrerade för övrigt inte köpet i sitt eget namn utan i William Johnsons, John Jacksons och John Hemynges namn, den senare en av de skådespelare som främjade upplagan av First Folio. Den juridiska effekten av detta förfarande, skriver Shakespeares stora biograf Sidney Lee, ”var att beröva hans fru, om hon överlevde, rätten till änkans hemgift på denna egendom”, men några månader senare inträffade en katastrof: Globe Theatre brann ner och med det alla dramatikerns manuskript, tillsammans med hans komedi Cardenio, inspirerad av en episod i Don Quijote från La Mancha; vi känner till denna pjäs eftersom förläggaren Humphrey Maseley den 9 september 1653 fick en licens för att publicera en pjäs som han beskriver som History of Cardenio, av Fletcher och Shakespeare; Sidney Lee säger att inget drama med denna titel har kommit till oss, och att det troligen ska identifieras med den försvunna komedin Cardenno eller Cardenna, som uppfördes två gånger inför hovet av Shakespeares kompani, den första i februari 1613, i samband med festligheterna för prinsessan Elizabeths bröllop, och den andra den 8 juni, inför hertigens av Savoyens ambassadör, det vill säga några dagar innan teatern Globe brändes ner.
Under de sista veckorna av Shakespeares liv anklagades mannen som skulle gifta sig med hans dotter Judith – en krogägare vid namn Thomas Quiney – för promiskuitet inför den lokala kyrkliga domstolen. En kvinna vid namn Margaret Wheeler hade fött ett barn och hävdade att Quiney var fadern. Både kvinnan och hennes barn dog kort därefter. Detta påverkade dock ryktet hos författarens framtida svärson, och Shakespeare ändrade sitt testamente för att skydda sin dotters arv från eventuella juridiska problem som Quiney kunde ha.
Shakespeare dog den 23 april 1616 enligt den julianska kalendern (3 maj enligt den gregorianska kalendern). Han var gift med Anne till hennes död och efterlämnade två döttrar, Susannah och Judith. Den förra gifte sig med dr John Hall. Varken Susannahs eller Judiths barn hade dock någon avkomma, så det finns för närvarande inga levande ättlingar till författaren. Det ryktades dock att Shakespeare var den riktiga fadern till sin gudson, poeten och dramatikern William Davenant.
Det har alltid funnits en tendens att förknippa Shakespeares död med alkohol – enligt den mest spridda kommentaren dog han till följd av hög feber, ett resultat av hans berusning – men det verkar som om dramatikern hade träffat Ben Jonson och Michael Drayton för att fira några nya litterära idéer med sina kollegor. Nyligen genomförda undersökningar av tyska forskare har visat att det är mycket troligt att den engelska dramatikern led av cancer.
Shakespeares kvarlevor begravdes i koret i Holy Trinity Church i Stratford. Att han fick äran att begravas i koret, nära kyrkans högaltare, berodde inte på hans prestige som dramatiker, utan på att han hade köpt ett tionde från kyrkan för 440 pund (en ansenlig summa på den tiden). Shakespeares gravmonument, som hans familj har rest på väggen nära hans grav, visar honom i skrivande ställning, och varje år, när hans födelse firas, placeras en ny fjäderpenna i hans hand.
När det fanns behov av plats för nya gravar var det brukligt att tömma de gamla gravarna och flytta deras innehåll till ett närliggande benhus. Enligt Encyclopaedia Britannica skulle Shakespeare själv ha komponerat följande epitafium för sin gravsten, kanske av rädsla för att hans kvarlevor skulle bli uppgrävda:
En legend säger att Shakespeares opublicerade verk ligger med honom i graven. Ingen har vågat kontrollera sanningshalten i legenden, kanske av rädsla för den förbannelse som den ovannämnda gravskriften innebär.
Det är inte känt vilket av alla porträtt av Shakespeare som är det mest trogna mot författarens bild, eftersom många av dem är förfalskningar, målade i efterhand från gravyren i First Folio. Det så kallade Chandosporträttet, som är daterat mellan 1600 och 1610 och som finns i National Portrait Gallery i London, anses vara det mest exakta. Den föreställer författaren i fyrtioårsåldern, med skägg och ett förgyllt örhänge i vänster öra.
Läs också: biografier – Andrew Jackson
Debatten om Shakespeare
Det är märkligt att all kunskap som har kommit till eftervärlden om en av författarna till den västerländska kanonens böcker inte är något annat än en konstruktion som består av de mest olika spekulationer. Det har till och med diskuterats om Shakespeare är den verkliga författaren till sina pjäser, som av vissa tillskrivs Francis Bacon, Christopher Marlowe (verkligheten är att alla dessa fantasier härrör från det enkla faktum att de uppgifter som finns tillgängliga om författaren är mycket få och står i kontrast till den enorma omfattningen av hans briljanta verk, vilket är fruktbart och ger upphov till de mest förvrängda tolkningar.
Nästan 150 år efter Shakespeares död 1616 började det uppstå tvivel om det verkliga författarskapet till de pjäser som tillskrivs honom. Kritikerna delades upp i ”Stratfordianer” (anhängare av tesen att William Shakespeare, född och död i Stratford, var den verkliga författaren till de pjäser som tillskrivs honom) och ”anti-Stratfordianer” (förespråkare av att pjäserna skulle tillskrivas en annan författare). Den andra ståndpunkten är för närvarande i stor minoritet.
Historiska dokument visar att flera pjäser och dikter som tillskrivs William Shakespeare publicerades mellan 1590 och 1620, och att det sällskap som framförde dessa pjäser, Lord Chamberlain”s Men (senare King”s Men), bland sina medlemmar hade en skådespelare med detta namn. Denna skådespelare kan identifieras med den William Shakespeare som enligt uppgift har bott och dött i Stratford, eftersom den senare i sitt testamente ger vissa gåvor till medlemmar av teatersällskapet i London.
De så kallade ”Stratfordianerna” tror att denna skådespelare också är författare till de pjäser som tillskrivs Shakespeare, eftersom de har samma namn och de hyllande dikter som ingår i 1623 års upplaga av First Folio, där det finns hänvisningar till ”Swan of Avon” och till hans ”Stratford monument”. Den senare hänvisar till hans gravmonument i Holy Trinity Church i Stratford, där han för övrigt porträtteras som författare, och där det finns beskrivningar av besökare från åtminstone 1630-talet. Enligt detta synsätt skrevs Shakespeares pjäser av Stratfords egen William Shakespeare, som lämnade sin hemstad och lyckades som skådespelare och dramatiker i London.
De så kallade ”anti-Stratfordianerna” håller inte med. Enligt dem skulle Shakespeare från Stratford inte vara något annat än en halmgubbe som döljer det verkliga författarskapet för en annan dramatiker som föredrog att hålla sin identitet hemlig. Denna teori har olika grunder: påstådda tvetydigheter och luckor i den historiska dokumentationen om Shakespeare, tron att pjäserna skulle kräva en högre kulturell nivå än vad Shakespeare tros ha haft, påstådda dolda kodade budskap i pjäserna och paralleller mellan karaktärer i Shakespeares pjäser och vissa dramatikers liv.
Under 1800-talet var Sir Francis Bacon den mest populära alternativa kandidaten. Många av tidens ”anti-Stratfordianer” var dock skeptiska till denna hypotes, även om de inte kunde föreslå något alternativ. Den amerikanske poeten Walt Whitman vittnade om denna skepticism när han sa till Horace Traubel: ”Jag håller med er när ni säger ”nej” till Shaksper (sic): längre än så kan jag inte komma. När det gäller Bacon får vi se. Sedan 1980-talet har den mest populära kandidaten varit Edward de Vere, 17th Earl of Oxford, som föreslogs av John Thomas Looney 1920 och av Charlton Ogburn 1984. Poeten och dramatikern Christopher Marlowe har också betraktats som ett alternativ, även om hans tidiga död gör att han hamnar på andra plats. Många andra kandidater har föreslagits, men de har inte fått någon större publik.
Den vanligaste uppfattningen i akademiska kretsar är att William Shakespeare från Stratford var författare till de pjäser som bär hans namn.
På senare tid har dock ryktet om Shakespeares författarskap ökat efter uttalanden av skådespelarna Derek Jacobi och Mark Rylance. Båda har släppt ett så kallat uttalande om rimligt tvivel om den berömda dramatikerns identitet. I uttalandet ifrågasätts om William Shakespeare, en vanlig man från 1500-talet som växte upp i ett analfabetiskt hushåll i Stratford-upon-Avon, skrev de briljanta pjäser som bär hans namn. I uttalandet hävdas att en man som knappt kunde läsa och skriva inte kan ha haft de rigorösa juridiska, historiska och matematiska kunskaper som finns i alla tragedier, komedier och sonetter som tillskrivs Shakespeare.
Under årens lopp har det funnits teorier om att William Shakespeare bara var ett alias bakom vilket andra berömda namn som Christopher Marlowe (1564-1593), filosofen och författaren Francis Bacon (1561-1626) eller Edward de Vere (1550-1604), 17:e e earlen av Oxford, kunde gömma sig. Jacobi hävdar att han föredrar Edward de Vere, som var en flitigt förekommande person vid hovet under Elizabeth I:s regeringstid (1533-1603), och beskriver honom som sin favoritkandidat, med tanke på de förmodade likheterna mellan earlens biografi och de många händelser som berättas i Shakespeares böcker.
Vad är en av de viktigaste orsakerna till att Shakespeares författarskap ifrågasattes? World Book Encyclopedia pekar på ”vägran att tro att en skådespelare från Stratford on Avon kunde ha skrivit sådana pjäser”. Hans bakgrund på landsbygden stämde inte överens med den bild som de hade av den store författaren”. Encyklopedin tillägger att de flesta av de påstådda författarna ”tillhörde adeln eller andra privilegierade klasser”. Många av dem som ifrågasätter Shakespeares litterära faderskap anser därför att ”endast en bildad, förfinad författare från överklassen kan ha skrivit pjäserna”. Många forskare tror dock att Shakespeare skrev dem.
Mycket har sagts om författarens privatliv och hans påstådda homosexualitet, spekulationer som främst grundar sig på en mycket originell samling sonetter som publicerades, uppenbarligen utan hans samtycke. Det har också misstänkts att han hade en älskare som gjorde hans äktenskap olyckligt, eftersom hans fru och mor till hans tre barn var mycket äldre än han och var gravid före bröllopet. Denna misstanke grundar sig på ett berömt citat från hans testamente: ”Jag lämnar dig min näst bästa säng”, ett stycke som har gett upphov till de mest skilda tolkningar och inte så få spekulationer. Den mest allmänna har att göra med att parets förhållande inte var helt tillfredsställande. Men en annan pekar i motsatt riktning, eftersom dramatikern sägs ha tillägnat sin hustru en sonett med titeln The World”s Wife.
Shakespeares grymhet mot kvinnofiguren i sina sonetter och följaktligen mot naiviteten hos den man som faller i deras nät har också följts noga. De teman som rör promiskuitet, köttsliga och kvinnors falskhet – som skildras och kritiseras på ett humoristiskt sätt av dramatikern – är tillräckliga bevis för dem som antar att han skulle ha en viss förkärlek för män och ett avståndstagande från damernas koketteri, som i alla fall alltid nämns med anspelning på deras ytlighet och materialistiska intressen.
Se en del av följande fragment av sonett 144:
Man kan tydligt se Shakespeares hårda kritik av kvinnans roll, som vid första anblicken verkar stå mellan dramatikerns och hans beskyddare. De som ifrågasätter detta antagande gör det genom att invända att sonettens poetiska röst inte nödvändigtvis motsvarar författarens personlighet.
Sanningen är att Shakespeare parodierar hans perspektiv, vilket vi ser i citatet:
Hela detta problem blir ännu mer oklart om vi stannar upp ett ögonblick för att analysera några av hans mest kända teaterpassager. I en av Shakespeares komedier, As You Like It, belyser Shakespeare den manliga världens fördärv och en kvinnas – Rosalind – förmåga att återställa den ursprungliga ordningen och skapa fred. Även om hjältinnan i handlingen är en kvinnlig figur blir hon modig och kapabel till stordåd först när hon tar på sig rollen som man, Ganymedes – en mytologisk figur, Jupiters manliga älskare.
När vi går över till tragedin är fallet King Lear också mycket representativt. Här belyser författaren männens blindhet, särskilt Lear, som förvisar sin dotter Cordelia för att hon är den enda av de tre systrarna som uttrycker sin ärlighet. Feministiska studier skulle kunna tyda på att Shakespeare attackerade sitt samtida samhälle och att han använde fiktiva namn och platser för att slippa förföljelse vid hovet.
Han försvarar kvinnan och får männen att inse att det skulle leda till en katastrof att tysta henne, vilket också sker i Lears upplösning, och andra åsikter om pjäsen säger att kvinnor inte skulle kunna ta sig upp på tronen, enligt dramatikern, eftersom det skulle leda till kaos och kontroverser. När kung Lear ger makten till sina två äldsta döttrar, Goneril och Regan, ändrar de plötsligt sitt beteende gentemot sin far och utsätter honom för en förtryckande tortyr som gradvis kommer att fördärva hans liv. Regeringen försämras och det kungliga följe faller sönder tills en man tar över igen.
År 1559, fem år före Shakespeares födelse, under Elisabet I:s regeringstid, skilde sig Englands kyrka slutligen, efter en period av osäkerhet, från den katolska kyrkan. Därför pressades engelska katoliker att konvertera till anglikanismen, och lagar infördes för att förfölja dem som vägrade konvertera. Vissa historiker hävdar att det under Shakespeares tid fanns ett betydande och utbrett motstånd mot införandet av den nya tron. Vissa kritiker har på grundval av både historiska och litterära bevis hävdat att Shakespeare var en av dessa motståndare, även om de inte har kunnat bevisa detta på ett avgörande sätt. Vad som är säkert är att Shakespeare trivdes bättre under den filokatolske Jakob I:s regeringstid än under den antikatolska Elisabet I.
Det finns indikationer på att vissa medlemmar av dramatikerns familj var katoliker. Den viktigaste av dessa är en pamflett undertecknad av John Shakespeare, poetens far, där han påstås ha bekänt sin hemliga katolicism. Texten, som hittades i en av takbjälkarna i Shakespeares födelsehus på 1700-talet, analyserades av en ledande forskare, Edmond Malone. Den har dock gått förlorad, så dess äkthet kan inte bevisas. John Shakespeare hörde också till dem som inte deltog i gudstjänsterna, men enligt kommissionärerna var det ”av rädsla för att bli åtalad för skulder” och inte för att han inte accepterade den anglikanska religionen.
Shakespeares mor, Mary Arden, tillhörde en välkänd katolsk familj i Warwickshire. 1606 var hennes dotter Susannah en av de få kvinnor som bodde i Stratford som vägrade att gå till nattvarden, vilket kan tyda på sympatier för katolicismen. Archdeacon Richard Davies, en anglikansk präst från 1700-talet, ska ha skrivit följande om Shakespeare: ”Han dog som papist”. Fyra av sex lärare i den skola i Stratford som författaren tros ha gått i under sin ungdom var dessutom katolska sympatisörer, och Simon Hunt, troligen en av Shakespeares lärare, blev så småningom jesuit.
Även om ingen av dessa teorier bevisar att Shakespeare var katolik, anser historikern Clare Asquith att Shakespeares sympatier för katolicismen kan skönjas i hans författarskap. Enligt Asquith använder Shakespeare positiva termer som ”hög” (och negativa termer – ”låg”, ”mörk”) för protestanter.
Även om mycket är okänt om Shakespeares utbildning är det säkert att konstnären inte hade tillgång till en universitetsutbildning, och hans vän Ben Jonson, som hade tillgång till den, beklagade sig en gång över ”hans lilla latin och ännu mindre grekiska”, vilket inte hindrade honom från att kalla honom ”Avons söta svan” och tillägga att ”han är inte från ett århundrade, utan från alla tider”. På sätt och vis var hans inte alltför låga utbildning (det fanns en bra skola i Stratford, och Shakespeare kunde lära sig en hel del latinska klassiker där) en fördel, eftersom hans kultur inte var formad enligt tidens gängse mönster; som autodidakt hade William Shakespeare, som en kunnig kännare och översättare av Shakespeares samlade verk, Luis Astrana Marín, påpekar, tillgång till ytterst sällsynta litterära källor tack vare sin vänskap med en bokhandlare. Analyser av hans skrifter visar att han var en glupsk läsare, och vissa av dem utgörs av hundratals texter från de mest skilda källor. Men det finns i huvudsak fyra källor till hans verk.
För det första engelska historiker, särskilt den andra upplagan av Raphael Holinshed”s The Chronicles of England, Scotlande, and Irelande, som publicerades 1587, som källa för några av hans historiska dramer, för handlingen i Macbeth och för delar av King Lear och Cymbeline; Plutarchs Parallella liv i hans vän Thomas Norths återöversättning från Jacques Amyots franska version (1573), från vilken han hämtade sin Titus Andronicus, sin Julius Caesar, sin Coriolanus och sin Antonius och Kleopatra, och Montaignes Essays i John Florios översättning (1603), som har format vissa avsnitt av The Tempest. …
För det andra måste vi nämna romanförfattarna som inspirationskälla (från Mateo Bandello kommer berättelsen om Som du vill ha det och Romeo och Julia, som också inspirerade Castelvines y Monteseses av Lope de Vega och Los bandos de Verona av Francisco Rojas Zorrilla; från Giambattista Giraldi Cinthio kommer berättelsen om Othello; Giovanni Boccaccios A buen fin no hay mal tiempo och Giovanni Fiorentinos The Merchant of Venice och The Merry Wives of Windsor; Chaucer har också inspirerat vissa verk) och diverse verk av olika slag, varav vissa är spanska, som Antonio de Eslavas Noches de invierno eller Pero Mexías Silva de varia lección.
För det tredje inspirerades han också av den engelska dramatiska produktionen före honom, från vilken han hämtade en mängd intriger, karaktärer och kompositionsprinciper. Ibland omarbetade han till och med hela pjäser (det fanns till exempel en tidigare Hamlet som tillskrivs Thomas Kyd, 1589, som var en succé och inte har bevarats, men som inspirerade Shakespeares senare pjäs). Han citerade eller framkallade texter från många pjäser och var särskilt känslig för Christopher Marlowes modell i sina tidiga verk. Denna imiterande iver gick inte obemärkt förbi hans samtida Robert Greene, som trodde att han var en plagiator och skrev 1592 följande, med anspelning på en välkänd fabel som citeras av Horace:
Slutligen var Shakespeare också väl förtrogen med mytologi (han kände mycket väl till Ovidius Metamorfoser) och retorik, även om hans stil ibland medvetet undviker den sistnämnda stilens stela och mekaniska symmetri och vid andra tillfällen visar sig vara alltför ordkramande, som det var på modet för euphuismen, som spreds av John Lyly och som i sin tur härstammade från Antonio de Guevaras stil, även om Shakespeare uttalade sig mot denna stils överdrifter.
Shakespeare erkände att han var en stor assimilator (syntesens förmåga kännetecknar stora poeter, liksom till exempel Dante Alighieri) och förklarade det i sin sonett LXXVI, men han hävdade också i denna sonett att han kunde överträffa sina förebilder genom att göra något radikalt gammalt nytt, genom att blåsa nytt liv i det. I stället för att uppfinna eller vädja till originalitet tog han redan existerande berättelser, som Hamlets, och gav dem det som saknades för att vara framstående. Trots allt visade han sig också vara helt originell, och ibland avvek han medvetet från alla traditioner, som i sina sonetter, som vänder sig mot alla petrarkismens kanoner genom att utarbeta en sångbok avsedd för en man och där han kräver, varken mer eller mindre, att man ska överge tidens narcissism, att överge ögonblickets narcissism för att genom kärleken skapa evighetens transcendens, vilket kan tyckas ganska abstrakt, men det är så abstrakt och gåtfullt dessa dikter är, som alltid innehåller en dramatisk rörelse, en uppmaning till handling.
Läs också: biografier – Antonio Meucci
Bakgrund: Elisabetansk teater
När Shakespeare inledde sin teaterverksamhet genomgick den förändringarna under en övergångsperiod. Ursprungligen var teater i England ett populärt skådespel som var förknippat med andra populära nöjen för tiden, som till exempel björnbete (kamp mot rabiata hundar med en fastkedjad björn). Dess rötter ligger i slutet av medeltiden, i en tredelad dramatisk tradition: mysteriespel med religiösa teman som var avsedda att högtidlighålla de olika gillenas festligheter, moralpjäser eller moraliska pjäser med allegorisk karaktär som spelades av professionella skådespelare, och de höviska intermezzona, pjäser avsedda att underhålla adeln.
De mest framstående adelsmännen sponsrade grupper av skådespelare som bar deras namn. Under den elisabetanska eran uppstod företag som The Hundson Men (senare Lord Chamberlain”s Men), The Admiral”s Men och The Queen”s Men, bland de viktigaste. Vid vissa tillfällen uppträdde dessa teatergrupper i sina aristokratiska uppdragsgivares palats. The King”s Men, till exempel, uppträdde vid hovet en gång i månaden efter att kung James I hade gett sitt beskydd till kompaniet. Att ha en beskyddare i ryggen var avgörande för att pjäsen skulle bli framgångsrik i framtiden.
Ursprungligen spelades pjäserna på värdshusens innergårdar. Även på Shakespeares tid fortsatte vissa av dessa platser att vara värd för teaterföreställningar. De var dock inte särskilt lämpliga för föreställningar, eftersom värdshusets aktivitet ibland försvårade föreställningarna. Myndigheterna motsatte sig dem också och oroade sig för den oordning och de gräl som uppstod där, liksom för de ”onda inkontinensövningar” som ägde rum där. Hygienfaktorn talade också emot dem: pest var mycket vanligt och massmötena var inte direkt hälsofrämjande.
Av dessa skäl kom det gradvis fram en lagstiftning som reglerade teaterverksamheten, och det blev svårare att få tillstånd för föreställningar på värdshus. Detta ledde till att man byggde mer hälsosamma, fasta teatrar i stadens utkanter och till att skådespelarkarriären konsoliderades och professionaliserades. Den första teatern, som helt enkelt kallades The Theatre, byggdes 1576. Andra byggdes senare: The Curtain, The Rose, The Swan och The Globe. Den senare, som byggdes 1599 och som liksom de andra låg utanför staden för att undvika problem med London City of London, var den mest kända av dem alla och var favorit hos det sällskap som William Shakespeare var medlem i.
Alla dessa teatrar byggdes efter förebild av värdshusens innergårdar. Ingen av dem har överlevt i sitt ursprungliga skick, men det är möjligt att få en ungefärlig uppfattning om deras form tack vare vissa referenser från tiden. De var sex- eller åttkantiga (det finns undantag), med en måttligt täckt scen som gick en bit in i mitten av en friluftsarena omgiven av gallerier i två eller tre våningar. Plattformen bestod av två nivåer, en som låg lite mer än en meter över arenan, med tak och stöd av pelare, och en lite högre nivå med ett tak som dolde den apparatur som behövdes för att manövrera scenmaskinerna och scenen. Den kunde bära en flagga och till och med simulera ett torn.
Dessa teatrar hade en mycket respektabel kapacitet. Man har till exempel beräknat att The Globe skulle ha plats för cirka 2 000 åskådare.
Till en början var det inte lätt att skilja komikernas sociala status, särskilt inte de enklaste, från en luffare eller en tiggare. Med tiden, när de nya teatrarna öppnades, fick dock skådespelare från den elisabetanska eran gradvis högre social status.
Den rudimentära scenografin innebar att artisten bar huvudansvaret för pjäsen, vilket innebar att hans teknik tenderade att övertolkas i språk, gestikulation och flamboyanta kostymer. Eftersom det var förbjudet för kvinnor att stå på scen gavs kvinnliga roller till barn och ungdomar, vilket gav möjlighet till en komisk lek med erotisk tvetydighet. Talet var mycket viktigt, och det faktum att scenen flyttades fram något in på gården innebar att scenen ofta användes för monologer. Avsaknaden av målade kulisser innebar att skådespelaren ofta fick åberopa publikens fantasi och att författaren fick använda sig av hypotyper. Publiken var brokig och heterogen, och som ett resultat av detta fanns det en blandning av grova anspelningar och grova, grova skämt till den mest kultiverade och raffinerade kärleksfulla galanteri och den mest förvrängda euforiska pedanteri.
Publiken kom till teatern till ett pris som varierade beroende på hur bekväm sitsen var. Den billigaste biljetten krävde att man stod och var utsatt för väder och vind, medan de billigaste biljetterna gynnade adeln och de rika, som kunde sitta i skydd av solen.
Dramatikeryrket var dåligt betalt, och alla rättigheter till pjäserna övergick till de företag som spelade dem; därför fick pjäserna ofta genomgå flera omarbetningar och anpassningar av olika författare, som inte alltid var skickliga eller respektfulla, för att inte tala om de nedskärningar som de genomgick på grund av skådespelarnas infall. Författarens namn nämndes (ofta felaktigt) först två eller tre år senare, så författarna fick inte njuta av frukterna av sitt arbete, om de inte ägde aktier i företaget, vilket var fallet med Shakespeare och andra dramatiker som arbetade tillsammans och delade på vinsten.
Ett av de viktigaste kännetecknen för den elisabetanska teatern, och särskilt Shakespeares teater, är de många olika nivåer som intrigerna kretsar kring. Det tragiska, det komiska, det poetiska, det jordiska och det övernaturliga, det verkliga och det fantastiska blandas i större eller mindre utsträckning i dessa pjäser. Övergångarna mellan det melankoliska och det aktiva är snabba och yttrar sig ofta i dueller och slagsmål på scenen, vilket måste ha utgjort en livlig koreografi som var helt i tidens smak.
Narren är en viktig karaktär i Shakespeares verk, eftersom den ger honom frihet att uttrycka sig och lätthet. Han ansågs ha en mental otillräcklighet eller fysisk brist som gjorde att han kunde säga saker eller uttrycka åsikter om kontroversiella frågor som skulle ha varit förbjudna för viktigare personer. Utan tvekan var detta knep idealiskt för den engelska författaren, eftersom all kritik av kungligheterna kunde rättfärdigas genom att den tillskrivs en karaktär som inte tänker som majoriteten av andra människor, med tanke på de brister han lider av.
Läs också: biografier – Henry Darger
Shakespeares teater
I avsaknad av holografiska manuskript och exakta kompositionsdatum är det mycket svårt att fastställa en bibliografisk kronologi för Shakespeare. Första folioalbumet, som samlar större delen av hans litterära produktion, gavs ut av två skådespelare från hans sällskap, John Heminges och Henry Condell, 1623, åtta år efter författarens död. Boken delade upp hans dramatiska produktion i historier, komedier och tragedier, och 750 exemplar gjordes, varav en tredjedel har överlevt fram till i dag, de flesta ofullständiga. Tack vare detta arbete bevarades hälften av dramatikerns otryckta dramatiska verk, eftersom Shakespeare inte ville gå till historien som dramatiker.
First Folio innehåller uteslutande dramatiska verk (ingen av hans lyriska dikter ingår i utgåvan), 36 till antalet: 11 tragedier, 15 komedier och 10 historiska pjäser. Den innehåller inte några pjäser som traditionellt tillskrivs Shakespeare, såsom komedierna Perikles och The Two Noble Kinsmen, och inte heller den historiska pjäsen Edward III. Medan Shakespeares inblandning i Perikles verkar vara ganska säker, gäller inte samma sak för de andra två pjäserna, vilket gör att antalet titlar som ingår i Shakespeares kanon varierar mellan 37 och 39 beroende på versionerna.
Liksom många västerländska tragedier skildrar Shakespeares tragedier ofta en huvudperson som faller från nådens vildmark och dör, tillsammans med en stor del av resten av huvudpersonerna. Det har föreslagits att dramatikerns twist på genren är den polära motsatsen till komedi; den exemplifierar känslan av att människor oundvikligen är olyckliga på grund av sina egna misstag, eller till och med det ironiskt tragiska utövandet av sina dygder, eller på grund av ödets natur, eller människans villkor att lida, falla och dö…. Med andra ord är det en skildring med ett nödvändigtvis olyckligt slut.
Shakespeare komponerade tragedier redan i början av sin karriär: en av de tidigaste var den romerska tragedin Titus Andronicus, som några år senare följdes av Romeo och Julia. De mest uppmärksammade skrevs dock under en sjuårsperiod mellan 1601 och 1608: Hamlet, Othello, King Lear, Macbeth (de fyra viktigaste) och Antonius och Kleopatra, tillsammans med de mindre kända Timon från Aten och Troilus och Cressida.
Många har i dessa pjäser betonat det aristoteliska begreppet tragedi: att huvudpersonen måste vara en beundransvärd men bristfällig person som publiken kan förstå och sympatisera med. Alla Shakespeares tragiska karaktärer är faktiskt kapabla till både gott och ont. I pjäsen insisterar man alltid på begreppet fri vilja; (anti)hjälten kan förnedras eller förvandlas och förlåta sig själv genom sina handlingar. Författaren däremot leder dem till slut till deras oundvikliga undergång.
Nedan följer Shakespeares samtliga tragedier, ordnade efter det ungefärliga kompositionsdatumet:
Bland de viktigaste kännetecknen för Shakespeares komedi finner vi det komiska viset, dialektiken i ett språk fullt av ordlekar, kontrasten mellan karaktärer som står emot varandra på grund av social klass, kön, genus eller makt (ett representativt exempel är Skäggdjurs tämjning, som ibland också översatts som Den modiges tämjning), de erotiska anspelningarna och konnotationerna, förklädnaderna och tendensen till kaotisk spridning och förvirring, tills handlingen i berättelsen leder till att det som har gått förlorat återfinns och att det återställs inom ramen för det naturliga. Komedins panorama innebär också att man utforskar ett samhälle där alla dess medlemmar studeras lika mycket, på ett helt annat sätt än i hans historiska pjäser, som är inriktade på Machiavellis jakt på makt (”en stege av sand”, på grund av dess innehållslöshet) och på att störa den gudomliga kosmiska ordning som kungen representerar på jorden. Som ett galleri av sociala typer är komedin alltså ett bredare utrymme hos Shakespeare än det tragiska och det historiska och speglar bättre hans tids samhälle, även om författarens talang för att skapa särskilt individualiserade karaktärer, som i fallet Falstaff, också utmärker sig på detta område.
Medan handlingen ofta har en burlesk ton, finns det ibland ett störande tragiskt element, som i Köpmannen i Venedig. När han behandlar teman som kan utlösa en tragisk utgång försöker Shakespeare på sitt vanliga sätt, utan att ta ställning, föreslå botemedel eller moralisera eller predika överhuvudtaget, lära ut farorna med laster, ondska och irrationalitet hos människan, utan att behöva falla in i den förstörelse som förekommer i hans tragedier och överlåter den återuppbyggande och återställande ordningen till naturen.
Komediernas slut är i allmänhet festliga och trevliga. Det bör noteras att vulgärt språk och språk med dubbla betydelser, liksom omfattningen av olika synsätt, förändringar i förmögenhet och identiteter som är i rörelse, utgör en oförtröttlig ingrediens som ofta åtföljs av överraskande sammanträffanden. Parodin på sex, förklädnadens roll och naturens magiska kraft att reparera de skador och sår som ett korrupt och girigt samhälle har orsakat är transcendenta element i Shakespeares komedi.
Människan ändrar fullständigt sitt sätt att tänka och handla genom att ta sin tillflykt till vildmarken och fly från civilisationen, och ger sig in i motsättningarnas spel. Slutligen är det värt att notera att den sociala sfär som Shakespeare använder sig av i sina pjäser kanske är något snävare än den som återfinns i de flesta av komedierna.
Som nämnts ovan är narren – som var en mycket populär karaktär vid dåtidens hov – det orubbliga element som dramatikern känner sig friare att uttrycka sina tankar på, med tanke på att en sådan persons åsikter aldrig ansågs vara giltiga – en perfekt ursäkt för att utarbeta.
Shakespeares komedier beräknas vara komponerade mellan 1590 och 1612, som startpunkt och kulmen på hans författarskap. Den första och minst avancerade var The Two Gentlemen of Verona, följt av The Merchant of Venice, Much Ado About Nothing, As You Like It, A Winter”s Tale, The Tempest och flera andra som anges nedan:
Det är viktigt att klargöra att Stormen, Vinterns berättelse, Cymbeline och Perikles av många betraktas som poetiska fantasier (på engelska används termen romance), eftersom de har egenskaper som skiljer dem från resten av komedierna.
I First Folio klassificeras som ”historiska verk” (histories) endast de som rör Englands relativt nyare historia. Andra pjäser med historiska teman, t.ex. pjäser som utspelar sig i det antika Rom eller Macbeth, som handlar om en verklig kung av Skottland, klassificeras inte här. Det finns elva stycken (eller tio, om man bortser från Edward III, som idag anses vara apokryf). Den källa som dramatikern använde för att komponera dessa pjäser är välkänd: det är Raphael Holinsheds krönika.
Nedan följer en förteckning över dessa verk, ordnade enligt det ungefärliga kompositionsdatumet.
Det finns allvarliga tvivel om författarskapet till den första i listan, Edward III. Den sista, Henrik VIII, tros ha skrivits i samarbete med John Fletcher, som ersatte Shakespeare som huvuddramatiker i King”s Men-kompaniet.
De tio pjäser han skrev om de engelska kungarna, den så kallade ”History Cycle”, som Shakespeare tillägnade sju engelska kungar, brukar vanligtvis grupperas inom ramen för hans historiska pjäser. Denna cykel utesluter pjäser om kung Lear (en legendarisk kung) och Macbeth (baserad på den skotska kungen Macbeths liv) samt en pjäs om Edvard III (även om det finns allt fler indikationer på att den åtminstone delvis är skriven av Shakespeare, har dess författarskap inte fastställts). Denna cykel utesluter kung John och Henrik VIII eftersom de inte följer den historiska sekvensen.
Åtta av dessa pjäser är grupperade i två tetralogier vars skrivordning inte sammanfaller med den kronologiska ordningen för de historiska händelser som skildras. Den första av dessa tetralogier består av de tre som ägnas åt Henrik VI:s regeringstid (1422-1461), tillsammans med den som ägnas åt den ambitiöse och fruktansvärde Richard III (som regerade under perioden 1483-1485). Alla dessa verk är troligen komponerade mellan 1590 och 1594.
Den andra tetralogin, som består av Richard II, de två delarna av Henrik IV och Henrik V, går tillbaka i tiden. Den fokuserar på Richard II (1377-1399), Henrik IV (1399-1413) och Henrik V (1413-1422). Alla dessa verk skrevs under perioden 1594-1597.
Med tanke på att en stor del av allmänheten var analfabeter var dessa pjäser ett bra sätt att förmedla historia och därmed främja patriotism och kärlek till den engelska kulturen, liksom att ge en känsla av avståndstagande från inbördeskrig. Historiska skådespel var inte bara underhållning utan bekräftade och rättfärdigade monarkins makt för dem som ifrågasatte dess legitimitet. I Shakespeares pjäser är kungen, liksom i Lope de Vegas pjäser, representanten för den kosmiska ordningen på jorden. Det är detta som forskare av Greenblatts klass senare skulle analysera, med fokus på den rådande diskursen och den elisabetanska teaterns förmåga att hävda kunglig auktoritet, upprätthålla ordningen och motverka omstörtning.
Med tanke på att teaterföretagen var beroende av sina aristokratiska beskyddare (och, i fallet med The King”s Men, av kunglig auktoritet) är det logiskt att pjäser skrevs och spelades med historiska personer som tillhörde adeln och som var viktiga i Englands historia. Detta är fallet med Henrik V, som segrade i slaget vid Agincourt över Frankrikes trupper, Englands ständiga rival. Genom att ta upp historiska fakta, ignorera nederlag och överdriva segerns heroism – som tillskrevs den regerande monarken – lyckades dessa verk öka folkets hängivenhet till kronan.
I början av Shakespeares dramatik var syftet att legitimera Tudor-dynastins auktoritet, som tronar 1485, just efter Richard III:s störtande, en av de mest avskyvärda personerna i Shakespeares dramatik. Tudorernas trontillträde hade väckt vissa betänkligheter, både på grund av deras walesiska ursprung och på grund av att deras anspråk på tronen var problematiska (tydligen grundade Henrik VII, dynastins första monark, sina rättigheter på att han härstammade från den franska prinsessan Katarina, Henrik V:s änka, som några år senare gifte om sig med Owen Tudor, en walesisk adelsman med litet inflytande över den nationella monarkin).
Det finns dock kritiker som anser att Shakespeares historiska pjäser innehåller förtäckt kritik av monarkin, förklädd för att undvika eventuella problem med lagen.
Riddarhistoriska berättelser på prosa eller vers var en vanlig genre av heroisk fantasi i Europa från medeltiden till renässansen; riddarböcker på engelska, franska, spanska, italienska och tyska kunde också innehålla arthuriska myter och keltiska och anglosaxiska legender; magi och fantasi var också inblandade, och nostalgi för den försvunna förkristna mytologin med älvor och annan vidskepelse var också märkbar. Denna legendariska berättelse, vars sista uttryck och mästerverk kanske var Sir Thomas Malorys The Death of Arthur, hade redan blivit alternativ och populär, identifierad med folkspråket i motsats till en mer moraliserande kristen berättelse, kopplad till den kyrkliga sfären, för en mer selektiv publik och på latin. För att definiera denna typ av populärt innehåll valdes termen romantik eller romanesque.
I Storbritannien under slutet av 1500-talet och början av 1600-talet uppstod romantiken som en fantastisk genre där man förutom vissa karakteristiska konventioner (riddare med särskilda krafter, magi, häxkonst, förändring av verkligheten, uppvaktning av den kvinnliga figuren, bedrifter och djärva äventyr) även lade till erövringen av Amerika: en smältdegel av raser och barbariska kulturer som tjänade som inspiration för många resenärer och dramatiker. William Shakespeares pjäs som sammanför alla ovannämnda konventioner och formar dem till en lika intressant som overklig teaterproduktion är Stormen, som anses vara Shakespeares dramatiska testamente eftersom det troligen var hans sista pjäs.
Den spelades första gången 1611 och uppfördes för andra gången i februari 1613 i samband med bröllopet mellan Elizabeth Stuart, dotter till kung Jakob I, och prins Fredrik av Heidelberg. Pjäsen har många paralleller med de mest framträdande figurerna under jacobétiden: den äktenskapliga mask som Prospero skapar för Miranda och Ferdinand motsvarar de gudomliga figurerna Ceres och Juno, som lovar en lycklig framtid om det lyckliga paret lovar att hålla kyskhet till efter äktenskapet. Detta kunde ha passat monarken, som var lika känd för sin stränga traditionella moral som för sitt morbida intresse för magi och häxkonster, som också figurerar i pjäsen. Dessa metoder ledde till att kvinnor brändes mellan 1500- och 1700-talet, och Jakob I dömde utan tvekan till döden alla som misstänktes för att ha utfört sådana ceremonier. Temat i Stormen kunde alltså bara manifesteras i en monark – Prospero – som var intresserad av att sätta stopp för en gammal häxas onda trollformel som hotade att bryta sig in i öns samhällsordning. Den magiska världen från denna period återkommer dock i andra romantiska och fantastiska komedier från Shakespeares sista period, t.ex:
Stormen anses vara Shakespeares dramatiska testamente. Prins Prospero, som verkar vara inspirerad av en av Antonio de Eslavas Vinternätter, är skeppsbruten på en ö, halvt mänsklig och halvt gudomlig på grund av sina magiska krafter, och han bryter till slut sin trollstav när han reflekterar över sin begränsade makt, och det är nästan omöjligt att inte lägga orden i Shakespeares egen mun:
Några av de pjäser som Shakespeare skrev tillsammans med John Fletcher har gått förlorade, till exempel Cardenio, inspirerad av en episod i Miguel de Cervantes Don Quijote, eller De två ädla riddarna (eftersom den sistnämnda pjäsen inte ingick i First Folio ifrågasätter många läsare dramatikerns författarskap till den). Å andra sidan, och med tanke på de omväxlingar som många av Shakespeares produktioner har genomgått, hävdar vissa att hälften av dem skulle passa in i Fletchers profil och stil.
Shakespeare hade, som alla stora poeter, en stor syntesförmåga; han skrev med hela språket och hade ett nyanserat och omfattande lexikon. Han var försiktig med den retoriska stiliseringen av sina blankverser, som ofta var något inbäddade i euphuismens barocka konceptuella tradition, vilket är anledningen till att de numera är ganska svåra att förstå och dechiffrera även för engelsmännen själva; han undvek medvetet retoriska symmetrier, alltför uppenbara motsättningar av termer; språket var då ett mångskiftande språk och ords betydelser var ännu inte klart fastställda i lexikala repertoarer. Om hans överarbetade språk är och brukade vara ett hinder för att uppskatta författarens verk (och var det även när Voltaire i sina Engelska brev angrep hans stils antiklassiska uppblåsthet), så är det också sant att det är grunden för att uppskatta författarens verk, Det är också sant att det är på denna grund som hans berömmelse och prestige som en slipare av metaforer och uppfinnare av neologismer vilar på samma nivå som andra kända dramatiker och poeter från hans tid, såsom Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora och Calderón de la Barca.
Kritiker har i allmänhet betonat två huvudaspekter av William Shakespeares dramatiska verk.
För det första en nästan omänsklig likgiltighet och distansering från sina karaktärers verklighet, som han också delar med den största introspektion och det största djup i skapandet av sin psykologi. Shakespeare moraliserar inte, han predikar inte, han föreslår inte tro, övertygelse, etik eller någon lösning på mänskliga problem: han tar upp, och gör det bättre än någon annan, några av de grundläggande orosmolnen i det mänskliga tillståndet (att vara eller inte vara, otacksamhet, om man är anhörig (Kung Lear) eller inte, tom ambition), men han ger aldrig några svar: Vi vet inte vad Shakespeare tänkte, för vilken världens skådespel är en fråga utan betydelse, även om hans underliggande vision är pessimistisk och dyster inför den eländiga och minimala ställning som en människa av samma material som drömmarna intar i ett mystiskt, djupt, obegripligt och meningslöst universum. Medan den spanska barockteatern privilegierar det gudomliga framför det mänskliga, delar Shakespeare lika mycket sin vördnad (eller rättare sagt, sin förundran) över det himmelska och det jordiska:
Det finns fler saker i himlen och på jorden, Horatio, än vad din filosofi kan drömma om.
Eftersom Shakespeare är öppen för allt, sätter han inga religiösa, etiska eller filosofiska gränser för sig själv; han får Julius Caesar att säga att ”av alla underverk som jag har hört verkar det märkligaste för mig vara att människor ska vara rädda”, och i vilket fall som helst kan man bara vara rädd ”för andras rädsla”.
Kritiker har ibland påpekat den ständiga tråden av misantropi i hans verk, men å andra sidan är det bara en kosmisk distansering från allt som är gudomligt och mänskligt som kan mynta sådana fraser:
Livet är en historia berättad av en idiot, en historia full av bråk och raseri som inte betyder någonting.
Eller:
Den upprätta naturen kommer att säga: ”Det var en man…. När kommer en ny?
För det andra har kritikerna betonat den extraordinära syntesen hos ”Avons svan” som lyriker; hans fantasi kan se ett universum i ett nötskal; som skapare av karaktärer representerar var och en av dem i sig en världsåskådning, vilket är anledningen till att han har kallats poetens poet. Richard III, Hamlet, Othello, Brutus, Macbeth, Lady Macbeth, Falstaff… är autentiska skapelser. Men just därför har han också kritiserats: karaktärerna i hans pjäser verkar autistiska, de vet inte hur de ska lyssna på varandra och förblir stängda i sin värld för varje djup förståelse för den andre. Vilken sympati finns det mellan Hamlet och hans stackars, plågade flickvän Ofelia? Har Marcus Antonius och Kleopatra, som trots att de är älskare är patologiskt misstänksamma mot varandra, någonsin ”lyssnat” på varandra? Kritikern Harold Bloom har pekat på detta som en av de mest anmärkningsvärda och känsliga skillnaderna mellan Shakespeare och Cervantes. I den senare finns det empati, vänskap och mänskliga band mellan hans karaktärer, så att de lär sig av varandra och utvecklas, medan Shakespeares autistiska tragiska karaktärer inte kan förstå varandra och förverkliga detta mänskliga närmande.
Studiet av Shakespeare har angripits ur många olika perspektiv. Till en början analyserade historicismen hans verk ur en historisk och yttre synvinkel och riktade sin uppmärksamhet mot det utomlitterära. Som en reaktion på detta var neokriticismen mer inriktad på att analysera själva verket och bortse från alla utomlitterära element. Den främsta företrädaren för denna kritik var Stephen Greenblatt.
På senare år har Shakespeare-studier ur ett feministiskt perspektiv, som kritiserats hårt av författare som Bloom, fått en viss spridning i akademiska kretsar.
Läs också: biografier – György Dózsa
Shakespeares poesi
Shakespeare var inte bara en dramatiker av obestridlig betydelse, utan också en poet och sonetör, och det anses allmänt att han uppskattade sig själv mer som lyriker än som dramatiker och att han endast som sådan hoppades överleva sin tid. Även om han huvudsakligen skrev långa berättande och mytologiska dikter är han särskilt ihågkommen som en exceptionell författare av rent lyriska sonetter.
Det första omnämnandet av de sistnämnda finns i Palladis Tamia (Wit”s Treasury) (London, 1598) av Cambridge Bachelor of Arts Francis Meres, som berömmer Shakespeare för hans ”sockersonnetter”; detta omnämnande visar att manuskriptkopior av dem cirkulerade bland hans nära vänner vid den här tiden:
Liksom Euforbius” själ ansåg sig leva i Pythagoras, så lever Ovidius” kvicka och ljuva själ i Shakespeares mjuka och mjuka tunga. Det gäller hans Venus och Adonis, hans Lucretia, hans Sockersonnetter, som hans intima vänner känner till. Och liksom Plautus och Seneca anses vara de bästa för komedi och tragedi bland latinerna, så är Shakespeare bland engelsmännen den mest framstående i båda genrerna. När det gäller komedier kan man se hans Två herrar från Verona, hans Equivocations, hans Love”s Labours Lost, hans Love”s Labours Won, hans A Midsummer Night”s Dream och hans Merchant of Venice. När det gäller tragedier är det Richard II, Richard III, Henrik IV, King John, Titus Andronicus och Romeo och Julia. Och liksom Epio Stolo sade att muserna skulle tala Plautus” språk om de ville tala latin, så säger jag att muserna skulle tala Shakespeares vackra fras om de ville tala engelska.
Kort därefter, 1599, trycktes några av hans sonetter, 138 och 144, samt tre som ingår i hans komedi Love”s Labours Lost (med många variationer i senare upplagor) i en samling lyriska dikter med titeln The Passionate Pilgrim, en samling av olika författare som felaktigt tillskrivs Swan of Avon i sin helhet, och som bland sina andra sonetter innehåller åtta andra sonetter som med rätta tillskrivs honom på grund av stil och innehåll. Det var först 1609 som en mystisk fullständig utgåva publicerades, troligen utan författarens tillstånd, av en T.T. (Thomas Thorpe, en förläggare som var vän med författare och själv var författare). Dedikationen är till en mr W. H.
Det finns inget sätt att med säkerhet fastställa identiteten bakom dessa initialer, och olika teorier har lagts fram om vem som står bakom dem; den mest sannolika är att han var en av poetens regelbundna beskyddare, och de allra flesta kritiker är benägna att tro att initialen är omvända och att han är Henry Wriothesley (1573), greve av Southampton, eftersom Shakespeare redan offentligt hade uttryckt sin uppskattning för honom genom att tillägna honom andra dikter: Venus och Adonis och The Rape of Lucrece. En annan möjlig kandidat är William Herbert, Earl of Pembroke och son till Mary Herbert, syster till Sir Philip Sidney, den berömda poeten som skrev The Arcadia. Det sägs också att han hade en intensiv hängivenhet för teatern och var beskyddare av King”s Men, Shakespeares teatersällskap. Båda var stiliga adelsmän, som ägnade sig åt konst och litteratur och var betydligt yngre än poeten, vilket är ett krav som varje sann mottagare av dikter måste uppfylla.
Den ordning som etablerades genom Thorpes utgåva har skapat en märklig struktur som skiljer sig mycket från den vanliga italienska petrarkanska sångboken; det finns nämligen inga kompositioner i andra metrar som bryter monotonin, metern skiljer sig mycket från den klassiska sonetten (den består av tre serventeser och en parentes, den så kallade Shakespearesonnetten) och den ägnas till största delen åt vänskapen (eller kärleken) till en man, som han ofta interpellerar för att skapa sin egen avbild och likhet:
Skapa ett annat du, av kärlek till mig, så att skönheten överlever för dig och dina vänner.
Han är alltså placerad i en helt ny och ursprunglig tradition, vilket poeten själv var ironiskt medveten om:
Varför är mina verser så obefintliga för nya former, så upproriska mot alla variationer och livliga förändringar? Varför är jag med tiden inte benägen att använda mig av nyupptäckta metoder och märkliga kläder? Varför skriver jag alltid om en sak, alltid samma sak, och sveper in mina uppfinningar i en välbekant klädsel, medan varje ord nästan förkunnar mitt namn, avslöjar sin födelse och anger sin källa? Åh, vet detta, älskling, att jag alltid skriver om dig, och att du och kärleken är mitt eviga tema, så att all min talang består i att dölja det nya i gamla ord och återanvända det jag redan har använt. För precis som solen varje dag är ny och gammal, så upprepar min kärlek alltid det som redan har sagts.
Den kan delas in i två på varandra följande serier av sonetter: en av 126, som hyllar en ljushårig, snygg vän av hög börd, poetens beskyddare, som han föreslår att han ska lämna sin ensamhet, sin narcissism och sina njutningar för att föda arvingar, och de sista 28, som handlar om en mörk kvinna, som var gift, vilket vi kan dra slutsatsen av en antydan i sonett 152, och som troligen var en bildad kvinna, eftersom hon kunde spela på spinet eller cembalo. Två av sonetterna behandlas separat, eftersom de är versioner av samma epigram från den grekiska antologin.
Å andra sidan dyker en rivaliserande poet också upp ibland i Shakespeares trio, den gåtfulla adressaten och den mörka damen, vilket ytterligare komplicerar berättelsen om en kärlek som på tidens språk också kunde uppfattas som vänskap eller som det speciella dilemma som uppstår mellan en poet och hans mecenat. Experterna (William Minto, senare följt av Edward Dowden, Tylor och Frederick Furnivall) hävdar oftast att denne poet var hellenisten George Chapman, eftersom han identifieras som författare till alexandriner, verser som då var ganska sällsynta i engelsk metrik och som endast användes av denne författare vid den tiden.
Sonnetterna handlar om kärlek och tid, som på sätt och vis står i motsats till varandra; i den senare utforskas temat förgänglighet på djupet, ibland till det metafysiska. Varje sonett innehåller också en dramatisk rörelse, och man kan framför allt uppskatta det moraliska och andliga värdet av budskapet och den filosofi som det lämnar oss med: att utnyttja den lilla tid som livet har att erbjuda oss för att ge sig helt och hållet åt det. Claudio Guillén påpekar också att ”Shakespeare vågar säga nya saker, helt nya saker, till exempel att det inte finns någon skillnad mellan vänskap och kärlek, och att det inte heller finns någon skillnad mellan kvinnokärlek och manskärlek”.
Det är svårt att fastställa soneternas kronologi, men man antar att de skrevs mellan 1592 och 1597.
Varje historisk epok har prioriterat vissa pjäser i enlighet med rådande intressen. Begreppet ”poetisk rättvisa” som rådde på 1700-talet ledde till att många av Shakespeares tragedier förkastades, eftersom teatern enligt hans kriterier skulle främja exempel på dygd. Den engelske kritikern Samuel Johnson (1709-1784) accepterade inte slutet på Kung Lear, som han ansåg vara grymt och onödigt, och Nahum Tates version från 1681 ersatte Shakespeares version fram till mitten av 1800-talet och förvånade läsarna med sin stora framgång: den har ett lyckligt slut där Cordelia och Lear lyckas övervinna hindren, och huvudpersonen gifter sig med Edgardo, den legitima arvtagaren till greven av Gloucester.
År 1731 uppträdde den berömda skådespelaren David Garrick (1717-1779) för första gången i rollen som den puckelryggige Richard III på scenen på en teater i Londons slumområden och gjorde stor succé. När han tog över ledningen av den eleganta Drury Lane Theatre utlöste hans bländande föreställning en veritabel ”Shakespeare-mania”, som nådde sin höjdpunkt när Garrick själv organiserade det första jubileet till poetens ära i Stratford (1769), en händelse som väckte en sådan entusiasm att till och med Irland grävde upp falska litterära dokument som tillskrevs Shakespeare under dess flagg. År 1772 ändrade Garrick en stor del av Hamlet genom att ta bort scenen med dödgrävarna och genom att undanta Laertes från all skuld för giftet i hans svärd. Dessutom lyckas drottning Gertrud överleva och leva ett liv i ånger, vilket inte är fallet i originalet. Samtidigt spreds dramatikerns rykte över hela Europa; Voltaire gjorde honom känd i sina Brev från England, och Jean-François Ducis introducerade honom på den parisiska scenen genom att för första gången spela upp hans bearbetning av Hamlet. (Samma år publicerade Gotthold Ephraim Lessing i Tyskland sin Hamburgische Dramaturgie, en samling kritiska teaterstudier där han förespråkade att den klassiska franska tragedin skulle förkastas och att Shakespeare skulle lyftas fram på nytt, precis som Johann Gottfried Herder skulle göra 1771 i sina Blättern von Deutscher Art und Kunst. Liksom Garrick i England bidrog Friedrich Ludwig Schröder, skådespelare och teaterdirektör, med sin första föreställning av Hamlet i Tyskland (1777) till att Shakespeare blev levande på den tyska scenen. Goethe spelade pjäser av Shakespeare och Calderón i Weimar när han fick i uppdrag att leda furstendömets teater, och han och Friedrich von Schiller upplevde själva det engelska geniets inflytande i sina egna pjäser. I Spanien översatte Ramón de la Cruz Hamlet 1772 och Leandro Fernández de Moratín 1798.
Shakespeares återupplivning (liksom Pedro Calderón de la Barcas) var en avgörande händelse i den europeiska teaterhistorien, eftersom den gynnade förromantikens ankomst och samtidigt möjliggjorde framväxten av den tyska nationella dramatiken och senare Victor Hugos franska romantiska dramatik.
År 1807 publicerade Thomas Bowdler Family Shakespeare, en modifierad version för att göra den, enligt hans mening, mer lämplig för kvinnor och barn, så att den inte skulle ”förolämpa det dygdiga och religiösa sinnet”. Denna anpassning gav upphov till det engelska ordet bowdlerize, som betecknar den puritanska censuren.
Under den viktorianska eran kännetecknades föreställningar i allmänhet av ett arkeologiskt försök att rekonstruera en epok, och scenografer och skådespelare var besatta av historisk realism i enlighet med positivismens dokumentära metodik. Det konstnärliga avantgardet påverkade också dramatikern: Gordon Craig försökte sig på en kubistisk Hamlet 1911. Hans ikonoklastiska syn på scenen öppnade vägen för olika estetiska revideringar av Shakespeares pjäser under 1900-talet. 1936 satte Orson Welles upp en nyskapande Macbeth i Harlem, där han inte bara flyttade pjäsens tidsperiod utan också använde sig av afroamerikanska skådespelare. I Laurence Oliviers långfilm Henry V, som spelades in för att hedra de som deltog i andra världskriget, lyftes vissa avsnitt fram för att uppmuntra brittisk patriotism, varav det viktigaste var monarkens tal till sina trupper före slaget vid Agincourt mot franska trupper. Samma sak gäller för otaliga teater- och filmatiseringar än i dag.
Anpassningen, tolkningen och förvrängningen av Shakespeares verk var alltså länge en produkt av specifika moraliska, politiska och estetiska intressen, och de dolde den dystra livsåskådning som Shakespeare verkligen erbjuder.
När det gäller hans inflytande på andra kulturer, särskilt den latinamerikanska kulturen, har Shakespeare alltid varit en rik inspirationskälla för moderna och samtida författare, men det var först på 1800-talet som han verkligen gjorde sig gällande. I Spanska Amerika läste författare som Rubén Darío och särskilt essäisten José Enrique Rodó Tempest med särskilt intresse. Rodó, till exempel, formulerade i sin välkända essä Ariel (1900) en hel tolkning av Amerika utifrån myterna om två av dess huvudpersoner, Ariel och Caliban.
Men hans kröning som författare av universallitteratur fick vänta i Spanien till slutet av 1700-talet, då Voltaire väckte en viss nyfikenhet för den engelske författaren bland de upplysta spanjorerna genom det han sa om honom i sina engelska brev; Ramón de la Cruz översatte Hamlet 1772 från Jean-François Ducis (1733-1816) franska version, som hade anpassat franska översättningar av Shakespeares tragedier till vers utan att kunna engelska, enligt nyklassicismens smak, och bland annat tagit bort det våldsamma slutet. Denna översättning publicerades dock aldrig. Leandro Fernández de Moratín däremot tryckte sin egen version, också från Ducis dåliga franska version, och lade till andra brister till sin förlaga (Madrid: Villalpando, 1798).
Det fanns andra versioner av enskilda verk (Macbé eller Los Remordimientos, 1818, av Manuel García, också från Ducis franska version), men det var först under 1800-talets andra hälft som det gjordes globala ansträngningar för att översätta författarens hela verk, vilket utan tvekan sporrades av den prestige som författaren hade uppnått genom den tyska romantikens obevekliga beröm som han fått.
1872 var ett avgörande år för den spanska mottagningen av Shakespeare. De första direkta översättningarna från engelska publicerades: Obras de William Shakspeare trad. fielmente del… inglés con presencia de las primeras ediciones y de los textos d á luz por los más célebres comentadores del inmortal poeta, Madrid, 1872-1877 (Imp. Manuel Minuesa, R. Berenguuillo). Översättningen är gjord av Matías de Velasco y Rojas, markis av Dos Hermanas, men den kom inte längre än till tre volymer; den andra och tredje trycktes 1872, den första med hans dikter och sonetter, den andra med Köpmannen i Venedig och den tredje med Julia och Romeo.
Mellan 1872 och 1876 översatte Jaime Clark Romeo och Julia, Hamlet, Othello, Kung Lear, Köpmannen i Venedig, Som du vill, Twelfth Night och Stormen. 1873 började Gibraltaren William Mcpherson trycka sin översättning av 23 pjäser i vit hendekasyllabisk stil, med viktiga prologer.
Å andra sidan var det vanligt med föreställningar av hans pjäser i Madrid mellan 1872 och 1912, och Shakespeare framträdde till och med som en karaktär i Manuel Tamayo y Baus Un drama nuevo, även om han redan hade framträtt som sådan i Enrique Zumels drama Guillermo Shakespeare (Granada: José María Zamora, 1853). De första var Guillermo Macpherson och hans vän Eduardo Benot (1885) och framför allt Eduardo Juliá Martínez (1918), som utnyttjade hundraårsjubileet för att popularisera Shakespeare med en slags ny biografi som under titeln Shakespeare y su tiempo: historia y fantasía (1916) syftade till att avslöja ”sanningar mitt i underhållningens sken” (s. xii). Arbetet är väldokumenterat, vilket framgår av de rikliga kommentarerna och de avslutande bilagorna (efter detta skrev Juliá sin intressanta Shakespeare in Spain (1918), som låg till grund för Alfonso Pars verk med samma namn. Han översatte bland annat Kung Lear till katalanska och spanska. År 1916, som sammanföll med den tredje hundraårsminnet av dramatikerns död, skrev han Vida de Guillem Shakespeare på katalanska, som publicerades på spanska 1930, och samma år Contribución a la bibliografía española de Shakespeare; hans engagemang skulle krönas med två kolossala verk, ett som publicerades 1935, Shakespeare en la literatura española, i två volymer, och det andra året därpå, det postuma Representaciones shakespearearianas en España, också det i två volymer. Här bör man också nämna en annan spansk Shakespeareforskare, Ricardo Ruppert y Ujaravi (1920), den realistiske författaren Juan Valera och medlemmar av 98-generationen som Miguel de Unamuno och Valle-Inclán, som ägnade några essäer åt Avons svan.
Bland översättningarna utmärker sig William Macphersons (1885-1900) åtta volymer med tillhörande introduktioner. Rafael Martínez Lafuentes Shakespeares kompletta verk har också en privilegierad plats, även om de troligen är återöversättningar från franskan, eftersom de i sin prolog innehåller fragment av Victor Hugos essäer om dramatikerns liv och verk som föregick en fransk översättning. Hela verket, och även de tillskrivna titlarna, finns med i Luis Astrana Maríns prosaförlagor som publicerades mellan 1920 och 1930 och som Federico García Lorca läste mycket av. Astrana skrev också en biografi som han tryckte om i utökad form och gjorde en övergripande studie av hans verk som han använde som introduktion till sin monumentala utgåva. Värt att nämna är också de översättningar och bearbetningar som symbolisterna Antonio Ferrer och Robert (Noche de Epifanía (Romeo och Julia (1918) och Hamlet (1918) av Gregorio Martínez Sierra. Ett stort antal studier och översättningar som William Macpherson och Rafael Martínez Lafuente har använt och samlat på sig finns också i Biblioteca del Ateneo de Madrid.
Bland de moderna översättningarna bör man, förutom Luis Astrana Maríns berömda och redan nämnda översättning i prosa, nämna José María Valverdes Obras completas (Barcelona: Planeta, 1967), också i prosa, och de tvåspråkiga utgåvorna med spansk version i blank vers som producerats av Shakespeareinstitutet i Valencia, som sedan 1980 ägnar sig helt åt detta arbete under ledning av Manuel Ángel Conejero och Jenaro Talens. Noterbart är också versionerna av några av pjäserna av Antonio Buero Vallejo, den viktigaste spanska tragiska dramatikern under andra hälften av 1900-talet. Ángel Luis Pujante har också gjort en ny översättning av hans samlade verk för Editorial Espasa-Calpe sedan 1986.
Slutligen har man vid universitetet i Murcia skapat en databas på nätet med texterna till alla översättningar av Shakespeares historiska texter till spanska, fem biografier om författaren, kompletterande material och den bibliografi som Ángel-Luis Pujante och Juan F. Cerdá har sammanställt om Shakespeare i Spanien. Tvåspråkig kommenterad bibliografi
Bland filmversionerna av Shakespeares biografi finns Shakespeare in Love (1998) regisserad av John Madden, Miguel and William (2007) av regissören och manusförfattaren Inés París om Miguel de Cervantes och Shakespeare och Anonymous (2011) regisserad av Roland Emmerich, som ger ett möjligt svar på frågan om författarskapet till Shakespeares verk inom ramen för en politisk komplott.
Omkring 250 filmer har producerats utifrån Shakespeares texter, vilket visar på det enorma inflytandet av Shakespeares verk. Den mest filmatiserade pjäsen är Hamlet, med 61 filmatiseringar och 21 tv-serier mellan 1907 och 2000.Några filmer baserade på Shakespeares pjäser är bland annat följande:
Läs också: biografier – Joan Miró
Tragedin
De är listade i alfabetisk ordning. Se listan i kronologisk ordning ovan.
Läs också: biografier – Ptolemaios III Euergetes
Komedi
De är listade i alfabetisk ordning. Se listan i kronologisk ordning ovan.
Läs också: biografier – Eduardo Paolozzi
Historiskt drama
De är listade i alfabetisk ordning. Se listan i kronologisk ordning ovan.
Läs också: biografier – Auguste Renoir
Andra arbeten
Källor
